发轫于20世纪60年代的法国电影新浪潮运动，是世界电影史上一个承前启后的革命性运动。它突破了传统电影一元化的结构，拓展了电影的创作领域，在形式和内容的突破上具有里程碑意义。这本书从新浪潮运动发生的背景谈起，详述其流派、演变、成果，及其在世界范围内对电影制作和电影美学产生的巨大而深远的影响，并对该运动的代表人物及其代表作品作了深入的剖析与探讨。

《看电影的艺术》分15章，深入浅出地讲解了电影在操作层面、理论层面和普通欣赏层面的知识、技巧和方法，展现了电影作为艺术、技术，和作为产业、作为社会的反射文本的多重角色。全书附有450余幅插图，含50余幅彩插，立体形象地展示“视觉设计”、“视觉特效”、“色彩”等内容；含7个特色“闪回”专题，详细展现电影中剪辑、色彩等专业技术的演进历史；各章结尾处附有自学辅助资料，包括15组自测问题、14组学习影片列表。既适合做大学影片分析课的教材，也可做电影爱好者的入门读物。

研究黑色电影的扛鼎之作！
本书为2008增补修订版。初版获1999年度美国克劳斯瑙—克劳斯活动影像图书奖（Kraszna-Krausz Moving-Image Book Awards）及2000年度美国电影与媒体研究学会（Society for Cinema and Media Studies）凯瑟琳•辛格•科瓦奇图书奖（Katherine Singer Kovacs Book Awards）荣誉奖。
提起“黑色电影”（Film Noir），最容易想到的是那些风格化、愤世主义的1940、1950年代好莱坞黑白电影——关于私家侦探、蛇蝎美女、犯案黑帮、亡命鸳鸯的情节剧。在《黑色电影》中，詹姆斯•纳雷摩尔探讨了这些影片，但他亦向我们指出，“黑色电影”这个术语远比我们所认识的复杂和矛盾，它是一份重要的电影遗产，同时也是我们投射到过去的一个概念。
本书提供了对黑色电影的原创性研究方法，既生动又广博，同时还有新的影片信息和对数十部影片带有启发意义的评论，这其中包括经典之作《双重赔偿》《马耳他之鹰》《第三个人》《来自过去》，“新黑色电影”《唐人街》《低俗小说》《蓝衣魔鬼》，以及21世纪的黑色电影《穆赫兰道》《罪恶之城》《杀戮赌场》等。纳雷摩尔对黑色电影的探讨基于以下几个面向：作为批评主义的术语，作为艺术中现代主义的表达，作为好莱坞1940、1950年代审查制度和政治的征候，作为一种市场策略，作为一种不断演进的风格，作为关于种族和民族的电影，作为一个通过各种信息技术得以传播的概念。
《黑色电影》还是一部多学科交叉研究的著作，除了电影和电视，笔力所及，还带来有关现代文学、美术、流行文化的有益见地。
（本书）也许是迄今黑色电影论著中最优秀、影响最广的一部。
——乔纳森•罗森鲍姆（Jonathan Rosenbaum）
就智识的严谨、研究的深刻、批评洞见的程度、写作的水平来说，这是第一部堪与黑色电影匹配的研究著作。
——汤姆•冈宁（Tom Gunning）

该书论述了世纪之交的广阔文化语境和当下现实背景之下深入论述了中国风云变幻的影视艺术与影视文化现象。论著对于时代文化转型的背景、趋势与表征，对于第四、第五、第六代（新生代）、“后五代”导演的成败得失，新纪录运动，ＤＶ运动、"艺术电影"、喜剧电影、电影大片等重要的影视现象，对中国电影发展的"现代性"问题、"全球化"语境以及策略与应对等学术前沿和热点话题均作了较为充分深入的论述。

《认识电影》作为电影入门书中的经典之作，用深入浅出的笔触，告诉我们影视传播的手法，并逐项解析其复杂的语言系统与要素。问世几十年以来，此书始终是世界各地影视从业人员和主流专业院校的必备之选，更是电影爱好者不可或缺的手边书。

这本书从电影理论的典型视角出发，简明扼要地评论了电影艺术的方方面面。书中提及的影片包罗万象，组成了一道世界各地电影人的经验光谱，其中有我们熟悉的面孔如美国的斯蒂芬·斯皮尔伯格、英国的麦克·李、伊朗的阿巴斯以及中国的李安等。作者对欧美影片和导演了如指掌，尤其对美国影片和美国导演做了全面而详细的介绍。同时，作者也很关注第三世界国家电影，书中广泛涉及了伊斯兰电影、新亚洲电影以及非洲电影。作者以鞭辟入里的分析，新颖独到的见解和纷繁多样的视觉冲击，呈现给读者一个全新的电影世界。

