《寫真的話》分成三個章節，以「早晨」到「夜晚」比喻荒木經惟的攝影生涯。他精心挑選各個階段最具代表性的作品，從「攝影的修業時代」開始，風趣幽默地向讀者敘述每張照片背後的故事，並且穿插許多對於「攝影是什麼」的精采見解，最後則以「攝影的絕頂時代」作結。他說：「攝影集依照年代順序，列出我從二十三歲開始所拍的照片，這種做法實在很有趣，因為這樣一來，我的整個人生看起來就像是不斷地拍照。而且，這種編排方式印證了我長久以來的想法：所謂的攝影，就是人生。」
在《寫真的話》裡，可以清楚看見荒木經惟對於攝影的態度與堅持──「活著就是要保持進行的狀態，並且對於各種事物懷抱好奇心。例如我的童年時期；對於街上偶遇的中年女性的面孔一見鍾情、拚命拍攝的時期；接著則是與老婆陽子相遇、蜜月旅行、初夜、做愛，甚至連她去世時我也拍了照片。此外我也拍天空、拍雲、拍花……什麼都拍，也拍了我的貓奇洛。」不斷地按下快門，藉此將身邊所有事物聯繫起來，這份聯繫正是荒木經惟活著的象徵！

“对我而言，摄影是心智、直觉与身外世界在取景框中的一次相会。摄影是一种生活方式。”
——亨利·卡蒂埃-布列松
本书是目前所有关于亨利•卡蒂埃-布列松的出版物中资料最丰富、最详实的，《珍藏布列松》一书首次汇集了以前从未被收集在一起的全套资料。。内容涵盖如此之广泛，除了摄影，还有电影及绘画作品，以及布列松的家人和朋友给他拍的生活照。
•亨利•卡蒂埃－布列松早期拍摄的照片，其中一些未曾发表过
•精心陈列的老照片
•构成亨利•卡蒂埃－布列松摄影作品精华的精选照片
•亨利•卡蒂埃－布列松拍摄的影片，或者关于亨利•卡蒂埃－布列松的影片
•书籍、专题论文、故事、代表作品选，总而言之就是亨利•卡蒂埃－布列松的作品在印刷品领域所产生的一切，并首次收录了复制这些摄影作品的出版物
•亨利•卡蒂埃－布列松在最近三十年创作的绘画作品
•亨利•卡蒂埃－布列松对童年和家人的回忆。
亨利•卡蒂埃－布列松，这个在不经意间成为神话的人，到底是什么人？他从不停止工作，在摄影界留下了个人的印迹：严谨的分析，形式与本质的完美结合，如此完美，似乎唯有如此才能描述日常生活或历史长河中的某一事件，才能描绘某一处风景，才能刻画某一个人物的内心世界。他声名显赫，举世公认，无论是在专家、专业人士还是大众眼中都是如此，这是一个不争的事实。
70岁时，亨利•卡蒂埃－布列松想要重新捡起自己最初的爱好，于是不再奔走于世界各地。从年轻时起，绘画和素描就是他最为关注的，自然而然地，他将一种活动与另一种活动相结合。很快，在那些最著名的展览馆，人们看到他的绘画和摄影作品交替出现或者同时出现。就这样，随着岁月的流逝，亨利•卡蒂埃－布列松变得更加复杂，更加丰富，其动机也更加令人难以琢磨，尽管他的立场没有丝毫矛盾之处，他的选择没有任何犹豫不决，不论是在艺术上还是政治上。
为亨利•卡蒂埃－布列松编写一部完整的作品集的想法令人难以抗拒。
因此，《珍藏布列松》一书首次汇集了以前从未被收集在一起的全套资料。
我们希望发挥自己的全部活力，对“亨利•卡蒂埃－布列松，这究竟是什么人？”这个问题做出回答，这样的活力曾经并且仍然伴随着亨利•卡蒂埃－布列松——一个超越传统的人，摄影史上最耀眼的明星之一。

