Fingerlings 2 is Bird’s second in an ongoing series of live albums. This particular collection contains some solo works in progress from Andrew’s latest album, The Mysterious Production of Eggs, as well as some great collaborations, including 2 tracks as a duo with Nora O’Connor, one with My Morning Jacket backing him up, and 2 full on band rockers with the Bowl of Fire.
Mojo Magazine named it a December 2004 album of the month: “If there’s one thing besides bank balance that distiguishes indie from major artists, it’s the stop-gap records – often live – that they put out between official albums. Major label ones are generally throwaway; indie ones, sold via gigs and websites, are often as good as, or better than, the “real” releases. The second in Bird’s live Fingerlings series falls into the latter category, for one simple reason: Bird is extraordinary live. Switching seamlessly between violin and guitar, and with a haunting voice that at times recalls Jeff Buckley, he creates a compelling if unclassifiable hybrid of alt country, introspective folk, classical and jazz. On Spanish for Monsters he sings the blues over gypsy violin; on Happy Day he’s clapboard gospel; but First Song is the highlight, the vocal and guitar, bucolic whistles and warbles riffing wonderfully off each other.”

芝加哥唱作人Andrew Bird的新专辑 <Andrew Bird and The Mysterious Production of Eggs> 是上半年又一重头戏。这是一张关于童年、关于想象力的专辑，古典出身的 Bird 几乎包揽了全部器乐的编排与演奏。专辑前后经历三个版本，最终呈现给听者的是小提琴、钟琴、电吉他以及 Bird 招牌式的口哨交织的一派生机， jazz 风格的 chamber-pop ，优雅中处处闪现着机智。访谈中 Bird 先生提到， 27 年音乐生命中从未离开自己的创造力，便是源自童年的 mysiterious production 之一。

All tongues and cheeks aside, "My Finest Work Yet" finds Bird grappling with themes of current day dichotomies and how to identify a moral compass amidst such divisive times. “I’m interested in the idea that our enemies are what make us whole—there’s an intimacy one shares with their opponent when locked in such a struggle. If we were to just walk away would our enemies miss us? How did we get to this point and how can we, through awareness of it, maybe pull ourselves out of this death spiral,” says Bird.

《家》的发行，让许多人感到错愕莫名：原本被定位成“抗议歌手”、“愤怒青年”的罗大佑，在这张专辑里显得温情而内敛，几乎完全感受不到他前两张作品处处可闻的悲壮气势。当时任职滚石企划经理的詹宏志说得很直接，“《家》的创作可能更成熟，音乐可能更花钱，更精致，更动听，但是《家》的温情与保守，证明所谓的“抗议歌手”是十足的谎言。”王明辉则认为，《家》里呈现的罗大佑“应该是一种经过长期观察，思考环境跟人的依存关系之后所引发的一种心灵上的疲倦”，那个时候他好像有一种“急着要找到一个可以休息的地方的情绪”。讽刺的是，向来被视为风格最保守的《家》反而是罗大佑专辑中送审未通过的歌曲最多的一张。
事隔多年，罗大佑对这张专辑的处境有更清楚的体会，他表示当时自己承受的压力已经超出所能容忍的极限，“自己觉得有很多东西扛不下来了，也就是说自己想讲的话已经到了一个顶点”。《之乎者也》和《未来的主人翁》掀起的风暴使他被冠上“抗议歌手”之类的头衔，甚至在当时的政治环境下同时遭到来自政府当局和党外势力的压力——前者嫌他不规矩，后者嫌他不够激进，《家》风格上的凸变，其实也代表着打破这个既定形象的企图。可惜当内在外在的矛盾都没有获得解决时，当时的罗大佑并没有办法独力从这个盘根错节的网络解脱出来。回头去看《家》，罗大佑认为这是一张“企图跳出某个框框，却又受限于更大的框框”，以致仍然无法充份淋漓施展的一张作品。
《家》的音乐处理，的确是罗大佑迄今做得最精致，层次最丰富的一张，为了追求和前两张摇滚曲的不同质感，罗大佑亲自赴日聘请资深作曲家三枝成章为他编曲，专辑中大部分的歌是在东京录制的。《吾乡印象》八分多钟的曲子里加入了胡琴、月琴、把乌等传统乐器，层层叠叠的音效，细腻的编曲结构加上罗大佑吟哦式的唱腔，透露出和前作完全不同的企图；《青珂嫂》则是他首次收录的台语歌，都替这张专辑增添了一份贴近故乡土地的眷恋之情。《家Ⅰ》，《家Ⅱ》不仅诚恳地道出创作者内在的渴盼，也和前作处理爱情时低调抑郁的情绪大异其趣，是罗大佑专辑中首次出现明朗温暖，情绪诉求“正向”的情歌。浓郁深情的《穿过你的黑发的我的手》以及潇洒中掩不住落寞的深切内省之作《我所不能了解的事》，都是罗大佑炉火纯青的经典歌曲。而《超级市民》这首唯一对现实直接批判反讽的作品，反倒和整张专辑的基调显得有些格格不入。
这张专辑出版之后，罗大佑终于认清他已经撑不下去，到了必须离开自己的《家》——台湾，远赴重洋让一切“归零”的时候了，这张专辑为惊天动地的“黑色革命”划下句点。那个让无数年轻人顶礼膜拜早已成为图腾的黑色身影，就这样不知不觉永远走进了历史。

