-编辑推荐- ★ 美国视觉研究领域最杰出的理论家W. J. T. 米切尔的经典代表作，批判理论、文化研究和视觉艺术领域的必读书目，时隔15年重译出版。 ☆ “图像转向”时代的理论宣言，为三个简单的问题提供多种答案：图像是什么？图像和语言有什么关系？为什么这些问题会引起任何实践或理论上的兴趣？ ★ 人文社科领域跨学科研究的杰作，在从古至今的媒介和再现模式中打开“形象/文本总问题”。 -内容简介- 什么是形象？它们与语词有什么不同？更确切地说，W. J. T. 米切尔所追问的是，在20世纪后期，在人们普遍认为视觉力量空前强大、文化研究中“图像转向”已经取代了“语言学转向”的时候，图像（及图像理论）在起什么作用？ 在本书中，作者探索了图像在关于文化、意识、再现的理论中的作用方式，并将理论自身视为一种图绘的形式。本书的目的不是要生产一种“图像理论”，而是要将理论图绘为再现形成过程中的一种实践活动。借用当代有争议的电影，比如斯派克•李的《为所应为》和奥利弗•斯通的《刺杀肯尼迪》，以及媒体对国家新闻的报道，米切尔考察并说明了视觉形象在唤起或压制公开辩论、集体情感与政治暴力上的塑造性力量。 作为美国视觉研究领域最杰出的理论家之一，本书作者为贯穿文化（从文学到视觉艺术再到大众媒体）的可见性与可读性之间的相互作用提供了丰富的解释。 -媒体/名人推荐- 这是最精彩的作品……米切尔分析和评论的深度及敏锐的洞察力让我感到十分惊讶。可以说，没有其他作者能够如此特别地切入形象与文本之间的缝隙，如此出色地使作品生机勃勃。 ——爱德华•萨义德 这本书十足是一个巧克力盒子，装满了成熟的思考……对外行读者来说容易理解，对研究者来说非常迷人，对课堂来说可作为具有代表性的资源。 ——《图书馆杂志》 一切逻各斯中心主义的东西都消融在这场令人着迷的讨论中，这场讨论或者也可以被命名为“图像意欲何为？”它们是想与文本和平相处，还是要把文本推开？在这个能从微软公司获取全部艺术画廊作品、字母的多样书写不再是能指的必然选择的时代，米切尔“将威廉•布莱克、维特根斯坦与斯派克•李相联系”这一戏谑而广博的尝试正当其时。 ——《村声•文学副刊》编辑精选

《知觉的悬置》考察了现代注意力的悖论性质，一方面它是个人自由、创造力与经验的根本条件；另一方面，它又是经济及规训体制有效发挥效力的核心因素。克拉里论证了我们有意识地观看或聆听事务的方式，来自人类知觉性质的关键性演变，这一演变可以追溯到19世纪下半叶。那时绘画艺术的发展（特别以马奈、修拉和塞尚的作品为例）深深地卷进了欧洲视觉机制的这场深刻变革。

本书从艺术哲学、艺术创作理论、艺术批评方法论和艺术史方法论四个角度出发，综合国内外名家有关艺术的论述，致力于形成一个认识艺术（美术、视觉艺术）的更具融贯性和前沿性的理论框架。本书采取史论结合、以问题为中心的叙述方式，从现实生活中有关艺术的真实困惑出发，以真实世界中存在的艺术现象和艺术理论为研究对象，就如何理解和评价艺术、如何看待艺术发生发展的逻辑提出了一系列新颖的见解。追求知识的融贯性、理解的整体性与思考的彻底性是本书的特色。本书可供高等院校美术专业和艺术设计专业师生使用，也可供同等学力教育及广大艺术爱好者使用。

