伍佰 & China Blue 最新國語創作專輯 「讓水倒流 」 台灣搖滾傳奇伍佰，睽違三年最新全國語創作專輯！樂壇少有的國台語雙聲帶，伍佰老師國語台語全創作左右開弓，繼三年前的全台語專輯【釘子花】勇奪金曲獎之後，歌迷引頸期盼的全國語創作專輯終於來了！ 一張滿溢著“情•感”的專輯。 伍佰&China Blue最新國語創作專輯【讓水倒流】，久違了讓大家可以盡情沈醉在伍佰的情歌裡。最會寫情歌也最會唱情歌的搖滾詩人伍佰，在2019年夏天送上這張溫暖濕熱的新專輯，以搖滾靈魂樂為基底，用音樂引領歌迷得到新的力量與重生。無論這些音樂送你回到哪個過去、或是想像的未來、或是現在，把握住聆聽中每一個當下的感受，那就是「最美的時刻」。 在七月即將推出的新專輯作品完成之時，伍佰曾表示這些歌曲都是在描述「面對命運的無奈，用情和感發出嘶吼，然後得到力量與重生。」首支單曲「讓水倒流」把生命歷程中那些曖昧又無法說明的深切情感，用充滿畫面的音樂跟文字填滿。恣意揮灑的吉他聲線像一隻流竄在血管裡的怪獸，而鍵盤緊隨在後起舞，貝斯跟鼓則乘載著所有躁動，音樂包容著一切穩穩地往前流動，伍佰的嗓音則在心靈最自由的狀態下，用最直接的情緒詮釋著作品。 唯一可以跟水逆抗衡的音樂處方！ 新專輯首波主打單曲「讓水倒流」未發片已成經典，歌迷感動評論如潮： 『宣洩需要出口，台灣搖滾需要伍佰。』 『伍佰是歌手，是樂手，是藝術家，更是詩人！』 『黑白攝影，靈魂交錯，平行間，交叉著，那感動。』 『成年的我追隨那沉穩也能撫慰心靈的伍佰。』 『這首歌一字一句一曲一段都走進人心裡。』 『聽完發現手機上有水在流，原來是我的眼淚。』 『直接把我心中最堅強的深處，都刺破了。』 『歌詞與旋律彷彿真的流竄在我血液裡。』 『有ㄧ種幽幽地情緒，如水般的流暢，有遺失的惆悵，有漩渦的暗湧。』 『伍佰作品的旋律、副歌不管重複幾次 多冗長 越聽越是沉浸。』 『伍佰的歌，可以聽故事性，可以聽音樂性，也可以聽人生，甚至聽哲學。』 專輯收錄十首最新創作，加上兩首特別收錄，12首歌，59分鐘的感動！正如伍佰老師在演唱會上說的：「我唱的不只是情歌，是人生！」一張專輯可以聽一輩子，找回你人生的「原本當初」。 #伍佰有夠神 #聽伍佰抗水逆 #只有伍佰可以讓水倒流

