《西游漫记》是中国现代美术一部代表性的作品。张光宇先生（1900-1965）于1945年夏秋，在“陪都”重庆，用三个多月的时间，完成一部讽刺性极强的漫画长篇。内容主要是讽刺当时重庆反动的国民党政府的黑暗统治。全部作品共六十幅，每幅均附文字说明。六十八年后的今天，重新编辑出版《西游漫记》，是为了重启历史的记忆，让人们更深刻地认识这部中国现代美术杰作和它的作者。在中国美术从传统走向现代过程中，这部作品是广泛吸收东西方艺术精华却又饱含中国神韵的经典；是借鉴古今中外优秀创作经验却又个人风格十足的范例；是一座中国式现代美术的丰碑。

本书是一部艺术通史著作，聚焦从史前直到20世纪末的西方艺术。该书英文原版自1962年出版以来，随即占据艺术史书籍畅销榜的位置，长达30年之久，成为西方大学艺术史课程的标准教材。 本书以时间为框架，分为古代世界、中世纪、从文艺复兴到洛可可和现代世界四个部分，以各个时段的代表艺术品和艺术家为重点，阐释了艺术风格及其演变的历史。此外，书中穿插了六个学习板块，补充介绍了背景知识、艺术家的创作技法、艺术史家的研究方法以及大量的历史文献等相关知识，并有章末小结梳理各章重点。全书配有 1450 余幅插图，每幅作品都经过了调色或专业审核，确保忠实原作，是了解学习西方艺术史的绝佳书籍。 该经典著作的第七版在内容上较之前版本有很大扩充，除了包含传统的绘画、雕塑和建筑之外，摄影和工艺美术等门类也得到了足够的重视。此外，本版还顺应了当代学术思想的发展潮流，扩充了对女性艺术家、当代艺术和文化多元论等当代议题的论述。

浮世绘是流行于日本江户时代（1601-1867）、出自民间画工的版画艺术，被誉为“日本民俗的百科全书”，它以花魁美人、歌舞伎演员、春宫魅惑、民俗风景、花鸟虫鱼等社会风俗为主要题材，表现当时社会各阶层的生活百态和流行时尚。 中国浮世绘研究权威潘力清晰地讲述了浮世绘300年的兴衰史。鸟居派、歌川派等7大流派的来龙去脉，喜多川歌麿、葛饰北斋、歌川广重等31位大师的生平故事与艺术成就，《歌撰恋之部》《富岳三十六景》《名所江户百景》等200多幅经典作品的风格解析，都在书中得到了完美展现。 每一幅浮世绘都承载着丰富的日本民俗文化密码，只有巨细无遗地解锁这些信息，才能说是真正看懂浮世绘，也才能对日本文化有更准确的认识。——潘力 ————编辑推荐———— ① 连⽇本专家都赞叹不已，国内最权威的浮世绘著作 ☆ 国际浮世绘学会理事长⼩林忠评价本书为“中国第⼀部全⾯、深⼊研究浮世绘的著作” ☆ 芝加哥大学日本研究委员会主席切尔西·福克斯维尔说这本书“让观赏和研究250年的日本版画史充满乐趣” ☆ 2007年首版以来深受读者喜爱，被评价“专业，系统”“看完可以把浮世绘了解得透透的！” ② 收录7大流派、31位浮世绘⼤师的200多幅经典作品，完整呈现浮世绘300年艺术历程 ☆ 鸟居派、歌川派等7大流派，喜多川歌麿、葛饰北斋、歌川广重等31位大师，《歌撰恋之部》《富岳三十六景》《名所江户百景》等200多幅经典作品，在书中完美展现 ☆ 17世纪在画师菱川师宣笔下兴起，19世纪末伴随幕府政权结束衰落，全景式呈现浮世绘从兴起到衰落的完整历史 ③ 精确解读每一幅浮世绘的风格特点，秒变浮世绘鉴赏专家 ☆ 以《富岳三十六景》闻名的葛饰北斋，为什么孜孜不倦地描绘不同角度、不同季节的富士山？ ☆ 单凭把美人画从全身像转为半身像，喜多川歌麿就成为美人画的大师？ ☆ 丑化歌舞伎演员并遭到粉丝围堵，东斋洲写乐的画作却成为“浮世绘最辉煌的作品”的原因是什么？ ☆ 各大流派的来龙去脉，各个画师的艺术成就，各件作品的风格解析，在书中一一揭晓 ④ 透视浮世绘背后的日本社会与文化，读懂日本文化的精髓 ☆ 浮世绘画师为什么都喜欢画花魁？相比中国的春宫图，日本的春画显得“粗野”的原因是什么？结合当时的社会背景，精准解析浮世绘中的民俗密码 ☆ 日本史前时期的一件火焰形陶器，如何影响数千年的日本美术？在本国日渐衰落的浮世绘，靠什么一步步征服西方人？透过浮世绘，读懂日本文化的精髓 ⑤ 2020精装纪念版，全面升级内容、设计 ☆ 加入作者新的研究成果：增加对作品的解读，加入多幅经典画作。 ☆ 精简摄影作品，聚焦浮世绘作品：摄影图片介绍的日本文化，今天的读者已经比较熟悉；放大浮世绘作品，让读者更能享受画作丰富的细节。 ☆ 调整篇章结构，提高可读性。 ☆ 版式更加舒朗，带给读者更好的阅读体验。 ————名人推荐———— 中国第一部全面、深入研究浮世绘的著作。——小林忠（国际浮世绘学会理事长） 潘力先生不仅是优秀的美术家，也是中国出色的日本美术研究者。——马渊明子（日本国立西洋美术馆馆长） 这本设计精美、详尽研究浮世绘的著作，让观赏和研究250年的日本版画史充满乐趣。——切尔西·福克斯维尔（芝加哥大学艺术史系副教授、日本研究委员会主席） 《浮世绘》把浮世绘的文化源头一直追溯到日本原生文明、大和绘风俗画以至中国画和西洋画的影响，把浮世绘的来龙去脉梳理得异常清晰。——王镛（中国艺术研究院研究员、中央美术学院教授）

