田馥甄 Hebe 第六張全新專輯《要去什麼地方 The Land of Maybe》 9/24(四) 我們一起出發前行～

2006年，蔡旻佑以首张创作专辑《19》正式出道，一首〈我可以〉成为代表作，并入围第18届金曲奖最佳新人奖。二十年的创作历程中，他发行六张创作专辑，持续以音乐记录不同阶段的自己，不断拓展创作与声音的可能。 继2019年《变心记》展现更具反差的音乐样貌后，这7年间，蔡旻佑跨足典礼主持、舞台剧演出、音乐竞赛节目，也持续为多位歌手创作，在工作与生活中累积了许多崭新的体验。2026年，睽违7年推出第七张全新专辑《快乐有时有》，将这段时间累积的快乐与不快乐，化为一首首贴近日常的作品，也将人生不同阶段的情绪与体悟，融入每个人的生活轨迹。 专辑由葛大为担任文字统筹、林建良编排曲序，并集结葛大为、林建良、HUSH、廖文强、郑兴等重量级创作者共同打造歌词，以坚强的华语乐坛创作阵容，将那些看似不着痕迹的日常，注入深刻而细腻的文字；更惊喜找来金曲歌王葛西瓦、林秀岐（蔡旻佑妈妈）、知名音乐型 YouTuber与职业钢琴家江老师、潜力新人邹序跨刀，参与专辑featuring，为作品增添更丰富的音乐层次。此外，也再度与黄韵玲合作，由她担任单曲制作人，以细腻的配唱与情感引导，为作品注入更深刻的情感层次，让《快乐有时有》陪伴每个人的生活，拥抱每一种情绪。 从日常搜集自己 在音乐中唱出每一个你 快乐有时有，难过有时有；期待有时有，遗憾也有时有。每一种情绪都会来，也都会离开，而这些感受成为我们记忆体的滤镜，共同拼凑出我们生命的心得。我们总想留住好的，赶走不好的，总以为快乐值得收藏，难过应该尽快忘掉，但生活从来不是只有一种天气，也没有一种情绪会永远停留，每种感受都有它存在的价值。 蔡旻佑透过这张专辑《快乐有时有》将自己更加开阔的状态作为主体，延伸出专辑12首贴近每个人日常与内心的作品。歌曲时而轻快舒坦，时而撕心挣扎，让所有听者能够在专辑中获得各种状态下的共鸣。专辑主打、同名单曲 〈快乐有时有〉以放松的嗓音诠释出自在的流动感，像是在与不同状态的自己共舞，作为专辑排序第一首的歌曲，为这张专辑的舒适度定调。专辑中也有收录已经发行过的歌〈OOTD〉、〈可惜不可以〉及〈喜欢你比说喜欢你更容易〉，这些歌曲也都巧妙地贯穿着这张专辑的概念，让专辑的气质更加多元、脉络更加完整。 专辑透过快乐与难过的歌曲穿插摆放，使情绪在不同状态之间流动，也呼应专辑《快乐有时有》想传达的意象，人生从来不是单一情绪的线性排列，而是多种感受交错并存的状态。 「这样的情绪编排，也正是蔡旻佑现阶段看到所有事情的缩影。」 镜头下勾勒出平凡又深刻的日常 专辑平面邀请新锐摄影师昭晨合作拍摄。擅长捕捉人物真实状态的他，以日常生活中的微小快乐作为灵感，带着蔡旻佑走进贴近日常的场景，无论是永康街巷弄中那些平时容易被忽略的街角，或是顶楼充满童趣感的装置，都成为镜头下最自然的场景。透过自在的互动与生活感十足的取景，让旻佑卸下表演的状态，在不刻意的氛围中，留下最真实的笑容。 然而，这样的拍摄方式对蔡旻佑而言反而是一项挑战。过去面对镜头时，他总习惯思考如何回应摄影师、如何呈现最好的一面；这一次，希望他放下心中的预设，也放下“要给镜头些什么”的习惯，只需要专注感受当下、做最真实的自己。当不再刻意追求完美，那些自然流露的表情与情绪，成为最符合《快乐有时有》的意义。 专辑同名主打《快乐有时有〉MV以一间花店作为故事起点，邀请擅长用唯美画面说故事的导演黄子然操刀，花店店长-蔡旻佑作为故事的观察者，透过不同人物与花朵的相遇，描绘人生里的快乐、思念、遗憾与希望。每一束花都承载着一份心意，串起彼此陌生却相互共鸣的生命故事。 MV以花朵象征人生的各种情绪，以云与微风串起情感的流动，人们在悲欢离合之间，随着时间慢慢学着释怀。即使快乐不是时时存在，每一段经历终将化作生命里温柔的养分，陪伴我们继续前行。

2025 洪佩瑜 第二张个人专辑《开》 　　庆祝生 就是 庆祝死 　　为 众生 亡灵 吟唱的祝福 　　开启灵魂之光的仪式 　　播种 采收 赞叹 生命的来去 　　从紧缩 到伸展 从绽放 到消散 　　开了 又 　　开 　　《开》的专辑概念，延伸自洪佩瑜多年舞蹈与表演经验的累积。在舞蹈中，「开」是一个很美的动作、是过程，也是千变万化的展现形式，包括但不限于：一场舞的序幕、肌肉线条的凝固与伸张、溢于言表的情感流动、看似停顿，实则持续展开意义的休止符。 　　在洪佩瑜的诠释中，歌唱是一种声音的舞蹈，舞蹈是一种身体的音乐。专辑的整体曲目，就像一幅幅鞭辟入里又各自轻快的当代浮世绘： 　　未知命运的序幕〈一哄而散〉、胎内记忆的象征〈在太平洋中央漂流〉、路过城市的摇摆游行〈一面之缘〉、放下前任的自爱舞曲〈包括但不限于〉、大脑高潮的机智快嘴〈成功配对〉、享受单身的假数学题〈三辈子〉、爱与失落的博物馆〈完整〉、击碎人心的抒情主打〈不占地方〉、回视性别和权力议题的史诗〈她者〉(feat. 徐佳莹)、华丽盛放的电音祭典〈开〉。 　　丰富的当代主题和意象，藉由《开》这张作品，一层层往外显露；内核则是我们一起生活的这个当下、我们所扎根的社会与文化。因此，请将新专辑的十首歌，想象成十个穿越日常困境的仪式——体验、漂流、尴尬、发光、配对、计算、心狠、呼喊、排他、犯错——每回跨过自我极限的多走一步，就朝向活着的滋味更近一些。 　　专辑的曲序排列也有巧思，传达人们从外在日常生活走回内在根源反思的轨迹，也可以被诠释为一趟灵魂，从无形存有、徘徊混沌、初生到再次决定重生与突破自我的神圣旅程。 　　学会敞开，就是学会紧缩；庆祝新生，也是庆祝死亡。「开」是破坏与创造的一体两面。最无限又最极微的「开」就在呼吸之间：Still Moving，看似静止的，以自身动态存在、持续、改变着；当世界的意识在血肉胸臆间自在流动，一切都随音乐敞开，一切都正在发生中。

八三夭 6th album《没有翅膀的⼈》 专辑概念 ⼈⼀辈⼦会长⼤三次，第⼀次：是你发现，你不是世界的中⼼；第⼆次：是你知道，有些事情即使拼尽全⼒依旧无法到达；第三次：是当你认清现实多残忍，依旧热烈的⾼歌。 ---《没有翅膀的⼈》 从热情摇滚的《来去夏威夷》，舞曲跳动的《东区东区》、再到疫情时代⼤家的回忆《想⾒你想⾒你想⾒你》，八三夭每⼀张专辑都在谱写当下的世界、当下的我们，以及当下的每⼀个⼈。2026 八三夭推出的第六张录⾳室专辑《没有翅膀的⼈》，也是我们对于这个世代的谱写。 社群制约理所当然是这个时代的写照，⼈们都已习惯每天盯着⼿机追着爆⽂、追着流量，成为算法的奴隶，有多少⼈在之中迷失了⾃⼰；但在夜深⼈静后，当所有喧嚣都已静⽌，我们知道，只有投入热情、投入坚持所得到那⼀瞬间的感动，才是属于⾃⼰的东⻄。 在经历了亲情、友情、梦想与爱情之后，我们也不知不觉走到练习告别的年纪。所有的相遇，都是专属于彼此的回忆，到了那⼀天，⼜该如何道别？⽽沉淀了之后，总是有某个瞬间会翻腾起那些曾经，可留下的⼈，都只能怀抱着遗憾与缺陷继续前⾏。 这张专辑，是献给所有努⼒活着的⼈们，我们每⼀个⼈都是⼩⼈物，但我们都有机会在⼯作、感情、⽣活或兴趣里，创造属于⾃⼰的精彩。就算我们没有翅膀，依旧能全⼒⾶翔。 专辑制作 睽违四年的专辑，其中当然是历经曲折，我们还曾经碰到录⾳室计算机硬盘死亡，录好的六⾸歌直接报销，只能在不多的空档里头，熬夜重录。 专辑的制作上，非常感谢好朋友瘦⼦E.SO与弹壳Danko的热情相挺，做出了跨界合作的歌曲《你坏坏 我爱爱》以及《爱了爱了》；另外，也和许多⾳乐⼈在制作上有了不错的合作，⾦曲创造⼈ JerryC、⾱恩林、于修、黄⽂萱、Wayson Scream、Sterling Sound，都帮我们在这张专辑提供了不同的元素。