◆ 编辑推荐 · 美术史家巫鸿全新力作 一场跟随穿衣镜的时空漫游 崭新视角串联奢侈品、绘画和影像 聚焦全球贸易流通中关于镜像的视觉想象与艺术创造 · ◆ 内容简介 · 从凡尔赛到紫禁城，穿衣镜是否为东西方联合创造的结果？ 从怡红院到养心殿，镜屏如何引发中国人关于真与 幻的文学和艺术想象？ 从欧洲到全球，穿衣镜摄影模式怎样在世界范围内流行起来？ 从程式到主体，摄影师和艺术家如何以镜子表现个人身份和主观意识？ 有座架、可移动的落地玻璃镜被发明，并通过跨国贸易在世界上流通，物品、绘画和摄影由此在全球历史进程里串联起来。帝王、艺术家、作家和民众在与镜像相关的视觉联想和艺术创造中，构建出繁复无尽的时空幻象，既参与着曾经发生和正在发生的事件，又总是映射着超乎现实生活的信息。 · ◆ 专业评论 · 在巫鸿的研究里，穿衣镜这一不为传统艺术史关注的器具获得了新的生命，它的“物”与“像”串联起世界贸易、新的再现媒介和现代人多元化的自我表达方式，同时也对艺术史的叙事本身提出新的要求。 ——吴雪杉（中央美术学院人文学院教授） · 他的著作打破了按照材质分类，按照西方概念讲述中国故事的传统，从基本结构上改变了西方中国美术史传统写作的范式，正在构成一种具有历史关怀的、生动新鲜的叙事。不仅如此，以他为代表的这一代学者甚至在对世界范围内整个美术史学科的走向产生重要的作用。 ——郑岩（中央美术学院人文学院教授） · 巫鸿教授有关中国美术的相关研究，跨越上古与中古时期的墓葬美术、宗教美术与传世书画艺术，兼及史前时代的玉器文化与当代实验艺术，其开拓领域之广、研究力度之深，可谓前所未见。他在研究方法上，引入了当代人类学的思维与视角，创造性地将绘画、雕塑、器物与建筑有机整合为一体，从而发展出一套适用于美术史学科的、能够打通微观研究和宏观叙事的“中层研究”方法论体系，使图像、器物与建筑空间的研究能够与人和时代的精神、思想和文化相联通。 ——李清泉（广州美术学院美术研究所教授、艺术与人文学院院长） · 巫鸿并未把艺术品作为多样而变化中的世界观的图解。相反，艺术品在他手里成为了历史中的演员和创造者，而不仅仅是历史的标志物。 ——伊万兰•卜阿（Yve-Alain Bois，哈佛大学美术史与建筑史系前系主任，现普林斯顿高等研究院研究员） · 巫鸿希望的，是通过分析美术材料本身找到一条可以跟随的线路，寻找视觉材料内在的演变路径。换句话说，也就是把美术演变的轨迹从这些概念中剥离出来，在美术中说明一个精神性的“中国”。 ——胡一峰（《中国文艺评论》杂志副主编、编辑部主任） · 他在方法论上兼具中国传统美术史和美国美术史的研究方法的优点，重视人类学和美术学的跨学科融通，并且推陈出新，形成了自己的独特方法论。 ——朱志荣（华东师范大学中文系教授、美学与艺术理论研究中心主任） · 巫鸿先生在解读中国画史名迹时不仅注意重新审视传统的读画方式和内容实质，还充分注意到绘画媒介形式的物质性特征，将绘画置于一种由创作者、观赏者共同参与动态过程，从而丰富和提升了鉴赏这幅名画的内涵和意义。 ——赫俊红（中国文化遗产研究院研究员） · ◆ 媒体评论 · 巫鸿认为作为处理历史材料的研究者，终能够改变西方中心格局、建立全球性美术史的途径并不是以抽象思维的方式推演出一套理论话语，而是通过对于历史的具体的作品，通过考古材料，通过历史上的书写进行具体分析，从中提炼出多元性的美术史的概念和叙事方式。 ——雅昌艺术网 · 巫鸿是一个有着特定的视角和兴趣，并将这种视角和兴趣沿用到极为多元的研究对象之中的学者。 ——《燃点》 · 在如今更趋多样化的美国学界，芝加哥大学的巫鸿教授可谓是活跃的一个中国艺术学者。他的研究领域跨越了古代与现当代的壁垒，以人类学的研究方法贯穿始终并互为借鉴。 ——《艺术新闻（中文版）》