郑宜农给天王星演唱会 概念宣传曲介绍31AD 我是一颗星。 在无边黑暗，细数体内心跳 闭上眼睛，眼睑却跃动光点 阖上嘴唇，语言却化成电波 挂载着冀盼投射进入真空 我们都是一颗星。 读取回音，微弱却频率相同 感受到了指尖上的引力 使孤独趋近于孤独 千万颗孤独的星，在黑夜里放光明 千万个我与你，在等待一个奇迹 我们的真心是千千万万星辰里的一个小点 因为心有所向而发光 发光。 - 「千千万万的孤独就像千千万万颗星星，聚集而成一个宇宙，而这片宇宙乘载无限冀盼，却是那样安安静静地永续着。」 郑宜农给天王星演唱会概念宣传曲主打旋律〈千千万万〉，扩张并串起音乐星图，呼应生而为人的存在课题，将生命比拟为星，在无边无际的宇宙中守护各自存在。郑宜农思索人与人之间的关系，情感、职场、生活圈如同一个又一个银河系，每个人悬浮其中努力发光，却又保持一定距离，各自怀抱秘密，含着说不出口的话，经历喜怒哀乐，同时也希望能与另一颗星相遇碰撞，进而理解自己，稀释无垠宇宙中的孤独，拥抱独特生命本质。 〈千千万万〉拥有丰硕「含金量」 金钟-郑文堂+金曲&金音-郑宜农 制作团队与其延展曝光都围绕着「金」奖加持 词曲来自郑宜农的创作，更是对新专辑《给天王星》整体概念的明确述说，今年入围金曲奖最佳作曲人殿堂后，郑宜农反思人生路途的历程，并置入在音乐作品中给予总和；制作是由郑宜农领队，与「南瓜妮歌迷俱乐部」主创-何俊苇，以及制作人王昱辰，三人共同制作。拓展了旋律之中的小宇宙，提升静谧孤独氛围与潜藏的希望光芒。整曲如星际迷航般开场，读取宇宙航程的资讯回馈，其中潜藏着情感状态，旋律稳定行，而随波段与音乐重拍拔升起伏，听觉想像由一枚小点衍展出辽阔的宇宙视野，进而使听者发现己身是其中的微小存在。 郑宜农的父亲-郑文堂导演，听到这首来自女儿的音乐作品，旋即坠入音乐蕴藏的辽阔视野，除了勾起生命历练之外，有感人际之于社会的牵扯与碰撞，郑文堂便将〈千千万万〉一曲，选定为即将在12月上档的政治社会剧《镜子森林》剧内插曲，并邀请宜农担任戏剧配乐统筹，除此之外，宜农更参与了《镜子森林》第二季的演出。 郑宜农的歌声引领你我，在银河系中前行，聆听音乐并向内探寻自我，每一颗星都是独特的存在，或许会感受到寂寞，或许也正享受孤独。