这张专辑的曲风，有摇滚、重⾦属、抒情⼩品，⺠谣、以及嘻哈的跨界合作。 ⽽八三夭也是在⾃⼰的录⾳室里，调整⺟带到deadline当天的深夜⼀点，才交出带⼦，喝下那杯属于我们的杀青酒。 影像的创作上，我们这次邀请了⾦⾺导演殷振豪来帮我们统筹所有的MV拍摄，每⼀⽀MV里，都使 ⽤了⼀个独特的游戏世界观。每⼀个⼈在这个世界里都是⼀个个的NPC，但玩家却拥有了⾃⼰的意识能够去冲撞系统；⽽八三夭的团员在这里头扮演着辅助玩家的⾓⾊，去⾒证每个⼩⼈物如何在游戏的世界里⽣存。我们或许是游戏道具的提供者，或许是阻碍你的⾓⾊，也或许是你召唤来度过难关的召唤兽。 专辑的主视觉中，「⾶⾏器」是核⼼概念的象征，这也是我们在《没有翅膀的⼈》巡回演唱会里使 ⽤的主要元素。⼈类没有翅膀，却渴望⾶翔，所以我们创造出⾶机，⾶向天空。就像每个⼩⼈物，努⼒活着、努⼒改变，⾶向梦想的远⽅。 曲⽬介绍 1.没有翅膀的⼈词/曲：阿璞 「认清现实的残忍 却也热烈地⾼歌 有梦的谁不带点曲折 没有翅膀的⼈」 「没有翅膀的⼈」是我们帮专辑下的题⽬与注解，代表了这个世代所有⼩⼈物的⼼声。曲风上是我们擅长的8beat摇滚，有种坚定前⾏的节奏。 ⽽在MV里，玩家代表的是新世代整顿职场的⾓⾊，她需要去打倒公司里刁难的老屁股，我们，就是他完成任务最好的辅助。 2.最疯狂的艺术家词/曲：阿璞 「去⾃刎 去⾃焚 ⾃虐献出灵魂换故事 能永恒 换你⼼头 炙热」 所有的艺术家、创作者，都在追求感动的⼀瞬间，或许流量会消逝，但感动会永远记着。这⾸歌的开头我们⽤史诗风格去铺陈，紧接着转成重⾦属、快节奏风格，创作属于现代的歌剧。 MV是《没有翅膀的⼈》巡回演唱会⾼雄巨蛋⾸场Live剪辑版，从天⽽降的舞台、诡谲狂野的现代舞者、极限操作的直排轮跑酷选⼿，集所有疯狂元素于⼀⾝的Live MV。 3.如果我在明天就会离开词：阿璞 曲：刘逼+阿璞 「死亡不是⽣命的遥远彼岸是被你和世界遗忘才算」 如果我在明天就会离开，那我会留下什么遗憾，永存在你⼼里的我，⼜是什么模样？这或许是每⼀个经历过告别式的⼈，都会反问⾃⼰的问题。这⾸歌主要创作，是刘逼在巡回期间看到风景流逝，彷彿有⼈⽣消逝的既视感，便⽤⽊吉他写下了demo，然后阿璞以「如果我在明天就会离开」为题，写出这⾸探讨⽣命的歌曲。在离开之后，我们⼜能留下什么？ 4.你就是我无可替代词/曲：阿璞 「你就是我无可替代啊 我却是你 备胎的选项」 ⾃虐的爱情，似乎是许多⼈经历过的剧本，那是⼀种牺牲⾃⼰，成全别⼈的⼈格，想把遗憾成为⼈ ⽣的无憾。这也是我们在《想⾒你想⾒你想⾒你》之后，再度做出八三夭式的伤⼼慢歌。 MV里出乎意料的结局⽞妙诠释再怎么样都无法靠近的远⽅。 5.你坏坏 我爱爱 词/曲：阿璞+瘦⼦E.SO 「你坏坏 我爱爱 别乖乖 来摇摆」 与好朋友瘦⼦E.SO的共同创作，结合摇滚、嘻哈、舞曲的创新trap风格，歌词使⽤「⾼冷」对比「取暖」，「vibe」「松弛感」「晕烂」「猫后空翻」等网络常⽤语，打破男⼈不坏女⼈不爱的框架， 每个⼈都可以是爱情的主导者。 MV是⼀个恋爱养成游戏，阿璞需要做出正确的决定才能掳获⽬标的芳⼼，做出错误的决定甚⾄有可能失去⽣命。酒吧暗藏许多NPC，都是破关的关键。 6.不摇就滚 词：阿璞 曲：阿电+阿璞 「你不摇 不摇 不摇 就滚吧！」 这是我们对于社群爆发的反思，在网络的世界，每个⼈都可以⼤放厥词，但你如果真不爽就滚吧！这⾸歌是⼀⾸重节奏的歌曲，我们想做的就是爽快的摇滚，不爽拉倒，不摇就滚！ 「不摇就滚」也是我们创立的⾳乐公司的名字，代表着我们玩⾳乐最重要的理念！ 7. ⾝外之物词/曲：阿璞 「想你的时候 笑容里 藏着⿊洞想你的时候 独处时 莫名泪流」 在道别后，⼈的⼼里就留下了个缺陷，那是永远无法愈合的伤⼝，我们都只能带着它，逐渐老去。阿璞⾯对爱猫久病离世，有感⽽发⼈⽣三⼤痛苦：爱别离、怨憎会、求不得。写下挚爱之外，其余成就皆为⾝外之物的遗憾之歌。 8.爱了爱了 词/曲：阿璞+弹壳Danko 「⽣命有你置入 幸福暴发⼾」 与披荆斩棘的好兄弟弹壳Danko的合作，摇滚联⼿嘻哈，把网络流⾏语「爱了爱了」作为题⽬，是 ⼀⾸非常直接的告⽩情歌。 9.这是我的第⼀杯词/曲：阿璞 「喝⼀杯 再⼀杯 再⼀杯 再⼀杯我没醉 我没醉 我没醉 还没醉」 题⽬来⾃于网络语「这是我的第⼀杯」，⽽这⼤概是每个酒局都会发⽣的剧情，随着杯数增加，记忆逐渐陷入模糊，最终放⾶⾃我。乍听是⾸⺠谣的喝酒歌曲，但其实我们想说的，是每段相识与相遇都是缘分，当派对结束告别的时侯，我们都衷⼼感谢这段回忆。 10. 给想要绽放的⼈2026词/曲：阿璞 「给想要绽放的⼈ forever young tonight」 为⾃⼰所爱⽽狂热，不管有多少挫折与代价，我全都买单，因为那是只属于⾃⼰的瞬间。这是我们擅长的摇滚舞曲，希望⽤LALALA的hook让整⾸歌更有记忆感。 八三夭 主唱：阿璞吉他：刘逼键盘：⼩橘 ⿎⼿：阿电 ⾙斯：霸天

这个城市为所欲为 我只要只属于我的小宇宙 苏打绿第二张专辑《小宇宙》 每一道音轨都是情感的痕迹 即使你的星球和我的星球不一样，但总有一条轨道是可以被寻找，可以相通的吧！ 于是 我在我的星球上等你 你在你的星球上等我 1.小宇宙--说出了每一个人心中都有一个理想的世界，不管对于现今社会的许多冲突与不满，但都有自己的想法，想要一个属于自己的美丽世界，或许是一个梦是一个想法，但毕竟是属于自己的小宇宙 2.小情歌--简单的旋律，唱出每一个人心中的爱情观感，简单的歌词意境，道出心中对于感情的憧憬 3.背着你--感伤的旋律，每一对在爱情世界中的情侣再夜深人静时都有这样的想法，曾经身体背着你、心中想着你；想象两人甜蜜的时光、一同发生的的快乐回忆，句句深刻的歌词、忧伤的旋律，只为唤起每一个人心中曾经的深刻回忆 4.暂时失控--怒吼出心中的快感，或许是歌唱、或许是快乐、或许是工作，都有属于自己的暂时失控

On their fourth album, <i>The Dreamers</i>—whose Chinese name is the rather more indecent “We’re just like those damn fools”—indie-rock band Accusefive consider questions of maturity, direction and destiny. And to match the scope of those big ideas, the trio hit the road themselves, leaving Taiwan to record at London’s famed Abbey Road Studios. There, Tsai Hsin-lun (vocals), Pan Yun-an (vocals/guitar) and Richard Lin (drums) opted to break with their usual practice of treating recording and mixing as separate stages and capture as complete a sound as possible in the studio—while aiming to retain the core soul of their original demos. The result is a set of ambitious yet vulnerable tracks fuelled by the experience of the journey, from fruitful collaborations to the studio’s collection of historic equipment. Below, the members of Accusefive share with Apple Music how they rose to the challenge of realising the record they had in mind. <b>How did recording in London and self-producing affect your creative process?