专辑介绍：============================== 同上一部作品一样，Hans Zimmer与James Newton Howard继续为此系列打造配乐，也许丹尼叶夫曼的蝙蝠侠主题太让人感到经典而导致这两位在此片的配乐上摸不着头脑。上一部的音乐我们可以看出，两人的精华在里面虽有体现，但是整体感分离严重，很容易听出乐段的作者：带有强烈电子味道的一定是Hans Zimmer，而弦乐感情丰富的一定是James Newton Howard，因此上一部作品问世并没有得到太多的好评。在这一部配乐中，两位作曲家可真是为音乐旋律抓破了头，不过风格上依旧没有摆脱上集的影子，所以很容易听出现成的旋律在里面。随着情节的延续，音乐也更为黑暗。但是我想无论音乐如何，万众瞩目的蝙蝠侠前传2一定会给影迷带来更多的惊喜。 作者：哈利·波菜 和大多数出自相同配乐人之手的续集电影配乐一样，《黑暗武士》不可避免地沿用了很多前一部《蝙蝠侠出道》(The Batman Begins)的主要乐章，甚至在重头戏打造上都采用了极其相似的做法。看过前一部《蝙蝠侠出道》的人，或许都还记得影片中最叫人印象深刻的一幕，就是蝙蝠侠开着装甲车一样的蝙蝠车在公路上与警察展开的一场激烈追逐战。有意思的是，这场戏之所以能给人留下深刻印象，完全是编导刻意创作的结果。从接手《蝙蝠侠出道》开始，汉斯和詹姆斯就接到了导演布置的一道题目，创作一段汽车追逐戏的配乐，既要有速度感也要有厚重感。而在作曲的时候，他们完全就不知道将来的场景会是怎样的面貌，因为导演克里斯诺兰(Chris Nolan)当时自己都还没想到如何动手处理这个场景。于是，汉斯和詹姆斯将创作主题旋律时创造出来的那种模拟蝙蝠煽动翅膀的震感节奏，变异成具有强烈闪回感的电子打击乐节拍，配上汉斯一贯擅长的集压迫感、危机感和热血感的动作旋律，创作出了一段带有强烈MTV快速切换质感的紧迫乐章。和现今大多数动作电影在这种场面中经常采用的立体化调调不同，这段后来被定名为《追逐》(The Chase)的乐曲着力突出的却是一种快速闪回的平面质感。而这恰好正是导演所期望的，所以末了导演乾脆照着这段音乐去构思画面并付诸拍摄实践，这才有了片中这段画面与配乐水乳交融、相得益彰的场景。 这种鲜有的音乐在前拍摄在后的手法，使得汉斯的创作发挥出了应有的最佳效果，如今到了《黑暗武士》，又有了一段一听就知道是用类似手法炮制出来的作品《似只狗儿猛追车》(Like a Dog Chasing Cars)。从开首部分承袭了上一部蝙蝠侠追逐乐章中的旋律基因，所不同的是压缩了原来的重量感上，改以管弦乐的铿锵质感强化了凌厉效果，在这种类似的势如破竹之声的推动下，旋律逐渐进入了汉斯和詹姆斯新创作的部分。在保持同样具有紧迫感的视觉化效果同时，整个曲调呈现出一种明朗的基调，如果说，《蝙蝠侠出道》之中所打造的汽车追逐乐章着力表现的是主人公内心本能的那种对罪恶的怒火爆发，那么显而易见，《黑暗武士》中这段为蝙蝠侠驾着新装备——“蝙蝠摩托车”展开追逐战而创作的乐章要表现的是主人公对自己使命的透彻觉醒。新写的旋律段落的前半部分，几乎每个音符中都流露出极为强烈的昂扬斗志和非常正直的阳光质感，和还处于内心矛盾纠缠之中的主人公面貌形成了强烈的对比。为了切合主题这段类似的乐章中还在后半部分融合了片中反派“小丑”的一些旋律因子，将新追逐主题的后半部分拉回了第一部那种紧迫感和不安感交杂的状态，只是在管弦乐和电子乐的比例分配上，没有象第一部的追逐乐章那样更加偏重管弦乐去突出荡气回肠的使命感，而是转而让电子乐器在传统管弦乐印衬下留下一段领舞。听完这段乐章至少可以肯定一点，它那浓郁的视觉化风格配上紧张刺激的追逐画面，必然会给观众带来极为震撼的视听效果，成为片中一个叫人难以忘怀的亮点。只是这种汉斯早在《黑雨》(Black Rain)时代就开创出的追逐场面乐章，到底能否为商业电影带来新风，还是如很多批评汉斯的配乐家所言败坏了音乐本身的独立品格，就等待时间的检验好了。作者：action 作者资料：================================== Hans Zimmer ========== Hans Zimmer是近年来堀起速度十分惊人的电影配乐家，在电子合成器和传统器乐的结合上，每每展现令人震撼的个人风格，也屡次缔造令人激赏的配乐成绩，特别是在动作电影配乐方面，他独特的音乐型式已经蔚为风尚，揉合了电子乐的炫丽紧凑，和交响乐的磅礴气魄，几乎是近年来，典型好莱坞英雄主义动作电影不可或缺的“标准配备”。 