※ 位居英国各大畅销书排行榜前列 ※ 美国版上市第1周即进入《纽约时报》非虚构类畅销榜，在榜时间超过4个月 ※ 《星期天泰晤士报》年度历史图书，《每日电讯报》年度好书 ※ 获2011年全英博物馆“艺术基金奖” ※ 入选中国第十届文津图书奖少儿类推荐图书 ※ 大英博物馆&英国国家广播公司（BBC） 联合打造 ※ 大英博物馆馆长尼尔•麦格雷戈亲自撰写 ※ 从大英博物馆800万件馆藏中精选100件藏品 ，讲述200万年人类文明史 ※ 以广播形式在BBC播出时，创下1100万人同时收听的纪录 ※ 全世界只有大英博物馆才能办到的 世界史撰写计划，人类史上前所未有的巨献。——《纽约时报》 《大英博物馆世界简史》由大英博物馆和BBC联合打造，由大英博物馆馆长尼尔•麦格雷戈亲自撰写，动员100多名馆员、400多名专家，编撰时间长达4年，从大英博物馆800万件馆藏中精选了100件最具代表性的物品，全面展现了人类200万年文明史。 这是一项“全世界只有大英博物馆才能办到的世界史撰写计划”，以广播形式在BBC播出时，创下了1100万人同时收听的纪录。 以完美的冷静笔触穿越各个大陆、各种文化与各个时期，本书是以收藏全球文物为宗旨的博物馆在当今世界上何以仍能保有重要地位的明证，让人欲罢不能，充满了深厚的人文关怀，文明社会中的每个成员都应该阅读。——《华尔街日报》 世上其他的博物馆可能想要效仿大英博物馆的这项巨献，但恐怕“没有一个能够与大英博物馆的收藏广度相比拟”。——《纽约时报》 大英博物馆拥有真正的全球视野，既具严谨的智识，又有开放的心胸，这个项目所达到的成就远远超过了博物馆的藩篱。——“艺术基金奖”颁奖委员会