就对艺术的刺激与影响而言，约翰·析格的《观看之道》是罕有匹故的。这本谈论艺术与社会之关系的小册子初版于1972年，基于英国BBC同名电视系列片写成。全书包括7篇文章，其中4篇，图文并用；其余3篇，纯用影像。每篇文章讨论一个主题，诸如：艺术与政治，女性作为观看的对象，油画自身的矛盾以及广告与资本主义白日梦。30多年来，这本书激起的争论历久不衰，其观点几成此一领域的常识。

在当下知识爆炸的时代，我们所遭遇的问题不是信息匮乏，而是信息过量。看看书店，林林总总的图书扑面而来，买什么书成为一个问题。另一方面，当代文化又带有“速食”特性，尽管常有人带有贬义地使用这个概念，不过我以为“速食”自有道理。人们总是希望在最短的时间里获取更多的有效信息。于是，这几年名之为；“读本”一类的书便流行起来。 所谓读本，说穿了也就是把不同学者有关同一主题的文章集中起来。读本的好处是显而易见的。比如说专著，往往一人独著，多为一家之言，有“独白”特点。较之于专著，读本的好处在于围绕一个或几个专题，遴选各家之言，形成了一个互相交流的对话或“复调”性。夸张地说，读本一册在手，便可通览全局。这在信息爆炸的文化情境中，不失为一种迅速进入学术前沿的捷径。 这个读本系列取名为“IAS励学文丛”，意在彰显一个想法，那就是通过这个读本系列的印行，揭橥当下学术热点问题，反映学术前沿和进展。本丛书是一个开放性的系列。此次先行付梓的只是所策划中的第一系列，今后将陆续推出各个系列．各册主编一定是花了不少气力，从浩瀚如海的文献中，遴选出具体篇章，进而组织翻译，然后校对编排，组成一个完整的结构。做这样的事情，在一个讲求实用主义和个人本位主义的时代，多少有点为他人做嫁衣裳的意味。然则，学术乃天下公器。

艺术的本质究竟是什么？视觉艺术为何如此重要？是什么使得它们的形式是“有意味”的？我们如何可以得知它们所蕴藏的美与韵律？对于这些问题的解答，本书所采用的方法并非目前在艺术史、艺术理论和艺术哲学等相关领域中占据主流地位的还原主义（社会语境论）论调和文本分析方法，而是一种由克劳瑟教授提出和发展的、融现象学与分析哲学于一身的分析现象学方法。这一方法的关键在于审视视觉艺术是如何将独特的审美表达，与那些对我们的感知活动而言具有基础性的认知属性相互联结的。同时，本书对这一方法的运用，揭示了各异的艺术媒介是如何通过各不相同的方式呈现这些认知和审美属性的。基于对所有主要的视觉艺术形式（绘画、雕塑、建筑和摄影等）的创作和接受的考查，本书也试图彰显包括抽象艺术、观念艺术和数字艺术等非常复杂的艺术风格所蕴含的深意及其具有灵韵的审美特质。

本书聚焦于过去30年间反复出现的七大重要主题：身份、身体、时间、场所、语言、科学与精神性。第一章提供了对该阶段世界当代艺术的一个简明的概括，分析了五种关键性的变化（新媒介的兴起、对多样性的日益关注、全球化、理论的影响以及与日常视觉文化的互动）如何导致了艺术世界边界的急剧拓展。接下来的七章，每一章都介绍了各个主题；提供了对该主题的历史影响的纵览；详尽地分析了当代艺术家们是如何在具体的作品里对该主题作出回应和表现的；最后是两位在其作品里广泛探索过该主题的当代艺术家的档案。

