中文版序 油画作为西方绘画的一个重要画种，传入中国已近百年。早在二三十年代，随着以欧洲式写生训练为主要教学内容的美术学校的创立和推广，西方绘画名作通过印刷复制品大量介绍，与这种教育体系密切侠关的西洋美术史论、艺用解剖学、透视学、色彩学和构图学等也都早有翻译和著述出版，惟独同样与西方绘画发展有密切关系的绘画技法与材料学，除了一些属于绘画入门之类的小册子外，迄今尚无一本重要著作被翻译介绍进来。今天油画在中国已获得很大的发展与普及，拥有众多的美术院校和一支很壮大的油画创作队伍，但遗憾的是，国内在这一学科领域的研究，仍然处于非常落后的状态。 已故慕尼黑大学教授马克斯·多奈尔(Max Doerner,1870—1939)撰写的《艺术材料及其在绘画中的应用》一书，初版于70年前的1921年，它长期以来一直被西方艺术界推崇为绘画技法材料学科的最重要著作之一，甚至有“技法圣经”的称誉。其影响至今不衰，到1976年为止，在德国已发行了14版，西方其他国家也早有多种译本。在亚洲，1980年有了日文的新译本，书名称作《绘画技术体系》，现已发行第4版。今天这本欧洲绘画技法理论的经典著作能在中国翻译出版，对中国绘画界来说，无疑是一件喜事。 关于多奈尔教授的经历和本书的学术价值，在原书几版序言中皆有论及，读者可以参看，无须赘言。我只想利用此机会，感谢最早介绍和提供本书英文版本的一位海外华裔画家，感谢付出心血和巨大劳动的两位中文译者，感谢出版此书的出版社。 在很摛时间里，大多数中国油画家主要是依赖绘画印刷品和文字材料来研究和借鉴西方绘画的，这可能并不妨碍对西方历代绘画大师生平经历、作品成就、时代影响等方面的了解，亦能大体把握其造型技巧、艺术风格的基本特征，但却不能不限制和影响对这些大师艺术语言的精妙处的体味，以及其在技法材料运用上某些奥秘的理解。我个人还是在1984年以后，才有机会到欧洲观摩各博物馆收藏历代绘画大师的原作。站在那些神往已久的艺术杰作面前，才真正意识到这个问题。显然，中文版序ⅦⅥ欧洲绘画大师技法和材料这些大师艺术上光彩夺目的成就，除了历史条件和个人才华等原因之外，也无不与其技法探索精益求精密切相关。他们所以能够创造出不雷同于前人、开一代先河的伟大作品，亦常常是借助于一种新材料的使用和绘画方法上的某项革新。但我长期以来不但不能区别不同画派，例如凡·艾克和达·芬奇在技法上的差别，亦不知道早期丹配拉绘画和古典技法油画在材料使用上的根本不同。在巴黎美术学院绘画技法材料工作室的短期进修无疑给予我不少知识，而巴黎不少画家也给我颇多教益，如最早告知我蛋黄丹配拉画法的，就是早年毕业于广州美院附中，后定居法国的戴海鹰先生，他的夫人何绮霞女士曾在巴黎美术学院专门研究中世纪绘画技法多年，受其影响，戴海鹰先生近年除油画之外，亦多作蛋彩画称誉欧洲画坛。我在欧洲两年虽然这样东鳞西爪、道听途说地得到一些技法常识，但自知非常浮浅、毫无条理，同时我想国内会有不少如我这样的画家，亦渴望能得到这一学科的系统知识，因此在1986年归国前专门向戴海鹰先生求教，他郑重地向我推荐了多奈尔的这部著作，他希望这本书能在中国翻译出版。但当时巴黎书店中买不到这本书，他曾托人到伦敦去买，也未找到，最后便将他个人珍藏多年、并随时需要检索的这本英文精装本送我带回国内。 回国后，我曾数次请人试译过此书的几个章节，但不少内容，特别是涉及绘画技法的部分，大都译得含糊费解，这时我才意识到，译好此书并非易事。对于技艺，中国早有“只可意会，不可言传”之说，何况要诠解的又是中国画家也不甚熟知的欧洲历代绘画巨匠技法奥秘的书籍，显然必须找到既精通英语，又要熟悉欧洲美术史，又要自己有实际的绘画经验，并具备一定的物理化学知识的人方可胜任。与朋友几经研究，最后想到中央美术学院油画系教授杨红太同志，他是国内知名的油画家，平时即重视绘画技法的研究，有一定的英语翻译能力，经与他商量，他很重视此书在中国的出版，答应与其弟杨鸿晏同志合译。杨鸿晏同志1962年毕业于天津大学，长期在石化部门从事英文技术资料的翻译工作。一懂理工，一通绘画，二人合作恰好互补短长。于是此书自1988年起开译，先是由杨鸿晏同志逐章译出初稿，再由杨红太同志校对修改，润色文字，重要章节及疑难之处常常要反复修改多次方始定稿。他们二人身体都不算好，特别是杨鸿晏同志长期患有肝病，他不愿影响日常工作，坚持利用业余时间翻译此书，经常伏案至午夜以后，严重影响了休息与治疗。致使在这本27万字译稿刚刚完成时，他已不堪劳累而病重入院手术。 因此，我非常感谢他们，我相信中国油画界的广大画家和美术院校的学生、美术爱好者在得知这些情况后，也一定会感谢他们。 最后要附带说明，此书由于成书较早，近年才出现的一些绘画材料，如丙烯、乙烯类材料等，当然未能包括进去。今年广西美术出版社出版梅耶的《美术家手册》，成书较晚，在西方亦属重要的绘画技法著作，虽然翻译上有些缺点和失误，但不少章节可补充参照。另外，最近方得知在多奈尔教授逝世54年之后出版的德文第14版，是由Hans Ger Müller教授加以改订，补充了不少内容，如大师技法部分增加了18世纪以后至近代的许多画家的技法介绍，附录部分增加了一些著名技法专家修复古代绘画及文物的报告等。我想在此书再版时，能将这些新内容补译进去，当然是更为理想。 Ⅷ欧洲绘画大师技法和材料潘世勋1991年酷暑于中央美术学院 原著者序本书概要地介绍了近二十五年来我在慕尼黑美术学院以“画家的材料及其在绘画中的应用”为题的授课内容。书中不仅包括了我几十年积累的实践经验，还包括了我在整个绘画领域中的研究成果。 我的授课指导思想历来是：密切联系实际，并尽可能与科学研究的成果相一致。 在技法方面有许多问题至今尚不能解释。绘画现已离弃了名匠技艺的正确原则，因此缺乏可靠的基础。在多数情况下，人们在使用各种秘方秘方(recipe):指民间流传的绘画材料的配方和制作的秘诀。——中译者注时，既缺乏有关的材料知识，又缺乏鉴别判断能力。这种情况亟待改进。为此，必须了解各种技法程序之间的基本关系，并尽可能用科学试验来作为实践的充分根据。 科学中所用的术语，对于画家来说往往难于理解，因此画家不能从中得出解决实际问题的结论。这里并不期望画家成为化学家，否则他只能成为在化学方面浅薄涉猎的牺牲品，有害而无益。对画家来说最重要的，不是颜料和媒剂的化学成分，而是它们的物理性能。 绘画的各种技法问题，只能靠科学和实践相结合来解决。但至今这种结合仍然缺乏许多基本条件。 运用绘画材料的一些法则，对所有画家来说，不管他属于哪一个画派，都是一样的。无论哪个画家，如想正确地和最有效地使用材料，就必须了解和遵循这些法则，否则他迟早会对自己的错误付出高昂代价。画家只有完全掌握了各种材料，才能奠定发展个人风格的牢固基础，同时也才能保证其作品的永久性。 