梁祝小提琴协奏曲是最受欢迎的中国现代作品之一，呂思清则被誉为：唯一能轻松面对“梁祝”高难度音准又能提供浓郁中国江南情怀的小提琴家。帕格尼尼大奖得主呂思清历经近百次的梁祝现场演出，以及三次录音之后，终于录下了千锤百炼，众所期待的“梁祝”。呂思清用更大的气魄和更宽宏的视野，将这段凄美绝伦的爱情故事做了极为深刻的诠释，连梁祝的原作曲家陈刚、何占豪都不禁要热泪盈眶，陈刚更表示——呂思清的梁祝是目前最杰出的！你还有什么理由拒绝这张精粹大碟呢？

《梁山伯与祝英台》是中国作曲家陈钢与何占豪于1959年在上海音乐院当学生时，为了响应当时国内倡议的“交响音乐民族化”方针，取材自越剧黄梅调中的同名故事及旋律，加以改编创作而成。全曲以三个段落的形式将故事中“楼台相会”、“草桥结拜”、“十八相送”、“英台抗婚”和“坟前化蝶”等重要情节套进了西洋奏鸣曲式的呈示部、发展部及再现部，叙述出这个家喻户晓的感人故事。是中国近代管弦乐作品中最负盛名、也是最早走向世界的民族曲目之一。 1978年，小提琴家西崎崇子与指挥家林克昌率领的日本名古屋爱乐乐团合作录制《梁祝》，多年来一直被誉为这首作品的优秀唱片录音版本之一。而对港、澳、台同胞等大陆以外地区的听众来说，这张《梁祝》小提琴协奏曲唱片更是具里程碑意义的版本，因为在八○年代初期，这些地区大部份爱乐者都是透过此录音认识《梁祝》的，这张唱片不但赢得了当时的香港金唱片奖，更以惊人的翻版数量风行两岸三地，直至1986年，唱片销量已超过100000张。此片最初是由当时的“香港唱片(H．K．Record)”首版发行，而后又分别于1986、1994、2001年以CD或SACD的方式由RCA唱片公司(现已隶属 BMG公司)再版，本辑为1994年BMG香港公司发行的金碟(24KT Gold CD)珍藏版。

References - Beethoven: Piano Concerto no 5, etc / Fischer This product is manufactured on demand using CD-R recordable media. Amazon.com's standard return policy will apply.

Anne-Sophie Mutter is a musical phenomenon: for more than 45 years the virtuoso has now been a fixture in all the world’s major concert halls, making her mark on the classical music scene as a soloist, mentor and visionary.

Cello – Emanuel Brabec (tracks: 4 to 6) Composed By – Johannes Brahms Conductor – Wilhelm Furtwängler Orchestra – Orchestre Du Festival De Lucerne* (tracks: 1 to 3), Wiener Philharmoniker (tracks: 4 to 6) Violin – Willi Boskovsky (tracks: 4 to 6), Yehudi Menuhin (tracks: 1 to 3)

