《马友友：探戈灵魂》是由阿根廷著名作曲家阿斯托皮亚左拉（Astor Piazzolla 1921-1992）所作。专辑的制作人是阿根廷享誉盛名的奥斯卡卡斯特罗那维斯（Oscar Castro-Neves）。这张专辑共有十一个曲目，全为阿斯托皮亚左拉所创作。皮亚左拉这位在法国受到正规作曲法训练的阿根廷作曲家，最终选择了将探戈作为自己的创作源泉和生命。是他赋予了探戈新的生命力。 虽然马友友录制了上百张CD，这张专辑仍是他最喜爱的专辑之一。正如他所说：“ 皮亚左拉的探戈完全不同于你以往所听到的探戈。我最大的遗憾就是没能见到皮亚左拉本人。”在马友友录制这张唱片时，皮亚左拉已经离开人世。所幸的是马友友和皮亚左拉生前的好友及工作伙伴一起演奏并录制了这张唱片。 ASTOR PIAZZOLLA （1921-1992） 01 LIBERTANGO TANGO SUITE 02 ANDANTE 03 ALLEGRO 04 SUR：REGRESO AL AMOR 05 LE GRAND TANGO 06 FUGATA 07 TANGO REMEMRBANCES 08 MUMUKI 09 TRES MINUTOS CONLA REALIDAD 10 MILONGA DEL ANGEL 11 CAFE 1930

“巴赫无伴奏大提琴组曲的所有演奏版本中，最爱还是史塔克1992年在RCA的录音。”日本乐评家武田明伦如是推荐。在1999年的“名曲名盘300”中，此录音版本更名列第5，乐评界与古典发烧友一致高度评介！ 巴赫的六组无伴奏大提琴组曲（BWV 1007-1012）是无伴奏乐曲中最早闻名于世的典范，在音乐结构、艺术魅力和思想深度上都举世无双，自1901年被卡萨尔斯“发现”并介绍给全世界的听众以来，它们便成了无限意义的延伸，更被誉为演奏家技巧与修养的试金石，史塔克、罗斯特罗波维奇、傅尼叶、马友友等无数大师都屡次争相诠释这一纪念碑式作品。 作为二十世纪最伟大的大提琴演奏家，史塔克已经先后五次灌录巴赫的这一惊世巨作，都获得了极好的评论，并为他带来了1998年度葛莱美“最佳器乐独奏奖”的荣耀。本专辑收录的是他在70岁高龄之际，于RCA灌录的第五次录音。史塔克认为对美的追求永无止境，他冀求每一次的演奏，都能更接近这套乐曲的真理。 对比以前的四次，此第五次演奏里，细节更多，表现也更精确，史塔克在展现着他的速度与演奏力度的同时，以其一贯充满活力的风格诠释着，琴声中，充满了对生命的热情和坚毅。

虽然今年才二十二岁,神童小提琴家希拉里•哈恩如今已经几乎要将所有历史上重要的小提琴协奏曲灌录完了，今年她更排出了孟德尔颂和萧士塔高维奇这两首音乐厅中长青的经典协奏曲。这两首协奏曲在她的演奏曲目中已经有十年以上的时间，,她在十一岁就学会孟氏的协奏曲，所以心得也最深入。至于萧士塔高维奇的第一号协奏曲则是她十七岁时自己学会的，她也因此成为是新生代小提琴家首先将此曲纳入演奏曲目中的一位。专辑中还附赠希拉里•哈恩以相当浅易的文字，详细地剖析、描述这两首协奏曲创生的过程，以及其在音乐史上的地位。 门德尔松(FELIX mendelssohn,1809-1847),德国作曲家。门德尔松是钢琴家神童，9岁就开始公开演奏，10岁时就为《诗篇19》谱曲，17岁时作成了《仲夏夜之梦》序曲。1826-1829年在巴赫逝世后首次指挥《马太受难曲》，引起轰动而成为闻名遐迩的指挥家。1829年访问英国，以钢琴家身份首次演奏贝多芬的《皇帝协奏曲》，这段时间成为他创作的崛起期，创作了《芬格尔山洞》、《第一钢琴协奏曲》。随后又到德、奥、意大利，在《第一交响曲》后又创作了《意大利交响曲》、《宗教改革交响曲》。门德尔松1835-1836年任莱茵音乐节的艺术指导，1835-1846年莱比锡格万特豪斯乐团指挥，1837年婚后为其创作的第二阶段，创作了《第二交响曲》（颂赞歌）、《苏格兰交响曲》、《E小调小提琴协奏曲》、《庄严变奏曲》等几部最重要的作品。1843年在莱比锡创办新音乐学院，任院长，晚年作品中最著名的是清唱剧《以利亚》。 门德尔松最优秀的作品是：《E小调小提琴协奏曲》、第三、第四交响曲，管弦乐《芬格尔山洞》、戏剧配乐《仲夏夜之梦》、为钢琴而作的《无词歌》、《降E大调弦乐八重奏》和清唱剧《以利亚》。 彪罗称门德尔松是莫扎特之后最完美的曲式大使，古典主义的传统与浪漫主义的志趣在他的作品中较完美地结合在一起，赋予他的作品以一种诗意的典雅。门德尔松善于把美妙的旋律纳入正规的古典式，他是一个热情歌颂自然的诗人、一个善于运用虚无飘渺画笔的风景画家，他的音乐被称为“描绘性浪漫主义”，其中充满温柔的情感。门德尔松的出色才能表现为对景像的诗意把握与对精灵鬼怪的描绘，但他的音乐中太注重感情的表达而呈纤巧，亦有人认为致命弱点是缺少激情与纤巧情感的对比。 