When MONO began in 1999, they set out with a simple mission: From bliss to bludgeon, no matter how long or winding the path may be. Their debut album, Under The Pipal Tree, outlined that mission in twisted, psychedelic fury. Subsequent albums would see the band honing their craft, mastering their mission, and ultimately abandoning that path in favor of more grandiose pursuits. Flanked by increasingly larger orchestras, MONO performed live at some of the most prestigious venues in New York City, London, Tokyo, and Australia. MONO had become an orchestral rock band, a spectacle of extreme melancholy and melodrama. On 2012’s For My Parents, the band had finally reached the logical conclusion of that era; it was time to remember where they started, and to rethink where they were heading. Less strings? No strings? Louder?Quieter? Lighter? Darker? Yes.
The Last Dawn and Rays of Darkness are a pair of new albums by MONO. Recorded simultaneously yet conceptually and creatively disparate, the two act as both opposing and complementary sides to a story. No strangers to narratives, the two albums explore familiar themes for the band: Hope and hopelessness, love and loss, immense joy and unspeakable pain. Those elemental parts of life and the complicated relationships they create have never been more resonant through MONO’s music than they are here.
The Last Dawn is the first of these two companion albums, and is the “lighter” of the two, thematically and melodically. It contains undoubtedly some of MONO’s strongest songs ever, drawing on an array of influences from minimalist film score to vintage shoegaze. It is MONO at their absolute purest, executing an uncanny, unspoken dialogue with each other without the dozens of stringed instruments that have been so prominent throughout their catalog. The songs are also noticeably more efficient – there hasn’t been a MONO full-length record to fit on a single slab of vinyl since 2003’s One Step More And You Die – and the album benefits immeasurably from this streamlined approach. MONO have always been masters of telling compelling stories without words. But now they’ve proven they can do it without frills, too.