•Arguably Japan’s greatest living photographer – and certainly its most controversial – Nobuyoshi Araki (b.1940) consistently challenges artistic and social conventions in postwar Japan by referencing the country’s rich history of restraint, commercialism and eroticism
•This new abridged edition includes all of Araki’s major bodies of work, such as Sentimental Journey (1971), Winter Journey (1991) and Erotos (1993)
•Araki’s prolific 48 year career is represented through his finest and most iconic images all in a lavishly produced, large-format book
•Araki’s writings, widely admired in Japan, are also included, providing a unique opportunity for the English reader to discover the artist and his motivations
•In this affordable and accessible format, a new audience of photography students and enthusiasts will be able to own the definitive work on this influential photographer

這是關於日本攝影師荒木經惟的貓---奇洛

布鲁斯•布洛克有三十余年的影视行业工作经验和电影教学经验，对影像的视觉结构有着深入而独到的认识，本书已被译为5种文字，是电影专业的经典教程。
书中介绍了空间、线条和形状、影调、色彩、运动、节奏等基本视觉元素，以及如何运用这些元素驾驭视觉结构、表达人物情绪、展现故事主题， 进而创造出更具表现力的影像。同时，本书也能够使读者清晰准确地认识到故事结构与电影、视频、动画和电脑游戏等视觉媒体的视觉结构间的关系。此外，全书图文并茂，配备了大量作者自己制作的和从影片中截取的插图，主要章节还列出了“推荐片目”，以便读者可以更深入地，更有针对性地观看影片。
本书最大的特点，就是消弭了电影教学过程中普遍存在的理论与实践间的巨大鸿沟，不但能让读者更有意识地掌握电影这门“外语”的视觉语言，而且在每章结尾给动手拍片的创作者提供了切实可行的具体操作建议。这本书既是电影专业学生训练视觉思维的基础必读教材，也能给电视、商业广告、电脑游戏等领域的从业者提供视觉设计方面的启发。
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★深入浅出，用最基本的视觉原理，告诉你如何打造属于自己的影像视觉结构
★条分缕析，将影像的视觉结构拆分为7种基本视觉元素，分别加以论述，并列出推荐片目
★学以致用，每章结尾作者都会对创作提出可行化意见，具有极强的实践意义；
★图文并茂，全书配备了大量电影插图和作者自制的示意图
★赏心悦目，整本书全彩四色印刷，带你探寻影像的视觉
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布鲁斯•布洛克所阐释的视觉结构，对动画领域的工作者们都是一种启发。对任何一位艺术家来说，本书都是极有价值且必不可少的参考资料。
— 沃尔特•迪斯尼电视动画
我认为每一位正在接受培训的电影摄影师都应该读读这本书。他们能从中学到团队合作的重要性，且其中所有的概念都是为了打造视觉结构而设。
— Rexford Metz，美国电影摄影师协会
布鲁斯•布洛克娴熟地剖析了如何用视觉手段讲故事。电影专业学生必须掌握这一实质。这本书会使你成为一名更为优秀的电影人。
— 美国电影学会
布鲁斯•布洛克的著作不仅给影像工作者提供了视觉上的选择，更为他们决定讲故事的最终方式提供了框架，以及使故事结构和银幕画面协调统一的工具。
— Randy Nelson，皮克斯大学校长，皮克斯动画工作室
布鲁斯•布洛克对电影的视觉结构有着独到的见解与认识。《以眼说话》在同类图书中独一无二。它会帮助你运用视觉元素，从而成为一名更好的讲故事的人。
— Nancy Meyers, 《爱是妥协》、《恋爱假期》导演
无论你是电影人、图片摄影师，还是平面设计，布鲁斯•布洛克都以清晰易懂的方法，告诉你视觉元素是如何被用来讲故事的。
— David Pagani，实况转播创意总监，美国DIRECTV公司
布鲁斯•布洛克是视觉内容设计领域的一个传奇。他对影像画面的卓越洞察力会永远改变你的工作方法。
— Dan Pappalardo, 执行设计总监/合作伙伴，Troika Design Group

《关于他人的痛苦》是苏珊·桑塔格继《论摄影》之后又一本关于摄影的专著，也是她生前的最后一部作品。这本书聚焦于战争摄影，探讨影像反映出的人的痛苦与观者之间的关系。惨不忍睹的影像尽管能唤起观者的悲悯之心，但人们的无能为力感更让这些在生活中无孔不入，又格格不入的影像显得多余而荒诞。若不经思考而直接相信影像之内容，我们的道德判断力只会愈来愈弱。桑塔格以纯文字书写影像，为观者提供思考空间以正视“他人的痛苦”。