鄭宜農《給天王星 Dear Uranus》 在海王星探尋表徵，於冥王星重新定義 最終，佇足在特立的天王星。 無關乎身邊的朦朧與重生 保持獨有姿態，在自我軌道行走 每一顆孤單泛光的星，匯集成一個廣大宇宙 殊眾的運轉方式，是對自我價值的堅持 銀河傾斜，引力流動 在群體與自我之間，在傷與被傷之間 找到真實本質及生存方式 慢慢並肩，靜靜仰望 你心中那顆天王星。 鄭宜農 內心蘊藏巨大能量，外在鑲嵌多種標籤 讓創作與時間沉浸自我，淘洗真實原色 唱出因時間趨近的思想原貌，填補由耳入心對孤獨的嚮往 在音樂星圖中航行，串起宇宙的孤獨與群體 投射無法定義的原始情緒 對應生而為人的情感需求 深思孤獨與愛的關係，哼唱群體世界的共感 星團映照人群，旋律勾勒記憶 十首生命歷程的回顧歌曲 十首靈魂長談的獨特旋律 從歲月中汲取能量，佇立回望人生軌跡 鄭宜農將生命呢喃成歌 傳達給每一顆潛藏在你我心中的天王星 勇敢擁抱孤獨，欣賞自己獨特之處。 【專輯介紹】 「孤獨的我們就像千萬顆星，聚集成一個廣大宇宙，如此安靜且永恆。如此渺小，卻替宇宙乘載無限冀盼，在傷害與被傷害中，慢慢找到最適合自己的生存方式。」 蘊藏生命共感的《給天王星》 反思群體與孤獨的凝聚之作 鄭宜農詞曲全創作 敞開內心共同映照 經歷2011年的首張個人專輯《海王星》、2017年第二張個人專輯《Pluto》後，鄭宜農在2019年帶來第三張全新音樂作品《給天王星》。 細數人際與自我探詢之間的碰撞，曾經攤開自我困惑，以誠實樣態來與世界相處，來到人生的第30年，鄭宜農積攢不同音樂風格的能量，認同情感與人生的起伏蛻變後，將音樂作品連結起宇宙意涵，反向朝內去總結生命面對過的遺憾及收穫，重新省思孤獨，而成十首擁抱不同生命思索之作，凝聚成一張貼近群體共感的全新專輯。 專輯題名「給天王星」，這顆變幻不定的藍綠星球，由於軸心異常，使它的自轉軸呈現奇異角度，讓天王星分別擁有長達四十年的夏日與冬天，於是，天王星顛覆人類對四季晝夜的既定印象，成為宇宙中特立獨行的代名詞。 因此，天王星也代表堅持自我的獨立創作者，如同鄭宜農一直以來在音樂、戲劇與文字所散發的個人魅力，繼海王星與冥王星後，鄭宜農將「天王星」作為音樂的階段總結，在面對過輿論與肯定、起伏與悲喜的生命跌宕後，鄭宜農維持著誠實面對自我與外界的勇氣及初衷，撫摸曾深刻體會過的愛與傷痛，析解群體與孤獨的相對關係，寫入詞曲旋律之中，引發聽眾都體會過的生命共感。 《給天王星》專輯詞曲來自鄭宜農的腦海，以「群體」為概念，講述每一個人都擁有的共同感受，自多面向的情感、等待與豁達、相聚與離去的必然，提升到生命的困惑與期盼，直至思索宇宙中的存在，再度體現鄭宜農強大的創作能量，如詩般的遣詞用字也彰顯她的內斂情懷，更挑戰了台語歌曲的創作。 這次鄭宜農再度擔任整張專輯的製作，並邀請三金製作人陳建騏老師擔任製作協力，同時參與單曲編曲製作的，包括陳建騏、金鐘獎「最佳音效獎」得主，同時也是金曲、金馬入圍常客盧律銘，獨立樂界傳奇製作人Green Eyes!老王 王昱辰，以及新興製作人魯綱宇（來自「JADE」）、何俊葦（來自「南瓜妮歌迷俱樂部」）、鶴 The Crane、黃浩庭（來自「落日飛車」）等，這些年輕有才的音樂人們，為《給天王星》注入更多當代活力。整張專輯融合台語、嘻哈、爵士、電氣、搖滾、民謠與環境效果等音樂元素，創造出難以定義的全新樂種。 擁有好人緣的鄭宜農，特別邀請音樂與演藝圈的好友跨刀錄製音樂口白，存在於新專輯歌曲之中，仔細聆聽尋找，或許就會發現熟悉的嗓音。 《給天王星》收錄十首由生命歷程譜寫出共感旋律，仰望每一顆綴掛在宇宙中的星，細數每一顆獨自發光的心，鄭宜農陪著你我一起回望過往的愛與傷感，在曲風轉換之間，能夠聽見她的歡笑與悲傷，呼應都曾經體會的遺憾與笑容，由歌曲接收鄭宜農融入的溫暖撫慰，在群體意念之中維持獨特存在，享受孤獨，並期盼相互映照的光。 鄭宜農將故事化成歌，送給藏在你我心中，那顆最獨特的天王星。 她遊走在動靜之間，探索著自我存在，呼應著世界群體 每段節奏象徵不同時期的生命鏡像，每首歌曲都源自深刻的本我思緒。 【推薦曲介紹】 ＃1〈街仔路雨落袂停〉 「我毋甘願猶踮佇遮／你敢欲做伙行？」 輕描淡寫孤單情緒，淺淺唱著寄望情懷，心聲滿滿的雨巷夜景躍然於歌。 率性慵懶的都市嘻哈，正如雨聲也如心情，讓灑脫掩蓋惆悵，不畏懼孤單，勇敢向前。 鄭宜農攜手嘻哈新生代女聲陳嫺靜，翻新台語既有曲風，展現唱腔進階實力。 ＃2〈千千萬萬〉 「千千萬萬滴沒人看見的淚／奔流成一片銀河系」 擴張並串起概念中的存在感，將生命比擬為星，在宇宙中守護自我。 思索人際及每一個群體，如同廣大銀河系，每個人懸浮且發光，又保持距離，各自懷抱秘密，希望能另一顆星相遇碰撞，進而理解自己，稀釋一些孤獨，讓生命相互輝映。 ＃3〈輕輕觸碰〉 「在你的堅韌背後／我輕輕觸碰／其實太巨大的溫柔」 由情感面出發，探討著曖昧與警慎。呼應當代情感的共同課題，看似曖昧，有時卻被往日所阻擋，深怕不小心觸發了回憶，不願傷感，又不想徒留遺憾，只得亦步亦趨，緩緩往心去觸碰，期盼能相偕同行。 ＃4〈就算我放棄了世界〉 「就算我放棄了世界／請你別放棄我」 深思厭世而哼唱的期盼，放棄的背後，其實隱藏著渴求與冀盼？ 鄭宜農透過創作，努力撫平負面低落的心情，在過度抱怨讓悲傷變得淺薄的現在，或許厭世反而能審視自己擁有的重要事物，珍惜自己所有，緊握牽起自己的手。 ＃5〈591〉 「想要一張／又軟又大又能做好夢的床／轉過身去／就能聞到你的枕頭香」 將現代人的租屋習慣，視為構築理想存在感的途徑，描繪著日常畫面。 旋律中處處牽引著現代人的生活共鳴，寫實趣味的旋律內涵，在穩定鮮明的節奏，傳遞簡單又恬靜的溫暖。 ＃6〈深深的〉 「人佮人之間／哪會遮爾簡單就破碎／當初無講的話／佇深深的夢中徘徊」 鄭宜農再度挑戰台語唱功，將生命潛藏的遺憾訴諸於歌，將記憶譜寫進詞曲，述說心底往事，感受人與人的脆弱緣份。 透過台語獨有的撫心腔調，揉合生命體驗，轉化成另一種撫慰，沿著聽覺，傳達進入深深心中。