勃克林勃克林：瑞士浪漫主义画家，作品有“死之岛”等。——中译者注说过，没有对材料的基本理解，我们就是材料的奴隶，或者说，跟古代大师及其优良传统比起来就像一些冒险者。正是靠这些优良传统，一批画家才能大大地超过了其他人。在我们想到丢勒、列奥纳多·达·芬奇、鲁本斯、雷诺兹等大师们是多么认真地研究他们所使用的材料时，我们不禁对现今一些画家的担忧付之一笑。他们认为，如果太密切地关心绘画的技艺，自己的艺术个性就会受到损害。“技法必须重新成为绘画艺术的坚实基础”。除此之外，没有其他道路能使我们走出目前的混乱状态。这已愈来愈成为现代艺术家们的一致见解。 原著者序ⅪⅩ欧洲绘画大师技法和材料本书各章的顺序，依照绘画技术的展开过程安排。每章都作为一个独立的个体来处理，因此有些重复在所难免。但从我作为教师的多年经验中认识到，某些基本的东西，多重复几次有好处。 本书重点放在画家自己制作各种材料上。自己制作材料的画家熟悉自己的材料，与那些购买现成材料的画家了解材料的途径，是截然不同的。 每次我在学院讲完课，都要接着进行实际试验，在试验中，同学们可以检验他们听过和看过的东西。课后往往还要就有关技法问题讨论一个或几个小时，直到问题澄清。学生们所表现出的极其浓厚的兴趣，反驳了所谓画家对技法不感兴趣的说法；正相反，我发现只要给学生们提供值得他们去做的事，他们是非常感兴趣的。我自己收集的教学材料中有大量的习作，可以展示出历史上各种画派技法的逻辑发展；此外，还参观一些博物馆，在那里学生们可以直接研究各种技术方法，这对授课的内容常常是一种补充。 这本书显然没有上述那些辅助教材，而只能在有限的篇幅内，以画家所熟悉的语言，对所有问题尽可能详细而明了地加以讨论。本书的意图，是将技法方面的可靠知识介绍给职业画家，并不打算作为绘画的一门教程，因为从书本上学习绘画，就像在沙发上学游泳一样，是不可能成功的。 马克斯·多奈尔1933年 英译者序 当今世界各地的美术家已日益明显地认识到正确技法的必要性。本书自1921年首次问世以来，在许多国家的美术家中已享有应得的声誉。不仅在德国而且在世界许多国家，本书已经被公认为是关于材料和技法问题的权威，已被广泛用作美术院校的教科书，也被油画修复者、管理人和收藏家用作参考资料。本书除了具有特别实用的价值外，许多画家甚至还确认它具有激发绘画创作愿望的力量。实现作品的精神及美学价值是画家的难题，而多奈尔教授的书则恰好简洁、直接、清楚地对有关这个难题的许多不同技法因素作了阐述。 为翻译这部非常有用和具有权威性的书做最后准备，我接受了多奈尔教授的邀请，来到他在巴伐利亚北部威士宁的乡村住宅，对他进行了拜访。1933年夏季，在那淳朴的、风景如画的小村子中度过的快乐时光，是我记忆中最愉快的国外访问经历。在巴伐利亚高地的山毛榉丛林凉爽的树阴下，我和多奈尔教授讨论了书中各方面的问题。夜晚，在乡村小酒店门前硕大的栗子树下，他的几个同事总要坐在木桌旁参加我们的谈话。到了秋天，学院的教学任务需要多奈尔教授返回慕尼黑，于是我们又在慕尼黑一个典型的风景区中继续进行着不拘礼节的友好聚会。在那里，画家们常常在夜晚相聚，边喝啤酒边讨论相互之间的问题。 我相信，通过这个译本，多奈尔教授的书将会激励画家增加对正确技法的兴趣，从而创作出精美的和更加耐久的艺术作品来。 多奈尔教授的书，迄至目前在德国已发行了4版。此译本是根据1933年5月的最新版本翻译的。多奈尔教授十分友善地把他将用于德文第5版的许多手稿和增补部分交付我随意处理，我已将这些内容编入此译本之中。原书中有些地方性的和极个人化的参考资料，美国或英国读者可能兴趣不大或不感兴趣，在翻译时已作删节。为简洁起见，我还冒昧地删去了某些无关紧要的细节。 英译者序ⅪⅤ欧洲绘画大师技法和材料我的儿子尤金译出了本书的初稿，我对他耐心和不辞劳苦的工作表示感谢。在译稿的最后修改中，我得到了利昂娜·法斯特尔小姐的帮助。每当我在化学专业方面遇到困难时，我的化学系同事C.W.波特教授总是给予慷慨的指教。 尤金·纽豪斯1934年 英译者 附言 多奈尔教授于1870年生于莱茵河西岸地区的波汉森，父亲是一位军官。他曾就读于公立学校，从德国一流大学预科班毕业后，进入慕尼黑巴伐利亚皇家美术学院，师从于约翰·赫特里奇和威廉·凡·狄兹两位教授。他的专业兴趣促使他前往意大利。在那儿他结识了阿诺德·勃克林和汉斯·凡·玛利斯。意大利的博物馆和美术馆，特别是庞贝城给他留下了难忘的印象。因此，他经常重游意大利。 多奈尔教授在作为一个画家生涯的早期，就与德国绘画行业合理秩序促进会该会职能是：维护画家的利益，监督绘画材料生产商保证产品质量，与他们签订一些契约，如不许对颜料搀假、以次充好、名不副实等；并呼吁政府管理部门制定相应的法律条例。该会为确保契约的实施，作出了不屈不挠的全力斗争。——中译者注有联系，并与其创始人阿道夫·威尔海姆·凯姆、弗朗兹·冯·兰巴赫和马克斯·冯·皮顿霍夫尔有所交往。1910年至1913年他担任过该协会的主席，对协会的官方出版工作贡献甚多。 1911年，他被任命为慕尼黑巴伐利亚皇家美术学院的技法讲师，1921年任该学院的教授，一直到逝世。 当绘画行业合理秩序促进会因与慕尼黑工艺学院联合而停止行使其职能时，他在慕尼黑巴伐利亚皇家美术学院建立了一个技法实验室，继续进行协会的活动。1938年成立了国立绘画领域技法试验研究院，作为国立美术学院的附属单位。为了表彰他在这一领域的杰出贡献，该院被命名为“多奈尔学院”。 这个学院的成立，标志着多奈尔教授事业的成就达到了顶峰。然而，日益衰退的健康状况使他仅在该学院工作了几个月。多奈尔教授于1939年3月1日逝世。 多奈尔教授的书《绘画及其材料》德文第1版出版于1921年，首次出版于1934年的现在的英文版本，是以德文第4版和计划出版的第5版手稿为依据的。多奈尔教授曾将第5版的手稿交给译者，让译者随意处理。多奈尔教授逝世后，由他的学生接替他在多奈尔学院的工作，并出版了该书的第6、7、8版。最新版本的篇幅由于增加了“中世纪教堂的修复”一章而大大地扩充了。我认为这一部分和其他增补不适于加进英文版本里，因为这样会改变英文版本的基本特性。本书主要针对的是美国画家所面临的绘画及其问题。 英译者附言ⅩⅥ欧洲绘画大师技法和材料无论是对本书的评论，还是关心本书的朋友们的意见，都不时地引起我对书中印刷错误的注意，现有的印刷错误已作了许多校正。我特别对加利福尼亚荣誉退伍军人协会大厦的修复者亨利·拉斯克先生的大量建议表示感谢。遗憾的是，这些建议在这次新的印刷中只能采用几条。由于许多人抱怨书中使用公制而难于为美国画家所用。为了减少这一困难，我试增加了一个附录，按章、页和行，列出了书中所用的度量美国等量值，以代替以往版本中所使用的换算表。 尤金·纽豪斯于加利福尼亚州伯克利慕慕慕