法兰克学派的边缘人瓦尔特·本雅明的艺术论述在半个多世纪以来一直处于一种有些奇怪的境地：饱受读解、屡被援引却依然面目暖昧，意旨难索；他对摄影、电影、戏剧等艺术形式的探讨莫不如此。这一情况本身正是作者思想魅力的最强力证明。《摄影小史》谈摄影而意在历史社会，《技术复制时代的艺术作品》似乐观而实冷峻，至今仍值得我们体会深思。也许，丁雅明更应被作为一位激进的批判思想家，而非所谓的“最后一人文人”。

鸦片战争，太平天国……衰腐的晚清帝国在喘气的间隙开始洋务运动，西学东渐，改变悄然发生。纪实摄影的先驱约翰•汤姆逊恰逢其时来到中国，223幅照片以强烈的纪实风格，记录下落后腐朽与求变图强并存的中国。因此有了这部中国最早的全景式影像记录，也是第一部通过直观的照片而不止是抽象的描述，多层 面地介绍中国的皇皇巨著。
1867—1872年间，约翰•汤姆逊足迹遍布中国南北各地，包括香港、澳门、台湾、海南、北京、上海、天津、广州、武汉、南京、镇江、厦门、福州、宜昌、九江、烟台、宁波……镜头下既有达官显贵与贩夫走卒，也有山川河流和民生时局，显要人物如恭亲王奕、晚清重臣李鸿章、两广总督瑞麟、军机大臣宝鋆、兵部尚书沈桂芬、工部尚书毛昶熙、户部尚书董恂、数学家李善兰等，都有珍贵的影像呈现；又如烟客、媒婆、马快、兵卒、囚犯、纤夫、乞丐、僧尼、商贩、艺伎及识银、缫丝、制茶、葬礼等等社会百态都有生动的记录，金陵机器局、福州船政局、初建时的上海外滩，以及铁路、轮船等新的气息，也是书中重点观照的对象。
汤姆逊不仅仅是一名摄影大师，更是一位带着自己的思考行走的观察者，他对中国社会的解析涉及方方面面，无论镜头或是文字，视角都颇为科学、严谨，至今仍觉新鲜、生动。我们看到的人物、风光、建筑、物什，不仅仅是1870 年代中国的面貌，也是更长的时间跨度内、甚至在某些方面数千年都鲜有改变的中国的侧写。因而很多时候，文字并不是照片的附注，而照片却可视为文字的说明。
汤姆逊出版此书的初衷，是为西方提供有关中国的百科全书式的影像资料，而在当下中国，透过西方人探寻的目光，我们看到了一个近150年前真实存在的中国，看到了今天的中国从哪里走来。