歌，是语言的花朵。

在这母语音乐的摸索制作过程中，我惊讶的发现到语言竟是如此活生生的生存—一如我们脆弱生命的喜怒哀乐与生老病死。

根本，没有人的台语是真正标准的 从我们父母直到我们祖宗所用的生活语言内，没有人有资格声称他是一个标准。除非他无知到根本漠视了时间与空间才是唯一的主宰与支使者。

于是，我多少是带点罪恶感的，因为我们妥协，我们被支使。无力之余，只有用歌声来弥补，只有用音乐来歌颂。至少，前人血泪斑斑所肥沃成的土地上，我们须祭拜。

花朵，有朝将落土，继续肥沃这片土地。

千年之后，百花或将怒放。大地之下，我们也许微笑：“这片土地，毕竟我曾经耕耘过”。

大佑




远方火光闪动 大地心跳怦然
火车的汽笛响起 时间的列车不断开出
你坐稳在自己的位子上
看着窗外的景象

窗外的景象纷乱不已
游行和SHOPPING的人潮交织
抗议声和KTV的歌声回响 你急着知道下一站何时抵达
而列车依然疾驰

列车依然疾驰 时间分秒飞逝
你甚至不知道手上的车票是回到过去
还是通往未来
历史的触目惊心也会变成繁花如锦
今日的不安在明天会不会清澈空明？

会不会有空气新鲜干净？
能不能有沟通畅通易行？
是不是有心灵和平宁静？
有没有生活能不再受惊？

于是你握着仅有的车票叫希望
坐稳在自己的位子上
让窗外的景色飞逝
让自己随之成长
在自己也许到不了的下一站
努力让你的子孙能看见柳暗花明

罗大佑的音乐工厂开出的列车
在中国的三角漩涡里一站一站逡巡
从『爱人同志』『皇后大道东』回到我们的『原乡』
回望先民的血汗 顾盼身边的燥乱
握紧手上的希望
让来自你 来自我 来自他的力量
驱使时间的列车继续长征

找到你的位子 等待下一站来临

这张专辑花了九个月才录制完成，《之乎者也》的成功带来了无数的争议和期许，使罗大佑在这段时间遭遇到了极大的压力。“这其实是最惨痛的一张唱片，碰到的挫折，失败的感觉是最多的。”《未来的主人翁》从头到尾弥散着一种抑郁苍凉的情绪，相信和作者当时内在面临的矛盾，以及外界充满无力感的时代气氛都有关系。

“一定是第二张唱片最难做。因为第一张你可以慢慢做，完全没有前面的负担，所有前面的年轻生命的积累都可以放在第一张。如果第一张不幸成功，人家会要求第二张也成功，而且要变...又要有成长，又要有磨练，又要有新的东西，新的看法，新的音乐方向，然后在音乐上必须诚实，因为新的方向必须是来自你自己人生观，音乐观的彻底改变。”罗大佑这番话对《未来的主人翁》里面的种种改变作了最好的注解。

是一张有别于一般现场录音专辑，一张关于2020年八月「宜花东鹿户外直播巡演之旅」的纪录，精选出25首经典曲目，收录现场的自然之音与群众的对话声。简言之，这是罗大佑「收录生活、探究其因，记录时代」的Live概念专辑！
而深入细究，我们回顾2020年，是一个COVID-19让世界重新整理的一年，这一年带来的冲击与沉淀反思，在罗大佑心中种下一颗种子，而这颗种子在2020年夏天萌芽，罗大佑号召各路音乐人马展开「宜花东鹿户外直播巡演之旅」。带着音乐与敬畏祈福之心到鹿港小镇拜天地、到台东感谢山海，到花莲港边吟唱游子归乡，最后终点站来到宜兰回忆童年，回归音乐初心。
而2021年春天，象征一切重生之意，罗大佑决定用专辑的形式将「宜花东鹿户外直播巡演之旅」保存下来，给予这趟旅程一个值得记忆的时代意义，精选出巡演当时在现场收音、录音的25首经典作品，专辑中所收录的25首经典曲目全经改编，Live最珍贵的纪实中能听见风声、笑声、雨声，摊贩的吆喝声、还有当天观赏的众人掌声与细碎的对话声。罗大佑将2020年的场景与时代背景全记录在此张专辑《二零二零八月宜花东鹿记》，一张记录「Life」的「Live版概念专辑」正式成型上市。