集天使与魔鬼、罪人与圣人于一身的伟大传奇 美国知名作家、古根海姆奖得主 弗朗辛•普罗斯 重现卡拉瓦乔放荡不羁的迷乱人生 展示影响几代欧洲画家的艺术魅力 ◇配有32页精美彩图 卡拉瓦乔的艺术标志着现代绘画的开始。——法国艺术史学家 安德烈•贝恩-若夫鲁瓦 卡拉瓦乔是一位有大胆革新精神的意大利艺术家。——贡布里希 卡拉瓦乔是文艺复兴“遗腹子”……他是巴洛克绘画真正的先驱。——陈丹青 文艺复兴晚期意大利画家卡拉瓦乔是一位近五六十年以来重新被世界“打捞出水”的艺术大师。他的作品既充满斩首、拷打和死亡，又饱含对人世苦难的悲悯、对底层平民的关怀、对信仰与救赎的追求。强烈的明暗对照法、细致精确的现实主义、生动的戏剧性效果——他营造的画风在他去世后激发了欧洲画坛的大变革。没有他，就没有里贝拉、弗美尔、拉•图尔和伦勃朗；没有他，德拉克罗瓦、库尔贝和马奈将是完全不同的模样。他用短暂、悲剧、混乱的一生，创造出超越时间的奇迹。 内容简介： 卡拉瓦乔的艺术生命力比他本人流星般短暂的人生更加持久。他蔑视一切，特立独行，脾气暴躁，屡屡争斗，流连于小酒馆、妓院，不断被起诉、拘禁，控告理由包括诽谤、骚扰以前的女房东、打伤监狱警卫……他在罗马炙手可热，受人追捧且收入极高，却由于在决斗中杀人而被通缉，人生最后四年一直到处流亡，直至病逝。但是，这一切并没有阻碍卡拉瓦乔成为流芳百世的艺术大家，他在西方绘画史中占有无可替代的地位。