全书围绕电影制作的核心要素组织架构，其中穿插以数百幅精美图片和精辟的说明，再加上缀于各章后的延伸阅读和书末的重要词汇表，让读者在轻松的阅读过程中吸收到最专业的电影知识，从而真正“认识”电影。

《电影艺术》第1版面世于1979年，此后历经七次修订，早已成为电影学领域公认的标尺性著作。这本书内容宏广，从对电影制作的技术性解说、对构成电影各元素的系统化评介，到电影分析方法的示范、电影史的梗概提要，无不做到深入浅出、思虑缜密而观点周全。
作者以一个非常系统性的方式进行电影“形式”与“风格”方面的概念思考，同时佐以巨细靡遗的影片举例，详细分析电影的元素，说明电影的形式系统（叙事性与非叙事性）及风格系统（摄影、剪辑、场面调度与声音）如何在影片中交互作用。这样能帮助读者在了解一部电影时，不再是以过往观影经验所累积的惯性直觉方式，去感受影片技术上或情感上的精彩片段，而能将电影看作如同诗歌、建筑、音乐与舞蹈等其他艺术一般，是一个创作者在凝粹创作意念之后，执行到影片胶卷上的完整呈现。

日前，南京大学出版社推出了法国著名导演罗贝尔•布列松的《电影书写札记》。此书是布列松的工作日记，在此他写下他的发现，寥寥数语却形成一个人的一切：他的情趣，他的好恶，它引导布列松进入电影创作的天国。在其朴素的语言和持重的风格中，我们能感受到他对真理的向往，对完美的执著，我们能理解他那永不止息的战斗，反对妥协和庸俗，对抗金钱的权势。这些文字见证了布列松的希望与失望、向往与抗拒。它们既深刻又真实，犹如鲁宾逊•克鲁索日历上的印迹。这些笔记，梦想和激情，向我们展示了肉体与精神的互补性，展示了形体的语言，声音的语言。
这些文字不仅仅是这位资深导演的日记，而且具有更深刻的意义。它们是伤痕，是痛苦印记，是稀世珍宝。在我们这个夜晚（为点亮银幕之光而必须到来的创作之夜），这些文字宛如灿烂的群星，为我们照亮了通向完美的简朴而又崎岖的小路。

将拍电影视为信仰，这是塔可夫斯基的雄心。他曾坦率地写道：“人哪怕只背叛自己的原则一次，他与生命的联系就不再纯粹。欺骗自己，便是放弃一切，放弃自己的电影，放弃自己的人生。”这一不妥协的姿态概述了导演的情操和美学观。
如果说塔可夫斯基的长片处女作《伊万的童年》代表了苏联电影的复兴，那么，真正的塔可夫斯基则诞生于《安德烈•卢布廖夫》。在这部电影中，他向上追溯，越过了一切“苏联艺术”，把根扎进了俄罗斯的文化传统之中。自此，塔可夫斯基逐渐成为当局眼中的一名“问题导演”，而对西方来说，他又代表了体现在作品《镜子》和《潜行者》中的深沉、痛苦的俄罗斯意识。最终，塔可夫斯基于1982年毅然决然地离开了苏联。乡愁与信仰成为他在放逐生涯中挥之不去的两种激情，也贯穿了他的最后两部作品《乡愁》和《牺牲》。
本书围绕塔可夫斯基珍视的主题——大地的存在、人们的孤独、梦境、神秘主义——而展开，着重分析他独特的电影语言。最后两章以传记性内容为这一主题学研究画上句号。

作者精挑细选了近十部挑战观众认知模式、超越标准电影系统与规范的艺术电影，如大卫•格里菲斯的《凋谢的花朵》、劳伦斯•奥利弗的《亨利五世》、茂瑙的《日出》、罗贝尔•布莱松的《乡村牧师日记》等，赋予这些电影文本与电影理论同等重要的地位，并对它们作出了精彩的阐释，指出其电影语言与众不同的“特异性”。本书是对电影进行精细解读的典范，也是电影理论与电影批评的互动为了此次的中文版，作者修订了部分文章，并特别增加了一篇分析贾樟柯影片《世界》的评论文章。