2021年第十六届文津图书奖获奖图书 在《谁在看中国画》这本书中，作者讲述了中国及其他国家的观看者如何无可争议地塑造了“中国绘画”这一伟大的艺术传统。他认为，中国境内的观看者对“中国绘画”的演变至关重要。通过考察描绘观看绘画的场景的作品，他向读者介绍了观看者的理想类型：士绅、帝王、商贾、民族和人民。在讨论中 国艺术观看者的变化时，柯律格强调，中国文化中意象的多样性，使我们无法明确概括出“中国绘画”的构成。探索艺术作品与观看者之间的复杂关系，将使我们对“中国绘画”这一概念的形成和变革产生新的认识。 -------------------------------------------- ★从全球史看200余幅传世画作，中国画的观看之道。柯律格以纵贯500年、横跨东西洋的广博识见，从士绅、帝王、商贾、民族和人民五类观看者的理想类型出发，探讨不同观看者对“中国绘画”的形塑。他不打算为“中国绘画”下定义，正相反，他揭橥“中国绘画”在跨文化、跨国交流过程中内涵与实践方法的变动不居。 ★士绅、女性的观看如何塑造中国画。对明代士绅来说，“中国绘画”不是一种艺术实践，而是观看、欣赏的文人雅好；是他们的观看创造了“中国绘画”，而不是画家。与士绅不同，十八世纪后，女性不仅观看、欣赏“中国绘画”，更创造“中国绘画”。 ★帝王凝视下的“豪横风”。不同于士绅观看“中国绘画”的社会性集体雅好，帝王是“中国绘画”单独的观看者。帝王的凝视威严专横，他声称自己是“中国绘画”的创造者。此外，在中国艺术史话语中，绘画一旦被认定有西方风格，如郎世宁的作品，如广州的外销画，它们通常会在“中国绘画”的话语中销声匿迹。 ★雅好变商品，商贾眼里的中国画。中外商业活动不仅将士绅阶层的“中国绘画”带入明、清商贾之家，带入日本、朝鲜、美国，以及欧洲诸国的市场，更将西方的新技术，以及西方绘画的理念、媒材、技法等带入“中国绘画”。 ★浮夸危险的观看者：近代以来的中外民族主义者。晚清、民国动乱频仍，对于“中国绘画”，中外民族主义者成为虽赤诚创新，但浮夸危险的观看者。 ★新中国新变化：人民创造的中国画。观看“中国绘画”，从未把你我包括在外，一部共有的“中国绘画”史。 -------------------------------------------- 纵观长时期各种媒材的嬗变，《谁在看中国画》一再暴露意料之外的讽刺，打破人们对中国和欧洲艺术传统的轻率预设。通过这项创新工作，柯律格为全球艺术史设定了一个新标杆。 ——包华石（密歇根大学中国艺术史荣休教授，两届20世纪前列文森中国研究著作奖得主） 以优雅热情的对话文风、清晰明确的论辩，本书探索“中国绘画”这一现代概念的生发演变。在本书中，柯律格匠心独具，将他渊博的学术造诣、对研究对象的精深识见，以及对艺术市场的历史和中国艺术收藏情况的把握熔于一炉。 ——白瑞霞（加州大学伯克利分校中国艺术史荣休教授） 这本书提供了一个适用于绘画史所有领域的研究方法。以此，任何领域的艺术史学家都或许可以恢复无法言说的艺术史。 ——裴珍妮（多伦多大学中国艺术史教授） 他眼中的中国艺术史是世界性的领域，不是西方论述里的附属品，自然也不专属于中国。研究者若也将中国艺术史视为世界性的领域，则柯律格在本书所意识到的问题，自然难以回避。 ——刘宇珍（台北故宫博物院书画处助理研究员）

作为希腊艺术史领域的入门读物，这部著作带领读者领略自青铜时代至罗马崛起之间希腊艺术的演变历史，着重强调两千年间地中海文明的多样性与国际性。 芝加哥大学人文学院教授理查德·西奥多·尼尔以独到的眼光展现视觉文化在希腊世界所发挥的作用，及其与政治、宗教、古代日常生活的关系。此外，作者结合建筑、定居地与背景资料，揭示希腊与古代世界其他地区的广泛交流，包括源自埃及的灵感，遍及安纳托利亚与阿富汗的希腊文化影响等等。 全书每章开篇提供地图与年表，以便形象地体现所讲述的地方、时期与历史事件，结尾总结全章内容。每章方框内的诠释提供一手资料，探讨具体的作品、工艺、学术争议，包括艺术品的偷盗劫掠、现代修复以及新近的考古发现，譬如默干提纳的宝藏。