门德尔松的这首小提琴协奏曲OP.64完成于1844年，为当时格万特豪斯乐团首席小提琴菲迪南.大卫（Ferdinand David,1810-1873年）而作，构思诞生于1838年。1845年3月13日由大卫首演。这首协奏曲，是门德尔松所有作品中最杰出者，也是浪漫主义小提琴协奏曲中的佼佼者，与贝多芬、布拉姆斯、柴科夫斯基的协奏曲并称为四大最著名的小提琴协奏曲。共3个乐章：1.热情的很快的快板，E小调，奏鸣曲式。以弦乐分散和弦的喃喃低语开头，主奏小提琴奏优美而又带有忧郁的第一主题。主奏小提琴技巧复杂的经过句后，第一主题再由乐队呈示。再双簧管与第一小提琴表达后，主题小提琴又展示技巧。第二主题为G大调，先由长笛与单簧管四重奏表现，主奏小提琴接替后结束束呈示部。发展部以主奏小提琴发展第一主题始，木管呈示第一主题开头动机而加入，主奏小提琴再由开头动机进入华彩。再现部第一主题由长笛、单簧管静静地开始，主奏小提琴反复。第二主题再由木管以E大调再现，主奏小提琴反复。结尾主奏小提琴的华彩转向急板而达高潮。2.行板，C大调，三段体。第一低音管以B音始，转入C大调后，主奏小提琴奏极优美的主题，乐队伴奏。中段由第一小提琴与双簧管呈示庄严的主题，主奏小提琴装饰变奏。第三段发展第一段。3.序奏为不太快的稍快板，E小调，以第二乐章中段主题为基础发展。主题为活泼的快板，转成E大调，奏鸣曲式。第一主题开头动机反复4次后，活泼的展开第一主题，经经过句，第二主题以B大调由乐队呈示，主奏小提琴接替。发展部由主奏小提琴以第一主题始，出现新旋律，乐队与主奏小提琴的表现交替。再现部第一、二主题同时以E大调呈现，结尾部主奏小提琴奏长大的颤音后，乐队以辉煌而结束。

黄自的和声大半是朴实的如其为人。——赵元任 黄自，字今吾。1904年生于川沙（今属上海市）。誉满20世纪上半叶中国乐坛，且富有爱国民主情怀的教育家、作曲家、音乐理论家。 黄自可算是我国近代以来第一位职业作曲家——之前有写出我国第一首小提琴曲《行路难》的著名地质学家李四光、谱写了《叫我如何不想他》等大量歌曲的国学大师赵元任等业余作曲者，也是最先探索和思考我国民族音乐发展方向的先驱者之一。1904年生于江苏一书香门第，12岁就进入清华学堂，20岁赴美留学。先在欧柏林学院学习心理学，后专攻音乐，转往耶鲁大学获得音乐学学士。毕业作品《交响序曲——怀旧》成为中国第一部交响音乐作品，在耶鲁大学受到很高评价。虽然当时美国的音乐教育还不很先进，作曲技法远落后于欧洲，但仍表明黄自出色地掌握了传统的西方音乐技法。 回国后竭心尽力在祖国建立音乐教学机构，培养音乐人才。在上海国立音乐专科学校任教时，主持编写新音乐教材和普及读物，如1930年《音乐的欣赏》，1930-1934年《西洋音乐进化史鸟瞰》，1933-1935年主持编写《复兴初级中学教科书》六册，1934年与萧友梅、韦瀚章以“音乐艺文社”名义合编《音乐杂志》，以及1935年冬发起创办第一个全由中国人组成的上海管弦乐团等。“他是系统地、全面地向国内学子传授欧美近代专业作曲理论，并且有着建立中国民族乐派的抱负的音乐教育家。”（贺绿汀） 回国后还创作了大量出色的声乐作品。他的艺术歌曲中,有一类依据诗词的意境铺成而作,如《花非花》《踏雪寻梅》《点绛唇·赋登楼》《山在虚无缥缈间》等；《思乡》《春思曲》和《玫瑰三愿》等是另一类抒情艺术歌曲的代表之作。“把西洋技术吸收成为自己的第二个天性，再用来发挥从中国背景、中国生活、中国环境里的种种情趣，…… 不但自己写的自自如如,要使听者也能觉得自自如如。…… 他的长处是写什么象什么,总是极得体,总是极好唱,我曾称他为现代中国最可唱（Most singable）的作曲家。”（赵元任）这些艺术歌曲大多由韦翰章等极具文学功底的人作词，多声部歌唱技法运用得炉火纯青，造就了空前绝后的歌词以文言为主的中国艺术歌曲，雅俗共赏。 1931年“九·一八”事变后，黄自率先创作了极具感召力的救亡歌曲，如《抗敌歌》《热血歌》《旗正飘飘》等，慷慨沉雄，闻者奋起。黄自曾表示：“现在我写抗敌歌曲，希望不久能再写庆祝抗战胜利的歌曲”，可惜抗战第二年因伤寒症病逝于上海，年仅34岁。“黄自是最有青年气的音乐家,他学习音乐的动机是为民族国家…… 应该不分派别和感情，为着一个目标奋斗，才是今天追悼会黄自先生的意义。”（田汉） 黄自的《长恨歌》是我国现代音乐史上第一部借鉴西方传统音乐形式的清唱剧，优美动听，情感深厚，与韦翰章的词曲配合堪称绝配。尤其第三乐章《渔阳鼙鼓动起来》的旋律极佳，瞬间就能沁入中国人的内心深处。计划写10个乐章但只写成了7个乐章，后由他的学生林声翕补作，雨果HUGO的专辑“长恨歌”出有完整版。 抗战时黄自患病滞留沦陷区，1938年5月9日，黄自因患伤寒病逝于上海红十字会医院。