</b> Tsai Hsin-lun: “We saw different results. Cultural differences aside, different settings have their own rules. We weren’t in Asia; we were in an unfamiliar environment. Self-producing this album and integrating a place that wasn’t ours was a way for us to try something new. This will remain in our memories as a special chapter in our lives.” Lin: “I feel like it’s an important nutrient. Accusefive tries new things each and every year, so it’s a new experience not just for the three of us but for the entire team.” <b>What’s your process for achieving the Accusefive sound?</b> Tsai: “The best way to describe Accusative’s sound quality is ‘direct’. We like using a direct approach and directly expressing emotions in our demos, but our choice of words, arrangements and harmonies bring out different feelings. Working from these demos, we chose to use a subtractive process for our songs. This gives them all a broad sense of direction, but we’re actually very particular when we perform them to make sure all the emotional ingredients are under control. So the album is both direct and exacting.” Richard Lin: “Subtractive thinking means having a definite picture of the timbre in your mind. You need that picture to be very clear before you record. The thing that’s hard is how to express it. Everyone’s subtractive process is different, so we’re always trying out different things and talking about adjusting the details to mould the shape of the sound so that it goes in the direction we want. “We worked with Shojiro Watanabe as recording and mixing engineer, so our process this time was to decide on the direction of the sound first, before doing any recording. It was challenging for us because we hadn’t done anything like it before.” <b>How would you characterise the album as a whole?</b> Pan Yun-an: “Our fourth album is a summation of my personal experiences and my outlook on life. It has a little of the feeling of a tearful recollection. So many things have happened along the way—I thought for ages about whether I ought to write them into song. Of course, ultimately I did decide to—and to head forward along our chosen path. “To us, listening to an album involves lots and lots of layers—like waves in the ocean or the elevations while climbing a mountain—each with a different aesthetic. The layers we’ve chosen this time are more like waves.” “The opening three songs are on the heavier side. But by ‘Beyond The Sea’, it’s like turning a page to a different scene to plunge straight into the ocean depths, where you find ’Threads Of Me’. Then it’s an upward road through ‘Forget For Get’, ‘Happy Bomb!!’, ‘Broken Wings’, ‘True Colors - Dreamers’ and ‘You & Me’ to the high point of ‘Run, Run, Run!’. I love this track order, which make the album sound like wave upon wave.” Below, Accusefive share insights into selected album tracks <b>“Run, Run, Run!”