《被遗忘的人》1989－1990年
吕楠的三部曲之旅是从拍摄精神病院起步的，从1989年开始，吕楠前后走访了38家精神病院和上百个患者家庭。每拍摄一个精神病人，只要条件和情况允许，吕楠都会进行面对面的采访，了解病人的身世、家庭背景和病情，并作记录，采访时间一般不少于一个小时。通常接下来的拍摄会再花一至两个小时。
有一次，吕楠在北京安定医院拍摄，在一间病房外面，遭遇了一个强壮的病人，吕楠本能地用手护住头，就在这时，那个病人却向他伸出一只手，要和他握手。在这一瞬间，吕楠被病人的友好和善良深深触动，此后，在吕楠的心目中，再也没有精神病这一概念，在他眼中，精神病人和所有的人一样，也有喜怒哀乐，也有正常的感情。
吕楠在拍摄中发现，精神病人在“文革”中一度被当作是没有远大理想的人群对待，毛泽东思想和毛泽东语录曾经被用来作为精神病人的治疗手段。他在四川一家精神病院的墙上看到一条标语：“没有正确的政治思想就等于没有灵魂。”那个“魂”的云字旁被人抠掉了，变成了“没有灵鬼”。
陶世茂，22岁，是四川一个偏僻农村里惟一的大学生。寒假回家时首次发病，杀死母亲，打伤父亲。极度恐惧的家人便把他关进石头房子里。每天为他送饭的是最疼爱他的85岁的奶奶。
采访完患者的家属，吕楠提出要见一见患者，患者家属用杠子为他抬开压在石头房子顶部沉重的石块。吕楠下到石头屋子里，和病人聊了一会天。在此之前从来没人敢下去，但吕楠却发现病人非常正常。只是因为石头屋子里面太暗，环境说明不了什么问题，吕楠才回到屋外。
患者的父亲和奶奶满面愁容地坐在石头房子前。吕楠和石头房子里的患者商量：我希望别人知道你在这样的屋子里，你的手能不能伸出一点来。患者照办了，于是，吕楠拍下了这张照片，这只从狭小洞孔里向外徒劳挥舞的手比出现完整的病人像更令人震撼。
在谈到精神病院拍摄时，吕楠反复提到的一个词是“尊严”。广西一家精神病院的重病者病房，全身赤裸的女病人站立在铁栅栏做成的铁门背后，双手搭在铁栏杆上，病房外的近景坐着一个老年女病人。照片旁的说明文字写着：重病者病房里23岁的女病人住院超过一个月，但她从来没有离开过13号病房。
吕楠说：“她可以坐在那里，也可以站在那里，也可以趴在那个上面，她可以在房间里的任何地方，而且事实也是如此。但是我要让她的尊严显现出来，只要她是歪七扭八地靠在这个门上面，我就不会拍。”
吕楠对女病人说道：你能站过来一点吗？病人按照吕楠说的靠近门站着。近景的老年病人本来也在病房外坐着，但是偏离画面，吕楠看见了，希望把她也加进取景框：如果不加进来，可能会有两层歧义，一、会让人觉得这家医院所有的病人都是关在房间里的，其实病房里的病人只是比较重的一个；另外，画面上没有老年女病人出现，房间里的人就太强了。
吕楠叫老年女病人坐过来一点，更靠近画面中心：“很多人慢待摄影，他们有一个事先虚设的前提：世界是为摄影师准备的，你‘咔嚓’一下就行了，没那样的事。你必须要调整，但是这个调整不能违背真实，调整要注意的是一定要够，但不能过。如果画面里没有关在房间里的女病人的话，就没有力量，老年女病人不过来，我也没法拍，我等她过来了，就开始拍，拍了五六卷，直到院方很客气地把我请出医院。”
吕楠对待所有的病人都一视同仁，即使是丧失行动和语言能力的病人。在一张照片旁边，吕楠写道：“天津的一家精神病院，她不会说话，是警察三年前在大街上捡的。她有破坏欲，医院不能为她提供衣服和被褥。一天中的大部分时间，她都是躺在地上，确切地说是躺在自己的尿和屎的混合物上。这些脏物一星期才会有人来打扫一次。拍照半年后，她死于这家医院。”面对这样的病人，吕楠按下快门的瞬间也是她挺直身子坐在没有床垫的床上，而不会是歪歪斜斜躺倒的样子。
吕楠在很多照片旁边都有简短说明，写下了病人的姓名、家庭、住院前后的基本状况。以前，别人问吕楠为什么要写那么多照片说明，吕楠也讲不明白，直到看到桑塔格在《旁观他人之痛苦》里对摄影家萨尔加多的作品提出了批评。桑塔格这样写道：“这些照片以孤苦无告的蚁民百姓为焦点，却又把他们打回孤苦无告的原形……他们的姓名在图片说明中一律从缺，拍摄人物照却不列出对象的姓名，等于是在有意无意之间与名流文化同流合污，同时助长了对另一种截然不同的摄影口味的贪婪需索：只授予名流姓名，而将其他人贬降为他们的职业、种族及惨况的代表性样本。”吕楠发现现在可以很地好回答这个问题：我写下说明文字的目的，就是为了不把他们的苦难当作他们的职业。
也有例外，画册里有一张拍摄于北京一家精神病院的照片，小女孩怀抱一只玩具熊猫，目光与镜头对视。吕楠在照片旁边用简短的文字写道：女孩，11岁。由于缺少儿童病房，中国绝大多数儿童患者只能同成年人住在一起。这些成年人不仅不会照顾他们，有时还会打他们。
画册上原来有小女孩的名字，但是在画册制版的当天晚上，吕楠考虑再三，还是把女孩的名字划掉了。吕楠担心女孩以后痊愈了，不愿意让人家知道她以前的经历，有名字就会带来麻烦。
耗时两年完成的《被遗忘的人》虽然具有强烈的视觉冲击力，但吕楠并没有强调病人的痛苦和惨状，而是以极其克制的拍摄手法，真实再现了精神病人的生存状态：“我拍完了精神病院以后，才理解病人的想法：医院外面才是精神病院呢。里面倒像教堂，像寺庙，像修道院，宁静至极，安静极了。”