临终前，他对夫人汪颐年女士说：“你快去请医生，我不能就此死去，还有半部音乐史没有写完呢！”然而天年不遂，一代宗师溘然谢世。 本唱片封面上的黄自先生执著、敬业、勤勉，在战火纷飞中以绝顶才华和浩然正气谱写着中国人的心声。在哀悼黄自的追思会中，由张昊作词、陈田鹤作曲的《悼今吾宗师》（合唱与管弦乐）表达了弟子们对恩师的衷心哀悼：“先生此去何匆匆，抛下了半篇残著，无数新声犹待谱，满腔曲调埋终古。”不由令人想起诗人格里尔帕泽为舒伯特写的墓志铭：“这里埋葬了丰富的宝藏，还有更美好的希望。” 采桑子·悼黄自先生（词:龙七[沐勋] 曲:谭小麟） 俄然梦觉何曾死 声在琴弦 人在心弦 一曲悲歌万口传 惟怜志业捐中道 待究陈编 未竟新编 留待芳菲启后贤 更详细的生平、作品介绍可参见唱片说明册、生平纪录片VCD和卞祖善的文章《黄自一百周年诞辰纪念》等。 等若干网上商店有售。

Dinnerstein chose this program because of how the pieces speak to each another, and because of their relationship to the music of Bach. "My hope with this concert was to program a group of pieces that would contrast with and relate to each other, despite being separated by hundreds of years," she explains. "So much music written since Bach has been influenced by him, and the Beethoven and the Lasser recorded here are no exceptions. Philip Lasser's variations on the very dark Bach chorale, Nimm von uns, Herr, du treuer Gott (Take from us, Lord, Thou faithful God), draw on Bach's intense and meditative side. Lasser's writing is intricately crafted and encompasses a range of styles, from a contrapuntal energy reminiscent of Bach, to French Impressionism and even jazz. Beethoven's Opus 111 sounds surprisingly contemporary in this company. The first movement looks ahead to Liszt and the second movement, with its set of variations on a chorale-like arietta, looks back to Bach and ahead to jazz. All three works are densely layered, but also have a sense of freedom and directness of expression. Though they span almost 300 years, in many ways, to me, they each feel grounded in the present." Of Dinnerstein's performance of Beethoven's Op. 111 during the March 2007 Bach Festival of Philadelphia, The Philadelphia Inquirer raved: "Emotionally, intellectually and technically, this music couldn't be more demanding, and Dinnerstein's performance was in a league with any of the great Beethoven pianists of our time . . . I've heard Dinnerstein play fine performances, but none with the thunderbolt-hurling confidence of this one."