</b> Pan: “This is an especially important song for us and one that made us teary in the studio. It’s a song that breaks your heart every time. It sums up myself and my life since becoming part of Accusefive. I’m eager to share this feeling—and I hope this song can be there for any fan that needs it.” <b>“Turn Wrong To Right”</b> Pan: “This song describes a fateful choice. My favourite lyrics are 'You and I had hardships in the past/But after all those ordeals we no longer beat ourselves up/Let wrongs be wrongs and love be love/Make the best of it and face the future no matter what comes.’ For me, that passage is an explanation of the entire album. We can choose to remember the happy things and forget the painful ones, to find ways to change and reflect instead of wallowing in pain. It’s a way to cheer myself up, and to say to my past self, ‘Hey, let’s try to make the loneliness go away.’” <b>“Happy Bomb!!”</b> Pan: “We had a great time working with Masa and Stone of Mayday. This one echoes the other tracks in saying that moments of happiness shouldn’t be forgotten—they ought to be remembered. I wrote this song with my older brother Pan Yanshan, who’s a lively and fascinating writer. He did the verses and I did the chorus.” <b>“Threads Of Me”</b> Pan: “This song was revised more than any other on the album. We held lots of meetings and even got into arguments while discussing the arrangement—all because it’s an important song. We were trying to decide what style to use to interpret it and what part it should play on the album. We ultimately found it a place as the album’s lightest yet most serious song. On first hearing, it’s a song of reconciliation, a feeling of a wound that’s healed. But that’s not actually the case. The song asks the question, ‘What should we do with a wound that will never heal?’ Whether the wound gets gradually better or worse is all up to the choices we make.” <b>“You & Me”</b> Tsai: “This song is a pure expression of emotion. One line in it, ‘My memories make mischief by bringing you before me, at every point measuring my misunderstanding of you,” tells of two people who get together despite knowing they’re incompatible. They think that proximity might be enough to wear away each other’s spikes and let them coexist comfortably. But the spikes grow back—they’re a natural part of them. Is it a good thing to be forever trying to change the purest form of our other half? Maybe we shouldn’t have been together in the first place. We did, though—and it’s a beautiful, painful process. For me, this song is incredibly meaningful.” <b>“Broken Wings”</b> Lin: “Pan used a Leslie speaker for the guitar on this one—we never used one before. It has an effect that makes the sound seem to sway in the air, so listening to it feels a little unreal. We found some wonderful surprises from the old equipment we came across while recording at Abbey Road Studios that further spurred our drive to make better music. “The percussion setup on this track is simple, a pairing of new drums and old ones. The old cymbals were pretty tarnished with a unique sound compared to newer cymbals. Recording that setup was a wonderful thing.”

