《无限的清单》是博学大师翁贝托·艾柯继《美的历史》《丑的历史》之后，最新推出的美学研究重量级作品。艾柯受卢浮宫邀请策划了一系列展览等活动，并完成这本关于“清单”的图文专著。书中探讨了艺术、文学、音乐、建筑等领域出现的“实用清单”、“诗性清单”、“既实用又具诗性的清单”存在的意义与功用。艾柯将带领我们欣赏那些在阅读文本或观赏画作时常常忽略，甚至厌恶的清单——有限的清单、无限的清单；名字清单、图像清单、地名清单、属性清单；混乱的清单、令人晕眩的清单、非正常的清单……寻找清单的本质。
我喜欢清单，就像有人喜欢足球或有恋童癖一样，人各有癖好。清单是文化的根源，是艺术史和文学史的组成部分。清单并不破坏文化，而是创造文化。无论看哪里的文化史，你都会发现清单。
——翁贝托·艾柯，摘自德国《镜报》访谈
◆ 艾柯可能是今日整个西方世界读书最多的人，近年挟其骇人学养连番炮制了三册图文并茂的概念史巨著。头两本分别论美论丑，我虽佩服他的广博，但没读出什么新意。只有最近这一本《无限的清单》才叫我大开眼界。照样是取材丰富地编选了你听过和没听过的文本段落，和你见过与没见过的图画相片，但这一回他明显地放足了心力，因为他要处理每一个爱书人都会碰到的最切身的问题。
——梁文道
◆ 艾柯，这位以博学与非凡才能著称的作家再次为我们带来了代表作品：博雅精妙的文字、富有见地的分析、令人兴奋的阐释，全书充盈着迷人与神秘的信息。
——英国《卫报》
◆ 艾柯谦虚地“炫耀”着他那非凡的学识。这本书囊括了非常多精美的图片。那奶油般细腻的书页让人乐于翻阅；书中内容以不同字体的文字区别开来，适切又美观；观赏书中图片更是让人心生愉悦。
——英国《旁观者》杂志
◆ 这是一部丰富、奇妙的关于“清单”的“清单”。艾柯具有一种博采众长、深谙奥秘的能力，让思维在脑内自由流动确实是快乐所在。
——英国《苏格兰周末报》
◆ 如果流落荒岛，这本书将是莎士比亚与《圣经》之外的第三选择，它将满足不同读者的需求。
——The Tablet
◆ 艾柯的作品具有一种在书页上舞动、在脑中回荡的独特魅力。
——《每日电讯报》
◆ 艾柯在这本书中向我们呈现“清单”这个概念是如何随世纪更迭或各个不同时期的演进而变换含义的，它反映了一种时代精神。书中收录了众多精彩的文学文本与精美艺术品图片来阐释他的观点。
——goodreads.com

《红书》拉丁文书名为《新书》（Liber Novus）。约创作于1914年到1930年间，记录了作者个人的梦境、灵魔与精神追寻历程。荣格生前拒绝出版，直到其去世后近五十年，此书方得见天日。
1913年，荣格与弗洛伊德决裂，开始发展自己的理论体系，一度备受幻觉折磨而濒于崩溃。荣格身陷中年危机，重新审视生活，从内心探索最深处的自我。他将一些梦和幻象记录下来，整理成《黑书》，同时着手幻象内容的写作，形成私密之作《红书》。《红书》是荣格日后写作的主要灵感，由此生发出一整套的分析心理学理论。此书的出版为我们开启了一扇理解荣格著作的窗口。
荣格曾于1957年谈到这本书：“我跟你谈到过那段岁月，追寻内心图像的那些年是我此生最重要的时光。其他一切皆发源于此。这本书就始于那时，在那之后的枝枝节节几乎无关紧要。我的一生都在阐释那些意象，它们从潜意识中迸发，像一条深不可测的河流，在我的内心泛滥，几乎要毁灭我。这些已超出我的一生所能承载。后来只是一些外在的现象、科学的阐述与生活的融合，而包孕一切的神奇开端就在那时候。”
中文版卷一、卷二根据德文版翻译，审视与附录根据英文版整理翻译。彩图版图文并茂，全彩印刷，完整呈现原作风貌。

