演奏巴赫这六首无伴奏组曲，最富于启示性的也是最早的权威的版本，当然是卡萨尔斯3O年代后期的这个录音。这些组曲曾被相当多的音乐家演绎，卡萨尔斯的浑厚有力，富尼埃的舒展如歌，罗斯特罗波维奇轻盈而显得匆忙，初听上去简直就象不同的作品。卡萨尔斯的录于30年代(36年至39年)大师刚过了60岁之后。我一向怀疑四十年代和之前的所谓历史录音，认为无论上一代大师们的演奏如何精彩，但毕竟录音技术有限，很难保留真实的演奏的音响。如果把罗斯特罗波维奇的演奏看作一幅色彩斑谰的油画。卡萨尔斯就是早先古朴的铜版画，线条坚实挺劲，具有难以想象的力度，像是凸现于整个画面之上种线条一旦在你面前显出须眉皆动而欲飞舞之状时，真是要令人心魄俱与的。巴赫的精神，在这里始终是回荡在音乐的空间之中，而不是从中沁出来。 卡萨尔斯手指的力量惊人，不知是否得益于他边拉琴边抽雪茄的缘故，大提琴像是他的一件玩具。长期来，卡萨尔斯的这套录音已被公认为为这个作品的里程碑式的权威演绎。他的这一成就来自他对这部巴赫巨着的长达几十年的精心研读和作品精髓的发掘。据他自述，从13岁时他在一家旧书店发现这套作品的乐谱开始，他在这套作品上每天研读练功12年，到25岁才鼓起勇气第一次公开演奏其中的一部全曲。又过了35年，才在录音公司的长期不断催促之下答应录制这套作品，使我们今日能得以领略一代大师对这套作品的解读。

金装卡拉扬系列。 这张唱片收录德沃夏克《第九交响曲》和斯美塔纳《我的祖国》。 德沃夏克的《E小调第九交响曲》（自新大陆）灵感源自创业时代的美国，体现了意气勃发的朝气。整部乐曲结构完整，配器丰富，音效丰满，是交响曲这一体裁中口碑极佳的一部伟大作品。四个乐章形象各异，精彩绝伦，均是经常在音乐会上单独演奏的名曲。 卡拉扬指挥的这个版本，不再像柏林爱乐版中那样德国味十足，代之以优雅的维也纳乐风。“企鹅”评价三星保留一星，并得到日本“究极百大”榜单与日本《唱片艺术》名曲三百共同推荐。