2013年リリース「sakanaction」以来、約6年ぶりとなるオリジナルアルバム。「新宝島」「多分、風。」「陽炎」など 6年間の代表曲に加え、最新音源を多数収録したCD2枚組仕様。 [商品仕様] 通常盤：2CD ※収録されているCDの内容をスマホで簡単再生できる「プレイパス」サービス封入（ダウンロード期間：2020年4月30日まで） ＜CD＞ 「新宝島」「多分、風。」「陽炎」「グッドバイ」「ユリイカ」「さよならはエモーション」「蓮の花」など2013年以降のシングル、 代表曲を網羅しつつ、さらに新曲を多数収録した充実の2枚組。現在、鋭意制作中により、総収録曲数などは後日発表！

Diving（潜水）是一种下沉的状态，过程是缓慢、柔软而轻盈的，当潜入深处时，复杂而清晰的幻想开始显现。这是Deep Water在首张专辑《Diving》中想要表达的——先是陷入温柔而炽烈之中，一如先行单曲《Run Out》及《Wild Thoughts》所体现的甜蜜和轻松，及至完整专辑发布，我们在甜蜜之外却也看到了下潜般的沉沦。 这是Deep Water献给当代青年男女的一曲曲爱情赞歌。在专辑创作过程中，两位成员选择了一种温柔的方式，分析拆解爱情中的种种境遇。开场的《After The Party》用阴郁的合成器音色将人拽入水中，并开始下沉，随即带人一路领略爱情中会有的种种情绪：愉悦的、心碎的、令人生厌的、鼓舞人心的、情欲的、平静的皆如数呈现。《Midlife Crisis》是有关中年危机的自我调侃，《Run Out》及《Wild Thoughts》是温柔而俏皮的甜蜜，《Bind Me!》指向受控制带来的愉悦，收尾的《He Said Nothing More》则直接指向沉默。整张专辑听完，你似乎能发现，这是一颗有着坚硬外表的糖，内里却包裹着甜蜜的爱。 乐队两位成员各自有自己的音乐项目，一位是朋克吉他手，一位有另外的电子项目。在打算摒弃掉原有的音乐标签，尝试融合出一种新的音乐色彩之后，Deep Water于是在成都组建。正如其名字，他们的音乐是暗色调的，但却温柔的，是夜晚城市静谧无人之处的一点光亮，也可以是冬夜里燃烧出滋滋声响的一堆木炭，低吟诉说给那些未眠的人听。 设计及插画：BFCD_敬程 制作人：Deep Water 录音：喜糖 混音/母带：骷髅