“我们每一个人，如果不是各种经验、信息、我们读过的书所想象过的事物等等的复合体，又是什么呢? 每个人的生活都是一部百科全书、一个图书馆、一份器物清单、一系列的风格；一切都可以不断地混合起来，并且以一切可能的方式记录下来。”
——卡尔维诺
《在克拉科夫的十日》以一种介于旅行笔记和手札之间的形式呈现。尽管这本书并没有目录，但是书的整体结构实际包含了三个隐形的章节，它们被构架在看似零散的排版形式之上——1.战争；2.城市；3.联结（从彼处到此处／从我到你）。书中所出现的素材包括我在克拉科夫逗留的10天之内留下的快照、手记以及收集的老照片，以及对于三件既存作品的引用（电影截图以及文字摘录）。这三件作品包括：《空中杀手》（2008年，导演：押井守）、《看不见的城市》（作者：卡尔维诺）以及《我略知她一二》（1967，导演：戈达尔）。对于三件既存作品的引用划分出了这三个隐形章节的框架。来自三个不同年代与背景的既存作品与我在克拉科夫10天之内所搜集的素材交织在一起，它们之间的关系时而紧密交织，时而又相对松散。通过排版与排列的节奏调和，这些素材逐渐在书中编织出一条模糊而开放的叙事。
一直以来我都对于旅行者的状态很感兴趣。当我们前往一个陌生的城市并只能停留很短的时间时，个人的经验与知识是否能与城市庞大的时间网络发生关联？我们此时在此地所遭遇的事物，是否能与彼时在此地发生的事件产生联结？这本书呈现的仅仅是诸多可能性中的一种：倘若我并没有在2013年7月16日去Hala Targowa购买旧照片，没有在7月15日前往波兰航空博物馆参观，或者没有在2011年就看过戈达尔的电影《我略知她一二》，也许这本书依然会诞生，但它最终的叙事和形式可能完全会是另一种样子。
物理学家Julian Barbour曾假设过一个全部由“此刻”（Nows）组成的无时间的宇宙。他这样说道：“隐秘的时间之河是不存在的。但却存在可被称为 时间点(instants of time)，或者‘此刻’的东西。在我们的生命过程中，我们就像是穿过一段连续的此刻，问题在于，它们是什么呢？它们是宇宙中一切在任何时刻彼此关联的排列，比如，现在”从另一个角度去假设，或许过去、现在与未来之间不存在真正的间隔，每一个“此刻”都是由无数条时间轴汇集而成，也因此，没有任何一件事物是孤立存在的，一切都是彼此关联的。事实上，这种假设或许就被投射在我们的日常周遭中，譬如在充满繁复印记的墙面上，或者我们时刻都被多重信号所充斥的头脑里。
——杨圆圆，2014

Synopsis
In the story of modern Australian art, Jeffrey Smart stands alone. The vocabulary of his visual language - modern city life, a kind of deadpan realism tinged with a hint of surrealism - is unmistakably of our time, but his sense of composition is devoted to the most rigorous and eloquent standards of the High Renaissance and the works of such artists as Piero della Francesca. This catalogue is a retrospective of Smart's work over more than four decades, focusing on his most fundamental concerns and interests. Images have been selected for the volume in terms of their composition, in the belief that in this aspect of his work lies the secret to an understanding and appreciation of his importance as an artist.

亚历克斯.科尔维尔是20世纪加拿大最著名的艺术家之一，他的作品风格浓郁、引人入胜，在加拿大和海外很多国家中赢得了广泛的赞誉。他的作品常以描写加拿大人的生活为主题，引起观众对童年时代和家庭情感生活的回忆，而产生共鸣。然而，再仔细琢磨他的作品，就会发现其作品的主体内涵是深远的。
作品风格鲜明，时代气息浓郁，具有强烈的现实主义特征。本书主要内容有和睦的家庭，战争与和平，从教师到职业画家，创作方法与艺术风格，审问武器，孤独的女人，两性世界，人与自然，自然的人性结语.科尔维尔和陶艺家等合影，图版目录，彩色图版，生平年表，后记.图版目录包括：悲惨景色，裸体与人体模型，两匹受训的马，码头上的四个人，三只羊，马与火车等作品。