Dr James Fox explores how, in the hands of artists, the colours gold, blue and white have stirred our emotions, changed the way we behave and even altered the course of history.

“牛津艺术史”系列第五本！ 权威学者打破神话，全方位生动还原文艺复兴辉煌背后的人性真相！ 近160幅文艺复兴代表作精美插图 附全球相关博物馆、美术馆及主题网站全面指南 这里有众多的艺术品类型，绘画与雕塑只是其中很小的一部分。 这里是名门望族林立的意大利，神话般的美第奇家族只是其中的一个。 这里有势力庞大的各商业行会，其赞助手笔毫不逊色于宫廷权贵。 这里当然有的是名垂青史的顶级艺术家，但他们的工作室可能杂乱无章，状况百出，而一山多虎也必导致极其残酷的明暗竞争。 就算是达•芬奇，在学徒时期也会为了争取资助而极尽赞美之能事。 就算是教皇的亲自委托，在教堂庄严威仪的青铜大门背后，艺术家还是秘密刻上了自娱自乐的戏谑场景，为后人留下永恒的玩笑。 我们现在将他们视为伟大的艺术家，但他们却更多视自己为工匠。 我们以为他们会因为才华不被承认而感到脸上无光，但他们却更多因为得不到所承诺的报酬而焦急失望。 …… 这是一个我们既熟悉又陌生的“文艺复兴时期的意大利”。 《文艺复兴时期的意大利艺术》打破了传统上对文艺复兴的神话阐释，从宝石、青铜、石材、玻璃等创作材料与壁画、版画等创作手法开始，切实再现了那些辉煌艺术品的制造过程；此外，作者还带领我们深入窥探了艺术家行会及各工作室之间的激烈竞争或亲密合作，解读出艺术家与赞助人之间复杂的利益纠葛，还原出当时的观众会在何时何地消费艺术品，以及这些艺术品又是如何满足了皇亲贵戚、宗教权威与政府显要的私心目的，让我们看到了在文艺复兴时期的意大利，围绕在艺术周围的真实人性。 一本博学而又意义非凡的书。其涉猎之全面，论述之完美，我不知道还有哪本书能做到。——乔治•赫尔姆斯（牛津大学万灵学院荣休教授） 全新的研究，清晰的观点，丰富的文献，流畅的行文，每个人都应该读它。——尼古拉斯•曼恩（伦敦大学荣休教授） 对于文艺复兴早期图像的研究，本书提供了极其新颖的视角和非常丰富的文献资料。 ——马丁•坎普（牛津大学艺术史系名誉教授） 韦尔奇的研究涉猎广泛，观点清晰新颖，对传统视角有创造性突破，对文艺复兴文献研究领域有极其重要的贡献。 ——《图书馆杂志》 权威可信。——《阿波罗》杂志（国际权威艺术杂志）