与《昼夜》的产生有关的故事发生在2019年春天。 海朋森和法兹短暂地聚集在瑞士，《你把我的脸庞转向明天》的雏形诞生在一个清晨，而《夜行》的录音一直持续到了夜幕降临。 与《昼夜》的产生有关的故事同样也发生在两只乐队多年的来往、相互的提问和回答中。在《你把我的脸庞转向明天》 里，陈思江和刘鹏交替讲述着亲密关系，而在《夜行》里，两个乐队放大了在城市中或奔走或彷徨的声音。 我们在昼夜交替这种最基本的时间变化中体验着其他复杂微妙的变化。 假如有一个昼夜，你想唱些什么？ 《昼夜》 词曲：刘鹏，陈思江，嘉轩 录音：Jonas Weber，季一楠 制作、混音、母带：季一楠 封面：刘泽同 2019/11/13

Where to place YĪN YĪN on the map ? Maybe somewhere between Netherlands and South-East Asia, on an imaginary tropical island. That’s where they brew a strange cocktail made of discogrooves, powerful “thaï beat” tunes and experimental tropi-synths. After two remarkable singles on Les Disques Bongo Joe, they’re back with « The Rabbit That Hunts Tigers ». Made of groovy tunes and dance killers, this album could be the crazy soundtrack of a 60s hippie village on the South China Sea. Yīn Yīn passed last months burning scenes and make people dance around Europe. But they found just enough time to record this first tape in a ballet school in a remote village near the Alpaca Mountain. Kees Berkers and Yves Lennertz were the puppet masters of this in-studio experience. The result is a landscape where rabbits chase after tigers, an upside-down world were you'll definitely dance for ever.

低调又神秘的亲爱的艾洛伊丝又发行了他们在2019年的新专辑《仲夏之梦》，这是杨海崧和他的爱人孙霞以家庭制作的方式来创作、制作和发表的关于世界与自我的又一轮音乐白皮书，就像是两个成年的孩童在家庭中的对话，他们用思维、意念、词句、乐器、音色来完成一轮轮平等的、真诚的交谈，并把这种交谈记录了下来，从中你能体味到那些在坚硬、黑暗、无聊的城市中所灵光乍现的细碎、脆弱，闪光的细节，有着雀跃的喜悦和隐秘的忧伤，甚至是一丝难以抑制的恐惧，但这些又都在坚定、干燥、强大的噪音音墙的拖底与包裹中被控制住，或者是被防御住了。 这10首歌像是对生活10个命题的思索、交流和对谈，也许在现实生活中，可能遇不到像杨海崧和孙霞这样平等能量的人，却展示出了不同的质感，会珍惜这样真诚交流的对谈，它会让我们发现内心最黑暗处那些闪光的部分。