《鳟鱼五重奏》： 一、《鳟鱼》五重奏的创作 奥地利作曲家舒伯特在他短短的一生中，曾经创作完成了许多室内乐作品。舒伯特的室内乐中，被认为艺术成就最高的是弦乐五重奏，而这首《鳟鱼》五重奏（OP．114号），则是他所有的室内乐作品中最著名、最受人喜爱的一首。这部作品旋律优美，充满明朗靓丽的光泽，洋溢着生命的无限活力，令聆听者难以忘怀。 由于作品的第四乐章是根据舒伯特创作的歌曲《鳟鱼》的主题而写成的变奏曲，所以这部作品被世人称为《鳟鱼》五重奏。《鳟鱼》五重奏写于 1819年，当时舒伯特仅仅22岁。 1819年夏天，舒伯特与著名的男中音歌唱家福格尔去奥地利北部阿尔卑斯山区的施泰尔小镇演出。福格尔的年龄已可作为舒伯特的父辈，当时享有很高的名望。但他非常欣赏还默默无闻的青年舒伯特的作品，并且不停地在各种场合演唱和介绍舒伯特的作品。两人演出时钢琴伴奏常常是年轻的舒伯特亲自担任。 停留在施泰尔期间，舒伯特应当地矿业经理、大提琴手潘加纳的委托，用他的歌曲《鳟鱼》的主题，创作一首室内乐。舒伯特常常徜徉徘徊在阿尔卑斯山区林木葱茏的山野之间，优美的景色，清新的空气，爽朗的夏日时光，为舒伯特带来了满怀的青春欢乐。这些快乐的回忆，化作新颖明丽婉转的乐思，出现在这部无比美好的钢琴五重奏中。作为抒情诗人，肖邦更多的是情感，舒伯特更多的是情趣。就情趣而言，我喜欢《鳟鱼》。 二、作品分析 第一乐 章是活泼的快板，奏鸣曲式。钢琴奏出了以分解和弦出现的引子，接着小提琴唱出了优美宁静、朴素安详的主部主题。主题稍作扩展后，钢琴奏出了颇富抒情风格的副部主部。在较严谨的展开部和再现部后，音乐以短小的尾声结束。这个乐章具有温婉明快清澈的感觉，乐思优美而浪漫。 第二乐章是行板，二段曲式。整个乐章静谧轻柔，钢琴奏出缕缕飘弥着奥国北部阿尔卑斯山岳地带气氛的歌谣风的旋律。中提琴抒情的吉普赛风格曲调交织着既温柔又忧愁的情感。二段音乐在反复后结束。这个乐章形式单纯，但相当妩媚而可爱。 第三乐章是一首谐谑曲。急速、轻快而精神充沛的主题以及弦乐与钢琴的问答显示出诙谐的情绪。中段是维也纳舞曲风的恬静而又愉快的音乐。 第四乐章是变奏曲式。脸炙人口的旋律描绘了深山溪流中自由悠游的小鳟鱼。小提琴优美的主题后，钢琴弹出第一变奏。第二变奏由中提琴主奏。第三变奏是借大提琴和大提琴演奏的浑厚的主题，沉重的音乐似乎令人感到了渔夫的脚步声。第四变奏是强大的和弦和阵阵的哀伤，好像是渔夫投网和小鳟鱼的挣扎。第五变奏大提琴奏出同情和忧伤。尾声中优美的主题再现，诉说着自由欢乐的永恒和美好终将到来。 第五乐章最快板，二段曲式。华丽而充满力感的音乐充计表现了作者在夏季愉快的旅行中明朗而宽阔的胸怀和对大自然的热爱。音乐在欢乐的情绪中结束。 这部作品有两个独特之处。通常五重奏的编制都是钢琴加上一组弦乐四重奏（即两把小提琴、一把中提琴、一把大提琴），也称为钢琴五重奏。而舒伯特的这部作品，却是由钢琴与小提琴、中提琴、大提琴、倍大提琴构成。减少了一把小提琴，增加了一把倍大提琴，使作品的低音声部浑厚、深沉。强大的低音使人倍感过瘾。特别是现代的爱乐者，有了出色的聆听器材对低频的上佳表现，加之人们对低频的偏爱，在此曲中便可尽情地享受了。这部作品的另一个独特之处是整部作品由五个乐章构成（一般为4个乐章）。全曲便形成了一首规模较大的室内乐作品。 这首《鳟鱼》篇幅将近40分钟。我把整个作品看作对溪水、鱼、渔夫以及三者关系的表现。第一、第二乐章我设想渔夫还没出现，所以是鱼与水在那样一种幽静而美丽的自然里的美妙交融。