2008年是“法国电影新浪潮之父”安德烈•巴赞诞辰90周年、逝世50周年纪念，2009年又将是“法国电影新浪潮”50周年纪念，正如米特里被称为“电影的黑格尔”、黑泽明被称为“电影的莎士比亚”，安德烈•巴赞一向被人们尊为“电影的亚里士多德”，因为巴赞不仅奠定了电影作为一门艺术的基础，也奠定了电影作为一门学科的基础，他的《电影是什么？》一书向来被称为“电影的圣经”，50余年来一直是世界各国电影专业必备书籍和影评写作的实用参考书。
今天，我们有幸通过出版《电影是什么？》（特别修订纪念版）来纪念这位仅享年40岁的大师。为了纪念巴赞，著名翻译家崔君衍先生对其30年前的译本进行了全面修订，出版者辑录了书中重点论述的22部影片相关片断制作成DVD光盘。购买这本书，您不仅能够读到崔君衍先生最新全面修订后的《电影是什么？》，能够通过书中附赠的DVD光盘对巴赞重点论述的影片有一个直观、清晰的了解，您还有机会看到网友提供交流学习的170余部巴赞在书中论及的完整电影DVD，以便您在阅读、研究本书的同时，对巴赞所论的影片能有全面、充分的了解。
详情参见http://www.douban.com/note/20607093/

作者概述和评析西方各种电影理论流派，针对“电影与现实的关系是什么？”这一争论不休的问题提出自己的理论见解。

本书是现代西方学术文库之一，全书分上下两大部分对电影理论的进行了详细分析，并收入了包括于果·明斯特伯格，巴拉兹·贝拉，爱森斯坦，吉加·维尔托夫，鲁道夫·爱因汉姆等电影大师的知名电影理论，适合电影研究人员参考学习。

电影理论史上最重要的著作之一。不仅具有百科全书式的视野，而且汇集了经典电影理论时期的论述，形成一份总纲。作者让•米特里，是法国电影理论家，电影史学家，电影教育家，法国电影学院教授，实验电影导演，法国电影资料馆创办人。译者崔君衍，是国内电影理论的权威学者，巴黎大学访问学者，哈佛大学高级访问学者，曾任中国电影家协会书记处书记，中国电影出版社总编辑。

对光影世界再现历史记忆的深度审视。
正如本书戴锦华所言：“再现的政治不仅联系着历史与记忆，但21世纪之初，它却的确成为再现政治中极为突出的命题。于今日中国，历史与记忆的命题不仅关乎过去，而且联系着当下，指涉着未来。”
接续上一年《光影之隙》的追求，年书仍深怀全球视野，既关注新新人类送别《哈利·波特》的“稚嫩的沧桑感”，更把目光锁定在“夹边沟”“光尘之忆”等历史记忆的表述及其对遗忘的抵抗之上；既关注小成本制作的突围之举，也关注新技术手段带来的冲击和无限可能性。

看见的世界：关于电影本体论的思考，ISBN：9787106002220，作者：（美）斯坦利·卡维尔（Cavell，S.）著；齐宇，利芸译

一部好莱坞电影发展史主是一部被经济利益驱动的投机史。只有通过对电影作为商品性存在的彻底接受，而不是否认，我们才能最完整地理解它。电影工来的真正价值不在于影片的本身能产生多少利润，而在于它为电影业与其他领域的合作提供多少机会。电影为这个魔术般的王国提供了钥匙。

本书汇集了著名剪辑师沃尔特·默奇极具创造性的、多层面的思考，可以说这对过去的剪辑观念形成了一定的挑战。开篇他便提出了一个最基本的问题：为什么剪接可以被接受？
从这里开始，默奇带领读者进入了一段不可思议的旅程，贯穿其间的既有美学上的追求也有实际操作上的考量。他对很多议题提 出了自己的见解，例如剪辑时、做梦时、现实生活中影像的连贯性与非连贯性，判断好剪辑的标准，眨眼的动作既类似于剪辑时的画面切换又是出于一种情感暗示，等等。
在新版本扩充重写的部分中，默奇总结了数字剪辑在技术与艺术层面的优势和可能产生的问题。
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推荐——
再没有什么比这更令人着迷了：连着几小时聆听沃尔特谈论生活与电影，欣赏他随手抛撒的无数智慧的小碎片，就像格林童话中的汉塞尔和格蕾特尔在森林小径上留下的面包屑一样——这是迷途中的路标，也是滋润心灵成长的养分。
——弗朗西斯•科波拉，《教父》、《现代启示录》、《惊情四百年》导演
在我看来剪辑是电影这门艺术形式的核心，本书为深入这一棘手的技艺进行了艰难的跋涉，但表述出来却极其清晰明了。沃尔特•默奇对剪辑的深刻理解让人吃惊，所有真正想了解电影制作过程的读者都应该读一读这本书。
——乔治•卢卡斯，《星球大战》、《美国风情画》导演
第一次见到默奇时，他趴在KEM剪辑台上睡着了，当时他为剪辑《对话》熬了一个通宵。默奇是我认识的剪辑师中唯一一个真的与胶片同床共枕的人，事实上，他深爱着每一部他参与过的影片。正是在《眨眼之间》这本书中，他透露了私密的经验与细节，字里行间记录了他对剪辑的热情。没法爱上电影的人是无法体会到妙处的。
——菲利普•考夫曼，《布拉格之恋》导演
这本小书中最宝贵的内容是默奇提供的第一手的知识与经验，读者可以从中窥见电影最终得以诞生的奥秘。我想这对电影领域的行家或爱好者都有着难以估量的价值。
——弗莱德•齐纳曼，《正午》、《朱莉娅》、《老人与海》导演
剪辑师之间的心灵是相通的。阅读沃尔特•默奇的书，有一种同呼吸共命运却又力不从心的感慨！《眨眼之间》能让我们从中找到距离，相信它是我们剪辑同行的良师益友，同时也会为电影发烧友打开另一扇窗，窥见电影制作的另一个视界，帮助我们认识电影，爱电影！
——周新霞，中国电影剪辑学会会长，北京电影学院教授，
国家一级剪辑师，代表作品有《荆轲刺秦王》、《潜伏》等
本书既是英美院校电影专业的必选参考书，也为专业电影剪辑师提供了一种超然于一般技巧解析的思考角度，既哲理又感性，从而为其他领域热爱电影的众多读者一窥电影剪辑的奥秘提供了一把精巧而实用的钥匙。
——夏彤，中央美术学院电影系教师