不待言，民眾日常生活的衣食住作法，和當地氣候與風土關係密切。本繪本所著重介紹的廚房、浴室與廁所就是最佳證明，這些同時也是食與住主要原素，更是今日住宅所不可或缺的內容。然而，遙遠古代民眾即使有睡覺的地方與「裝備」，卻無可稱之「浴室」的地方，所謂「洗澡」，通常不過是在戶外草草解決。當時並沒有「房屋」的概念，也所以至今日語代表「房屋」的常用語之一就是「巢」。
總之，古時候民眾還不了解如何才能解決「火」與「水」的危險、污染問題，因此，即使有房子，也不敢把「火」與「水」帶進屋中。當然，後來時代進步，為了方便，房屋內部慢慢出現廚房、浴室與廁所，這過程對於日本人而言，從某個角度看可說就是和「火」、「水」格鬥的歷史──如何讓「火」與「水」進入鋪木板的室內空間？一開始可能是只是在屋內設一個小火堆，然後架起爐灶或者暖爐。洗澡則是用大臉盆裝水，然後漸漸有浴缸能夠泡澡。廁所最初只準備「肥壺或溲瓶」（古代日本用來裝糞便與尿液的容器），後來出現配備椅子的便器，到了近代則有沖水設備。日本各地諸候國喜歡相互模仿，所以廚房、浴室與廁所出現的時間點都差不多，但整體過程相當長，並非一步到位，而是迂迴屈折緩慢進化。可是說，日本人能把「火」與「水」搬到木板地板上應用自如，其實是不久之前的事而已，其演化過程令人意外的曠日費時。本書主旨便是回顧這項過程，說明其歷史。當然，相關進化應該還在持續中，未來會怎樣發展在此不論，但至少了解過去，就更能預測未來。

作者積極投入日本傳統街區保存運動。過程中，清楚建立一項概念，那就是傳統街區不只需要保存，更重要的是必須以傳統街區作為基礎，思考我們未來應該有怎樣的街區。保存與創立並非對立的概念，兩者應該彼此連結。身為建築設計師的作者自己所全新設計的產品，與老屋、老街其實有臍帶相連。二十年前左右產生這樣的體會，走遍日本大街小巷，到處考察古老民宅與街區，寫了好幾本書籍，本書堪稱就是其結晶。

Yves Netzhammer’s works for the 52nd Venice Biennial and the exhibition accompanying the documenta 12 in 2007 drew international attention. The artist (*1970 in Schaffhausen) creates complex, disturbing visual worlds that incorporate many references to art history and are permeated with drawing, architecture, computer-generated video images, and sound. People, animals, plants, and objects constantly flow into each other, transforming into new, mysterious creatures. The pleasant dovetails with the unpleasant; the dead melts into the living. According to the artist, he uses his works to look for the images everyone has in his own head, without knowing it. “It’s about the chance an image has in a world ruled by comprehension,” and “searching for the patterns of our perception, for this hidden, parallel system where our desires, fears, prejudices, and ambivalences are concealed.”
Richly illustrated, the book documents Netzhammer’s latest works—the installations for Venice and Kassel, as well as projects for the Museum Rietberg in Zurich and the San Francisco Museum of Modern Art—supplemented by earlier works.

A retrospective of Rauch's delirious painting
Limited to 1,000 numbered copies, each signed by Neo Rauch. Rife with anachronisms, peopled with seemingly random figures busy doing rather surreal things, and painted in a wide range of muted hues, Neo Rauch's paintings look like Soviet-era illustrations that have shifted into a Lynchian parallel dimension. Set in a variety of industrial locations such as power plants, factories, military buildings, 1950s apartment blocks, and construction sites, the paintings evoke societal ideals somehow gone wrong; the hard-working subjects never seem to be doing anything practical or useful and the disjointed narratives are mind-boggling in their dramatic incoherence. Looking at a Neo Rauch painting, one has the intense urge to psychoanalyze it as if it were one's own bewildering dream.
Born and raised behind the Iron Curtain in Leipzig, Germany, Neo Rauch became fascinated with the late-1970s "Neue Wilde" anti-establishment movement in painting and used it as a departure point for his own work, which soon evolved into his unmistakably unique style. His first solo shows came at about the time of the fall of the Berlin Wall 1989; though it wasn't until 2000 that he began to show outside Germany, international success came quickly and many major solo exhibitions followed. Now that Rauch's work is highly sought after and commands great sums, it is only natural that it should be the subject of a serious and large-scale volume. This massive tome features Rauch's best work so far, with approximately 200 large-scale reproductions, analytical texts by Harald Kunde, a personal portrait by Wolfgang Buscher, and a look at the painter from an international perspective by Gary Tinterow.

This elaborate volume, authored by the designer’s son, is a splendid celebration of one of the world’s most inventive design minds. Combining whimsy and elegance, Piero Fornasetti (1913–1988) transformed everyday objects like cups, scarves, and screens into works of art featuring his idiosyncratic leitmotifs, such as the hand, the female face, and luminescent fish. Additionally, he created a wide range of works, including idealized architectural fantasy drawings, book designs, and provocative nudes, as well as the decor for the luxury liner Andrea Doria. Perhaps most famous for dazzling pieces of trompe l’oeil furniture, Fornasetti was rediscovered in the 1980s and has remained much sought-after by collectors worldwide. Featuring 2,800 illustrations, many never before published, the monograph is designed to be an "artist’s book" that reflects as faithfully as possible Fornasetti’s own approach to design. Fornasetti’s work is organized by type and includes paintings, sculptures and etchings, furniture, graphics, textiles, glass, screens, trays, and ceramics, as well as smaller categories. With unique and exhaustive access to the archives, this epic undertaking covers detailed technical, biographical, and bibliographical information, including a list of exhibitions and a register of the complete works. A must-have for collectors and connoisseurs alike.

