2014年维也纳新年音乐会由来自以色列的指挥大师丹尼尔·巴伦博伊姆（Daniel Barenboim）担任指挥。这是巴伦博伊姆继2009年之后再度亮相维也纳新年音乐会指挥台。2009年的维也纳新年音乐会开创了这场音乐会的一个新的纪元，从那一年开始，维也纳新年音乐会便在每一年都上演一到两位新的作曲家的作品。而在2014年，维也纳新年音乐会上将迎来克莱芒·莱奥·德里布和理查德·施特劳斯两位新作曲家的作品，继续为这场音乐会注入新鲜的血液。值得一提的是，理查德·施特劳斯的那部《随想曲》是他的最后一部歌剧，而剧本的创作人之一正是维也纳新年音乐会的首位指挥家克莱门斯·克劳斯。同时我们还发现，在这一年的维也纳新年音乐会上，爱德华·施特劳斯的一首四对舞将作为开场曲目，这也是近几十年来绝无仅有的一次开场选曲。同时，约翰·施特劳斯的《百万富翁圆舞曲》、《维也纳森林的故事圆舞曲》等经典圆舞曲将重返舞台。 本次音乐会曲目共计二十一首，其中有八部作品是首度出现在维也纳新年音乐会上。二十一首曲目分别出自于八位作曲家之手：除了施特劳斯家族的四位成员(老约翰、小约翰、约瑟夫、爱德华)以及经常露脸的小约瑟夫·赫尔梅斯伯格以及约瑟夫·兰纳之外，2014年将有两张“新面孔”登陆这台历史悠久的音乐盛会，他们是1864年出生、在2014年将迎来诞辰150周年纪念的德国人Richard Strauss[理查·斯特劳斯]以及法国著名歌剧及芭蕾舞剧作曲家Clément Philibert Léo Delibes (克莱芒·菲利贝·里奥·德利布)。 The New Year’s Concert live from Vienna is one of the world’s most famous and spectacular classical music events. It is broadcast on TV and radio in almost 80 countries with more than 40 million viewers. The annual New Years Day Concert in Vienna has been a major event for more than seven decades. The resulting recordings with works from the Strauss dynasty and their contemporaries are among the classical markets most important releases. In 2014 The Vienna Philharmonic invited Daniel Barenboim to conduct the New Years Concert. The programme traditionally revolves around waltzes and polkas by the Strauss family (Johann father and son, as well as Josef and Eduard Strauss), and includes works by other composers of that era. The proven formula blends well-known classics with premieres of works that have never been recorded or are rarely heard – and the result is invariably both joyful and moving. The Vienna New Year’s Concert can trace back its origins to 31 December 1939. The concert initially took place on the last day of the year. By 1941, however, it was being held on 1 January, when the Vienna Philharmonic established a tradition that continues to flourish to this day. The list of names of leading conductors who have led the Vienna Philharmonic’s New Year’s Concerts includes great maestros such as Herbert von Karajan, Lorin Maazel, Claudio Abbado, Carlos Kleiber, Zubin Mehta, Riccardo Muti, Nikolaus Harnoncourt, Seiji Ozawa, Mariss Jansons, and Franz Welser-Möst. It continues to be works by members of the Strauss family – Johann Strauss Father and Son as well as Eduard and Josef Strauss – that are central to this media event. Old favourites from their output are heard alongside others that have never been recorded or are only rarely heard; all of them programmed around two fixed points in the concert: the Blue Danube Waltz and the Radetzky March. Daniel Barenboim was born in Buenos Aires to parents of Russian-Jewish descent. He began piano lessons at the age of five with his mother, continued musical studies with his father, and gave his first official concert in Buenos Aires when he was seven. In 1952, the family moved to Israel, and two years later his parents took Daniel to Salzburg to take part in Igor Markevitch’s conducting classes. In 1955 and 1956, he studied harmony and composition with Nadia Boulanger in Paris. From the mid-1960s, Barenboim began to devote more time to conducting. From 1975 to 1989 he was chief conductor of the Orchestre de Paris, with whom he often performed contemporary works by composers such as Lutoslawski, Berio, Boulez, Henze, Dutilleux and Takemitsu. In 1973 he made his opera debut at the Edinburgh Festival and in 1981 his debut at the Bayreuth Festival, where over 18 consecutive summers he conducted Tristan und Isolde, The Ring, Parsifal and Die Meistersinger. In 1991, he succeeded Solti as music director of the Chicago Symphony and in 2006 was named “honorary conductor for life”. In 1992, he became general music director of Berlin’s Deutsche Staatsoper and in 2000, the Berlin Staatskapelle appointed him “chief conductor for life”. He also appears regularly with the Berliner Philharmoniker and the Wiener Philharmoniker. In 2007 he began a close relationship with the Teatro alla Scala in Milan, where he conducts opera and concerts as well as playing chamber music. In 2011 he was appointed music director of the legendary Milan institution. In 1999, together with the late Palestinian-born writer and Columbia University professor Edward Said, Barenboim founded the West-Eastern Divan workshop and orchestra. For his efforts towards reconciliation in the Middle East as well as his musical achievements, Barenboim has been the recipient of many prizes and honours. He previously conducted the New Year’s Concert in 2009.