年终娱乐最大事件 aMEI、阿密特同时出手 包场华语乐坛 aMEI、阿密特抢唱互不相让 同旋律两种灵魂歌迷全接住 一面温柔、一面坚定！心型aMEI v.s.唇彩阿密特 黑魔法「录到眼神都变了」 20天极限完成！张惠妹一首歌分裂成两个自己 歌迷直呼太神 10年大假？阿密特静极思动突袭发歌 妹神密而不宣：「时候到了」 「流行乐之后」张惠妹（aMEI）今（31日）无预警推出全新单曲〈我的存在就是爱你〉，而她的分身 阿密特 也不让 aMEI 专美于前，同步发行新单曲〈你的存在就是爱我〉，在 2025 年最后一天一次送上双重新歌，让歌迷惊喜直呼「年底直接被妹神包办」。 这次双曲同步推出，不只音乐层次分明，视觉形象也强烈对照-正面直视、温柔乾净的脸孔是 aMEI；而浓烈唇彩、染发造型、眼神更为锐利的，则是阿密特，一静一动、一柔一刚，清楚划分出她体内两种截然不同的情绪状态。 aMEI 近两三年忙于巡演工作，曾在一次偶然间听到这首歌的旋律，直到最近张妈妈突发性失忆，虽总是一如既往笑笑看著大家，却忘记了家人的名字，让阿妹百感交集。年迈 90 岁的妈妈，让她坦言：「妈妈年纪大了，与其说难过、百感交集，不如说是害怕失去的恐惧。」所幸经过一段时间治疗，张妈妈近日身体好转、记忆也逐渐恢复，让她有了更深层的感触，也让当初烙印在心里的那段旋律，再次被唤醒，起心动念完成这首歌。 令人惊讶的是，从著手到完成，这首歌前后仅花了 20 天。aMEI 笑说：「自己只要一启动，就停不下来！」而更始料未及的是，在制作过程中，竟自然衍生出阿密特版本。团队以同一段旋律，量身打造两套不同歌词与编曲，成就两首完全不同的作品，一首是 aMEI，一首则属于阿密特。 她形容：「aMEI 很温柔的，阿密特则是坚定的语气。」录完 aMEI 版后仅隔两天就进行阿密特配唱，她笑说：「我的眼神都不一样了！」甚至被团队形容像是启动了「黑魔法」，瞬间切换状态。 两首歌同旋律、不同歌名、不同唱腔，却又彼此呼应。张惠妹也分享：「就像大家常说的，我的歌一开始听淡淡的，但后座力很强，时间拉得越长，就会跑出更多细节、更多强烈的感受。」这次的双版本，也希望能带给大家同样深刻的情绪共鸣。 有趣的是，制作过程中原本只有温柔的 aMEI 版本，但两位制作人又提出不同想法，让张惠妹也很惊喜，最终决定再做一个很不一样的版本交由阿密特诠释。由于 aMEI〈我的存在就是爱你〉前期准备充足，录音时进展相当顺利；但仅隔两天就录阿密特版，因情绪仍未完全抽离，转换过程一度卡关。她乾脆把录音室的灯全关，只留一盏小灯，慢慢磨唱腔、语气与口吻，直到团队重新开灯，才惊觉「眼神真的变了」，阿密特〈你的存在就是爱我〉才正式诞生。 谈到歌词中「我为了你而活」这一句，张惠妹表示那是一种既强烈又深刻的感受，希望大家能去感受爱、相信爱，不管是谁为了谁而活，都是一股非常强大的力量。 而阿密特睽违 15 年突袭推出新歌，是否意味著这个分身即将正式回归？对此，张惠妹神秘笑说：「好像时候到了厚，值得期待喔！」一句话，也让歌迷对接下来的动向热议不已！

林宥嘉 等待四年 全新專輯 [今日營業中] 絕無分店 僅此一嘉 全新製作企劃[The Great Yoga]世界巡迴演唱會，6/11首站高雄巨蛋場同步開跑！林宥嘉獨門演唱實力與舞台魅力再度席捲樂壇！ 等待四年，媒體樂評、業内音樂人、全亞洲樂迷翹首以盼的全新專輯。林宥嘉首任專輯製作統籌。舉凡專輯概念、收歌邀歌、編曲歌詞和聲想法、錄音配唱、混音製作到母帶完成，林宥嘉全程投入親力親為、一磚一瓦打造獨嘉音樂堡壘！ 有的沒有的都有！！！絕無分店，僅此一嘉的林宥嘉獨門音樂厰牌。一網打盡你生活中的感受、你遺忘的情懷、你渴望的夢想。你有的、你沒有的、你想要的全都一一被陳列在林宥嘉的曲目貨架上。任君選擇，滿載而歸。 首支搶先上市熱血淋漓搖滾單曲「熱血無賴」。 林宥嘉 + JerryC+楊子樸+林夕聯手炮製2016夏天消暑能量飲音樂。歡迎大家來演唱會上與林宥嘉一起集體“wo oh oh”，一起來做最理直氣壯的熱血無賴！ 金曲平面視覺設計聶永真 + 創意美學新勢力MV導演劉明群+新銳攝影師楊士慶打造“林宥嘉流”獨門幽默語彙新視覺形象！

周杰伦第16张个人专辑《太阳之子》正式官宣！暌违3年8个月，13首全新作品重磅集结，在熟悉的周氏旋律之外，更带来极具画面感与叙事性的全新听感体验。 专辑视觉及主打MV远赴巴黎圣母贞德教堂取景，复刻19世纪陈设美学，在光影交错间，打造出悬疑而富有层次的影像氛围。同名主打MV时长6分58秒，以更完整、更具电影感的影像语言，延伸音乐故事与情感表达。 作为华语乐坛年度重磅音乐事件，周杰伦全新专辑《太阳之子》将于3月25日全球数字平台上线；同名主打MV将于3月24日举行影院全球首映。内地版实体专辑正在精心筹备中，有望与海外版本同步上市，由环球音乐中国发行，敬请期待！