人人都可以读懂的现代艺术指南 七个关键视角，与现代艺术作品轻松对话 🧾编辑推荐 📓摒除流派、运动等繁琐分类，与19件经典的现代艺术作品对话 本书通过与一位艺术家的某件艺术作品对话，试图通向该艺术家的其他作品，或抵达更广阔的艺术世界。这里不仅有亨利·马蒂斯的《红色工作室》 、巴勃罗·毕加索的《老玛克红酒瓶、玻璃杯、吉他和报纸》、勒内·马格利特的《空面具》，还有弗里达·卡罗的《剪头发的自画像》、草间弥生的《无限镜屋—阳具原野》等。本书并非向我们展示如何去看作品，而是帮我们用这些作品去“看”。 📓作者有多年美术馆的现场讲解经验 西蒙· 莫利曾在伦敦各大博物馆和画廊（比如泰特不列颠美术馆和泰特现代美术馆）做自由讲师和导览员，并担任相关课程或研讨会的负责人。作者深知读者欣赏现代艺术的困惑所在，因此，本书写作尝试以读者的切身体验进入作品本身，从多维度审视、拷问和逼近艺术本身：杜尚的《泉》何以能被称为艺术品？那些简约到几乎没有形式的作品究竟该如何欣赏？现代艺术作品还具有恒久性吗？ 📓七个关键单刀直入，轻松打开现代艺术之门 “七个关键”的问题书写模式，以一种多维的、分析的、去中心化的言说方式谈论现当代艺术。这种书写者对作品的敞开，化解了现代艺术令人望而却步的高冷氛围，同时也挣脱了传统或客体化的艺术欣赏方式的束缚。历史、生平、美学、体验、理论、质疑和市场，每个关键词都有自主权，同时也与其他关键词合作。本书教给我们一种在现当代艺术的语境中，真正去“体验”和“观看”艺术的有效方法。 📓精致小开本，方便携带的现代艺术指导书 32开的精装小读本，简约雅致的内文排版，精选高白胶纸张，方便携带，营造舒心阅读体验。带上本书去逛现代艺术展吧，它教您举一反三，就现代艺术之美提出更多有趣的问题来。 🧾内容简介 现当代艺术往往因其自我表现力、独创性和抽象的表达而令人望而却步。本书从历史、生平、美学、体验、理论、质疑和市场七个维度透视现当代艺术中知名度很高却不容易被理解的19 件作品，为人们提供了解释现当代艺术中看似奇异且常常令人费解的感性层面的工具。解读现当代艺术的七个关键，为我们提供了一种高度实用且普遍有效的艺术解释和欣赏的方法。 🧾名人推荐 艺术家和艺术学教授莫利带领我们走进通常难以理解的现当代艺术世界。学生、艺术爱好者和博物馆参观者都会喜欢这份严谨的指南及其精妙的观察。 ——在线书单 莫利总结的一些观看和理解的方法能帮助外行和专业读者深入地了解艺术和观念。 ——白教堂画廊经理 艾沃娜·布拉兹威克 《这是艺术吗？——现代艺术的七个关键》是一本有创意的书，作者用通俗易懂的方式，重建了艺术家的创作视角和语境，邀请读者共同解开一些世界上有趣又有争议的艺术之谜。作品提出的七个关键问题，也可以说是解答现当代艺术难题的七把钥匙， 为读物提供了非常实用的欣赏艺术和理解艺术的方法，艺术爱好者、艺术创作者和艺术史学者都可以从中受益。 ——中央美术学院教授 邵亦杨

本书是备受赞誉的美国华裔建筑师与艺术家林璎的作品集，以丰富的图片展示了林璎的50多件作品，包括数量可观的珍贵草稿和手绘图。 从越战阵亡将士纪念碑，大地艺术作品，到“汇流”系列景观项目，林璎一直在探索人们体验景观并与之发生联系的方式，致力于重建人与历史、地域、集体记忆和自然的本应相互交融的关系。她的建筑作品往往与景观和环境有强烈呼应，也格外重视设计的可持续性；而在她的小型工作室作品里，则常常融入了以科学方法收集的数据和对这些科学数据的直觉式的呈现。 自20岁左右进入公众视野开始，林璎一直在提出各种思考与构建图景的方式，这些方式抗拒任何类别、流派与界限。她将自己的观点和立场植入作品之中，以颇具东方特色的柔和与不争的方式表达。

