此专辑由武玮创作录制于2014年，发布于2015年。 专辑分【天】【地】【人】【物】【事】五个部分，按照传统笔记小说的构架组织分类，形成了作者独特的音乐笔记的风范。曲调、声腔、声音对比、音质音色等元素以材料属性和文学记叙的方式融汇贯通，飘逸中不乏沉阔，情理中足见性灵。 一名骑着自行车的诗人，跨越天地和心魂，从西北到东南，从物是到人非……我们似乎看到，四处坍塌零碎的意象中，一个自称先生的女子，作为这个时代最后一个人，先于下一个时代获得了新生。他踽踽独行于苍茫的黎明，唱道：“星星不再划破黑夜，鸟儿也不会等待我起床。如果我不提出请求，光明又怎能找到我在的方向。” 继2008年超现实主义结构的《真核》和2013年乐府复兴的《女唱师》的尝试后，这次在《武玮先生》的创作中，武玮完成了新乐器和材料属性的两大冒险。所谓“新乐器”，武玮解释说：“只遵从音质的需要，去弹拨、吹拉、敲击或者数码重组；不是乐器决定演奏，而是演奏决定乐器。于是，我们需要也可能发现无限的新乐器。”而关于“材料属性”，武玮说：“用材料之间的差异和相同，去组织声音的共鸣，完成音质的呼应和对立，是最最古老又最最长远的音乐法则，这是顺应天理的乐理，而不是简单地用节奏与和声去组织乐音的社会音乐原理。永恒的音乐，根源于天工开物的法则；瞬间的音乐，迷恋于人际交往的关系。和声是一种人为的经验，而材料组织原则却是神启的发现。” 简单地说，庸常的音乐组织原则，在这里遭到了挑战。为了证明这样的挑战，作者又反其道而行之，单在【人】的章节里，恰当地使用了传统和声原理去写作。

Alternating between loud, sumptuously produced rock and softer, Tin Pan Alley-inspired songs, the British singer-songwriter delivers a brooding set of songs about time’s ceaseless march.

June Zhu or Zhu Jing, born Yue Hanzan, is a folk singer of Dai ethnicity from Yunnan, China. She released her first solo album in 2008 in Taiwan under Universal Music. Years later after competing in a singing competition, she released a new single on July 25, 2014 and her second solo album in September 2014.

Oscar-nominated, Grammy-winning singer Aimee Mann always provides her fans with well-crafted music and lyrics that reflect her wry worldview. Mann returns in early-2017 armed with her first solo effort in five years and the follow-up to the eponymous 2014 debut from her collaborative project with Ted Leo entitled The Both. Mann certainly isn't taking any prisoners on the forthright Mental Illness and her songwriting is as pointed and poignant as ever. She returns to a more musically soft-spoken but still lyrically barbed approach here, as heard on lead single, "Goose Snow Cone," and remains a student of human behavior, drawing not just on her own experiences to form the characters in the songs but tales told by friends. "I assume the brief on me is that people think that I write these really depressing songs," Mann says. "I don't know – people may have a different viewpoint – but that's my own interpretation of the cliché about me. So if they thought that my songs were very down-tempo, very depressing, very sad, and very acoustic, I thought I'd just give myself permission to write the saddest, slowest, most acoustic, if-they're-all-waltzes-so-be-it record I could...I mean, calling it "Mental Illness" makes me laugh, because it is true, but it's so blunt that it's funny."