Rays of Darkness is the first MONO album in 15 years to feature no orchestral instruments whatsoever. That fact alone is remarkable given the band’s reputation for sweeping, dramatic instrumentals that recall Oscar-worthy film scores. Instead, Rays of Darkness more closely resembles a jet engine taking off inside a small, crowded auditorium. It is MONO’s blackest album ever, a collection of scorched riffs, doom rhythms, and an unexpected contribution from post-hardcore pioneer Tetsu Fukagawa of Envy. The album ends with the smoldering wreckage of distorted guitars and ominous drones playing out a eulogy to the days when MONO shot blinding rays of light through seemingly endless darkness.
1999 年成队之初，MONO 带着一个简单的使命便踏上了旅程：抱持轻柔亦抱持轻狂，品味极乐亦品味极妄，无论前路何其艰长。他们的首张专辑《Under the Pipal Tree》为这则使命赋予了更多扭曲而迷幻的激怒面容。之后的几张续作中，MONO 韬光养晦地打磨着匠艺。为了更辉煌的梦想，他们最终抛弃了初始之路。之后的 MONO 游走于越来越宏大的交响乐团间，足迹远至纽约、伦敦、东京和澳洲，曾在一些最负盛名的音乐现场演出过。MONO 以交响乐的名义继承着摇滚乐的精髓，创造着极端感伤却又富有戏剧性的旋律。2012 年，当他们发行了 《For My Parents》后，MONO 终于结束了先前的风格。是时候整顿情绪，重树目标了。弦乐是该减少还是该放弃？氛围是更热烈还是更安静？风格是更开朗还是更阴郁？这一切都有可能。
《The Last Dawn》和《Rays of Darkness》是 MONO 的两张新专辑。这两张同时录制的专辑有着截然不同的创作理念，是一个故事的互补两面。MONO 作品中贯有的叙事特点在这两专辑中再次得到了体现：希望与绝望的转换、爱与恨的交织以及极乐与极悲的大起大落，这些听者熟稔的主题在 MONO 这两张作品中拥有前所未有的共鸣。
《The Last Dawn》是这两张专辑中的首发专辑，相较之下主题和旋律都更为“轻柔”。毫无疑问，这张受极简电影和复古自赏音乐风格影响的专辑包含了 MONO 几首最强有力的单曲。这时期的 MONO 是最纯粹的：往昔专辑中阵容庞大的管弦乐队不再喧宾夺主；成员间默契十足，仿佛在用一种神秘的无声语言进行精神交流。与极简曲风相得益彰的是专辑中一众高度表意的曲目。要知道，自 2003 年的 《One Step More And You Die》后，还没有哪张 MONO 的全长专辑能塞得进一张黑胶中。整张专辑也在这种从简的风格中获益匪浅。一直以来 MONO 都是讲故事的好手，毋需言语便能把精彩故事娓娓道来。这次他们终于证明了自己放下架子后，亦能将听众引入新的洞天。
《Rays of Darkness》是 MONO 十五年来首张放弃任何类似管弦乐配曲的专辑。单单这件事就可称神奇。要知道 MONO 那恢弘又充满戏剧性的编曲可早已享誉在外，出现在奥斯卡影片配乐中都不足为奇。然而 MONO 却反其道而行之。作为 MONO 最黑暗的一张专辑，《Rays of Darkness》听来更像在拥挤的小礼堂中起飞的小型飞机。专辑中充斥着焦灼的 riff 和末世般的旋律，以及一段与后摇先驱 Testsu Fukagawa （Envy 成员）的出人意料的联袂。整张专辑在郁积而扭曲的吉他变声和不详的嗡嗡声中收场，仿佛在对过去那个于无边黑暗中放出万丈光芒的 MONO 唱着挽歌。

内地新生代“后摇天团”花伦乐队将推出自己的全新专辑。09年加入摩登天空后，成为旗下的首支Post-Rock风格摇滚乐队，他们被认为是中国新生代后摇滚乐队的优秀代表之一。浓厚的人文气息和执著于美好情境的再造，这正是花伦乐队音乐的特点。
这张名为《Asian River》的新专辑从2009年年底开始录制，专辑收录7首全新作品，与他们上一张专辑所不同的是，这些新作品虽然保持着他们惯有的风格，但更为成熟和大气。专辑的后期制作，更是邀请到著名录音师粟野敬三先生操刀。花伦标志性的气质与色调在这张专辑中会更加多元化，对作品层次的把握有了很大的进步。
花伦是一支有着浓厚人文气息和理想情结的乐队，他们的音乐为听者营造一个又一个忧伤的梦，在你还未来得及做好准备的时候，吉他噪音墙的巨大轰鸣伴着跌宕起伏的轮拨呼之而出，不断击打着你内心静谧而软弱的地方，让敏感的神经末梢变得更加脆弱无比。他们叙述的故事，都是真的、甜美的、温暖的、忧伤的、烦躁的，恰巧这也正是我们的生活。如果你是为了理想和生活所存在的个体，那么就请相信他们。