马頔单曲《南山南》正式版首发 诗歌才情与旋律天赋完美融汇 今天的中国独立乐坛，一伙年轻人正愈发引人注目——八零后出生，靠悟性、天分以及荷尔蒙自学成才，又因个人性情和际遇的缘由未登摇滚之贼船；原本各自为阵，逐渐聚义结盟，啸聚社交网络与烧烤摊，Livehouse与露天音乐节，文艺地抒情，却从不掩饰草莽之气，粉丝日众，却从不居高临下自视精英…… 对于民谣组织麻油叶和它的创始人马頔而言，这样的描述不算新鲜也不算过誉，但令初识“马老板”的乐迷惊讶的是，他演出不少粉丝无数，却从未有正式音乐出版物问世。当他们兴冲冲打开马老板的音乐人页面，会不幸地发现试听Demo在不久前几乎全数下架；而幸运的是，下架是因为马老板正在录制新专辑。 这首《南山南》已并非新歌，演出现场的大合唱足可说明，就连吉他谱也早就遍布网络。但现在大家所听到的，的确是马頔第一首正式发表的单曲，它在网络版的基础上进行了漫长的重录重混和反复打磨，堪为新专辑正式发表前激动人心的前奏。作为马頔的代表作之一，《南山南》是其诗歌才情和旋律天赋的完美融汇，千帆过尽的沧桑感怀被吟哦成诗，质地纯净的词句经音符点化、器乐相协，一经唱出，所有悲戚、怅惘与惶惑，顿时蕴藉而浓烈。吉他与钢琴清浅而克制，只待提琴汇入，一舒百结愁肠；而周旋《四季歌》的采样和曲末的童声，则似闪回的记忆和定格的老照片，成为一道道伤口般的证据。“南山南，北秋悲/南山有谷堆/南风喃，北海北/北海有墓碑”，当我们无法安抚彻骨之痛，就将它升华为死亡般的宁静之美。 马老板喜欢把自己的歌当成自己的孩子，关于《南山南》，他特意写下了下面的文字，所有你想知道的，都在里面了： 迄今为止写过的歌里，这首算是用时最久的了——三年。 怎么说呢，我们曾经都幻想过很多种爱情，那是那个年纪里最丰盛的晚宴，每个人都在自己绘出的布景里以梦的方式欢笑着，推杯换盏着，继续奢望着谁都不曾离去，也不会离去。 可笑的是，没有人教会过我们如何面对分别，梦醒的时候我们已是酩酊大醉，甚至不曾挤出一个微笑，还来不及告别，就这么长大了。 我们开始图谋起悲伤，每天在长夜里奔跑，只为在天亮前精疲力尽，逃避天明时充满光亮的生活，做上一场第一次遇见她/他的梦。 后来的几年，我们会假装很好，假装不高兴，假装谁都没走，山南海北地留下脚印，在某个景色下驻足良久，长长地叹出一口气也不言不语，回忆起所有的画面，再一一说出再见。我们终于学会了道别，却不再说情话，只说谎。 这首歌断断续续写了三年，也是无数个三年里最难忘的唏嘘。

这个秋天，马頔终于带来了他备受期待的首张专辑，来与我们这些领受了相似命运的陌生人，谈论相逢的《孤岛》。 从扎根乡土的农业社会，到变动不居的现代都市，最深刻的改变，大概是陌生人与陌生人的交汇成了司空见惯的日常景象。这无疑是一个互为陌生人的社会，人们被偶然性编织在细密的关系网络中，有家人、朋友和同事，却无以对抗灵魂深处的孤独无依。存在的荒谬感与生俱来，从被抛掷于世间的那天起，我们就在寻找另一个赋予自我以存在意义的人——那个人给予我们爱情，而在相爱之前，每个人都是茫茫人海中漂浮的孤岛。 然而马頔比任何人都清楚，爱情也并非孤独永恒的解药，孤岛一次次相逢又一次次分离，每一次都如地震般激起内心狂暴的海啸，而后在伤痕和废墟上归于短暂的安宁。那些无法安抚的彻骨之痛，被马頔升华为死亡般的宁静之美（《南山南》），或深埋于童话般的隐喻之中（《棺木》），为整张专辑涂上悲戚的底色。悲戚之上，是对于爱情的沧桑况味。开篇的《Intro》即是一封留在桌边的道别信，仿佛在出门前最后一次回望室内的陈设，转身投入更深的孤独。而在下一次相逢之前，且让时光回溯，细细分辨来路上绵延如迷宫的脚印——《最后一次看不见那些人老去》，慢板钢琴与人声的委婉倾诉流露着时间淘洗后的释然，歌名隐含的悖谬色彩却早已道出堪破与放下的困难。