For over a decade, Nika Roza Danilova has been recording music as Zola Jesus. She’s been on Sacred Bones Records for most of that time, and Okovi marks her reunion with the label. Fittingly, the 11 electronics-driven songs on Okovi share musical DNA with her early work on Sacred Bones. The music was written in pure catharsis, and as a result, the sonics are heavy, dark, and exploratory. In addition to the contributions of Danilova’s longtime live bandmate Alex DeGroot, producer/musician WIFE, cellist/noise-maker Shannon Kennedy from Pedestrian Deposit, and percussionist Ted Byrnes all helped build Okovi’s textural universe. With Okovi, Zola Jesus has crafted a profound meditation on loss and reconciliation that stands tall alongside the major works of its genre. The album peaks of tragedy with great wisdom and clarity. Its songs plumb dark depths, but they reflect light as well. ARTIST STATEMENT: Last year, I moved back to the woods in Wisconsin where I was raised. I built a little house just steps away from where my dilapidated childhood tree fort is slowly recombining into earth. Okovi was fed by this return to roots and several very personal traumas. While writing Okovi, I endured people very close to me trying to die, and others trying desperately not to. Meanwhile, I was fighting through a haze so thick I wasn’t sure I’d find my way to the other side. Death, in all of its masks, has been encircling everyone I love, and with it the questions of legacy, worth, and will. Okovi is a Slavic word for shackles. We’re all shackled to something—to life, to death, to bodies, to minds, to illness, to people, to birthright, to duty. Each of us born with a unique debt, and we have until we die to pay it back. Without this cost, what gives us the right to live? And moreover, what gives us the right to die? Are we really even free to choose? This album is a deeply personal snapshot of loss, reconciliation, and a sympathy for the chains that keep us all grounded to the unforgiving laws of nature. To bring it to life, I decided to enlist the help of Alex DeGroot, who has been the only constant in my live band and helped mix the Stridulum EP back in 2010. It will be released on Sacred Bones, the closest group of people I’ll ever have to blood-bound family. releases September 8, 2017

《穿过公园就到了》是Lonely Leary（孤独的利里）的第一张唱片。自乐队2012年的第一首歌《夏天开始》算起，它从不曾存在到付诸发行，经历了漫长的五年。唱片收录的11首歌曲散落在这个时间跨度里，伴随乐队三个成员生活场景的改变，掺杂着长清大学城商业街高音喇叭的啸叫、后马厂胡同棚户区居民的喧哗与定慧东里合租宿舍隔壁孜孜不倦的二胡练习声。 Lonely Leary 自组建以来，似乎一直困顿在低保真的境况中：乐队习惯将合租住宅的寝室作为排练房，用拙劣的手段录制小样，熟知北京地下摇滚场地破败的舞台和声音。Lonely Leary 的演出往往也是污浊的，通篇贯穿近乎失控的速度和回授，如同陷入泥沼的野狗挣扎着作无所适从的嚎叫。而在杨海崧的制作与“Psychic Kong”地下录音棚自有声场的形塑下，《穿过公园就到了》给出另外一种样子：那些包裹在大量高频噪声与啸叫深处、可以被视作为“音乐”的声音，终于显露出它长久以来被遮蔽的痕迹。当尖利的扫弦扎进更为密集堆叠的噪音墙里，划出的却是清晰可辨的旋律线。如果这张唱片让你感觉与现场经验里的 Lonely Leary 大相径庭，那也无需感到惊讶。 相较这些可听可见的部分，描述另外那些语焉不详的事情就更令人感到苦恼。或许可以这样说：《穿过公园就到了》是一张在夏天开始的时候歌唱关于冬天事物的唱片。它生于烟头的余烬、白色电灯的光线和冷清的季节。它有关铁皮围墙漫长延伸的街道，有关有长椅和冬青树丛的公共场所，有关城市和头脑里未试探的土地，以及每一个在无聊的游荡中度过的下午时间。

倒车入库成军于2013年的年底，因主唱里凤偶然在云林路边的烧烤摊被吉他手阿恺搭讪而组成。曲风偏向车库与油渍摇滚、后庞克、Lo-Fi 低传真，粗糙的吉他，单纯的低频，庞克的鼓击，初期的作品皆是在空仓库由手机录制，不修边幅、粗糙杂乱，这是倒车入库最初期的样貌。随着成员变革，编曲上变的更纯粹，调整吉他的调性加了更多空间感与毛边、贝斯增强颗粒感，人声的音色挂上了仿廉价扬声器的效果，风格逐渐成形定案 专辑发想来⾃自乐团对⽣生活⿊黑暗⾯面的描绘，⼀间存在于每个⼈心中潮湿且⿊暗的房间，是属于⾃我逃避的最佳角落，如此疲惫不堪却无所适从。这样的⼼心房诉说着悲伤、愤怒、希望破灭、终临 绝望，使⾃⼰消耗殆尽。从复古扬声器的回响中，敲击逐渐失去温度的⼈们，一同置身于内⼼潮湿暗房，点燃并且耗尽最后⼀丝火花，脱下了沉重的疲惫枷锁得到释放，即便成为寓⾔故事中的悲剧英雄也在所不惜。