Hans Zimmer生于德国，成长过程中，足迹几乎遍布全欧洲，在移居伦敦后，与Trevor Horn，Geoff Downes组成了名为“The Buggles”的音乐工作团体，最初Hans Zimmer是一名电子合成乐的工程师，主要的工作是替他人的音乐作品做合成混音的工作，后来Hans Zimmer开始写自己的音乐，并且为一些广告片作曲，直到遇到了电影配乐家Stanely Myers（“越战猎鹿人”），在Stanely Myers的耐心指导下，Hans Zimmer开始走入电影配乐的领域，Hans Zimmer与Stanely Myers合作过很多电影配乐，比较正确的说法，或许应该说Hans Zimmer跟着Stanely Myers做了许多电影配乐，Hans Zimmer就像Stanely Myers身边的实习生，他说，Stanely Myers不爱做飞车追逐，所以那样的音乐自然全交给我了！Stanely Myers是Hans Zimmer的良师，Hans Zimmer说：“我所知道关于电影配乐工作的一切细节，都拜Stanely Myers所赐。” 他们在伦敦成立了“Lillie Yard Studio”，Hans Zimmer一方面开始开拓电子音乐与交响器乐结合的音乐构想，并且和多位音乐工作者合作完成了许多电影配乐，其中国内观众比较熟悉的，应该是1986年，奥斯卡金像奖最佳电影音乐的得主《末代皇帝》，不过严格说起来，《末代皇帝》并不是Hans Zimmer的作品，因为虽然Hans Zimmer参与了《末代皇帝》的制作，但是《末代皇帝》的作者应该是坂本龙一，David Byrne以及苏聪，其中坂本龙一的音乐扮演了十分重要的角色，但国内观众最熟悉的序曲则是David Byrne的作品． Hans Zimmer早期在英国所创作的电影音乐多半是和许多人一起完成的，而且多少带了一些玩票性质，但其中也有一些独立配乐创作的尝试，《分离世界－A World Apart》是Hans Zimmer第一部独力完成的电影配乐，这部电影在坎城影展上大出风头，Hans Zimmer自然也受到瞩目，尤其吸引了一位女士的注意，她就是导演Barry Levinson的夫人，Barry Levinson本人可能并没有看过《分离世界》，但Levinson太太可把这部电影看了八九遍之多，而且还买了原声带的CD和录音带，Barry Levinson也因此注意到Hans Zimmer的音乐，进而促成Hans Zimmer为Barry Levinson的《雨人》担任配乐，《雨人》是Hans Zimmer第一部好莱坞电影配乐，并且初试啼声即一鸣惊人，成为他个人第一部入围奥斯卡金像奖的作品，隔年的《温馨接送情》虽然被金像奖忽略，但却获得葛莱美音乐奖的提名，是Hans Zimmer温馨小品音乐的代表作，接着与导演雷利史考特合作的《黑雨》，则展现了Hans Zimmer充满能量与爆发力的电子动作乐风，令许多影人留下深刻的印象． 90年以后Hans Zimmer揉合了电子乐与交响乐成一体的音乐渐受青睐，成功打入好莱坞电影圈，许多知名导演都陆续与他合作．除了有火热的动作电子音乐作品如《双面女蝎星》，《霹雳男儿》外，也有不少温馨优美的抒情作品如《绿卡》。1991年Hans Zimmer和导演朗霍华合作的《浴火赤子情》，展示了十分成熟的音乐技巧。在这部作品中，也可以窥见Hans Zimmer日后动作音乐风格的雏型，这样的音乐风格果然在1995年的《赤色风暴》中大鸣大放，在这部配乐中，Hans Zimmer将凛冽紧凑的电子节奏，深沉宏伟的人声，以及悲壮澎湃的管弦器乐，融合成豪情凛然的壮阔乐章，为Hans Zimmer赢得了一座葛莱美音乐奖最佳电影配乐，不仅成为Hans Zimmer作品中的一个转折点，也成为动作电影配乐中一部独领风骚的经典示范。 不论是不是Hans Zimmer本人的作品，Hans Zimmer的风格和影响都处处可见，由于以动作派音乐大领风骚，动作音乐成为一般乐迷对Hans Zimmer的主要印象，不过对Hans Zimmer本人来说，做有深厚情感的音乐其实比做动作音乐更有意思，Hans Zimmer甚至说：一个音乐家一辈子大概只能写出两场最棒的飞车追逐音乐吧！