Speaking recently about his early years as an artist Lucian Freud claimed, 'I would have thought I did 200 drawings to every painting in those early days. I very much prided myself on my drawing.' Drawing is fundamental to Freud's development as an artist and to how he sees in a way that that it was not, for example, at the foundation of the work of Francis Bacon. Drawing became an important part of Freud's life from the start and a famous sketchbook, "The Freud-Schuster Book", dating back to January 1940 when Freud was in Snowdonia with Stephen Spender, has survived.So too do sketches from Freud's life as a merchant seaman on a cargo vessel in the Atlantic in 1941. His then surreal style lent itself to illustrations and his fascination with animals, birds and fish was revealed in the famous line drawings he produced for Nicholas Moore's book of poems, "The Glass Tower" (1944). "On Paper" charts the works on paper, including the etchings, over his entire career. It includes the formative early work, the sketches in preparation for painting his masterpiece, "Large Interior W11" (after Watteau) (1983), the sketches of the completed painting in the studio and the astonishing later studies of his mother. The book ends with the etchings of recent years. The works on paper are an extraordinary achievement, providing even deeper insights into the work of the greatest figurative artist of our time. The introduction is by Sebastian Smee and essay is by Richard Calvocoressi.

中国传统文化博大精深，源远流长，林林总总，蔚为大观。为了帮助海内外广大读

现代心灵描绘大师——弗朗西斯·培根的生涯与艺术
英国最伟大的人物画家
都柏林的英国人
培根创作中的现代特质
培根的早期创作
不安的时代，不安的人们
焦虑的画家
绘画的起点——1954年
50年代的培根画风
《根据委拉斯开兹的（教皇英诺森西奥十世）的习作》
暗夜的潜行者
绘画的引用与转借
培根与凡·高
绘画与媒介
镜内、镜外
画像与人物
戏剧空间
失去挚爱
弗朗西斯·培根访问记（黄玉珊摘录）
弗朗西斯·培根的最后访问（陈英德摘录）
弗朗西斯·培根速写作品欣赏
弗朗西斯·培根人物头像作品欣赏
弗朗西斯·培根年谱

乔治·德·契里柯（1888－1978） 出生于希腊，父母都是意大利人。父亲是铁路工程师，曾在希腊和德国工作。契里柯主要在慕尼黑受到最初的美术教育，对德国世纪末画家斐克林、克林格尔等人的作品深为喜爱。同时，弗洛伊德精神分析学说和他对绘画艺术中表现直觉、幻觉和潜意识意象的研究，对于人类感情现象的研究，在德国画家中的影响是十分广泛的。契里柯对于在慕尼黑出现的表现主义绘画虽然持容忍态度，但自己并不追随这种作风。对于他走上形而上绘画的决定的因素，乃是叔本华和尼采的哲学。他们对人的理性世界的探讨给予契里柯以有力的启发。尼采著作中对都灵广场上的拱形建筑物和它们投下的长长的阴影这种幻景式场面的描写，给青年契里柯留下极其深刻的印象。1915年，他把这印象画成了《都灵的沉寂》和《一条街的忧郁与神秘》。在以后的许多作品中，他总是离不开广场、拱门、长长的投影。如《占卜者的报酬》、《不安的旅程》、《扰乱人心的艺术女神们》等等。

《世界名画家全集丛书》包括：
《达达超现实大师——恩斯特》
《达达与超达达的画家——毕卡比亚》
《机械审美绘画大师——莱热》
《墨西哥壁画大师——里维拉》
《空间主义大师——封达那》
《美国滴彩画大师——波洛克》
《形而上派绘画大师——契里柯》
《法国印象派异乡人——盖尔伯特》
《墨西哥传奇女作家——卡洛》
《活动雕塑大师——考尔德》
《美国写实人像大师——伊肯斯》
《奥弗斯主义绘画大师——德洛内》
《抽象画第二代大家——德·斯塔埃尔》
《野兽主义绘画大师——弗拉曼克》
《至上主义艺术大师——马列维奇》
《现代心灵描绘大师——培根》
《描绘现代生活的画家——霍珀》
《美国新通俗写实画家——格兰特·伍德》
《野兽派回归写实画家——德朗》
《立体主义绘画大师——格里斯》，均使用同一ISBN。