布兰诗歌》是作曲家卡尔·奥尔夫在偶然机会里，阅读到许梅勒(J.A. Schmeller)在1847年收集而出版的中世纪拉丁语与德语的抒情诗集所得到的灵感。它深藏在巴伐利亚修道院内多少世纪不为人知，一旦被公之于众后震惊世人，它是目前所知的保存最为完整的也最具艺术价值的中世纪诗歌。其中对10世纪末到13世纪初世俗而狂放的社会生活景象而着迷，于是将其中的24首诗配上音乐，全曲节奏热情澎湃、管弦与打击配器炫丽迷人，首演后马上就成为20世纪最受欢迎的合唱与管弦乐作品之一。《布兰诗歌》仿佛它来自天国，而非人间产品。二十世纪德国作曲家卡尔·奥尔夫长期生活在巴伐利亚，他从这部诗稿中选取25首诗歌，谱成这部《布兰诗歌》，分“春天”、“酒”、“爱”三个主题。 序诗《命运，世界的女神》壮美凝重，作曲家仿佛企图借助吟唱与谛听来建立起一座神庙；正歌的第一部分“春天”，轻快、明亮中蕴涵着悠远，合唱男女声部交替呈现宛如时序中的昼夜变化；第二部分“酒馆”则是一片世俗景象，唱腔中运用优伶式的假声与转调,有如在描绘一个假面聚会的场景中人们醉生梦死的世态；但奇怪地是，欢腾的场面似有幽灵掠过的阴冷；第三部分“爱”中，有着对爱的渴望的宣泄和对爱的忧伤的赞美，以及对情欲的质朴的歌唱，其中，女声吟唱“In truitina”（In the balance）华美而凄艳，已经成为演唱会中的经典保留曲目。作曲家卡尔·奥尔夫在继承古典作曲法基础上加入新式旋律，他在“表现主义”的影响下运用了新原始主义元素，节奏上加重打击乐成分，使《布兰诗歌》将中世纪的游吟与现代歌咏结合得非常完美。 《布兰诗歌》充满了令人惊奇的成分和戏剧性，它大开大阖，既有雄壮的呐喊，又有委婉的咏叹，犹如汹涌的急流撞向岩石发出澎湃的声响，又如潺潺小溪蜿蜒地流向柔软的草滩。乐队与唱咏交相辉映；令人震撼的打击乐像是命运的召唤，有着强烈的扣击灵魂的效果。 《布兰诗歌》是一曲对生命的赞歌，似乎有神的目光在暗中注视。它在三个主题引导下微妙地涉及了"信仰"、"死亡"等动机，调性既有着世俗的欢乐成分，又有着史诗般的恢弘气势。其中所隐含的真正的动机，则是对短暂人生的垂怜、惋惜和哀叹。 《布兰诗歌》有别于传统的歌剧，可以说是卡尔·奥尔夫音乐教学成果的集大成：它融合了文艺复兴时期的音乐风格、教堂音乐、文字、舞蹈、剧场效果以及来自于德彪西、巴托克于斯特拉文斯基等人作曲方法的影响。 《布兰诗歌》自1937年在法兰克福首演到今天，《布兰诗歌》已成为古典音乐中的流行曲，几乎无人不晓了。哪怕不停古典音乐的人也常能在影视，广播等媒体中领略其一二。描述中国足球命运的纪录片把它作为插曲，影片《西点揭秘》把它当作配乐，拳王霍利菲尔德把它作为出场曲，连流行歌王迈克尔·杰克逊都曾斥巨资想买其 版权，可见此作品的流行程度。究竟它魅力和在？可听性恐怕是首要的一点，但旋律之美并不是一部好作品的本质。作品能打动人，源自作品与人的心灵的相通，相通的途径阻碍越少，越能引起听者的共鸣。“表达愈具本质性、单纯性，效果也就愈直接和强烈。”这是奥尔夫的原话也就是他的艺术观。 虽然奥尔夫在写完布兰诗歌后，就相当自豪地对他的出版商说，可以将他先前交付给他的作品都给毁了，这首布兰诗歌才算是他第一部作品，但事实上，他在这之前的音乐风格，就已经一步步朝着此曲在摸索。他接受了巴托克与斯特拉文斯基的音乐风格，试图在自己的音乐中重塑一种古式、民谣一般的简单语言。他回避了当时风行的无调性、音列作曲手法、也完全否定先前的对位技巧，在自己的音乐中呈现出一种异教徒、野蛮、反动、毫无包装和隐藏的原始风格。而当而当布兰诗歌的13世纪经文跃然于眼前时，乃触动了他脑海中的完美音乐理念与中世纪诗词的结合，缔造了他的大作。奥曼第这份布兰诗歌虽然是在1960年录下的，但是由于当年的工程师很明智的选了费城布罗伍旅馆进行录音，将曲中特殊的打击乐效果和大合唱的爆发力捕捉得非常细腻且充满音乐感，而奥曼第又将奥尔夫音乐中那种鬼魅的异教感掌握得恰到好处，因此多年来始终未有更新的版本超越。奥曼第以极慢的开端诠释此曲，乍听之下或许没什么味道，但是音乐随着歌词变化渐入佳境，独唱者没有明星却与合唱团达成很好的平衡，“费城之声”在这里追求的也不是极美的音色，而是心灵的洗涤与音乐交融的和谐感，这是很不一样的诠释，值得一听。这次再版运用原始的母带加以复制，并加收了多年来未曾问世的卡图利之歌，并附上原文和英文对照歌词。可说是格外珍贵。

《美丽的磨坊女》唱片收录舒伯特三部最著名声乐套曲中的《美丽的磨坊女》，由英年早逝的情男高音大师翁德里希演唱，吉森钢琴。这个录音录制于1966年，当时刚一出版，便获得多项大奖，也是这位伟大歌唱大师为数不多的录音之一