SIGUR ROS在1994年成立于冰岛REYKJAIL，早年一行三人姿态的他们包括歌手兼吉他手JON TONR BIRGISSON、低音吉他手GEORG HOLM和鼓手AGUST OVAR GUNNARSON，乐队取名自JON 年幼妹妹的名字（SINGUR ROS即VICTORY ROSE之意）。三年后，乐队终于在SMEKKLEYSA这所冰岛独立厂牌旗下发表了第一张专辑《VON》。然后乐队设立了一名键盘手KJARTAN SVEINSSON，自此SIGUR ROS拓展成四人阵容，乐队随即展开第二张专辑《AGAETIS BYRJUN》的工作。唱片在99年6月于冰岛SMEKKLEYSA厂牌推出，这张专辑在冰岛稳站排行榜冠军达8个星期，乐队在冰岛的成功，且由于这张专辑的出色表现更是令他们受到英国独立厂牌FAT CAT之青睐、把他们罗致旗下，并横扫当年的英伦独立音乐圈，也称为当年最令人瞩目的优秀作品之一。2000年，AGUST的鼓手位置由ORRI PALL DYRASON代替，乐队亦于伦敦举行了他们的首场演唱会。2002年，乐队由FAT CAT公司推出了第三张专辑()。
我不能确定那是云中隐隐的雷声还是SIGUR ROS伤感而铿锵的鼓声，我好象回到了遥远而熟悉的时间和空间，远得仿佛手伸得再长也触碰不到边缘的土地。有风，暖的，冷的，就这样拂面而来。夹杂着一些干净的泥土，沙砾，打在你脸上，细微的疼痛感，稍瞬即逝。有些仿佛是婴儿的声音，轻轻地唱着，念着，无意识的，或者有意义的，都可以。女的，男的，分不清的。什么都有。杂合着那样的风，那样的气息，就像是冰岛的空气，就像有人说的那样，“在冰岛有风吹到，都会有想哭的感觉。到处弥漫的，是音乐的，无处不在的音乐的气息。”就像是这样的，冰冰冷冷，又惬意非常的感觉。当然，还有一种季节叫冬天，冬天一定会有雪，雪是飞舞的，无论是黑夜还是白昼。在雪的世界里，就算阳光温暖明媚，也无法融化它们的躯体，生命就像雪季的一个过程，开始，白色的雪花覆盖了我们幼稚的童年，我哭了，旷野中，精灵们好奇而无奈的看着我，和着我的哭泣和风声轻轻吟唱着，我听不懂这语言，我只感到这歌声高亢，这风声像大提琴的鸣奏。雪慢慢的又覆盖了我脆弱的青春，我还来不及向往和期盼，这时我的身体强壮，却无法摆脱身边的束缚，一切的努力好象都只是在挣扎，广袤的原野只有我和在我腰际无边的雪，突然间雪到了我的头顶，原来白发是这样染成的......我笑了，听着精灵们朦胧、萧条的吟唱，我继续的等待。这就是驻留在我心灵角落的SIGUR ROS，连噩梦都是这般的诗意。我们会迷失的，会迷失在梦里的，会迷失在过去和现在的。纪伯伦曾说，遗忘是选择自由的一种方式。听这SIGUR ROS的《AGAETIS BYRJUN》，也许是可以选择迷失在自由里的，也许是可以选择彻底地束缚自己的。
无论是从概念还是从感觉来说，来自冰岛的SIGUR ROS都代表着空灵简约的美学主义。八首无名的歌曲，一对()作为标题，一本无字的小书，这是SIGUR ROS的第三张专辑，它再一次把乐队的简约主义风格发挥到一个前所未有的新层面之上。正如SIGUR ROS所说的“每个人对这唱片里的音乐都会拥有完全的个性化体验与感知，对于每个人来说，唱片都是为他们个人而创作是独一无二的”，因此我们实在不需要把此唱片分为任何的歌曲，因为所有作品都是来得那么凄美动人，它们是为人类灵魂深处而存在的一系列配乐。TRACK-1缓慢凝重的前奏，高潮部分的凄厉假声将让人痛得彻骨，纯音乐作品TRACK-3在最简约的音符上描绘着无垠的宏大，纯正的电影质感，然而我想这需要怎样的一部电影才能表达这份感觉？而在这张专集中最为出色的是TRACK-4，空灵飘逸的吉他在神圣的鼓点声中延伸、渗透，JON TONR BIRGISSON的歌声再次响起，虽然始终重复着一句歌词，但是依然非常富有变化和感染力，一曲终了，总有意犹未尽之感。TRACK-6深具内聚力的演奏，好比PINK FLOYD鼓手NICK MASON来演奏的GOTHIC作品，歌曲也渐趋激情。在碟末TRACK-8内更展现出他凌厉的鼓技。而TRACK-6则让我隐约的感觉到大海，兰色和白色的世界，是悲伤之人的眼泪汇聚而成地方，因为它的味道也是咸的，我们无时无刻的，日以继夜的带着这种液体奔波着，只要生命存在，它们就有理由存在，因为它们是悲伤和快乐的载体。就算生命不在了，我们的泪水会合在一起，来自每一个村庄和城市，每一个清晨和黄昏。也许这就是殊途同归的最终体现。大海的边缘是和天空相接的。在每一个晴朗的日子，总有一些人在这无边无际的痛苦汪洋中快乐的戏水，俨然忘记了这是一个苦涩之源。()，简单的符号，却到底是什么意义？谁都有他的感觉和想法。我却无从理解。是圆满吗？残缺的圆满吗？或者是两个月亮？上弦月，遥对着下弦月？或者只是括号？包括了没有指定意义的括号？太多答案。甚至这已成为一个迷失的乐园。好像越扯越远了。只在回忆中感觉那样的音乐。因为无风，因为微冷，因为无声，因为疲惫。
全碟的歌词是一种混合英语及冰岛语的一种语文，被SIGUR ROS们自称为HOPELANDISH，所以很难听懂齐歌词的意思，但是这并不重要，JON TONR BIRGISSON犹如天籁的歌声本身就是一种乐器。
听POST ROCK需要一个条件，就是要对音乐有开放的心，如果你是一个“死硬派”乐迷可能你会觉的POST-ROCK只是一些乱来的东西，甚至是垃圾，这在乎你对音乐是否勇于尝试及接受。