作者雷德侯是海德堡大学东亚艺术教授，西方汉学界研究中国艺术最有影响力的汉学家之一。本书一经面世即引起西方汉学界及学术界的广泛关注，在国际汉学界有相当影响，书中的观点被广泛引述。 雷德侯从多个方面，既依照历史的线索、技术发展的过程，也按照艺术的门类、材质工艺的区别，深入到中国文化与审美观念的层次，分析了中国艺术与工艺，揭示出中国艺术史中最为独特、最为深厚的层面；说明了中国的艺术家不似他们的西方同行，他们不寻求忠实地再现自然物象，而是探索代替模仿的方式，直接地创造出成千上万甚至无限的艺术品。他也为读者指出，模件的思想如何贯通了中国人的官本位文化、中国宗教以及关于个人自由的思想。 本书揭示了中国艺术家是在一个多么复杂的体系之中，生产出成批的艺术品。这个体系深深植根于中国之思想观念——宇宙是由万物所构成。

美學大師蔣勳親自帶您與元朝四大畫家之首黃公望， 共遊六百年前富春江山水， 如坐舟中，舟行江上，忽遠忽近，忽快忽慢， 如見四季，晨昏晦明，變化莫測。 聽－悠然遠山婉轉起伏，餘音嫋嫋，迴盪山水； 看－濃墨淡墨交錯重疊，虛虛實實，綿延悠長。 猶如閱盡萬般繁華，愛恨恩怨，船過水無痕------。 〈富春山居圖〉是元朝四家之首黃公望的代表作，也是中國十大名畫之一。這幅圖卷在元代以後成為歷史巨作，影響明清六百多年的繪畫主流。順治年間收藏家吳洪裕得到此卷，愛不釋手，臨終下令火殉。雖經搶救卻燒成兩段，前端51公分現由浙江博物館收藏，後段640公分則收藏在台北故宮。這幅山水圖卷流傳至今六百餘年，經過兩岸藝文界多年奔走努力最近,總算讓前後兩段巨作將於2011年6月在台北故宮首度合璧展出。 為了讓看展和無暇看展的讀者更容易瞭解這幅中國十大名畫瑰寶，信誼基金會特別邀請美學大師蔣勳執筆、設計大師王行恭設計指導，親自帶領讀者認識富春江山水之美，進入富春江與傳奇收藏的故事，細細體會黃公望靜觀豁達的人生體悟與老莊道家哲學，以及〈富春山居圖〉長卷與〈剩山圖〉的雋永情懷，讓讀者能更清楚了解這曠世鉅作，也讓觀畫者獲得不可或缺的觀畫基礎。 黃公望，元朝歷史上最傑出的大畫家，與吳鎮、倪瓚、王蒙合稱為「元四大家」，並被推為元「四家之首」。〈富春山居圖〉是他八十二歲上下富春江創作的山水長卷。原作為六張紙連成的畫卷，接裱而成大約長近七百公分。畫中描繪富春江一帶秋天景色，近山線條皴擦，遠山淡墨渲染，沙渚兩岸，樹石錯落，極富變化。這幅長卷在元代以後成為歷史巨作，影響明清六百多年的繪畫主流，被稱為中國十大傳世名畫之一。 〈富春山居圖〉寫江岸山巒疊嶂，渾厚大氣，是在描繪客觀風景，也同時抒寫胸中豁達的襟懷。圖卷裡傳達了他信仰的老莊道家哲學，萬物靜觀，沉澱出清明悠遠的生命情懷，對生活在匆忙急迫中的現代人，更可以提供精神上的另一種嚮往。 〈黃公望富春山居圖卷〉導讀是故宮合璧展期中唯一展覽導讀，由設計大師王行恭美學指導、美學大師蔣勳執筆，全書雪銅紙全彩精緻印刷，並附完整拉頁全覽圖，兩大名師合作推出，絕對值得您傳世珍藏。