Focusing on the art of self-portraiture, this effortlessly engaging exploration of the lives of artists sheds fascinating light on some of the most extraordinary portraits in art history. Self-portraits catch your eye. They seem to do it deliberately. Walk into any art gallery and they draw attention to themselves. Come across them in the world's museums and you get a strange shock of recognition, rather like glimpsing your own reflection. For in picturing themselves artists reveal something far deeper than their own physical looks: the truth about how they hope to be viewed by the world, and how they wish to see themselves. In this beautifully written and lavishly illustrated book, Laura Cumming, art critic of the Observer, investigates the drama of the self-portrait, from Durer, Rembrandt and Velazquez to Munch, Picasso, Warhol and the present day. She considers how and why self-portraits look as they do and what they reveal about the artist's innermost sense of self -- as well as the curious ways in which they may imitate our behaviour in real life. Drawing on art, literature, history, philosophy and biography to examine the creative process in an entirely fresh way, Cumming offers a riveting insight into the intimate truths and elaborate fictions of self-portraiture and the lives of those who practise it. A work of remarkable depth, scope and power, this is a book for anyone who has ever wondered about the strange dichotomy between the innermost self and the self we choose to present for posterity -- our face to the world.

你真的會跑步嗎？ ●你以為人天生就會跑，所以不需要學習就可以跑步嗎？ ●你以為跑步的里程數只要累積得多，跑步技術就會變好嗎？ ●你以為要跑得更快，身體就必須使勁全力才能達成嗎？ ●你以為跑步的人到最後一定會和運動傷害當朋友嗎？ 大部分的跑步書籍在開頭就先預設跑步並非一項需要學習的技術，而只是需要不斷操練的運動。這些書籍著重在體能訓練的知識──要跑多少、強度多高、如何交叉訓練、該吃什麼等等。這些當然是很重要的知識，但沒有人討論最核心的議題──如何跑步。 尼可拉斯．羅曼諾夫博士的「姿勢跑法」是他25年來研究人類動作與開發跑步技術成果。有很多原本因慣性傷害準備退出跑步生涯的優秀跑者，在學到他所開發的跑步技術後，現在跑步都不會痛了，而且跑得竟然比二十年前更快、更不費力。《跑步，該怎麼跑？》要從根本徹底改變你的跑步技術，教你如何用「姿勢跑法」不費力的跑得更快、更遠，而且再也不會受傷！ ◆掌握「姿勢跑法」的關鍵技術，包括： ．腳呈Ｓ形姿勢。 ．不能以腳跟著地，要以腳掌前緣著地。 ．轉化重力為身體往前進的力量。 ．注意力放在抬腳動作，而非腳往下踩的動作。 ．跑得快是因為步頻高，不是因為步伐大。