《速度与政治》的作者维利里奥努力要定义一种图像的新型逻辑。 确实，在不同的技术旁边，在图像的后勤旁边，还存在一种逻辑和传播的时代，它们标示了近来的历史。 形式逻辑的时代，就是绘画的时代、雕刻和建筑的时代，它与18世纪同时结束。辩证逻辑的时代，就是摄影的时代、电影的时代，或可称之为照片的时代。 反常逻辑的时代，就是随着视频通信、全息摄影和计算机制图的发明而一道开启的时代。似乎到了20世纪之末，现代性的终结本身就由公共再现的逻辑终结来标示。然而如果说我们足够了解传统绘画再现的形式逻辑的现实，并且在低等程度上了解主宰光学电影再现的辩证逻辑的现状，那我们只能很困难地理解这种反常逻辑的潜在能力，即视频通信、全息摄影或合成图像的潜能。这正是保罗·维利里奥这部《视觉机器》如今要回答的问题，他试图澄清再现手法演变的意义。在这种再现中，城邦的“公共空间”突然让步于“公共图像”，即实时在场的反常图像，而这一实时在场将替补主体与客体的真实空间。 编辑推荐 《视觉机器》为法国著名哲学家保罗·维利里奥（Paul Virilio）关于新技术与图像新型逻辑的重要文集，共收入五篇文献：《地形失忆症》《不及一幅图像》《公共图像》《天真的摄像机》《视觉机器》。在这些文章中，作者梳理了再现手法的演变，它由绘画、雕塑和建筑时代的形式逻辑，到摄影和电影时代的辩证逻辑，进而发展到当今时代的反常逻辑。在今天这个由视频通信、全息摄影和计算机制图而开启的时代中，城邦中的“公共空间”突然让位于“公共图像”，即实时在场的反常图像，而这个真实时间将替补主体与客体之间的真实空间。作者试图回答这些问题，并澄清其意义。

-编辑推荐- ★什么是视觉研究？ ★它的研究对象是什么？ ★对于艺术史家来说，视觉文化存在着哪些关联？ ★艺术史家如今对视觉研究该采取怎样的态度？ ★艺术史研究同视觉与文化研究之间有什么关系？ ★视觉文化需要运用明显不同于艺术史与文化研究的阐释方法吗？ 在本书中，作者通过对马丁•杰伊、尼古拉斯•米尔佐夫、W. J. T. 米歇尔等众多学者的访谈，为我们梳理了视觉文化研究的谱系与对象，勾勒出这一新领域跨学科、跨媒介的驳杂面貌。 -内容简介- 近年来，视觉文化已经日渐成为一个重要的跨学科研究领域。视觉文化认为图像在表征世界中的意义上占据中心地位。它不认为所谓的“高级”文化的地位更高。但是，尽管目前视觉文化研究和项目的数量激增，但该领域本身似乎没有就其范围、目标、定义和方法达成共识。在本书中，迪科维茨卡娅概述了这一新的研究领域，以便调和不同的理论立场，并了解其进一步研究的潜力。她的目的是说明视觉文化如何避免她所谓的威胁它的斯库拉（Scylla）和卡律布狄斯（Charybids）：前者指的是因为它偏离了传统的艺术史层面，所以缺乏特定研究对象；后者指的是因为它似乎包含了与文化和视觉有关的一切，所以将这一领域扩展到不相干的田地。 迪科维茨卡娅对视觉文化进行了考古学的追踪，研究了艺术史的“文化转向”和视觉研究的兴起。基于问卷调查、口述史以及对这一领域主要学者的访谈，她首先讨论了这一领域的发展历程、理论框架及研究方法，然后研究了视觉文化的四个项目课程，它们分别位于罗切斯特大学、芝加哥大学、加州大学尔湾分校、纽约大学石溪分校。通过对这些项目的理论和实践的分析，迪科维茨卡娅描绘了视觉文化项目在21世纪的未来。

约翰·伯格被誉为20世纪摄影领域最有原创性的评论家之一。他的文章，如同瓦尔特·本雅明的《摄影小史》、珊·桑塔格的《论摄影》和罗兰·巴特的《明室》一样，启发了一代又一代爱好摄影的普通读者、摄影师和像他一样“写摄影”的人。 《理解一张照片：约翰·伯格论摄影》是伯格过去五十年“写摄影”的文章精华，由英国国宝级作家杰夫·戴尔悉心编选。本书以时间为序，不仅全面收录了伯格最有影响力的摄影名篇，如《摄影的使用》《外观》《故事》等，也将此前未见收录的、他为展览或图册撰写的评论纳入其中，其中涉及的人物极其广泛，从摄影大师奥古斯特·桑德、亨利·卡蒂埃-布列松、尤金·史密斯，到至今仍在活跃的摄影师伊特卡·汉泽洛娃、阿拉姆·谢卜利。很大程度上，这24篇文章代表了约翰·伯格有关摄影之写作的最高水准。