这张碟是Decca的“Ovation”系列里的精华之一，三星带花名盘。迪图瓦指挥爱乐/皇家爱乐乐团演奏，郑京和小提琴，录音地点是著名的伦敦金韦斯大厅。迪图瓦以其敏感度，极力发挥出圣桑音乐特质，管弦乐处理令人愉悦。《骷髅之舞》充满了想象力，《年轻的海格勒》则是一首较具企图的乐曲，优雅动听；而《英雄进行曲》华丽灿烂。 《死之舞》是根据法国诗人卡扎里斯的同名诗篇改编的，描写死神在墓地里为一群骷髅拉小提琴的故事。尽管是描写死神的，但其中的旋律特别是小提琴却很动听。《骷髅之舞》又名《死之舞》，从字面上看似乎有点毛骨悚然，但细听之下却发现是一首非常优美和富有想象力的交响诗！是法国近代作曲家卡米尔•圣桑继《动物狂欢节》后最为世人熟知的名曲。旋律采用了中世纪末日审判的圣咏曲调，深刻而生动地描绘了死神在墓地里为一群骷髅拉小提琴的“派对”场景。 尽管音乐是讲述所谓“不吉利的东西”，但由于旋律娓娓动听、高潮时澎湃激昂，再加上以小提琴、木琴、鼓乐打击为主的大型管弦乐作鸣奏，栩栩如生地塑造出大批骷髅闻曲起舞的“卡通”形象。不仅没有幽怨、恐怖的感觉，还焕发出一种热闹、激扬的舞会气氛，使人百听不厌！ 唱片为Decca的Ovation系列之精华，由指挥大师迪图瓦指挥爱乐及皇家爱乐乐团倾力演奏。录音更采用了笛卡独门的ADRM模拟转数码秘方，令声音（特别是小提琴）纯净、顺滑，充满模拟味道。需要留意的是此碟电平极低，因此最强音与最弱音之间的动态对比非常明显，给重播器材带来严峻考验。尤其在《骷髅之舞》高潮时，各种敲击与管弦乐的强奏如金鼓齐鸣，低音冲击力犹如五雷轰顶，震天动地！第四段《引子与随想回旋曲》更有蜚声国际的韩籍小提琴家郑京和的演出，小提琴和大鼓的刚柔交替带来了震撼的戏剧性hi-fi效果，残响的延伸和舞台感的深阔完全将昔日伦敦金韦斯演奏大厅活现眼前。 同碟中还收录了《年轻的海格勒》和《英雄进行曲》，都是名演录。 圣桑《骷髅之舞》： 不可回避的优美旋律，骷髅之舞，邪恶而又让人惊艳的音乐力量！ 这不是一首歌曲，而是一首不可回避的优美旋律！一首能让你热血沸腾的曲子！好嘲弄出名的圣—桑就是围绕着这样一个相当明确的标题，怀着一种可怖的寓意，来构筑他的这首作品的。这是一则古老的神活所叙述的万圣节之夜，据说每年十—月一日，所有的鬼魂在午夜里都聚在一起狂歌乱舞。乐曲开始时，竖琴在弦乐器持续和弦的陪伴下，准确地拨出十二个附点二分音符，宣告“鬼魔的时辰”已经到来，墓地的石门随即大开，众鬼魂那从自己的墓穴里爬出来，为首的一个拿着一把小提琴，这就是死神；现在，他正在调试他的乐器 ---按作者的要求，乐队的独奏小提琴的调弦比较特别，它的第四根弦(E弦)调低半音(成bE)，同第三根琴弦(A弦)构成一个减五度音程，因此给人一种古怪的感觉。接着诸鬼魂的群舞便开始了。 交响诗《骷髅之舞》 又名《死之舞》，作品完成于1874年，1875年在巴黎首次上演，是作者所作的四部交响诗中最负盛名的作品。乐曲是根据法国诗人亨利• 扎里斯的一首奇怪的诗写成。 乐曲旋律采用了中世纪末日审判的圣咏《愤怒的日子》的曲调，给人以阴阳怪气的感觉。起初音很弱，逐渐发展到全奏，好象聚集到墓场上的骷髅越来越多，舞跳得越来越热烈。木琴的乾枯音色，描写了骷髅在跳舞中的互相碰撞声。乐曲根据诗的内容，从半夜的钟响开始，先用竖琴在D音上反复了十二次，表明半夜零点的到来。突然，独奏小提琴奏出圆舞曲的节奏，描写死神的骷髅互相击碰着出现了。作品要求小提琴用特殊的调弦，形象地刻画出骸骨的击碰声。接着由长笛以弱音奏出富有特征的主题，小提琴奏出坟墓的主题，也就是第二主题，描绘出深夜墓地寂静和恐怖的气氛。整部作品具有神秘、恐怖的特色。 法国作曲家圣桑一生写了许多作品，但真正著名的并不多，而这首管弦乐交响诗《骷髅之舞》却是他最为著名作品之一。 这首曲子根据法国诗人卡扎利的诗歌而作： 咕咕，咕咕，咕咕， 这是死亡之舞， 脚跟着节拍起舞， 死神也敲着基石， 在深夜里猛奏舞蹈的音符； 咕咕，咕咕，咕咕。 这是死亡之舞， 深夜里寒风呼叫， 菩提树的呻吟像海浪呼啸， 发亮的骨架， 带着帷帐在东奔西逃； 咕咕，咕咕，咕咕， 骷髅拥抱着狂舞， 带给人们恐惧和痛苦， 嘘， 舞蹈的声浪已经停止， 骷髅们仓皇逃跑， 因为已鸡鸣破晓。

Schumann: Violin Concerto in D minor, WoO 23 Mendelssohn: Violin Concerto in E minor, Op. 64 · Henryk Szeryng (violin) London Symphony Orchestra Antal Dorati Recorded: 1964-07-05 (Schumann) 1964-07-03 (Mendelssohn) Recording Venue: Watford Town Hall, London · Bartók: Romanian Folk Dances for piano, Sz. 56, BB 68 Debussy: La plus que lente Novácek, O: Perpetuum mobile - Concert Caprice Op. 5 No. 4 Brahms: Hungarian Dance No. 17 in F sharp minor Marroquin: Mexican Lullaby Rimsky Korsakov: The Tale of Tsar Saltan, Op. 57 · Henryk Szeryng (violin), Charles Reiner (piano), Jascha Heifetz (work arranger) Recorded: 1963-02-14 Recording Venue: Ballroom Studio A, Fine Recording, New York

Anne-Sophie Mutter is a musical phenomenon: for more than 45 years the virtuoso has now been a fixture in all the world’s major concert halls, making her mark on the classical music scene as a soloist, mentor and visionary.