石守谦教授从2007年开始主持中研院“东亚文化意象之形塑”课题项目，在之后五年左右的时间里，先后撰写了六篇有关东亚山水画交流方面的论文，陆续发表在台湾大学艺术研究所的《美术史研究集刊》和历史语言研究所的学术期刊上，本书即为这六篇专论的结集。由于国内向来对日、韩美术史较少深入了解，更不用说从整体上来考察它们的互动关系，因此石守谦教授在此方面的研究具有学术上的开拓意义。 山水画起源于中国，后逐渐为韩国、日本所接受，在拥有共同理念和传统的基础上，又延展出各具特色的在地文化。比如“净土”、“桃花源”等理想之境，在将理念付诸笔端，加以形象描绘的过程中，都与各国当地文化传统相结合，不断被再创作与辗转流传，生发出各种变种，塑造出既可相通但又面貌各异的文化意象，其间故事，颇值玩味。这种具有高度共享性的传统文化意象，正可以增进现代东亚国家之间的相互沟通与了解，寻求一个更大的东亚文化的视野。 书名“移动的桃花源”——意指10至16世纪山水画在东亚的传播与发展。在这几个世纪当中，山水画发展成为东亚文化世界中有最具代表性的艺术类型。作者以此为切入点，将之视为研究中、日、韩等东亚国家之间文化互动的考察对象。 --------------------------------------------------------------------------------------- 从历史的发展来看，“东亚”之作为一个地理区域的概念，固然与欧洲势力试图掌控世界版图有关，但在那之前，中国、日本、韩国所在的这个区域之中，却也确实存在过一些文化共相。这些文化共相在某些有利之情境下，得以形塑出一些清晰可感的“意象”，而为不同地区之人士所共享，甚至在他们之间促生出某种“同体感”。 这种心中可感的形象，即本文所称之“文化意象”，虽然并非全部具体可触，但仍然提供了一种大致的轮廓，足以在各地流动之过程中扮演一种指导性的角色；而此种大致之轮廓却也同时因其并不完全具体，不至于束缚人的反应，因而亦保留了各种在地诠释所需的必要空间。 ——石守谦

"本书收录石守谦教授自1994至2007年间陆续发表的十五篇论文，共分五个单元，以元明绘画为主，上溯五代，下及二十世纪。作者以中国绘画史的论述架构为经，以不同研究论题为纬，探索并示范中国绘画的研究方法。 自二十世纪中期以来，关於中国绘画研究的方法与模式已有长足发展，其中以风格学的形式分析贡献最力，在时代风格的确立与特定风格系谱的建立方面，成果卓著，但另一方面也出现了局限。作者对此作了回顾与反思，质疑以西方狭义的「再现」（representation）标准来研究中国绘画的适当性，进而提出「画意」作为一种观看中国绘画的方式。「画意」一词原出自中国传统画史，但作者试图从艺术品与观者互动的角度予以考量，力求将作品还原至创作初始的文化情境来理解其「画意」。全书以「画意」一旨贯串，於风格分析的基础之上，一方面开展新议题，一方面对传统的议题提供新视角，如以族群冲突、交融的观点解析丰富多元的蒙元绘画、或以区域竞争的角度观察地方画派等，其中对於「文人画」发展的重新审视与解读，更是前所未发之真知灼见。 作者就不同研究个案的题材与性质，选择切入视角与适当的研究方法，同时展现了艺术史微观的深入与宏观的渊博。本书不仅可提供中国绘画爱好者一窥中国绘画精髓的管径，更为中国艺术史提供一组多元、开放而可行的研究方法，是不容错过的一部佳著。"

三联书店“高居翰作品系列”新增品种之一，在1993年费正清东亚研究中心举办的赖世和讲座基础上增订而成，专题讨论中国与日本的诗意绘画。虽是一本专门的学术著作，但并不拘于传统上对诗画关系的讨论，另辟蹊径，见解独到，辅以大量精美的宋代、晚明诗意画以及在大陆很少见到的日本南画，以飨有意深入了解中国文化艺术的读者。

