先说说摄影，再说说这本书。

一、摄影

（一）时代变迁

时代真是变了。

摄影从黑白走向色彩，从胶片走到数码，从复杂走向简单，从专职走向兼职。

诞生于1842年的摄影术，从绘画这门艺术中脱胎出来，由模仿绘画的画意摄影转向客观摄影，找到了立身之本。在表现客观真实的基础上，又藉由摄影师（艺术家）们去探索如何能通过摄影这种方式表现出艺术性来。摄影诞生的100年内，这项工作就已经做得很好了。二战后，东西方上摄影史都出现了很多摄影家，能拍出令人惊艳的作品来。胶片时代，手动调焦、显影术、放大术、打印术都是专属摄影师的技艺，好的摄影师还要懂点化学才行——至少要搞懂不同技术所用的化学品。

上世纪四五十年代后数码相机发展起来，不仅是为摄影加上了色彩从而让画面有了无限多色彩可能性；更让制造影像变得迅速，面对同一个场景摄影师不用再苦心积虑提前构图或等待，数码相机能显示画面，加速了看到成果的过程，若不满意可以立刻重新来过；成本降低也让摄影师有财力去连续按下快门。

到了手机摄影时代，这就好像任何艺术形式一样，迎来了下沉的阶段。对于摄影而言，这种下沉是下沉到底，变成了没有门槛的“艺术”。受益于这种下沉，我也有条件开始摄影，在十年前感受到创作的快感。

人人都有机会得到艺术启蒙的时代，很好。哪怕不是人人都能变为艺术家。仍然，启蒙可能性的下沉到底不代表艺术的下沉到底。在这样一个量产摄影的时代，究竟如何看待摄影和拍摄呢？

（二）恋物癖与摄影理论

这真是一个很难的命题。泥沙俱下的时代里，把纷纷加入制造影像大军的人们区分开来的，是器材吗？

植田正治称自己是“恋物癖”，对于新的相机和摄影产品总是很兴奋，若能拿到手亲自体验更是再好不过。不过现在的我并不是一个恋物癖。If anything, I am the opposite of fetishism.

有人认为器材不是摄影的敲门砖，重点在于观察、记录和创造，任何器材都可以拍出好的摄影作品。很多摄影师还为此专门去做“挑战”：用再廉价的器材，都能“出片”。因此，器材永远不是创作的借口。但同样也有摄影师说出过“只会用自然光（不用人造光）的摄影师都是垃圾摄影师”这样的话。相机、镜头、三脚架、补光灯、反光板、闪光灯……缺一不可。

如果说即使没有器材，人也能创造出好的摄影作品，可是现在市场上有商业价值的摄影师靠的不就是器材吗？昂贵的器材决定市场的审美风向，从而决定摄影师的商业价值。另一方面，如果不依赖器材，就必须依赖后期，去创作出市场中欢迎的作品，看起来不过是一种替代方式。

这其实是在问，究竟什么是好的摄影作品？我到现在还没有寻找到一个相对固定的标准，除了表现真实这一点，为此我有些抵触过度后期，以及现在主流的人像审美。现在我接受的是老派人物如布列松、植田正治的看法，坚持认为黑白摄影是更难因此更有价值的，坚持认为复杂的胶片比数码更有价值。

说句题外话，对于什么艺术摄影，曾有人提出有两点评价标准：一是摄影师要有艺术家身份，二是要表现艺术理论。对此我也很难认可。如此种种理论问题一直在困扰着我。

（三）业余即严肃

植田正治（1931-2000）在学校学习摄影，17岁（1930年）回到老家开办照相馆。这样的路径，在学业和职业上都称得上是“专业摄影师”，但他却自诩“业余摄影师”，令人好奇。了解后能发现，植田正治认为与商业摄影相对的是“严肃摄影”，即业余摄影。

为何要将严肃摄影别称为业余摄影呢？若不是为了商业目的，人就可以不出于任何商业目的的拍摄和表达，所拍摄的作品自然是严肃作品了。布列松这样一位具备专业摄影技术的人士也推崇（也曾自诩）业余摄影，是同样的道理。

二、书

再来说说这本书。

我真是不知道怎么会有人愿意把植田正治的专栏文章整理出版，他写作时絮叨又缺乏重点，对于摄影的叙述大多是技术问题，如他所使用的相纸、显影液、相机和相机包等等的细节，还有他本人许多鸡毛蒜皮且莫名其妙的小事。

体现出他摄影观念的是书里前两篇文章——也就是唯二值得阅读的文章。他的画册和作品比文集价值高得多，他的作品比文笔也精彩得多。简而言之，这是一本我不推荐购买和阅读的书籍。

【完】