赵嘉、于然主编的《光的美学》是一本介绍摄影中关于如何更好地控制光线的书。书中介绍了从用光到曝光的各个方面，涉及到摄影技术、艺术的多个不同方面。书中不仅涉及数码摄影的方方面面，也提及胶片摄影的相关内容。

比尔·布兰特（Bill Brandt，1904-1983）毫无疑问是英国现代主义摄影发展史上最为重要的人物，他在横亘半个世纪的摄影生涯中展现了摄影这种媒介的艺术潜力。布兰特生于德国，但最终定居于英国伦敦。在其定居伦敦后不到五年的时间里，他就被认为是英国最著名的艺术家之一。20世纪30年代，布兰特对英国这个接纳了他的国家的社会阶层做了深刻的编年史式的记录。在这之后，他陆续创作了许多令人瞩目的作品。他几乎为每一位英国文化名流拍摄了引人遐思的人像照片，他还拍摄了具有永恒意味的风景照片，以及一系列令人印象深刻的极富创造力的人体照片。然而这些成就却常常被孤立地看待，好像每一类作品都是各个不同的艺术家所为，而布兰特的遗产也在大众眼里被简化成了几张标志性的照片。 萨拉·赫曼森·迈斯特编著的这本《比尔·布兰特影与光》首度对布兰特的全部作品做了全面深入的考察，试图追溯这位摄影大师丰富多变的摄影生涯中一以贯之的踪迹。本书是同名摄影展的配套画册，从布兰特最好的原作中选取了162幅进行三色精印，并且如纽约现代艺术博物馆摄影部策展人赫曼森·迈斯特在其导言文章中所写的，力图展现布兰特摄影生涯的“不规律之美”。迈斯特以全新的学术视角对布兰特摄影生涯中各个时期的发展进行了敏锐的考察，比如有史以来第一次分析了布兰特暗房印放技术的显著变化。长期以来，布兰特在艺术史学家看来就是一个谜，迈斯特的研究为我们了解这位艺术家提供了新的角度。 本书全面分析了布兰特在“二战”期间发表于当时流行的图片杂志上的作品，我们会看到，他在战后创作的一些最令人瞩目的作品，都可以在这里找到根源。本书还对布兰特那精益求精的后期修片进行了技术分析并配以插图展示其细节，让我们近距离看到了布兰特照片背后的暗房处理手法，正是这些手法，让布兰特那些超凡的摄影作品具有了无与伦比的视觉冲击力。 208页；162幅三色印刷摄影作品。

美国视觉传播学者米契尔(Walliam Mitchell)在1991年提出“后摄影时代”(Post-Photography)这一个名词，用以形容摄影自从进入了数码时代后已出现了根本性的改变。在如今这个“一切皆有可能”、“万事已难创新”的数字时代，艺术家们的确还在使用照相机，但是仅仅拍照是远远不够的了。 那么，摄影之后是什么？ 这本《摄影之后：拍照的艺术家》便试图通过深入探究图像制造中令人兴奋的新语言来回答这个问题。 本书分为五个部分，分别是“借鉴与创新”“现实的层列”“整个世界都是舞台”“手与眼”“后现代新闻摄影”，所介绍的创作观念与技法来自21世纪52位最具吸引力、最具创新性的国际艺术摄影师。

During the last forty years, the photographer Sebastião Salgado has been travelling through the continents, in the footsteps of an ever-changing humanity. He has witnessed the major events of our recent history: international conflicts, starvations and exodus… He is now embarking on the discovery of pristine territories, of the wild fauna and flora, of grandiose landscapes: a huge photographic project which is a tribute to the planet's beauty. Salgado's life and work are revealed to us by his son, Juliano, who went with him during his last journeys, and by Wim Wenders, a photographer himself.

Filip buys an 8mm movie camera when his first child is born. Because it's the first camera in town, he's named official photographer by the local Party boss. His horizons widen when he is sent to regional film festivals with his first works but his focus on movie making also leads to domestic strife and philosophical dilemmas.

Doubling as a cartography of the ever-changing city, Bill Cunningham New York portrays the secluded pioneer of street fashion with grace and heart.

摄影术诞生170年来，它使我们愉悦，为我们服务，令我们感动，偶尔也会让我们失望，但是它通过揭示世界表象背后的神秘的陌生让我们兴奋。那就是摄影真正的魅力。 跟随BBC Four的六集系列片《摄影演义》，我们一起领略什么使得那些摄影作品如此特殊，让我们无法忘记。

《杰作如何产生》作者用敏锐的眼光选取各时期主流媒介的代表作并对它们的制作方法加以中肯解说，获奖摄影师埃蒙·麦克卡比倾情奉献，独家解析每张照片的拍摄方法和技巧，分析如何使用现代设备重现当年风采。