九连真人首张专辑发布，用客语歌唱时代洪流下的每一个《阿民》 故事要从2014年的一个夜晚说起，一辆行驶在广河高速的大巴车上，一个叫欧阳浩鹏的大学毕业生正看着窗外的夜景，听着手机里下载的歌曲。他来自广东北部的一个小县城，县城名叫连平，隶属于河源市，那里的车牌是“粤S”。此前，他在成都读的大学，毕业之后，去深圳打过一段时间的工，工作不是那么顺利，于是在家人的劝说下，准备回到家乡，找一份自己能应付的工作。他毕业的那年，印象中报纸上说那一年约有600万精英步入社会。 这个欧阳浩鹏就是后来的九连真人乐队的主唱兼吉他手-阿龙。在那辆返乡的大巴车上，他并没有觉得自己是报纸上说的“精英”。这时，耳机里传来一段客家话独白，讲的是一个叫“成仔”的年轻人，离开穷苦家乡，去大城市寻找前途，最后辞别了“哮喘”的城市，又回到了家乡。霎那间百种思绪涌上阿龙的心头，歌词里每一句唱的都是他自己。这首歌叫做《风神125》，取自一款摩托车的名字，演唱者是交工乐队。 正是这个瞬间，造就了九连真人乐队。为了回敬造就乐队的这首歌，乐队在创作伊始就把《风神125》里的人物“成仔”和摩托车的意象写进了自己的歌，那首歌就是《夜游神》。 这是九连真人创作的第一首歌，也是为专辑《阿民》定调的一首歌。歌曲中交代了其虚构的主人公“阿民”的人物性格和成长背景，同时也奠定了阿龙要以客家话创作一张专辑的信念。 带着这样的信念，他们将创作的客家话歌曲，录制了一个样带，寄给了滚石原创乐队大赛组委会，一举夺魁。大赛项目的总统筹宋佳（宋昕薪）成为了他们的经纪人，当时她听到这张用卡带录制的小样时，虽然觉得音质略显粗糙，但本质上并没有掩盖音乐自身的锋芒。大赛项目的总监吹米，成为了他们的鼓手，并将他们带到了《乐夏》的舞台。 在那个布满中国一线乐队的舞台上，九连真人格外别致。最一目了然的就是舞台站位，一般情况下，乐队主唱都是站在舞台正中央，但是在九连真人身上，没有看到这样的“传统”。他们有两个唱歌的人，分不清谁主谁次，一个是弹吉他的阿龙，站在舞台的边上；一个是吹小号弹键盘的阿麦，站在舞台相对居中的位置。两个人都负责唱歌，但那种感觉，更像是站在两个山头上的对唱，属于远山的呼唤，山与山之间的对望。 虽然白岩松说，“不应该是九连真人感谢《乐夏》，而应该是《乐夏》感谢九连真人，让我们的乐迷看到了更加多元化的原创音乐。”但是九连真人的成功，还是有《乐夏》的功劳。 在节目里，大乐迷张亚东曾经从传播的角度，建议乐队多唱一些普通话歌曲。他说的非常有道理，因为音乐对于今天大多数听众而言，所呈现的第一个理解层级就是歌词。但是当他们第一次出现在大众面前时，即使能听懂九连真人歌词的人微乎其微，却依然不妨碍大家对他们的理解甚至崇拜。 在阿龙看来，他来这个节目也不是为了名次，而是为了讲述阿民的故事。所以在节目当中，他没有听取那些善意的建议，始终坚持了客家话的演唱，并且将这样的演唱贯穿到了如今的首张录音室专辑《阿民》。 “阿民”这个名字虽是来自主创阿龙父亲名字的谐音，但是“阿民”的意象，几乎贯穿着每一个从小镇去到大城市拼搏的打工人。 《阿民》是一张概念专辑，按照歌曲的顺序，完整讲述了“阿民”的故事。这个“阿民”是他们为这张专辑设置的主人公，父母外出打工，把自己留在家乡，变成了今天所谓的“留守儿童”，这是中国城市化发展进程当中一个不可忽视的现象。 阿民的出现或许是一个偶然，也注定是一个必然。是突如其来的闯入，生猛原始。与此同时，有些已经被时代遗忘丢弃的本能也一同被唤醒。这是阿民本有的原生家庭释放出的“欲望”。 阿民不是某一个人，阿民是每一个人。充满迷惘、犹豫、举棋、徘徊。他们在模仿羡慕着长辈里那些名利之徒穷其一生的追逐，也发现自己正在被时代大潮裹挟，成为洪流冲击下的默认之选。