随着少女的舞动，单调的蜗居生活，瞬间变得变得五彩斑斓、天马行空。

Ford Brody, a Navy bomb expert, has just reunited with his family in San Francisco when he is forced to go to Japan to help his estranged father, Joe. Soon, both men are swept up in an escalating crisis when an ancient alpha predator arises from the sea to combat malevolent adversaries that threaten the survival of humanity. The creatures leave colossal destruction in their wake, as they make their way toward their final battleground: San Francisco.

如何理解图像可读性与视觉性的交互存在？ 《图像何求？》献上流光溢彩的解读盛宴。 视觉象征理论家W.J.T.米歇尔的扛鼎之作； 艺术史家、文学批评者、人类学家和哲学研究者的试金石。 我们在日常生活中为什么如此强烈地受图像和图画的吸引？我们为什么感到静止的图像具有动态，仿佛活画一般？图像为何无时无刻不在影响着我们，说服着我们，诱惑着我们，甚至引导我们走上邪路？米歇尔教授将在他的《图像何求？》中回答这些问题。 内文涉及米歇尔教授最擅长的图像研究领域，包 括视觉艺术、文学和媒介之间的关系。他的深察洞见尤其体现在书中对拜占庭偶像、赛博朋克影片、种族原型和公共纪念碑的分析和评论，为图像学和刚刚兴起的视觉文化研究开辟了新的视野。 本书是他“图像三部曲”中“最具原创性的一部”（米歇尔语）。米歇尔认为，我们应该把图像/形象看作活的东西，具有它们自己的欲望和动力，有其自己的言语和活动，施展其自身的魅力和影响。 图书开篇，米歇尔专门为中国读者写了题为”形象科学的四个基本概念”的万字序言，为中国读者理解图像学打下基础。 本书汇集被一般艺术史和视觉研究所忽视的宝贵经历，它们变成了“自行行走”的形象，对活着的人发生着巨大影响。……多年来，人们始终认为形象不过是“符号”，只需加以阐释或分析或评论即可，本书是对这一观点的最严肃挑战。图像所要求的决不止于此。 ——诺曼·布莱森，《艺术论坛》 本书展示了无比的分析力、活力、洞见，以多种方式回答了米歇尔自己提出的核心问题：形象想要被亲吻、触摸和听取；它们想与观者交换位置；它们既想要一切又什么都不想要。 ——安娜·西奥莫波罗斯，《形象之后》 内有83幅图片。

图像、想象力、想象世界,在人类认识世界的过程中,扮演着怎样的角色？在促进我们对他人的理解、对主体性的认识以及个体成长与教育方面，又起着怎样的作用？它们对我们的日常生活、文学与艺术创作有着怎样的意义？ 克里斯托夫·武尔夫指出：想象力和想象世界推动着人类自身、人类社会及其文化的构建。想象力、想象世界与人类的身体性实践及其表演性紧密相联。基于对游戏、仪式、体态语、家庭与家庭幸福的研究，我们又可以清晰地看到：在模仿即创造性的效仿过程当中，各种社会实践与文化活动，早在孩童时期就已为个体习得、保存、更新，并最终构成个体图像和集体想象世界的一部分。 《人的图像》是德国历史人类学的创始人之一克里斯托夫·武尔夫对“图像与人类文化实践”关系研究的又一力作，是其对人类学“人何以为人”以及“人如何获得主体性”这一永恒话题的“图像”回答。该书围绕着什么是图像、图像的形成机制、图像与日常实践生活，想象力、想象世界、模仿与图像的复杂关系等话题展开讨论。 《人的图像》最终的意义不在于向我们呈现“什么是图像”，而在于向我们展示“我们如何使用图像这一概念以使我们对世界认识变得更有意义，更加清晰”。这一认识对青少年的成长与教育尤其具有启发性。