创意从来都不是大师的专利,如何激发灵感,获得源源不断的拍摄创意与进行 Photoshop 创新操作一直都是摄影师与摄影 爱好者最关注的话题。《人像摄影的52项创意修炼》秉承了作者一贯的“以最简单、最经济、最实用的方式完成最有创意的成品”的理念,通过52次主题式创意,循序渐进,由浅入深,带领读者开启创意之门。《人像摄影的52项创意修炼》通过对作者创意作品完成过程的全面展示,向读者传授作者在 色彩运用、故事讲述、构图设计、场景搭建、模特摆姿、技术操作、布光取景、后期制作等方面的创意经验和方法。与此同时,书中还推荐了两百余位国际知名摄影家与艺术家,通过他们的作品与创意,进一步提升读者的创意思维与能力。阅读本书,完成创意挑战,你将发现一个全新的、富有创意的自己！

在《怎样阅读照片》一书中，伊安·杰弗里展现了一部摄影的历史，始于19世纪40年代最早的肖像和风景，涵盖了整个现代时期。循着这一路线，他对该领域的重大成就，乃至影响其作为一种艺术形式的发展的社会和文化背景展开了讨论。 从多萝西娅·兰格的赤贫移民工人肖像，到欧洲和日本战时的视觉记录，本书尤其着眼于复杂的生活现实，有助于使摄影返归其自身。我们看到摄影师如何用视角、焦点和尺幅进行实验，照片同时记录了富有而大权在握者以及不幸者的生活。从中呈现出来的，是真正捕捉到人类生存状况高峰和低谷的唯一媒介所传达的故事。 《怎样阅读照片》是一部引人入胜的导读，收录了一百多位重要摄影师的传略，包括亨利·卡蒂埃-布列松、安塞尔·亚当斯、比尔·布兰特、沃克·埃文斯等。传记、历史和技术细节将他们的作品置于更广泛的语境之下，而对重要图片所做的分析，则把每一位艺术家的视野联系起来，为观众提供了发现一幅照片真正内涵的一条路径。

本书是摄影家严明继畅销书《我爱这哭不出来的浪漫》之后，代表摄影作品“大国志”的首度全面精美呈现。 书中，严明提出了“决定性气氛”的摄影理念，引申了布列松“决定性瞬间”概念，把摄影的要义和理论推向一个新的高度。 全书为双语版，中英文对照。 全书百余幅作品全部为黑白胶片拍摄，包括摄影家大量近年来从未发布过的作品，所有图片皆为诚意之作，诚意之选。 全书内外每个细节均出自著名设计师陆智昌之手。寒来暑往，本书历时近一年，从开本到版式更换数次，封面纸张的顺纹与否、侧边刷黄的深浅色值、精装堵头布的选择，每一个细节都经过反复的推敲。 全书每一张图片，都经过摄影家本人的亲自挑选，并亲赴雅昌印刷厂，历时数日，确认每一个页面印刷的深浅明暗。 每一本画册，都有其亲笔签名。 本书采用雅昌最精良的印制技术，全体人员倾注了大量心血。本书定价约为行业定价的一半，希望喜欢的人都有机会拥有。

西安，一座三千多岁，四四方方的古城，伫立在关中道上，古朴、端庄。这里曾出现过蓝田猿人、半坡先民，也曾是中国历史上第一个中央集权的统一国家的都城，当时世界上政治、经济、文化的中心，十三朝古都，周、秦、汉、唐……璀璨的一页页历史，让人叹为观止。 《城里城外》由秦岭所著，是“纸上纪录片”系列图书之一，图文并茂地介绍了西安城里和城外的风土人情。

《摄影之后》检视了大量数码媒介的运作方式——从普通人用手机拍摄的新闻事件的图片到无所不在的图像监控，这些媒介从根本上改变了我们接受视觉信息的方式。同时，对照片的处理日渐普遍，“摄影=忠实记录”的等式不再可信，并引起了质疑：在讲述个体和公众的历史时，摄影扮演着怎样的角色？继约翰•伯格和苏珊•桑塔格之后，弗里德•里奇分析了摄影的缺陷，也揭示了这一进化中的媒介所蕴含的潜力。 数码革命，假如它确实成为一场革命，将见证摄影转变为一套更广泛的媒介策略。数码环境允许图像制造者偏离传统的、牛顿式的世界观，转向一个可容纳无限视角的世界观——不再是在某个摄影师的控制下侵略性地按下快门，而是可以包含他者的竞争的声音，也包含拍摄对象的声音。 里奇——最具影响力的摄影评论家之一，研究了视觉媒体的未来：当数码革命把图像转变为超文本的媒介，这将从根本上改变我们概念化世界的方式。在一个被严峻问题和模糊边界所困扰的世界上，里奇提出，是时候开始积极探索技术创新所带来的可能性了，并且要利用它们来更好地理解我们处于剧变中的世界。