本书是法国电影导演弗朗索瓦·特吕弗与世界级悬念大师阿尔弗雷德·希区柯克就电影艺术问题进行的对话录。这是一本最具“挑战性”的书，它揭示了希区柯克这个易受攻击而又敏感的人的真正本质，也记录下了自默片时代起便活跃在影坛上的这位大电影艺术家行将消逝的艺术秘密。这场交谈进行了四年，希区柯克回答了特吕弗关于自己电影生涯的500个提问。特吕弗以俄狄浦斯求神示的方式向他发出询问，试图通过希区柯克的全部作品去搞清“希区柯克式电影语言”的独特架构——正是这种架构形成了他不可模仿的风格。

希区柯克的电影一直广受世界影迷的热爱，对其电影的研究现已具有高度的复杂性和广泛性。拉康是结构主义精神分析学派的主要代表，他在思想界的影响也是世界性的。看起来他们之间谁和谁都挂不上关系，怎么作者会把他们强行拉到一起呢？而且有这样一个说法——不敢问希区柯克的，就问拉康吧。
齐泽克是斯洛文尼亚卢布尔雅那大学社会科学研究所的教授，是近年来国际上非常活跃的学者，他因为对拉康理论的精深阐释、准确使用而知名，同时，他对大众文化现象也很有研究，尤其是对希区柯克的电影也有着深入的研究。本书就是他对拉康理论和希区柯克电影的双重研究互证，从立意到编纂结构都颇有后现代风格，既具有理论的洞察力和前沿性，又不枯燥，从阅读角度讲，还可以算一部可读性和趣味性均有的作品。
本书是对拉康理论和希区柯克电影的双重研究互证，从立意到编纂结构都颇有后现代风格，既具有理论的洞察力和前沿性，又具有丰富生动的可读性和趣味性。本书分为三个部分和一篇导言，共17篇文章。第一部分为普遍性的论题，从悬疑风格、对象处理、空间体系和视觉结构等方面对希区柯克的电影进行了总体性的关照。第二部分为对特定影片的具体分析，不同作者对希区柯克的多部影片进行了多角度的透视。第三部分为编者齐泽克撰写的长文，从个人视角出发，深入探讨了作者最感兴趣的体现在希区柯克电影中的“凝视”问题。

時間－影像如何產生？無疑地，就是戰後隨著電影的轉變，因為感官機能情境讓位給(新寫實主義的)純聲光情境而產生。但這樣的轉變以各種不同的模式已醞釀多時(如小津、還有曼奇維茲，甚至於歌舞片)。時間－影像不會消弭運動－影像，而是反轉之間的從屬關係。時間不再是運動的一個數值或量測，即某種間接再現，同時運動也只是時間直接呈現的結果：即使是造假運動、錯接。錯接是「無理斷裂」的例子，況且當運動的電影利用有理斷裂進行影像串聯時，時間的電影則致力於無理斷裂上的再串聯(特別是聲效影像與視效影像之間)。
認為電影影像確實就是當刻是錯誤的。直接的時間－影像並非屬於當刻，也不單純就是回憶。它與經驗性的接續時間以及心理記憶決裂，而得以呈現為某種時間的次序或系列(如奧森•威爾斯、雷奈、高達……)。這些時間的符徵跟思維符徵和話語符徵之間密不可分。但思維又如何在電影中自顯？而什麼才是專屬電影的話語行動呢？