這是蘇珊‧桑塔格2003年的最新論著，也是繼《論攝影》之後，另一部深入探討影像與當代文化關係的力作。桑塔格在書中追溯了現代戰爭與攝影的演進，近代反戰運動的發展，以及影像與新聞、藝術和文化之間的複雜與曖昧。那些源源充斥於現代生活中的戰災影像，究竟是「記錄了」戰爭的原貌，還是「建構了」災難的神話？究竟是激起了我們對暴力的厭惡痛絕，還是磨平了我的同情心？旁觀他人的苦痛究竟是為了謹記教訓，還是為了滿足我們的邪淫趣味？觀看這些凶劫的影像究竟是要令我們堅硬一點以面對內心的軟弱？還是令我們更麻木？或令我們接受生命中不可挽回的創傷？而面對這類由照片所帶來的遠方災痛的知識，我們又該做些什麼？桑塔格這本書不僅讓我們重新思考影像的用途與意義，更直指戰爭的本質、同情的局限，以及良心的責任等重大議題。

本书在摄影的话题之上，深入这些摄影家的创作、生活、转变以及对于作品的媒介属性与社会公共话题之间的 联系进行问答。同时，本书也涉及以下重要话题：摄影史，摄影教育，摄影与图片的分界，摄影的个体性，拍摄对象与拍摄者的关系，摄影的艺术与关怀之争，中国摄影的过度表达等常见病，对苦旅式拍摄状态的存疑，艺术拍卖，返乡，寻根潮，城市化进程，个人史，视觉训练…本书在提取被访者的艺术思想的同时，也着力于访谈的可阅读性。同时，试图进入摄影家的内心世界，将生活、经历等精神镜像与其作品所携带的影像诉求结合起来。 本书可说是“中国摄影第一次真正意义上的抽样调查”。

本书是法国艺术史家于贝尔•达弥施有关摄影与电影研究成果的汇总，分为四个部分：第一部分探讨摄影的本质，同时提出一个一直萦绕着他的问题：摄影是没有历史的，或者说，由于摄影的本质，不可能存在一种摄影史——哪怕在纪念他所崇敬的瓦尔特•本雅明撰写的《摄影小史》时，他也多次重申这一问题；第二部分，分述三种不同的摄影实践，包括曾经昙花一现的立体视像、法国当代作家兼摄影家德尼•洛什的创作，以及加拿大多才多艺的全能艺术家迈克尔•斯诺的作品；第三部分专门讨论“建筑摄影”这一特殊类型；第四部分探讨运动的图像，也就是电影中的影像，最终提出一个“节奏-影像”的概念，与德勒兹的“时间-影像”与“运动-影像”相映成趣。

认识27年，恋爱11年，结婚8年，自助旅行10年，23个国家，十几万张照片，几十万文字……
他们青梅竹马，万水千山。
他们双手紧握，边走边爱。
爱情迟早褪去激情，唯有我们始终牵手旅行。