-编辑推荐- •本书是近二十年来，视觉研究方法领域的权威著作。就它企图对研究视觉材料的各式各样的方法进行全面而系统的讨论和评价而言，本书依然独一无二。 •本书第3版，增加了对受众研究、民族志、照片文档、照片引谈、摄影小品，以及视觉伦理研究等视觉方法的讨论，展示了视觉研究及其方法的不断发展的本质。 •书中穿插的大量关于数字媒体的内容，亦是新版的一大亮点。 -内容简介- 本书坚定地专注于研究方法而不是媒体。书中的主体章节，每一章都会讨论一种可用于诠释视觉材料的方法，而每一章要用何种视觉材料来探究这种方法，则取决于它是否最能体现这种方法的步骤、长处和不足。本书要做的就是深度探讨每一种方法。 第1章是对用来理解视觉文化各种不同理论方法的概览，同时也探究了一些关于无处不在的数字影像所造成的差异问题。 在第2章中，作者精心制作了一个指导读者使用她提出的“批判性视觉方法论”的实用性框架。 第3章详细解释了本书的结构，这将有助于读者从随后讨论方法的章节中有所斩获。 从第4章到第10章均专注于处理既有影像的方法，如内容分析、符号学、精神分析和话语分析等。 第11章比前一版更为细致地专注于另外一些研究视觉影像的方法，这些方法旨在处理为解答研究的问题而制作的视觉影像。 视觉伦理学是第3版中全新的一章。研究活动中的伦理学关乎研究者的行为。它关注他们研究中自身的诚实和坚定性，以及他们正在与什么材料，或跟谁一起展开研究如此这般的关系问题。

人类文明正步入一个虚拟现实的时代！观看技术的新变化意味着什么？我们究竟该如何应对这一全新的视觉世界？ 《观察者的技术》无疑是关于该话题极具启发性的作品之一。 乔纳森•克拉里向我们展示出，在19世纪早期，人类同样经历了一场影响深远的视觉革命：从“暗箱”到“立体视镜”。由此，人类之眼成了“现代之眼”。然而，观察技术的转变并不是单纯在技术层面上的革新，其背后还纠缠着对人类身体的崭新理解、社会关系和权力关系的变迁、商品经济的勃兴以及哲学思考的演变等诸多错综复杂的因素。总之，被科技史进步叙事所遮掩的裂痕，就此揭开……

《图像的生与死》是一部讲述图像在西方的起源、演进和死亡的历史，同时也是一部通过分析图像及其传播手段而建立的西方思想史。 《图像的生与死》是一部跨学科研究之作，在书中，雷吉斯•德布雷第一次解释了他所创设的一门新学科：媒介学。该学科处于艺术史、技术史、宗教史等多学科的交汇之处。全书论述了西方人视角下图像从魔幻的到艺术的再到经济的演变过程，对技术革命与集体信仰对于图像所产生的影响进行了深刻分析。作者从西方哲学、宗教、艺术、科技、媒体等方面，对图像起到的作用和反作用进行了详尽又深入的解读，许多观点都闪烁着思想的光芒。

当人出现在图像中时，人脸总是成为图像的中心。而与此同时，脸却仍以其特有的鲜活和生动，与一切将其固化为图像的尝试相对抗。在这部前所未有的《脸的历史》中，作者汉斯·贝尔廷探讨了脸和图像之间的这种张力。 本书从石器时代最初的面具开始，以现代大众传媒制造的脸为终点。汉斯·贝尔廷在宗教面具、舞台面具与演员的脸部表情、欧洲肖像绘画、摄影、电影、当代艺术中，发现了种种企图征服脸的尝试。而由于脸和人的自我都是一种鲜活的存在，这些尝试无一不以失败告终。生命不断地进入图像，最终却与一切再现规范和阐释标准相对抗。甚至近代欧洲的肖像绘画所生产出的也大多只是一些面具。电影虽然以无可比拟的私密性对人脸进行了展现，但这种将人类第一次真正付诸画面的诉求也宣告失败。 本书充满了打破流行观点的真知灼见，是对漫长历史中诞生的人类自画像的一次引人入胜的探索。