圆缺，是月球盈匮的天体运动，也是人间聚合离散、永恒缺憾的象征。郑宜农继《水逆》探索语言与沟通的孤独本质后，以《圆缺》叩问生命中无法回避的缺憾。专辑以十首台语歌创作，郑宜农携手制作人 Chunho（南瓜妮歌迷俱乐部的团长何俊苇），展开从伤痕记忆到情感依存等在“圆缺”光与暗之间往复的过程，融合 Techno、氛围音乐、Dream Pop 等元素，在电子声响与诗性叙事的交叠中，构筑一场跨越语言的共感实验。Apple Music 特别邀请郑宜农聊聊在专辑主题、语言、曲风上的选择，分享这张专辑的创作和制作历程。 <b>到了可以写“缺憾”的生命阶段</b> 在筹备专辑的过程里，郑宜农说自己和 Chunho 经历了一整年不断地互相挑战和辩证，去整合他们有关“缺憾”的思考。“想到的关键词包括‘时间’‘生命’‘伤痕’和‘沟通’等等。”郑宜农分享道，“讲缺憾，其实根本就是在讲‘人是什么’，为什么我们会让这些缺憾发生。”“我好像走到了一个阶段——我终于可以把这些主题写好了，我知道怎么写它是最适切的。它们可能是长期埋在我心里面的、单纯属于我个人的缺憾。”她感慨。 《未曾准备好》从具象的生死无常出发，“刚好我们家养了 18 年的猫过世的隔天，我写了这首歌，它其实是以一个很悲伤的故事为基底。”郑宜农也试着将个人在咀嚼的缺憾投射到更宏大的议题上，试图直视一些“人类世界会发生的，但其实始终被我们认为应该是不合理的事情”。她提到《留伫咱的血内底》，这首歌的主题是“历史伤痛”。“其实它不仅仅是台湾这块土地上发生的事，它也是一个全人类的议题，就是人类世界不断的重复出现的可以称之为悲剧的东西，这个东西它一直都存在，它始终没有获得解决。”郑宜农说，“我们去直视它的时候才能够创造一个空间，让大家在里面摆放隐藏在自己心里的，对于不合理的感受到的痛或者是受到的伤害，甚至直接是当事人他们受到伤害，可以有一个摆放的空间。”而这也是她当初为专辑定下“缺憾”主题时，就笃定的事。 <b>圆满不一定是终点</b> 专辑曲目编排以郑宜农与韩国歌手李泷 Lang Lee 共同创作的《宽宽仔来到祢的面前》为分界，前半段直面历史伤痕，后半段转向依存与和解，最终以《圆缺》的弦乐与短笛收束，象征“接受缺憾是生命必经之道”。“因为要让‘缺憾’走向圆满，应该是要在中间就问出那个最大的问题，那句‘为什么’，去问那个最大的——所谓的神或者全知的某某。但其实发现根本就没有答案。然后才能进到下一步，开始去感受什么是‘爱’。” 沿着这个思路，专辑原本有个从遗憾到圆满的顺向叙事排序。“但是最后没有这么做，是因为我们发现那样太顺了，顺到好像一整张听完就真的要圆满了那样。”郑宜农解释道，其实这张专辑是没有句点的，并不是说我们最后就什么都懂了、找到自己的哲学了、从今以后都可以跟遗憾和平共处了，我们是想让最后留在一个问号上。” “所以，前面不能那么顺的状况，最后是一边充满遗憾一边走向‘人有悲欢离合’，走向在平淡的生活中体验人为何物，并且接受我们没有解答的人生。” <b>语言是缺憾的根源，台语是具象化缺憾的载体</b> 郑宜农直言，选择台语创作《圆缺》是一种直面缺憾的过程。“我们的世界被不同的语言分割，然后要花非常大力气去重新学习，才能真正理解彼此。这本身就是一个要使我们谦卑的考验。所以我想用台语在我、还有我的同辈身上都补写某种分裂、某种断裂以及失落感的语言，我想要用努力捡回来的这个语言，去具体化缺憾，所以它本身就是一场实验。”除了台语，专辑里还加入英语和韩语，郑宜农分享道：“在这样的实验里面，我又融合了各式各样其他的语言，其实语言本身是缺憾，但是当你很自然地把它们融合在一起的时候，它有没有可能达到某一种圆满，在一首歌里面它圆满了。这个是我在写的时候，想要找到的那个东西。” 郑宜农在专辑中也尝试寻找台语文化的缺憾，比如《讲袂出嘴的彼个字》这首歌，“其实就是基于台语文化而诞生的，我们非常难用台语去讲‘我爱你’。在台语家庭这件事情很难成立，那我挑战用这个字、用这个语言去讲我爱你的话，它会是怎么样，会多么的别扭，我想把这个别扭体现出来。” <b>台语创作启发了新的创作人格</b> “因为台语是一个正在被重新捡回来的语言，所以我们会面对很严格的（关于台语使用正确性的）检视，我可以理解它的必要性。”郑宜农分享自己最初用台语创作歌曲被纠正时，还很不甘心，认为听感才是最重要的，但改正后，却有了新的发现。“我每改完一句，再重新回头去唱的时候，会发现它其实比原本的更有韵味或者是有一种 flow。还有，它的情感会变得比以往更浓郁，就算我轻轻地唱，听起来却很像讲话，会让人觉得瞬间理解了一些什么。”这些收获让她转变了写歌的思维模式。“等到我回头去写华语的时候，我开始对自己的词曲咬合变得很严格。然后发现我的曲式变了，不再是以前郑宜农的思维，或在郑宜农思维基底之下长出了一个更丰富的样子。这是我在写台语歌上面获得的第一个学习。我现在心里是崇敬、尊敬词曲咬合，我发现它是一个道理，这个道理它教会了我谦卑，让我变成一个更好的创作者。” “台语的浓郁在于即使它是隐喻，通常也都是很具象的意思去处理。比如有一首歌叫‘pháinn-mih-á’《歹物仔》，其实‘歹物仔’在台语里面，通常我们会讲‘拄著歹物仔’是遇到鬼、遇到不好的东西。