第一乐章钢琴表现的鱼的戏水，我简直能感觉到尾鳍在水中舒展和它溅起的水花在阳光下呈现出丰富的色彩。而当弦乐表现水流的交叉融合之后，钢琴反过来再表现溪水的清澈与晶莹，弦乐变成鱼儿在水中像箭一般穿梭。这种戏水的神妙只有在舒伯特音乐中才可以听到。 舒伯特的音乐常常是围绕一个极抒情的舞蹈化音型不断地通过轻重变化处理，变化出一连串精致的趣味。比如这个作品的第三、第五乐章。 我常常觉得这些自然的、不是刻意得来的趣味中有太多的神秘性。这也是舒伯特音乐中甜美的舞蹈性可以甜而不腻的真正原因。 听这部作品要注意低音的效果，注意大提琴低音提琴与钢琴的对比，别忘了舒伯特是为大提琴演奏家所作。 ——文章来源网络 作品《死神与少女》赏析： 宛如一部小型的音乐戏剧：在钢琴前奏中，死神踏着沉寂的脚步走向少女。低沉的音区和阴暗的和声，是死神的写照。面对死神步步逼近的威胁，少女发出了惊叫：伴奏奏着急促的节奏，体现了少女内心的惊慌、恐惧。在她唱到“我还年轻”的时候，旋律中出现两个小二度的进行，表现了少女对死的厌恶、对生的祈求。可是，她的抗拒是微弱的。冷酷的死神接着以丧钟般同音反复的音调，唱出了诱惑她长眠的歌声，特别是最后走向低八度的主音结束，更充分体现出死神的残忍、阴险。无辜的少女不得不向死神屈服。这是一篇对死的抗议书，也反映出在舒伯特所处的时代，软弱的市民阶层尽管力图抗拒，也无法摆脱那强大的封建黑暗势力。因此，这也是一出特定时代的悲剧，仿佛是舒伯特本人一曲自传式的悲歌。 这首四重奏，D小调，D816，因第二乐章主题旋律与舒伯特1817年创作的歌曲《死神与少女》类似而具标题。作于1824-1826年，1826年2月1日在维也纳约瑟夫．巴尔特家中首演。共4个乐章： 第一乐章 1.快板，D小调，奏鸣曲式。先是第一主题群的呈示，第一主题群有AB两个主题，两个主题中都有A的主导动机。然后第二主题群呈示，第二主题形成高潮，小结尾以第二主题断续表现而成。发展部以第二主题及A动机组成，第二主题以卡农方式展开处理。再现部以第二主题中的前半部旋律始，第一主题二度再现，第二主题转为D大调，然后以第一主题部的两个主题构成尾奏。 第二乐章 2.流畅的行板，G小调，由《死神与少女》的主题、6段变奏及尾奏组成。第一变奏中，第一小提琴转为分散音，第二小提琴的旋律宛如主旋律。第二主题以下，都以相当自由的创意作成，尾奏主题由各乐器分开演奏，孕育出梦幻情趣。 第三乐章 3.谐谑曲，很快的快板，D小调。谐谑曲主部突出了切分音效果，中段则保持一种美妙的流畅。 第四乐章 4.急板，D小调，回旋曲式，其主题类似于贝多芬的《克莱采奏鸣曲》。 吉列尔斯+阿马杜斯四重奏团版（DG 2530 646）。这个版本对比钢琴，小提琴，大提琴之间轮转翻覆，把整个曲子中大量的回旋和变奏表现得十分流畅，清新，隽永，层次分明但是又能相互烘托。钢琴家吉列尔斯不管是表现极细的水花，还是爆出来的低音部都富于变化，装饰音的处理随着情绪的不同有微妙的变化。

Anne-Sophie Mutter is a musical phenomenon: for more than 45 years the virtuoso has now been a fixture in all the world’s major concert halls, making her mark on the classical music scene as a soloist, mentor and visionary.