When the three founders of Jambinai decided to, “communicate with the ordinary person who doesn't listen to Korean traditional music,” few outsiders anticipated an extra-ordinary fusion with metal, post-rock and noise. “Most people expect Asian traditional music to make something smooth for yoga or meditation,” says band spokesman Lee Il-woo. “We wanted to break all of that.” Even fewer would have predicted that the likes of Jambinai would play the 2018 Winter Olympic Games closing ceremony in the city of Pyeongchang, accompanied by a troupe of geomungo (Korean zither) players - an audio-visual spectacle that such an occasion demanded. Now comes ONDA, their spectacular new album on Bella Union. Says Lee, “Onda means ‘come’ in Korean. The title track has the lyric, ‘At the end of your darkness, pain will turn into the shining stars and it’s going to come to you.’ I want to cheer people up when they hear that track. Onda also means ‘wave’ in Spanish, and I also want to say the third big wave of Jambinai is coming!” The first big wave arrived in 2010 after traditional music students Lee (guitar and piri, a bamboo oboe), Kim Bo-mi (the bow-stringed haegum) and Sim Eun-young (geomungo) joined forces and released the Jambinai EP. The trio’s debut album Différance won Best Crossover Album at the 2013 Korean Music Awards, triggering several overseas tours and the second wave of Jambinai - an international deal with Bella Union and a second album, A Hermitage. At the time, Lee cited the influence of bands like Metallica, Mogwai and Sigur Rös, but such was the trio’s energy levels, they seemed to draw more on thunderstorms, tidal waves, volcanic eruptions, blizzards and desert winds – a force of nature more than a band. It’s hard to believe but ONDA is even more dynamic and rhythmic, with the permanent addition of Jaehyuk Choi (drums) and B.K Yu (bass), fixtures of Jambinai’s live band since 2017. The way the quintet “sticks together like gears of a clock or machine,” says Lee, is celebrated on ‘Square Wave’, a breathtaking example of Jambinai’s ability to alternate between ambient serenity and molten ferocity. ‘Square Wave’ is also one of several ONDA cuts to feature vocals. “Voice and lyrics have strong energy, they can touch someone's heart directly more than instruments,” Lee explains. “Also, most people don’t know Korean, so they hear our voices as sound rather than meaning. We needed more sounds on this album.” Not that the instrumental tracks are any less momentous. Take the opening ‘Sawtooth’ (featuring Hwiseon Choi on yanggeum, a hammered dulcimer), because Lee thinks the band’s constantly shifting dynamic, “resembles the sawtooth waveform of electronic sound.” Other ONDA song titles are similarly revealing. ‘Event Horizon’ was suggested by a Jambinai fan to represent the music’s, “strength and chaos”, though the haunting folk instrumentation is never swept aside by the energy on display. ‘Sun. Tears. Red’ is one way to describe Jambinai’s emotional as well as visceral impact, punctuated here by hollering, anguished voices. Says Lee, “I saw a documentary about Korean independence against Japanese imperialism. I wanted to express the soldiers’ fear when they greet the rising sun, preparing to battle for freedom even though they knew they were going to die that day.” 13 minutes long, ‘In The Woods’ is the album’s lengthiest epic, originally recorded for Jambiani’s 2010 EP and now rearranged for the expanded quintet, plus guest traditional singer Bora Kim. The inspiration here is environmental pollution, soundtracked by eight minutes of mournful ambience that slowly builds to a shattering climax. “The earth is in serious pain,” Lee concludes. ONDA ends on a thematic note of drama and redemption. In ‘Small Consolation’, says Lee, “a person leads their weary body to a distant glow, which is small consolation. But when they get there, it turns into a big light, big consolation and happiness.” The closing title track comes in two parts: a calm prelude (featuring Lee on saenghwang, a tall reed mouth organ) before the euphoric main course, graced by choral grandeur. Once the music dies away, the feeling is one of blissful exhaustion. Says Lee: “After Jambinai’s US tour of 2017, I travelled the country for a month. I was worried about my future and the music because I had quit my job for the band but we didn’t have much money and the tour was tough and tiring for everyone. But when I visited the Grand Canyon, Mother Nature cheered me up and it was felt like she was telling me, “you are doing really well. Back in Korea, I wrote more songs with confidence and happiness.” The third wave of Jambinai is here….

It was on a mountainside in Cumbria that the first whispers of Cate Le Bon’s fifth studio album poked their buds above the earth. “There’s a strange romanticism to going a little bit crazy and playing the piano to yourself and singing into the night,” she says, recounting the year living solitarily in the Lake District which gave way to Reward. By day, ever the polymath, Le Bon painstakingly learnt to make solid wood tables, stools and chairs from scratch; by night she looked to a second-hand Meers — the first piano she had ever owned —for company, “windows closed to absolutely everyone”, and accidentally poured her heart out. The result is an album every bit as stylistically varied, surrealistically-inclined and tactile as those in the enduring outsider’s back catalogue, but one that is also intensely introspective and profound; her most personal to date. This sense of privacy maintained throughout is helped by the various landscapes within which Reward took shape: Stinson Beach, LA, and Brooklyn via Cardiff and The Lakes. Recording at Panoramic House [Stinson Beach, CA], a residential studio on a mountain overlooking the ocean, afforded Le Bon the ability to preserve the remoteness she had captured during the writing of Reward in Staveley, Lake District. Over this extended period a cast of trusted and loved musicians joined Le Bon, Khouja and fellow co-producer Josiah Steinbrick — Stella Mozgawa (of Warpaint) on drums and percussion; Stephen Black (aka Sweet Baboo) on bass and saxophone and longtime collaborators Huw Evans (aka H.Hawkline) and Josh Klinghoffer on guitars — and were added to the album, “one by one, one on one”. The fact that these collaborators have appeared variously on Le Bon’s previous outputs no doubt goes some way to aid the preservation of a signature sound despite a relatively drastic change in approach. Be it on her more minimalist, acoustic-leaning 2009 debut album Me Oh My or critically acclaimed, liquid-riffed 2013 LP Mug Museum as well as 2016s Crab Day, Cate Le Bon’s solo work — and indeed also her production work, such as that carried out on recent Deerhunter album Why Hasn’t Everything Already Disappeared? (4AD, January 2019) — has always resisted pigeonholing, walking the tightrope between krautrock aloofness and heartbreaking tenderness; deadpan served with a twinkle in the eye, a flick of the fringe and a lick of the Telecaster. The multifaceted nature of Le Bon’s art — its ability to take on multiple meanings and hold motivations which are not immediately obvious — is evident right down to the album’s very name. “People hear the word ‘reward’ and they think that it’s a positive word” says Le Bon, “and to me it’s quite a sinister word in that it depends on the relationship between the giver and the receiver. I feel like it’s really indicative of the times we’re living in where words are used as slogans, and everything is slowly losing its meaning.” The record, then, signals a scrambling to hold onto meaning; it is a warning against lazy comparisons and face values. It is a sentiment nicely summed up by the furniture-making musician as she advises: “Always keep your hand behind the chisel.”