● 热爱电影的人都知道他——安德列·塔可夫斯基，太多人因为他而爱上了电影。
● 他的作品每一部都是经典，都让他名留影史。
● 他的诗性叙事开创了崭新的艺术典范，奠定了他在世界电影史上无可争议的大师地位。
● 塔氏博大且宁静深邃的精神气质，透过拍立得，让无数人惊鸿一瞥。
● 正如他的电影那样，照片缓缓流出感伤与爱意，传达着他的孤独、哲学和关怀。
● 在这里，塔式的时光穿越镜头，烙印于画面之中，不知不觉，让人沉迷其间。
● 他的影像的无穷魅力，引领读者进入一种凝视与冥想的状态，并渐渐安静下来，无声地观看这个世界。在沉静之中抵达超越性的想象、思考与诗性体验。
本书是塔可夫斯基的摄影随笔，也是他最独特的一本摄影集。收集了塔可夫斯基在1979年至1984年之间，在俄国和意大利所拍的69张照片，即塔可夫斯基完成《潜行者》（Stalker，1979）之后，在《乡愁》（Nostalgia，1983）摄制期间所拍的。这一系列精粹出色的生活小品让我们看到，这位导演不单是流动影像的大师，在捕捉画面上也同样杰出。

此书所收文章全部选自艾未未曾经的博客，选取内容是博客文字与艺术、建筑、摄影相关的文章和一部分艾未未对艺术家所做的访谈及为艺术家策划的展览的序言，以及一部分艾未未的被访谈的整理。时间是在2005年底至2008年中。
互联网的虚拟存在成为现实的一部分，极大拓展了我们的生存空间，使不擅长文字的艾未未产生表达欲望和传达之可能，这也成为这本书出现的自我矛盾的理由。

正确的资料页面见这里：
http://book.douban.com/subject/10479476/
原名《LENS.视觉》、《财经视觉》。财讯传媒集团出品。一本深度关注社会、文化、历史和生活方式的影像新闻杂志。2012年起，每月6日上市。
《Lens》杂志自2005年1月创办以来，以图文结合的叙述方式，关注不断变化的现实和永恒不变的人性。
“即使是一道最微弱的光，我们也要将它洒向需要温暖的生活……”
新浪、腾讯微博：@lens杂志
豆瓣小站：http://site.douban.com/lens/
官方网站 http://www.lensmagazine.com.cn（即将推出）

我，从使用名为“摄影”的装置以来，一直想去呈现的东西，就是人类远古的记忆。那既是个人的记忆，一个文明的记忆，也是人类全体的记忆。
——杉本博司
杉本博司是我们这个时代最令人尊重的摄影家之一。他的摄影中，艺术、历史、科学与宗教的诠释环环相扣，完美地将东方哲思与西方文化意涵结合在一起。
——哈苏摄影基金会
日本国宝级摄影师，亚洲当代摄影拍卖纪录保持者，杉本博司文字代表作。将最亘古永恒的事物用最崭新的方式呈现。以生命、时间、历史为核心，书写个人对文明兴衰的解读与想象，探讨这世间的刹那与永恒，蕴含深刻的思考和智识。
书名“直到长出青苔”取自素有“日本诗经”之称的和歌总集《万叶集》。书中收录了杉本博司自1974年以来所有的代表作品，包括“海景系列”、“肖像系列”、“剧场系列”、“建筑系列”、“博物馆系列”、“布景系列”等。分为十六章，每章以一幅杉本的摄影作品和一段问答起兴，延引出艺术家本人通过摄影的方式与历史、哲学、时间、记忆、梦境等主题的互动所获得的洞见，并以及其诗意而禅意的方式娓娓道来，充满东方意境。

此文是Benjamin, W.的作品Illuminations （1970）。全文讨论「艺术」及其产物在历史的脉络中如何因为艺术生产工具的发明而产生质变与量变，并讨论这种变化的过程如何渗透到文化的场域中，使文化场域中的权力重新被界定。经由Benjamin, W.犀利思想的引介，吾人可一窥各类艺术在近代演变的来龙去脉，及其与科技结合后隐晦不显的一面。
本雅明的思想根植在犹太教卡巴拉神学传统中，后来接受马克思主义，并受超现实主义等思潮影响，形成独特的文风，行文凝练，意象交叠；称为“意象的辩证法”，既为时人称叹，又不为时人理解。今天，大多数激进思想家和文人的身价都在下降，本雅明却独享出人意料的运气与声望，此中奥妙；颇堪回味。
《迎向灵光消逝的年代》辑录本雅明论艺散文四篇：《摄影小史》、《机械复制时代的艺术作品》、《绘画与摄影》、《法国国家图书馆中国画展》。