我是因为先想到‘歹物仔’这个词，然后我就想要把它写进歌里。那‘歹物仔’什么，撞鬼的感觉是什么？有没有可能是撞到自己心里的鬼？”沿着这个思路，郑宜农想到一些人们在心里突然长出“歹物仔”的瞬间，“因为我们可能没有那么认同当下的处境，我们没有那么认同对方的状态或是对方说的话，没有那么认同对方，就是像一颗气球一样逐渐升起来的自恋，所以在这个时候心里长出了‘I don’t really care’那个东西。” 而把这些呈现在歌曲里，对于郑宜农来说，像是“长出了一个、其实本来就存在在我的体内，只是没有想过可以用在创作里面的人格”。于她而言这是一份收获：“台语确确实实地让我体会了我不知道的事情，然后我开始去做它。” <b>电子声响与台语的碰撞</b> 在说到选择电子乐作为专辑的主打曲风时，原因除了郑宜农和制作人 Chunho 对电子乐纯粹的喜爱之外，他们还发现了台语与电子乐的契合。郑宜农分享：“其实某种程度上也是台语在督促我们往更电的地方前进。当台语放进电子乐里面的时候，它的词曲咬合跟电子乐节奏的关系，跟电子乐声长的关系，然后还有一些专属台语歌特别显得浓烈的主题，跟电子乐之间结合起来、碰撞出来的火花等等，一来一往、就是去把它们组合在一起的过程，带给我们非常大的乐趣。” 对郑宜农来说，这也不仅仅是“单纯音乐性的思考”和“好玩的实验”，更多了一层“关于语言、创作与音乐”关系的考虑。“我们会去想电气化、电子乐这个东西，然后回到这个语言的未来性是什么——我们该怎么用这个音乐的语汇去诉说它，我们该怎么样去表达我们这一代，跟这个语言之间的关系。” <b>每一首歌的尾奏都是一条转折的道</b> 郑宜农提到这次专辑有个不同以往的革新，“一个以往我写歌方式不会创造出来的东西”。她介绍：“我们每一首歌的结尾都有展开一个叙事，就是尾奏都会有一些符号性的，或是情境式的，或长或短的转折。”比如《一寡时间》失衡的 detune 音效与鸟鸣，象征在关系中“努力拉回平衡”的挣扎；《未曾准备好》以倒转的电子音阶模拟“时间回溯”，呼应梦境与现实的交错；《牵我》尾声突现海底嗡鸣声，隐喻情感传递的孤独与渴望；《圆缺》最后加入了短笛、弦乐，用声音开出一条生命的“道”——踩踏着无限缺憾的碎片走向彼此。“它其实是一个我找到了跟你说‘给我一点时间’的方式，在我找到的那个瞬间，我心里的失衡最后走向了我心里的自由。” <b>跨媒材共感：影像与音乐的平衡术</b> 过往担任过导演、策展人的郑宜农，对音乐和影像的关系有着自己的思考，她分享：“一个好的音乐跟影像的关系，我认为应该不是堆叠上去，比如说我今天讲的伤痕，然后影像再去把伤痕强大、强化，不是，而是它可以补足这首歌没有讲的空间，变成一个相呼应的关系。” “很幸运，我们这次有韩国团队，也有本地团队，都是超级棒的创作者们，而且都是女性。”郑宜农将《真罕得想起来》的 MV 交给韩国导演 iida Choi 完成，得到了影像对音乐的补充。“《真罕得想起来》在讲暴力幸存这件事情。导演提出来一个自己跟自己的无限轮回的对战，她用了惊悚片的方式去讲述。我觉得太棒了，因为这就补充了这首歌它没有讲到的，它在讲的事情毕竟还是对外的，就是我想要去爱、我想要当一个正常人、我想要不被当一个受害者，可是其实最终是自己跟自己的战斗。” <b>专辑小巧思</b> 郑宜农分享了两个有待听众发现的文字设计。“我希望听众可以有空去玩味一下歌词中的文字巧思。例如，《留伫咱的血内底》在歌名上面是留下来的留，可是如果大家仔细看歌词内容的话，有一句会变成流动的流。它其实是停留的，可是它又是在流动的。或者是像第三人称，就是 ta，如果把 ta 普通话化之后，会出现人部的‘他’、女部的‘她’，跟神的‘祂’，然后 ta 们会不规则地转换，那不规则的转换其实都有它的意思，我会希望大家可以去发现它。” “然后另外在我们公布专辑的背面，所有的歌名同时也有英文翻译，就有人发现其实英文翻译两首歌连在一起会有新的意思，就是它会长出一个故事。例如说第一首歌叫做《Rarely Think of It》，第二首是《Remains in Our Blood》，所以它连在一起就会变成一个完整的意思（很少去回想它，但它却一直存在于我们的血液之中）；然后第三首是《The Bad Things》，第四首是《Never Been Ready》之类的（连在一起意思是：从未准备好面对糟糕的事情）。有听众发现，我觉得很开心，因为翻译也是我们专辑企划的一个巧思。”