Clues to the meaning of many of the masterpieces of art history lie in a rich system of symbols, themes, and motifs that often eludes modern museum-goers. The intimate knowledge of Christian theology, Greek and Roman mythology, and folklore that was so vivid in the minds of viewers during the Renaissance is rarely part of the preparation the contemporary viewer brings to a painting. This insightful, anecdotal, portable book, with 1,000 gorgeous color illustrations, helps to fill in those gaps by decoding th imagery of more than 150 of the most influential and admired artworks of all time. Covering the works of the Italian, Netherlandish, German, and Spanish Old Masters, from 1450 to 1750, paintings by artists such as Giotto, Botticelli, El Greco, Bruegel, Holbein, Rubens, and Vermeer, all held in public collections, "How to Read a Painting/I not only helps the viewer to understand the significant details of a picture but also explains the relationship with similar imagery in other works. The guide to Old Master paintings that every art lover has always wanted, this indispensable museum companion will open the reader to a whole new experience of Western art's most praised and visited paintings.

面对一幅画的时候，你会不会感到茫然无措呢？也许我们可以从艺术作品里感受到一些情绪，但是仍然无法理解作品。 弗朗索瓦芭布-高尔充分考虑到观看者面对艺术作品细致入微的观赏方式，提供了丰富的背景知识与作品的创作环境。本书为一场精彩的艺术之旅提供了权威的指南。画作与现实世界的关系是怎么样的？艺术家是在美化自然，还是在扭曲自然？艺术家是想要令观看者震惊，还是获得安慰？随着作者简单而微妙的分析，每幅画作的意义逐渐清晰起来。 如何看一幅画的起始点就是作品传递给观者的第一印象。而本书唯一的目的就是拉近艺术作品与人们的距离。如果你以开放的心态阅读本书，你将学会用自己的方式看一幅画。

“我们的心总是处在忙碌状态，而且不幸的很少全然独处，所以人类创造图像以寻求内在的抚慰。因此，当我们亲眼目睹一幅绘画作品时，总会触及内心深处并将那份感动反映到我们眼前的作品上。”这段文字记录在13世纪一份最受欢迎的中世纪布道书中，而这段话受欢迎的时期正好切合本书所谈论的时间：哥特时期。在这段以视觉为主的年代，更多的是透过图像来帮助传达，目的就是要充分发挥视觉文化的价值。 《哥特艺术》作者采用全新的现代视觉方法，以独特的视角将艺术品还原到它所处的历史语境中，去探寻创作它们的初衷，研究那些给石头关注生命的哥特艺术家们及其作品，那些象征神圣的艺术品中所蕴藏的道德的真理，以及在那个神秘而庄严的时代宗教与社会形态之间的内在关系。 相较于那些兼具百科与学术性质的艺术史论著而言，作者摒弃了包括建筑、绘画、雕塑及工艺品在内的不同艺术流派作为独立研究对象的传统，突破教科书式离散的架构及叙述方法，以一种生动而特别的组织形式，新鲜而充满感性的文字，跨越时间与领域的界限，还原哥特艺术形成发展的过程，探讨建筑、绘画、雕塑间相互作用的关系。有趣的是，尽管时代是严肃的，但作者的叙述是轻松的。他以漫谈的方式向人们徐徐讲述了一段有关“哥特”的历史故事，展现了自12世纪至16世纪这近400年间哥特时期欧洲社会丰富的艺术生活及社会形态。 而阿希姆·贝德诺兹，这位将自己定义为“神圣处所的守望者”的天才摄影师，用他的相机成功地记录了当时这些艺术品最珍贵的原始画面。此次，他利用复杂先进的拍摄技术，最大限度清晰直观地再现了那些平日无法看到的艺术品原貌。他试图引领读者尽可能地“靠近”艺术品，甚至带来超越现实的感官享受。翻开每一页，扑面而来的震撼力如身临其境一般，酣畅淋漓地展示了艺术品的魅力。 在资深艺术史论编辑罗尔夫·托曼地带领下，德国专业团队10年心血凝结于此，在这近700幅精美图片中，不仅有整页或全跨页的显著的作品细节，甚至还有多幅长达四页的连续折页，可谓完整勾勒出哥特时期的艺术图景，为读者展示了万物濒于幽暗的哥特时期神学艺术的光辉。是为《哥特艺术》。