《Life In A Vacuum》是自上张EP发行两年后的又一大胆尝试。相比EP概念中略带莽撞地闯入无垠宇宙，新专辑所搭乘的情感载体更像是越多的一次汲取丰沛元素的落地之旅以及再次设定航向的基站。 《Life In A Vacuum》，只是美好的念想，真空中面对的只有自己，只有自己对自己的质问。 Since the last ep published for two years , Default made their brave new try of <Life In A Vacuum>.It's more like a stereo-emotion traveling compare to the space ship in <California Nebula>. The only thing you can do in a vacuum is make yourself be honest to yourself.It's about self-enthusiasm and questioning about yourself. You can't never have a life in a vacuum, but you will look for it. till you die.

Mong Tong's latest artwork "Taiwan Mystery" art book & OST will be released at September 29. The art book introduces Taiwan’s cultural and mystic attractions, including special temples, purgatory facilities and Buddhist mummies. issuu.com/mongtongband/docs/____-____

releases May 25, 2019

马木尔2012年创建响马，时隔七年，首张专辑终于面世。这是马木尔众多乐队中唯一演奏哈萨克传统乐器的乐队。响马以哈萨克传统乐器为本，冬不拉、库布孜、萨满鼓，三件古老的哈萨克族传统乐器，在效果器的助燃下，化为前卫摇滚的壮丽图腾。 乌麦（Umay），哈萨克语称作Ұмай ана，俄语里称之为Ума́й / Ымай，在古老的突厥神话当中，常与生殖崇拜、以及北亚和中亚游牧民族的圣洁图腾——腾格里，紧密联系。

海龟先生这张暌违五年的新专辑，依旧以信仰为基底，更深入地探寻了个体灵魂的时代处境。这次他们不再急迫笨拙地追问“Where Are You Going？”，而是以不渝的赤诚之心，更加坚定且智慧地践行心之所向。专辑以日漫经典《七龙珠》中龟波气功的发音“咔咪哈咪哈”为名，亦是在用一种独到的幽默，来消解犬儒世界的刻板伪装。 新专辑的创作显然更加从心所欲，根源摇滚的复古曲调经他们妙手调配，简约动听一如既往，同时又以深邃而迂回的词作暗藏深意：也许你刚刚还惬意摇摆于《内人广林》的波萨诺瓦描绘的椰林水影，下一秒又惊醒在《赖宁》老辣的布鲁斯硬摇滚编排中；可以跟随《锡安》源源流淌的轻柔钢琴，迈向恬静的精神故园，转而又会被《热血新纪录》以不由分说的攻势来个当头棒喝；而从《我》到《恩典》，你会听到一次充满迷思与挣扎的自我剖析，和那个“我”一起，以祷告之姿与上帝虔诚对话。