かぐや姫というと{4畳半フォーク}の代名詞のように言われた時代もあったが,それは彼らの音楽の一部でしかなかったことが,その足跡を通して辿ってみると,ポップな味わいが微妙な配分でちりばめられていて,先見性に富んでいたことがよく分かる

Bob Dyla的影响力主要体现在60年代，如果没有迪伦，无疑摇滚乐将走一段弯路，将不会有“披头士”（BGEATLES，THE）的《佩珀军士》（Sgt.Pepper），不会有“滚石”的《乞丐的宴会》（Beggar’s Banquet），也不会有“乐队”的《来自大平克的音乐》（Music form Big Pink），这就是他的影响程度。他对音乐的最主要的贡献，这点也影响了列农和麦卡特尼之后的很多歌手，那就是歌词的深刻寓意与音乐成为同等重要的一部分，从他一开始的抗议歌曲，就展示了他的歌词比他的音乐更浪漫、更激动人心。他对工业国家整个一代人的敏感性的形成起了很大的作用，他的音乐对理解和分析60年代是至关重要的。

Japanese remastered reissue packaged in a limited edition miniature LP sleeve. CBS/Sony. 2004.

南こうせつ、伊勢正三、山田パンダからなる伝説のフォークトリオ・かぐや姫が1974年に発表した4thアルバム。名曲「22才の別れ
」や「なごり雪」など収録した名盤の声高い1枚。

Blonde on Blonde代表了Bob Dylan音乐生涯的顶峰，它以简单的结构，更为流畅抒情的曲风，展现出一片强大而特殊的梦想景象。在滚石杂志选出的“史上500张最佳专辑”中排名第 9，可见地位之显赫。更值得一提的是，它还是史上首张正式双唱片，是作为摇滚音乐人的迪伦突破传统单片唱片的限制、灵感膨胀的阶段性创造力的极致体现。
总之，无论从何种角度来讲，Blonde on Blonde完全担当得起“伟大”这个形容词。这是因为：一、它无限释放了乐手的即兴能力，让乐手与歌手真正融入一体，使得整张唱片到处都充满着创造力的生机；二、迪伦以天赋的文字能力将社会现实以模糊化的意象方式表现出来，从而增强了专辑的文化内涵和重量，引发了一代又一代歌迷通过迪伦的音乐来展现自己无穷尽的求知欲。
“摇滚民谣之父”滚石杂志“史上500张最佳专辑”NO.9

滚石音乐(Rolling Stone Magazine )史上最佳Top 500 Albums之004#

Bridge Over Troubled Water is the fifth and final studio album by Simon & Garfunkel. Released on January 26, 1970 on both Quadraphonic and Stereo formats, it reached No. 1 on Billboard Music Charts pop albums list. It won a Grammy Award for Album of the Year, as well as for Best Engineered Recording, while its title track won the Grammy Award for Record of the Year and Song of the Year in the Grammy Awards of 1971. It has since sold over 25 million copies worldwide.