There are a surprising number of stories from antiquity about people who fall in love with statues or paintings, and about lovers who use such visual representations as substitutes for an absent beloved. In a charmingly conversational, witty meditation on this literary theme, Maurizio Bettini moves into a wide-ranging consideration of the relationship between self and image, the nature of love in the ancient world, the role of representation in culture, and more. Drawing on historical events and cultural practices as well as literary works, "The Portrait of the Lover" is a lucid excursion into the anthropology of the image.The majority of the stories and poems Bettini examines come from Greek and Roman classical antiquity, but he reaches as far as Petrarch, Da Ponte, and Poe. The stories themselves--ranging from the impassioned to the bizarre, and from the sublime to the hilarious--serve as touchstones for Bettini's evocative explorations of the role of representation in literature and in culture. Although he begins with a consideration of lovers' portraits, Bettini soon broadens his concerns to include the role of shadows, dreams, commemorative statues, statues brought to life, and vengeful statues--in short, an entire range of images that take on a life of their own.The chapters shift skillfully from one theme to another, touching on the nature of desire, loss, memory, and death. Bettini brings to the discussion of these tales not only a broad learning about cultures but also a delighted sense of wonder and admiration for the evocative power and endless variety of the stories themselves.

《英国文学史》是中国现代文学大师梁实秋先生晚年的力作，叙述了英国上溯盎格鲁撒克逊时代，下至维多利亚时代的文学进程，重要作家作品，并作出相对应的评价。本书分上中下三卷，文笔古雅，见解独到，是一部极具个人特色的文学史。

．第一本完整收錄全世界所知213種貓頭鷹的專書。 ．200餘幅栩栩如生的貓頭鷹精細插畫，搭配拉線圖說，辨識最容易。 ．清晰小圖示標明各種貓頭鷹食性，一看便知。 ．多種檢索方式，讓你不論是依中英文名、分類或外形，都能迅速找到目標。 貓頭鷹真的只在夜晚出現？牠能張大嘴吞下獵物，連嚼都不嚼，你知道嗎？而且，貓頭鷹緊握獵物的腳爪力度是所有猛禽中最強的！本書以系統化的編排方式，詳細介紹各種貓頭鷹的外形特徵、生態習性、分布範圍等資訊，無論業餘或專業人士都適用。本書特色包括： 一、收錄全世界所知213種貓頭鷹 本書收錄全世界所知213種貓頭鷹，詳盡敘述牠們的生活狀態、自然史與人類的關係，內容專業，行文卻不艱澀，以深入淺出的文字說明各種貓頭鷹的特徵與習性。 二、200多幅精細插畫，搭配拉線圖說，幫助辨識 《世界貓頭鷹圖鑑(全新美耐版）》有200餘幅栩栩如生的貓頭鷹精細插畫，完整呈現每種貓頭鷹的外形特徵，並以拉線圖說標出辨識重點，入門者也能迅速上手。 三、三種檢索方式，使用方便 本書提供三種檢索方式，讓你依需求選用。如果你知道眼前的貓頭鷹屬於哪一科，可以從目錄中查到各科的頁碼，進而縮小範圍查詢。如果你已經知道牠的中文名、英文名或學名，就可以在書末的索引查到該物種所在的頁面，進入條目，查詢更詳細的資訊。如果你對想查找的貓頭鷹毫無所悉，可以在本書「簡易辨別」單元依照所觀察到貓頭鷹的外形、大小，逐步檢索，找到你的目標。 除了鑑別功用，本書更包括了百科全書性質的總論，闡述貓頭鷹的分類、辨別、身體結構、特殊習性、棲地與分布、保育，以及貓頭鷹和人類的關係。本書完整收錄目前全世界所知的貓頭鷹213種，包含全台灣可見的13種，從貓頭鷹的生物地位與人類文化中的角色切入，本圖鑑讓你更貼近這種神秘生物。