“不能远行也不能死去/相依的人啊你在哪里”，入骨哀愁暂作悠然吟唱，转而在之后的《南山南》中得到了更有力度的释放：“穷极一生做不完一场梦/大梦初醒荒唐了这一生”；而当《棺木》后半段陡升八度的人声骤起时，绝望已铺天盖地：“你说，我们的未来/被装进棺材/染不上尘埃”…… 似乎“哀而不伤”才更能体现诗与乐的中和之美，但年轻敏感如马頔，并不刻意追求此类优美雅致。马頔要的是至情至性，也并不介意肉体的在场，荷尔蒙不是摇滚乐的专属，《海咪咪小姐》有着相对直白的名字和不算过分含蓄的歌词，曾有人谓“哀莫大于情色”，诚哉斯言。从这首歌开始，专辑暂趋清朗，间或闪现早年校园民谣式的澄明的诗意。“告诉我你爱的歌被谁唱起/歌词里我爱的全是你/我学了你爱的歌被谁听去/忘情的没看见你要离去”（《表》），只有年轻的心才能如此感伤而又如此轻盈。《时间里的》和《切尔西旅馆有没有8310》虽然满是追忆和怅惘，我们却可以从马頔此处尤显清澈与敏感的声线中，读出少年般的幻想和赤诚。 《孤鸟的歌》以清冷幽深的前奏为铺垫，编曲逐渐呈现出开阔的格局，似乎在呼应词作基调上的转向。“总有一天我会变成一只不再垂涎自由的鸟/在你的笼子里陪着你衰老 ”，以爱情为信仰，于未知之境中选择义无反顾，这显然不是一个轻率的决定。马頔不愿永为孤岛，伤痛反而让他坚决——《傲寒》即是他所得到的报偿，作为专辑的压轴曲，这是一首沉郁的诗，一曲浪漫的歌，送给即将与自己厮守终身的女人，也献给最终眷顾了自己的命运。早在《傲寒》的Demo版公布时，便有乐迷说这是他听过的最动人的“求婚歌曲”，但只有歌者马頔才知其甘苦与分量。 《孤岛》的编曲大多由宋冬野《安和桥北》的制作人韦伟（他也是旅行团乐队的键盘手）完成，从《安和桥北》开始，中国乐迷已不再仅从地下\草根\粗粝这样的角度来欣赏民谣，更可以从精雕细琢的制作里去体会歌者的匠心。《孤岛》显然是又一个典范，从吉他、钢琴、手风琴一直到Midi程序与女声和声，丰满的器乐层次之下是苦心孤诣的加减运算和对作品最深刻的理解，马頔的旋律天赋与诗歌才情得到了最完整的保留和呈现。 确实，在乐迷的眼中，马頔首先是一位诗人。深受顾城、海子等八十年代诗人影响的马頔或许并没有做一个诗人的野心，他只是用了诗人般的灵魂和才情将生活淬炼成句，在这个无人读诗的年代，以歌为媒，唱出永不凋零的爱情主题。早逝的海子曾有诗言，“为自己的日子，在自己的脸上留下伤口，因为没有别的一切为我们作证。”（《我，以及其他的证人》）那些如伤口般淋漓而疼痛的歌，也同样是在为青春作证，幸运的是，它们有着更多的知音可以分享。

每个人的心中都有一家≪吉姆餐厅≫ 2011年10月， 之后的那些秋夜！ 我总是习惯从工作室出来之后坐在隔壁胡同的清真餐厅里点几个肉串喝瓶啤酒，吃完，一个人骑着小摩托车，无拘束的，回家睡觉。 因为想念母亲至深，导致我总有一种钻心的孤独。每当天色暗下来，每当一切静下来，眼前就会浮现从前的一幕幕。 秋夜带给我的凄凉是任何喧闹都无法覆盖的。餐厅里生意很好，老板、服务员们和我都很熟悉，就像我对秋天一样的熟悉与敏感。突然我觉得这家餐厅就像我的家，它像家人一样在为我准备着晚餐，那个嘎小子服务员总是对着我笑。顺着这个突如其来的怪想法，我跳了出来：我坐在旁边的椅子上看着那个正在端着酒杯流泪的男人，不知道该和他说些什么，我能理解他的悲伤，却无法为他清唱一支歌。我为自己起了个新名字，那是从母亲的名字延续而来的。“米尔”！这名字把我和母亲绑在一起。然而我又很讨厌这名字，它提醒着我，催促我走出那片时光乐土。我为这个餐厅也起了新名字“吉母餐厅”，因为在这里吃饭是要付钱的，所以“吉母”变成“吉姆”。 所有的餐厅都是吉姆餐厅，它是从“家”演变过来的另一个似家的环境，隐匿于心。每天都会有很多人坐在吉姆餐厅里用餐，但是你们是否像我一样怀念过去，怀念那些陪伴我们走过的故人。 我不知道自己今后的命运是什么，但我会把吉姆餐厅装在心中，像母亲告诉我的那样，一直走下去。 赵雷 2014年6月24日