美国二人组 Simon & Garfunkel 于 1966 年发行的第一张专辑，此为 2001 年重发行重制版（罗伊）

《爱人同志》是罗大佑沉寂了四年多之后重回歌坛的作品，也是1984年《家》以来的第一张录音室专辑。这张唱片在1988年年底出版，正是台湾社会人心沸腾，社会力全面释放的顶点。这张在港台两地四间录音室完成的唱片，通过强势宣传成功地塑造出“新罗大佑”形象；短短几天就卖出二十万张，之后更创下五十三万张的销售记录，成为罗大佑迄今最畅销的作品。
在罗大佑“出走”的这几年，民进党成立，蒋经国逝世，戒严令解除，台湾经历了战后最剧烈的政经结构转变。唱片工业的体制也在这段时间膨胀到前所未有的规模，MIDI的普及带动了林立的唱片工作室，港星大举来台加上青春偶像大行其道使唱片市场全面低龄化，整个唱片业在朝向“娱乐工业”的方向迈进。凡此种种，都使《爱人同志》和《家》之间仿佛存在着不只四年，而是一整个时代的差距。这张专辑的标题和歌中使用大量大陆用语，在当时仍然有逾越官方尺度的可能，没想到所有歌曲送审一次就全数通过，不仅当事人“受宠若惊”，也反映出审查制度渐渐轻松的事实。
在《家》只做到一半的“跳出框框，创造不同格局”的企图，终于在沉潜酝酿了四年多之后，由《爱人同志》完成。和“黑色时期”礼聘日人编曲的情况不同，这个时候的罗大佑对MIDI已经有娴熟的掌控能力。也对编曲有绝对的主导权。《暗恋》、《爱人同志》暴烈的摇滚曲风，《恋曲1990》、《你的样子》的浓郁抒情，乃至于《黄色脸孔》、《京城夜》波澜壮阔，层层叠叠的慑人气势，一再显示出挥洒自如的编曲功力。这张专辑对音乐元素的处理方式曾经造成圈内人极大的震撼，再一次替唱片制作概念的可能性树立了新的标杆，不仅被誉为当年度最好的专辑，也是另一张至今听来仍然难以超越的力作。在歌词的写作上，罗大佑尝试让人声融入编曲，扮演乐器的角色，而非总是站在最前面“讲道理”的工具，所以我们听见了许多纯由音节构成的吟咏。格外在意音乐性的结果，使词意反而不再那么明朗易解，往往得和旋律编曲一并欣赏方能领会其中的奥妙。这样的改变使许多老歌迷难以适应，认为罗大佑“变节”了。但换一个角度来看，《你的样子》朦胧绵密的长串意象，或是《京城夜》四字叠名和连续长句相互撞击出来的震撼力，相信是早年那个蓬发黑衣的愤怒青年所写不出来的。
这张专辑想呈现“黄种人整体处境”的野心是否成功，则见仁见智。但这方面的关心一直延续到“音乐工厂”时代，成为罗大佑日后所有创作的中心主题。《爱人同志》或许不再拥有他早年作品那股青春的锐气，甚至在某些地方出现明显的匠气，但是整张唱片精密庞大的结构，以及它完成的宏伟企图，使《爱人同志》仍然值得名列经典，也是了解八十年代台湾流行音乐时所不能遗漏的巨作。

1971年，一直默默无闻的美国民谣歌手Don McLean（唐·麦克林）在灵感泉涌中写下了一首超长的歌曲《American Pie》（美国派），不仅使他一夜成名，而且把他和他的这首作品一直流传到了21世纪的今天。

《American Pie》堪称一首史诗式的作品，纵观全球乐坛，能将一首长达8分34秒的歌曲唱得不仅不让人生厌，还让人们津津乐道并传颂几十年的现象可谓少之又少，而唐 ·麦克林和他的《American Pie》就做到了，如果作品里没有引人入胜的叙事性、没有内蕴幽远的深刻性，很难相信人们真会傻呆呆地将这么长的时间消耗在一首歌曲里。

《American Pie》是用音乐记录美国六十年代历史的一首史诗，没有春风得意的赞美，也没有针锋相对的批判，有的只是在轻快的民谣节奏中娓娓地道来——那里面有整整一个时代美国人所见、所思、所想，以及所经历的往事，而事实上正是这样不带主观评述的质朴歌声，最终打动了一代又一代的美国人，甚至是美国以外的人。

唐· 麦克林另一首脍炙人口的作品非属《Vincent》（文森特）不可，与《American Pie》相比，《Vincent》更像是一首借物抒情的个人小品，歌曲取材于梵高的名画《The Starry Night》（星夜），当然在唐·麦克林那轻柔的歌声中你也许已经无法将它联想到圣雷米的德莫索尔精神病院，在几近透明的木吉它和不加修饰的歌声里，你所能想到的也许只有一片点缀着莹莹星光的夜空，而绝对不会回想起在那幅画作问世13个月之后的那一声枪响，而是否每当一种宁静纯粹到绝对的程度时，也往往意味着另一种惊天动地的燥动也将随之而来，就如同梵高的悲剧一样。

正是《American Pie》和《Vincent》两首作品给了唐·麦克林一生享用不尽的名利，你如果能找到一张他的精选专辑里居然没有收录以上两首作品中的任一首，那我就对你五体投地，事实上，唱片公司的发行人才不会干那大脑缺氧的傻事，所以每次听唐·麦克林的精选或回顾专辑，也正是让你多一次机会重温一下这两首名曲，就像2000年由Capitol发行的《American Pie-The Greatest Hits》的精选专辑，虽然也收录了由他翻唱的著名爱尔兰民谣《Mountains Of Mourne》以及Roy Orbison的名曲《Crying》，甚至还有他最敬仰的歌手Buddy Holly的作品《Everyday》，但与《American Pie》和《Vincent》相比，他们也只有退居其次、扮演一个默默无闻的小角色了。

这就是一个美国的民谣时代，这就是一个纽约的民谣歌手，这就是一张记录一个时代的专辑。

美国二人组 Simon & Garfunkel 于 1968 年发行的第四张专辑，是他们最优秀的专辑之一，此为 2001 年重发行重制版（罗伊）