古人对于死后世界种种的假设，见于制度、宗教、仪式和书写，更直接呈现于墓葬之中。墓葬既是安置死者肉身的处所，又是建筑、绘画、雕塑和工艺品的集合体，还可以被理解为人们在生死这个最大的、最具有普遍意义的哲学命题下，以物质的材料、造型的手法、视觉的语言，所营造的具有终极价值的艺术作品。本书综合采用考古学与美术史的方法，从各个角度描述和阐释两汉至唐宋时期的墓葬材料，力图使这个幽暗的角落在中国艺术史上展现出特有的光芒。 中国自古就有一种观念——视死如生，即侍死如侍生。死亡并不意味着生命的彻底完结，而是在另一个世界得以延续，由此留下众多的墓葬艺术，构筑起纷繁的地下世界。它们在千百年的岁月里绵延至今，又不断变迁。本书以两汉至唐宋时期的墓葬艺术为研究对象，综合采用考古学与美术史的研究方法，深入探讨了众多墓葬所包含的丰富信息，试图揭开那些逝去的面具，向读者展示出不同地域的人们对“生”与“死”的哲学思考，以及不同历史时期的先民对自我灵魂的深刻认知。

从历史和文化的层面看，创作静物画的群体几乎不可能更五花八门了。那么，又是什么容我们将如此形形色色的图像归为同一范畴呢？诺曼·布列逊认为，静物画不同类型之间的家族相似性来自于它对某种物质文化水平的基本描绘，而这样的物质文化在漫漫的时间长河里，在民族文化的不同区域中，其轮廓是大抵相仿的，即体现为日常起居和待客礼仪。本书的基本主题就是，如何历史地看待这种“低级的现实”，以及它是怎样受周围“高级”层面的文化及其话语的塑造。布列逊如此精练、具有穿透力和挥洒自如的文字，将会迷住从专业人士到那些对艺术具有一般兴趣的读者们。

诺曼·布列逊“新艺术史”三部曲之二。本书对西方美术史极为闭塞与自满的研究现状作了尖锐的理论批评，强调从绘画图像的社会性及其作为符号的独特角度、从历史与人文学科当代发展的角度拓展研究视野；作者抓住了西方艺术史研究中一些重要观念与践履的内在弊端（如贡布里希关于图画研究的“知觉主义”）进行鞭辟入里的剖析，在方法论连同认识论的层面上为如何解读绘画，以及如何看待西方绘画与视觉、与传统、与政治权力的关系提供了新的启示。全书包括”自然的态度”、“本质的复制”、“知觉主义”、“来自内部与外部的图像”、“注视与扫视”、“图像、话语、权力”等六章；前后另有“序”、“尾声：隐形的身体”以及“中文版序”、“译者后记”等。

中西方两种文化潮流的起源及其演变均自行其道，但是在艺术史领域里也确实存在着某种特定的共性，因为欧洲和中国都拥有在世界上现存的最古老也最成熟的图像再现传统。 本书旨在讨论欧洲的艺术史、在讨论的是体现在大卫（David）、安格尔（Ingres）和德拉克罗瓦（Delacroix）这三位法国画家自己创作中的传统问题。它不打算成为一本对这些画家成就的面面俱到的描述，或成为在任何包罗万象意义上的一部他们的创作史，而是要探究大卫、安格尔和德拉克罗瓦以他们的领悟力对他们在艺术传统中所处地位的感受以及应对的不同方式。面对这些艺术家的丰硕成果，作者选择了那些在我看来最能说明他们对传统的个性反应，并对传统所出的诸种难题给予高度个性化答案的作品。

为继承和发展这一丰富的文化遗产，本书所收入的脸谱没有局限于某家某派、而是采取广征博采的方法，择优选入，所收的568幅脸谱，20余幅人物扮相图，均侧重于常用脸谱和造形，包括传统勾法与新编历史剧中的脸谱，基本上按剧目内容、人物所处的历史年代排列。对于一些象形性的脸谱，特编排在一起，以增加读者欣赏的趣味。书中虽有不常用脸谱，只要有特色和一定的欣赏价值，也酌情选了一些。 欣赏和研究京剧脸谱，最好与剧情、角色表演、服装和人物身份等一齐进行，故在书中特收辑了我绘制的部分人物扮相图，以帮助读者了解京剧脸谱的分类。书中所收脸谱的画法，与常见的七分或八分脸不同，都是正脸。这种画法便于欣赏，但难度较大，是一种新的尝试。我在编绘时参阅了《郝寿臣脸谱集》、翁偶虹的《脸谱概谈》、陶君起的《京剧剧目初控》等文献。

《影响世界画坛的十五个流派》内容主要包括：表现主义、立体主义、纯粹派、达达主义、超现实主义、至上主义风格派、结构主义、抽象表现主义、动态艺术、波普艺术、光效应艺术、极少主义、概念艺术、后现代主义及与身份特征相关的艺术。