照这种说法的话，Hans Zimmer的动作音乐产量恐怕老早就超出这种极限了，而且Hans Zimmer式的动作音乐在大量生产下，出现许多雷同的作品，渐渐不免也招致一些批评，认为这类音乐已渐无新意，沦为另一种制式罐头音乐，不过Hans Zimmer其实也尝试许多不同的音乐风格，如温馨的《怀胎九月》，可以算是Hans Zimmer献给自己女儿的作品，而《红色警戒》的省思与《爱在心里口难开》的明媚甜美，都是让人耳目一新的佳作，Hans Zimmer或许被贴上“电子动作音乐”的卷标，不过他并不是一个只擅长写电子音乐的音乐家。 Hans Zimmer出身自一群深具挑战与实验精神的音乐玩家，而他的配乐成品也常是和这些出色的音乐工作者，包括了交响编曲，演奏，计算机合成剪辑以及指挥家等各种人才，分工合成，协力完成，近年他们甚至组成了工作团体Media Ventures，以充满创新和领先魅力的音乐风格，掳获了不少乐迷的心，成为当代电影音乐的一股新势力，而这种团队合作，群策群力的电影配乐组合，似乎也将成为一种潮流． James Newton Howard======== 出生于1951年的Jim Howard，年轻时就扎根于古典音乐的学习。在匹兹堡交响乐团里演奏小提琴的祖母的影响下，Howard开始学习钢琴，并在让他最终达到音乐顶峰的圣塔芭芭拉的西部音乐学院（与Reginald Stewart和Leon Fleischer一道）和南加州大学的音乐学院学习音乐。尽管他喜爱管弦乐，但是他还是于20世纪60，70年代进入了流行摇滚音乐的领域。自从他70年代早期在南加州乐队"Mama Lion"担任键盘手之后，Howard凭借他演奏的熟练技巧制作了一些个人演奏专辑。 在为电子琴而痴迷的那段时间里, 他经常为Diana Ross, Carly Simon, Ringo Starr等人编曲和演奏电子合成器。 他在为他的才华寻找一个最终归宿, Howard将他的名字扩充为James Newton Howard, 部分原因是因为这个名字更加容易区分，也有部分原因是因为James Howard这个名字已经在这个行业存在了（当他在专业的音乐协会注册时就出现过问题）。20世纪70年代中期, Howard与Elton John进行了接触，很快他就成为了John经常合作的键盘手。这种合作也包括了一些在1981年唱片歌曲中的演出和1986年与Elton John的一次巡回演唱会。然而 , Howard准备从其他方面来拓展他的事业时。他为Cher和Valerie Carter制作录音,并且与Barbara Streisand和Randy Newman二人签约。Howard也有了谱写音乐，并在在澳大利亚的Elton John音乐会现场来指挥演奏的机会。 他开始与流向为并为《Dune》谱写了配乐的Toto相熟, , 至今Howard的音乐仍然交给Toto的成员演奏。他对音乐精彩编排也给了其本人指挥伦敦交响乐团演奏自己音乐录音的机会。 之后，在八十年代中期，Howard偶然的接触到电影配乐。他的第一部作品是1986年的《Head Office》，这部电影几乎在5年以后被人完全遗忘, 但James Newton Howard的配乐却渐渐引起了好莱坞的导演们的注意。他的配乐生涯在1991年因《Prince Of Tides》配乐获得奥斯卡奖提名和在《Moon》和《Grand Canyon》里面出色表现而扶摇直上。Howard也将他的配乐领域扩大到电视剧，为很多电视作品谱写了音乐主题，他在1994年因为《E.R.》获得了艾美奖提名，因此财政状况也得到了改善，每一集都会给他带来丰厚的收入。之后Howard又获得过几次艾美奖和格莱美奖的提名，随后他又因《The Fugitive》和《My Best Friend's Wedding》以及几首歌曲而再次获得奥斯卡奖提名。Howard随后与导演Ivan Reitman, Kevin Costner, 还有Lawrence Kasdan长时间合作而赢得了良好的口碑。如今他在好莱坞是一位非常出色的作曲家，现在James Newton Howard与他的妻子还有两个儿子居住在洛杉矶。 （翻译 By 哈利·波菜）