就视野和成就而言，亨利·范·利耶这部著作对摄影领域的贡献完全可以与如今我们认为的那些伟大的现代经典著作相媲美，如瓦尔特·本雅明、安德烈·巴赞、安德烈·马尔罗、约翰·伯格、苏珊·桑塔格和罗兰·巴特等人的著作。鲜为人知的是，可能由于亨利·范·利耶的《摄影哲学》是在比利时完成并出版的，他对摄影这个媒介进行了极富创新和革新的深刻反思。无论就其形式上的特征，还是在社会、文化及人类学中的功能，范·利耶远胜于其他理论家的地方是其成功地将对细节的敏锐体验与对此媒介于人类的意义的极广泛的兴趣结合起来。对范·利耶来说，摄影是依据他称之为“人类起源论”的新学科来研究的。“人类起源论”通过物种的发展史来研究人类的进化。而且，即使没有特定的规律可循，亨利·范·利耶也会聚了多门学科的见解和问题，如符号学、历史学、美学，当然还有摄影。

本书立足于国际化视野，同时结合中国国情，以现代多元化的理念为基础，分别对黑白摄影的特质、审美、地位、黑白数字暗房、黑白胶片暗房、黑白摄影的技巧等课题进行了讲述，并以胶片暗房为主线，由浅入深地讲述了黑白摄影从业余走向专业的必要过程和必备条件。同时，为了拓展黑白摄影的多元化视角，本书在黑白摄影的基础教学、艺术展示、空间开拓和深化创意等层面进行了重新排序。

历时近三年，彼得•内斯特鲁克的首本中文著作《黑白摄影的理论：黑白摄影在中国》终于要出版了。这是英国文化学者彼得先生在中国的首本著作，探讨了黑白摄影在中国的历史流变，创造性地引入了时间性、空间性以及人性的哲学命题，全面地总结了黑白摄影作品成为“经典”的种种可能，把我们常见的黑白摄影作品引入到了理论层面，作者的阐幽发微丰富了我们观看、解读作品的视野，也为黑白摄影体裁的创作提供了学术的支撑。 全书由摄影理论翻译家毛卫东翻译。

相机是工具，以此拍摄出来的照片是作品。然而在按下快门的那一瞬，其实摄影已渗入生命。在日本，同森山大道、杉本博司一起被称为战后最重要的摄影家，荒木经惟有其独特的艺术追求，打造镜头，打造视界。他的争议，撼动了摄影传统，也奠定了一条新摄影之路。 谜一样的荒木经惟，头顶各种叛 逆的名号， 这是他首次认真分享他的摄影哲学： “活着，生，与死。对于生与死的爱，那就是摄影。 ” 摄影：对于生与死的爱，那就是摄影。 镜头：我不主张换镜头，而是要自己后退或前进来接近被摄体。摄影，要运用自己的身体来拍。 快门：一直按下快门的话，那快门声就会停止喔。我认为，那就是最接近「死亡」的瞬间。在生与死之间来回不停游走的，就是摄影了吧。 焦距：焦距，要对在当时的感觉或心情，当时的事物上。 构图：我花了大半时间研究照片的构图，结果就是，那些并不重要。 照片完成度：完成度太高的照片，会让人想要马上销毁喔。在照片完成的那一刻，就会产生这种心情。甚至还在拍摄时，就想毁掉了吧。 相机：如果要改变人生，就要换男朋友，换女朋友，或是换个地点。如果想改变自己的摄影风格，那就换台相机吧。

本书是从翁乃强数以万计的反转片、彩色负片和黑白底片中精心挑选了445张作品，其中有70多张原底已被中国国家博物馆收藏。照片的拍摄时间从1964年到1995年，横跨几个不同时代，聚焦于巨变年代中普通人的生活状态与生产场景。摄影者选取了被很多摄影家忽略的细节与生活琐事，并逐渐在拍摄中摸索出一套特别的观看之道。透过这些鲜活的照片，一张张活生生的面孔从历史深处浮现出来，我们得以用极其罕见的彩色视野近距离观看那个年代人们的喜怒哀乐。青年时代的翁乃强和他的摄影告诉我们：历史并不只是冷冰冰的数字和年表，而是充满色彩和情感的个体故事。对于摄影，他只有这样一个质朴的理想：做时代的记录者。

本书是法国艺术史家于贝尔•达弥施有关摄影与电影研究成果的汇总，分为四个部分：第一部分探讨摄影的本质，同时提出一个一直萦绕着他的问题：摄影是没有历史的，或者说，由于摄影的本质，不可能存在一种摄影史——哪怕在纪念他所崇敬的瓦尔特•本雅明撰写的《摄影小史》时，他也多次重申这一问题；第二部分，分述三种不同的摄影实践，包括曾经昙花一现的立体视像、法国当代作家兼摄影家德尼•洛什的创作，以及加拿大多才多艺的全能艺术家迈克尔•斯诺的作品；第三部分专门讨论“建筑摄影”这一特殊类型；第四部分探讨运动的图像，也就是电影中的影像，最终提出一个“节奏-影像”的概念，与德勒兹的“时间-影像”与“运动-影像”相映成趣。