A CD offering less than 40 minutes of music these days is very short measure, but Mullova's is a commanding performance, pure and true throughout, made the more compelling by the spontaneous expressiveness that goes with a live performance. Her admirers need not hesitate, for with one minor reservation the recording is first-rate, and Abbado and the Berlin Philharmonic here match the Brahmsian achievement of their DG symphony cycle. The surprise is that the recording, made at a concert in Japan in January 1992, has taken so long to arrive. Maybe they were waiting for a coupling, but in any case this is a one-off recording, supervised not by Philips's own engineers but by those at NHK, Japan. The reservation I mentioned is that though the sound in generally warm, well-balanced and well-detailed with a pleasant hall-atmosphere, the prominent placing of the timpani means that the many tremolos in the outer movements, notable at first, tend to cloud the texture. The effect is distracting enough to bring home afresh just how many such tremolos there are. Happily, the audience is extremely quiet, except in the brief gap between slow movement and finale. The first obvious comparison is with Itzhak Perlman's live Berlin recording for EMI with Barenboim conducting this same orchestra. That was made two months after the present one but in the Schauspielhaus, Berlin with a sound-balance typical of Perlman's recordings, with the solo violin in close-up set against full-bodied orchestral sound. The immediate impact of the bravura double-stopping passages is obviously greater, but Mullova consistently compensates in the extra dynamic range that she can convey, with the many reflective passages in the first movement as well as the central Adagio given a rapt intensity. The combination of purity and warmth go with a clear purposefulness, heightened by the degree of freedom Mullova allows herself in linking the different sections of each movement. Similarly, instead of storming through the thorny technical problems of the Joachim cadenza (curiously not identified in the booklet), she again allows herself a degree of elbow-room, giving it more than usual the feeling of a spontaneous improvisation, culminating in an exceptionally sweet and pure account of the coda, bringing the most inward meditation of all. The violin entry in the Adagio is then open and songful, with full meditative intensity reserved for later in the movement. The clarity of Mullova's articulation in the finale is phenomenal, the bravura most compelling. . . . Mullova's new disc makes an excellent recommendation . . . . -- Edward Greenfield, Gramophone [11/1994]

与爱乐者相比，维欧提（Giovanni Battista Viotti, 1755-1824）这个名字更让许多音乐学者们感到更为熟悉，他是现代的小提琴演奏法的始创人，另外维欧提也是让「史特拉底瓦里」提琴声名大噪的重要人物，他的名声传遍了俄国、德国、法国等地，更成为那个年代最伟大的小提琴演奏家。他在作曲方面的成就，以29首小提琴协奏曲为重心，在当时可说奠定了小提琴协奏曲的创作风潮，他也靠着这些作品活跃于巴黎和伦敦，获得崇高的声望。 维欧提早年跟随小提琴家兼作曲家普格纳尼（Gaetano Pugnani）学习，成为杜林皇家教堂乐队的一员，突出的小提琴技巧让他的很快地受到赏识，获得前往俄国、德国、法国、英国等地参与重要的演出。在18世纪后半叶，巴黎流行着音乐会形式的演出，对小提琴家而言是最为重要的舞台，维欧提专门为这些场合写了许多小提琴协奏曲，今日我们才有难能可贵的机缘聆听到这29首作品。1782年，维欧提首度在巴黎音乐会上演出，随即获得贵族们的青睐，为贵族们谱曲对他的经济状况有很大的助益。1789年法国大革命，贵族失势，维奥提于英国驻足直到1818年，受到法国王室的支持而重返法国。 身为职业小提琴家的维欧提，最为人倾羡的就是他能让小提琴像「歌唱」般的运琴炫技，其中尤其以缓板的部分最为迷人，让当时所有阶级的爱乐人无不为之倾倒。维奥提也间接影响了帕格尼尼：帕格尼尼的巡回演出曲目中常出现维欧提的作品，些许影响了帕格尼尼的创作风格。这29首小提琴协奏曲的全集录音，是小提琴家曼彻纳自1990-2004年之间的心血结晶，也是现今唯一仅有全集收录的版本。