《期待美梦成真》是红粉马丁尼阔别乐坛5年后的第二张生涯大碟。 在上一张《往日情怀》专辑大卖之后。在红粉马丁尼灵魂女主唱吉娜．福毕丝与钢琴手汤玛斯．劳德戴利的号召之下，重新加入了更多的国际乐手以及音乐家，因此，在新旧成员们的集思广义下，新型态的红粉马丁尼作品便诞生了。 专辑《期待美梦成真》除了保有《往日情怀》专辑中大家最爱的浪漫巴黎情怀外，以往出现的古巴骚沙和巴西的婆娑娜瓦节奏仍旧少不了，并保持着轻快、热情却不吵杂的舞曲型态。 此外令人感观为之一振的是专辑中所尝试的音乐新元素，例如专辑中的第一张国际单曲 《拿坡里之夜》(UNA NOTTE A NAPOLI)便结合了意大利民谣及骚沙节奏，成为了一首活力四射的嘉年华舞曲，而首曲《永不停止坠入爱河》(LET’S NEVER STOP FALLING IN LOVE)则是首令人瞬间摒息的古巴爵士以及专辑中的同名曲《期待美梦成真》(HANG ON LITTLE TOMATO)则是改编自意大利70年代的一首励志诗歌，由主唱吉娜．福毕丝以香颂般的温情口吻，悄悄道出：「继续坚持，总有一天美梦成真…」的道理。 专辑中众多的新风格也包含了首次尝试的日本演歌《Kikuchiyo to mohshimasu》以及融合了西班牙佛朗明哥的《U plavu zoru》内容十分的丰富。 对于曾经听过第一张专辑的人，这像是一次风格与视野的延伸。

William John Evans was an American jazz pianist and composer who mostly played in trios. His use of impressionist harmony, inventive interpretation of traditional jazz repertoire, block chords, and trademark rhythmically independent, "singing" melodic lines continues to influence jazz pianists today.

《独驾蓝色列车曲风试航号》 如果一定要在John Coltrane浩如烟海的录音中，选出一张可以和他经典地位休戚与共的唱片，那么《Blue Train》当选的概率应该超过90%。虽然这种强人所难的选择题，总是会感觉到其趋向变态的实质，但是往好处想，人类也正是有了这种对唯一性的特殊变态追求，才会用一次又一次去芜存精的实际行动，以大浪淘沙的手法去触摸理想化的艺术极限。 回到1957年，这一年对于John Coltrane来说可谓是喜忧参半，喜是大喜、忧是大忧，虽然经过岁月的沉淀之后，后者更像是对前者历练过程中所必须的铺垫，但无论如何，因为毒瘾太重而被Miles Davis开除出五重奏，在当时对于John Coltrane来讲，毕竟不是一件值得举杯相庆的光彩事，况且大器晚成的他，两年前才因为老迈的慧眼才闯出了一些小小的名堂。不过，这次除名事件看起来却并非只是往坏的方面一意孤行，因为紧随其后，John Coltrane却又得遇了另一位贵人Thelonious Monk，并在四月份与这位爵士史上出名的钢琴怪杰，于爵士名厂Riverside录制了《Thelonious Monk With John Coltrane》和《Thelonious Monk&John Coltrane》两张经典的唱片，从而不仅加速了John Coltrane吹奏技艺的更进一步，更在与名家大师开放形地接触中，逐步确立起自己独特和与众不同的演奏手法。而这一点绝对是一个只局限于一个乐团的某君御用乐手在短时间很难再进一步的关键所在，哪怕这个某君是爵士史上鼎鼎大名的Miles Davis也不例外。 而在John Coltrane演奏生涯中，最具划时代意义的当然还是1957年的9月15日，当时与Prestige尚有合约的他，因为受到了Blue Note老板Alfred Lion的亲睐，而由两家公司协商后，以外借身份来到了眼科医生兼录音师的Rudy Van Gelder父母家的客厅（即Blue Note鼎鼎有名的RVG录音室），并在与Blue Note一班名师的合作中，开启了他真正意义上自力更生、特立独行的第一篇章。虽然此前短短的一年多时间，他也以个人名义发行了超过两位数的唱片，但《Blue Train》却是他第一张摆脱Miles Davis阴影并开始勾勒自己风格线条的专辑。 当然，《Blue Train》能够在爵士史上书写如此经典的地位，除了它恰恰处于John Coltrane演绎上升期的一个重要交汇点外，专辑乐手整体的扶持同样功不可莫，这不仅仅是因为录制唱片的其他五位乐手的知名度比较高，毕竟这样的说法太过形而上。其实一个重要的原因还是乐手中有些依然还是Miles Davis旗下的老臣子，这在音乐的磨合上，多少给了John Coltrane心有灵犀的一种前提保障。