本书为“高居翰作品系列”第五种，也是中译本的首次面世，主题讨论中国古代画家，尤其是元、明、清晚期画家的工作与生活。高居翰在这本书中，试图打破文人画家“寄情笔墨、自书胸臆、不食人间烟火”的神话，从实际的社会生活层面，考察了不同阶层画家的状态，他们如何将作品作为社交的礼物与应酬，如何通过卖画来养家糊口，如何苦于画债繁多而草草了事或雇佣助手，而对赞助人、收藏家和顾主来说，他们如何从画家手中取得作品，他们的希冀和要求对画家创作能起多少权重，他们如何判断获得是一张应酬之作还是一幅真正有艺术价值的作品……总之，在出自文人之手的主流撰述之外，高居翰通过搜集大量信笺、笔记、题跋等容易被忽视的材料，向读者展开了一幅自宋末以后，随着商业繁荣、社会中对绘画需求增加，画家们在不同层面谋生与创作的生动场景，使我们更充分地了解和考虑到一幅作品创作的原初情境，从而重新调整对艺术风格、品评标准的看法，读来令人读来耳目一新，是同类书市场中难得而重要的学术普及读物。

本书作者高居翰是著名中国艺术史专家，美国加州伯克利大学荣休教授；黄晓、刘珊珊为北京清华大学建筑学院博士研究生。三人的“远程合作”造就了本书。 本书纪念的是一个业已逝去的世界。往昔的胜景不在，但幸由中国古代的那些伟大画家，借助他们的杰作，我们得以感受那些美好乐园的流风余韵。三位作者一起首次对中国绘画作为视学记录和美学再创造的功能做了探讨，该功能在书中的落实点——便是中国园林。

朱元璋推翻蒙元政权，建立明朝以后，却也带来了一段腥风血雨的统治，许多文人画家都落得了身首异处的凄惨下场，形成明初画坛的空白时期。本书探讨明代初期与中期的绘画发展，除了讨论明代画家如何赓续元代的绘画成就，寻求创新之外，也探讨了宫廷绘画与浙、吴（苏州）、南京等地方画派的表现及其发展。书中对于画家的社会、经济地位与其绘画风格的关系，也有极为精彩透辟的讨论。

晚明经历了“天崩地解”的改朝换代巨变。由于朝廷体制的松动，文人思潮活泼、多元而富批判性。艺术家与政治的关系诡谲而复杂，各种景况造成了画坛空前的大震荡。在书中，读者可以看到各种不同类型的画家及其令人震撼惊异的绘画图像，也可以了解到，中国绘画到了晚明时期，无论在形式的发展、内涵与意义的丰富性以及实践上，都已经发展到空前未有的复杂程度。

十七世纪的中国，是一个面临改朝换代、人心惶惶的混乱时代，但在艺术史上，却是画家创作力最旺盛的时代。高居翰在书中提到：“即使在世界艺术史上，欧洲十九世纪以前的画坛，也都难与十七世纪的中国画坛媲美。”这是一部以最浅显的方式带领读者由小见大，进而透视中国绘画本质的大书。透过作者雄辩而生动的解析，以及丰富细腻的图版对比，读者可以毫无困难地进入中国十七世纪多位艺术大师──包括张宏、董其昌、吴彬、陈洪绶、弘仁、龚贤、王原祁、石涛──的心灵与创作世界，同时也可以一窥中国艺术里自然与风格的复杂辩证关系。

本书是作者关于中国晚期绘画史写作计划的第一种，探讨元代绘画。元代是蒙古人统治中国的时代，却也是中国文人画发展最具活力与原创性的时代。在蒙古人废科举制度的情形下，读书人面临着变节或失业的两难窘境，很多文人政途不通，转而以为人占卜、代书或绘画为业。本书即讲述了在这个异族统治、志不得伸的年代里，画家如何以绘画来表达自己的看法与心声的故事。

1971年，米歇尔·福柯在突尼斯做了一场关于马奈的重要讲座，对其十三幅绘画作品加以评论。此次讲座虽不为大众所熟知，却十分重要。2001年，马里沃尼·塞宗汇集了一批福柯研究专家和艺术史专家，借助自1971年以来有关马奈的研究，回顾并重新思考福柯的这篇文章。本卷同时包含了福柯的讲座文章和2001年部分与会者的文章。