陳昇｜《我不是搖滾歌手》 Not a Rockstar 陳昇曾說，覺得自己不是個搖滾歌手，因為尚未抵那股氣質；倘若一定要說的話，也許他更接近一位吟遊詩人吧？背著故事走路，用歌把所見所感，訴說給人們聆聽。2026 年新專輯《我不是搖滾歌手》，便是這樣一位詩人對多年創作旅程的回望與再出發：不是宣言，而是把呼吸調回最自然的節奏，讓聲音替這位音樂詩人完成一段不急不徐的對話。 這張專輯向陳昇喜愛的八、九〇年代致意，卻不依賴懷舊。它借來那些年質樸而雋永的質地，吉他的線條、鍵盤的暈染、旋律與語詞之間恰到好處的空隙，用以承載今日的感受與疑問。你會聽見諷刺，也會聽見憐惜；會遇見對時代的質問，也會遇見對自身的打量。這些情緒並非為了姿態而排列，而是多年累積下來的生活秩序：把複雜留給歌曲，把簡單還給深處的內心。 37年來一路創作到現在，現在的陳昇，更懂得節制與留白。「搖滾」不再是音量與節拍的疊加，而是能否對世界保持敏感、對自己維持誠實。當外界要答案，他願意先把問題按下；當語言習慣喊叫，他選擇低聲說話，讓文字與旋律在更靠近內心的地方相遇。這份內斂並不寂寞，反而讓每個停頓都帶著指向，指向人與人之間仍可被理解的溫度，指向那些在變動之中依舊值得珍惜的價值。 作品的聲響分布，也像陳昇一路走來的足跡：除了另類氣息的流行搖滾，保留了骨幹的推進與幽微的反諷；有鋼琴主導的沉靜段落，把視線牽回到個人命運與記憶的紋理；還有承繼八、九〇年代的旋律美學，讓一整代人的共同記憶在耳邊慢慢成形。這些風格並置不是炫技，而是對「生命的複數」給出的誠懇註解：人同時可以敏銳、溫柔、諧謔，也可以困惑，而歌曲的責任，是把這些並存，保留下來。 「我不是搖滾歌手」聽來像是否定，讀久了卻更像一種自我要求：與其被名詞束縛，不如回到動詞，去寫、去唱、去面對當下。若說搖滾是一股氣，那麼這張專輯所追求的，是在日常裡持續生成那股氣的方式：在嘈雜裡保有分辨力，在疲憊時仍能對人事物投以善意，在看見荒謬之餘不忘看見人。這既是創作，也是修煉。 2026年《我不是搖滾歌手》並非總結，而是選擇把對話留在現在。它更像一本隨身筆記：記下此刻的語氣，記下行走過的旋律與餘韻，也記下仍然想問、仍然想唱的理由。當一個人選擇成為詩人，他所仰望的從來不是舞台的高度，而是聽者心裡留下的共鳴。或許在某個夜晚，你恰好把音量放低，讓歌與你並肩；那時你會明白，他說自己不是搖滾歌手，也許並非不願，或許是仍在路上，仍在尋找那股氣抵達的方式。 曲目推薦 〈革命家〉 這不是一首高舉旗幟的歌，而是一面照向內心的鏡。當「革命」變成自我辯解的口號、浪漫成為失敗的庇護所，他唱的其實是那種在理想與現實之間消耗殆盡的倔強。〈革命家〉帶著玩笑語氣，也藏著深刻的孤獨，在時代的喧鬧裡，每個人都想改變世界，最後卻只改變自己。這不是控訴，而是一種誠實的諷刺，一場對幻滅仍存溫度的自嘲。 〈Drill Baby, Drill〉 一首冷冽而諷刺的時代寓言。陳昇以近乎戲謔的筆調，描摹出慾望膨脹的世界，金錢、權力與麻木並行，笑聲底下是荒謬的共謀。節奏銳利、語氣輕快，卻越聽越覺悲涼。這首歌讓人想起他過去那些嘲諷現實的作品，只是如今的諷刺更溫柔，也更無力。當他唱出 “We are living in a wild, wild world”，像在對聽者輕聲提醒：別以為自己置身事外。 〈你是陌生人〉 寫給逝去的年代，也寫給仍在漂泊的人。這首歌像是一封沒有寄出的信，語氣平靜、情感卻深不可測。它談友情，也談離散；談記憶如何在時間裡慢慢失焦。旋律沉穩而明亮，像一種不願示弱的思念。〈你是陌生人〉的溫柔，來自對無常的體認：有時愛一個人，必須先學會離開。 〈錯愛〉 一首屬於夜晚的老派情歌。它回到九〇年代的浪漫語境，用簡單旋律包裹最難啟齒的告白。〈錯愛〉沒有怨，也沒有辯解，只是對「愛錯了也要誠實」的一次抒懷。男女之間的糾纏，被他唱成一種體諒，錯誤不再是罪，而是人生的必經段落。那種淡淡的滄桑，不是悲傷，而是理解之後留下的餘溫。

她坦白了我们所虚伪的　她单纯了我们所复杂的 五年以来… 5年的等待，是个漫长也是耗损的过程。 看尽乐坛芭比娃娃的甜美面具，「性格」这两个字，似乎快要消失！ 她的声音，她的个性，象徵著无可取代的高傲、独特的姿态， 这样一股充满灵魂的音乐、沉寂而刚苏醒的真声音， 是我们唯一相信且期待杨乃文的理由。 杨乃文 2006全新专辑 《女爵》 2006.12.01 终结等待 (发行日期为暂定，实际时间将另外提供) 为谁重生 为谁毁灭 为谁失去自己的国度 ? 凡预购　杨乃文 全新专辑《女爵》，即可获赠　《女爵》限量珍藏影音光碟 光碟内有 * 首支单曲《女爵》完整版 MV * 录音工作纪实 * 限量写真照 * 数位音乐全产品连结

向来以酷劲另类曲风见长的杨乃文，在沉澱了二年之后，这次带来了更鲜明的英式摇滚，第一主打歌「Queen」是一首节奏强劲、吉他爆裂的摇滚歌曲，在其中杨乃文唱出女人不应该只是摆在男人旁边的装饰；「祝我幸福」是一首带有古典味道的抒情歌曲，其中吉他和竖琴的编曲相当动人；「应该」是创作才女陈珊妮对杨乃文的诠释，她认为杨乃文是个永远坦白面对自己的人，这首歌有悠扬的弦乐，加上国际级交响乐团的现场即与演奏，随性的融合了杨乃文的个性与古典感。此外，不爱露身材的杨乃文，之前希望大家注意她的音乐，所以没有在造型上多做琢磨，不过在得到金曲奖入围的肯定后，杨乃文这次开心的和造型师玩起造型游戏，并大胆秀出模特儿出身的好身材，穿上造型师量身訂做的「花瓣装」，这套性感装扮让她突破过往尺度，背部全露，而胸前二片波浪狀的羽翼随着动作翩翩起舞，宛如一只酷味十足的蝴蝶。