像与John Coltrane同年出生同年加入老迈五重奏的鼓手Philly Joe Jones，和另一位迈大叔五重奏的御用贝司手Paul Chambers，以及在上世纪五十年代初就曾经和Miles Davis打过江山的钢琴手Kenny Drew。有了这些乐手的配合再加上John Coltrane正值盛年期的创作能力，他想不卖力都不成！小号手则是Lee Morgan这位继承Dizzy Gillespie和Clifford Brown风范的乐手，虽然他统领爵士乐坛的能力难及帅才Miles Davis之项背，但其在吹奏的速度和精准上，却比老迈有过之而无不及。其实，从这张专辑的演绎来看，时年才十九岁的他的确让人眼睛为之一亮，其风芒不仅盖过了该专辑三根管子之一的长号手Curtis Fuller，甚至在与John Coltrane的对手戏中也抢下不少的镜头。 《Blue Train》可以说是John Coltrane探索中形成自我风格的第一张唱片，也是他Bop生涯里最为强势的第一重击。五首曲子有四首出自他的创作，不过在编曲安排上倒是遵循了Blue Note一贯的口味，因此，其不够尽兴也成了部分乐迷对这张经典唱片哧之以鼻的重要理由，但这对正处于风格探索期的John Coltrane做到曲风凝聚倒是无疑中起到了保障作用。主题曲《Blue Train》用三根管子同时吹奏来模拟这列蓝色列车起航时的“号角”声可谓独具匠心，而John Coltrane天马行空、任想像力驰骋的演奏，配合着紧密却平稳的节奏，也让Bop曲风在更简易、更流畅的韵律中，加速了听觉的畅快淋漓之感觉。唯一一首非Johh Coltrane的作品《I’m Old Fashioned》，也是专辑中最为慵懒的一首音乐，却充分显示出John Coltrane演绎风格中尖锐而具有穿透力的特性，尤其是用长乐句造气氛的能力，先是如同溪水流动时清辙的音符和刀锋般的触觉，继而又是灵魂飘离身体的幻觉升起，逐渐将音乐由可触引向了不可触的神秘世界，这想必也正是John Coltrane日后开拓Avant-Garde Jazz的一种先期探索。而专辑中最为叫绝的还是John Coltrane和长号手Curtis Fuller用双主音Blow By Blow演绎醇正Hard Bop的《Locomotion》，AABA的结构，十二小节Blues加属七和弦半音的循序下行，节奏超频、即兴乱眼，堪为这张专辑中对Bop曲风演绎最为成功的一首传统作品。 当然，让这张专辑更显经曲中之独特地位的，是这张专辑居然为John Coltrane唯一一张以个人挂名的形式出现在Blue Note曲库中的专辑。(写的太好,不得不转) JOHN COLTRANE,tenor saxophone LEE MORGAN,trumpet CURTIS FULLER,trombone KENNY DREW,piano PAUL CHAMBERS,bass PHILLY JOE JONES,drums

说到Alison Krauss（艾莉森.克罗丝）就不能不提兰草音乐（Blue Grass），一种精致的，纯正的，原汁原味的音乐，很容易辨识。这种音乐有两三部和声，激烈的节奏，不受约束的情感。 这"孤独而高亢"的声音产生于20年代末的"弦乐运动"（String-band Movement），成名在来源于创始者Bill Monroe的乐队"兰草男孩"（The Blue Grass Boys），兰草音乐被Bonnie Clyde，The Beverly Hillbillies在60年代末极力推动，赢得了一批全新的听众.今天，兰草音乐仍保持者极高的影响力，象著名乡村音乐人Alison Krauss就是一列。Alison出生于1971年7月23日Champaign, IL16岁发行第一张个人专辑就立刻成为乐评家的最爱，18岁首获得葛莱美奖，11项葛莱美奖和无数乡村音乐奖项得主，蓝草音乐的发扬者.然而真正使她声名鹊起的却是今天我向大家推荐的《Now That I've Found You:A Collection》。 遥远的肯塔基，美丽的蓝月亮，一如Blue Grass这个名字。这样的声音里，甜美的睡一个午觉，Banjo轻妙， Fiddle光滑，不必担心它们会吵着你。在“When You Say Nothing at All”的歌声里醒来时，或者你会气愤地发现一度珍藏的电影《Notting Hill》的原声碟里Ronan Keating这个小鞋匠实在是蒙蔽了你的耳朵，原来世界上将蓝草之声唱得最动听的那个人叫Alison Krauss。