阿民的故事是集体缩影，这个集体可大可小，大到六百万精英的集体所向，小到亲情之间，欲求与否。可以说，这张专辑构建了一个我们熟悉而又难于言说的社会。 可能这个主题也有别的人在写，但那些人在写这些主题时是出于一种对社会的关注，却不是他们切身的问题。然而九连真人对这个主题的表达，却情真意切，写的就是他们身边的生活。只不过在他们的音乐里，把生活提升成了艺术。 正如黄燎原先生所评价：九连的音乐富于文学性也富于情感，富于地域性又很辽阔，更加富于故事性和音乐性。 开场曲《夜游神》除了致敬交工乐队，也影射了阿龙小时候遭遇校园暴力的往事。 《莫欺少年穷》描述了阿民要外出闯荡的心情，也许不知道自己是否能干成一番大事业，不过不出去试试，又怕自己后悔。歌名源自Beyond乐队参演过的一部电影，这五个字是每个年轻人在面对冷眼时可以拿来鼓励自己的话。 《上岗去》临摹了打工人日复一日枯燥乏味的生活，歌词当中的“回收旧彩电、冰箱、洗衣机、大脑”更是发人深思。再配合上不断倒放的画面和洗脑的“倒车请注意”，很容易从中解读出更具批判性的意指。 《三斤狗》写了阿民的一个黄粱美梦，歌曲当中的“李三雄”一方面是阿民自己，另一方面也是阿民的父亲。在小镇里，人们普遍相信金钱改编命运的残酷生活哲学。此外，这首歌更是请到了唢呐大师“吴氏管乐”之传人吴泽琦参与演奏，东西方乐器和文化的精彩对话在此上演。 《北风》是近年来少有的慢歌佳作，第一次在《乐夏》表演的时候，让观众看到了九连真人的另一面。“做事，定会/囊来翻身”交代了阿民的工作，以及他对自己工作的疑惑。 《出》有两个含义，一个是阿民迫切想要出人头地的愿望。另一方面从专辑的安排上，起到了过渡的作用。 《度日》 通过对阿民朋友圈的展示，刻画了当代年轻人的日常“摸鱼”生活，虽然不甘于此，但又满足其中。 《求》可以视作《度日》的延续，为了能更加体面的“度日”，阿民要和亲戚借钱，但是出于体面的考虑，他又不好意思直接张口，所以就先带点小吃给对方，以求这样的小恩小惠之后不被拒绝。 《六百万精英》是对阿龙毕业时报纸上所说的“六百万精英步入社会”的反讽，这些被定义为“精英”的人，并没有“精英”这个词在定义里的优越生活。 《望月怀远》以唐代诗人张九龄“望月怀远”一诗命名，其中“海上生明月，天涯共此时”是人们耳熟能详的诗句。阿龙在张九龄的描写上，进行了二度创作，并赋予其音乐形式。歌曲当中有客家话的部分，也有普通话的部分。之所以选择这首诗，一方面是意境优美，另一方面也与张九龄本人的客家身份相关。同为客家人，千年之隔，遥相呼应。 《招娣》是对男尊女卑的反思。这种现象不仅存在于客家文化中，也是中国传统文化的部分缩影。九连真人有勇气写下这样的歌，是对几千年来传统文化集体潜意识的一种提醒与审视。 专辑里的结束曲《落水天》是下雨天的意思，是讲述关于“留守儿童”的一首歌，也曾在《乐夏》当中演唱。录制这首歌的当天，他们所在的连平县正在遭受水灾，阿麦是流着眼泪表演的这首歌。当时乐队曾经因此提出过退赛的请求，希望能回到家乡，帮助正在学校教室里躲避水灾的孩子们。和《乐夏》的版本有所不同，专辑版本请到了阿麦的学生们用客家话演唱其中的童声。 如今，但凡乐队都容易被冠以“摇滚”二字，但九连真人显然并不止于摇滚乐。 九连真人的音乐更像是“刀子乐”。“刀子乐”这个词是在1980年代张培仁建议给崔健风格名词，只不过后来崔健没用这个词，而是去当了“中国摇滚教父”。但是摇滚这个词终究是外来的，是别人的文化，九连真人借鉴的只是形式，以及吉他、贝斯、鼓等工具。在他们身上，几乎找不到任何外国乐队的影子，反倒是流露着本土意识以及客家人自古以来的凶猛气势。尤其是大众第一次看到他们在唱《莫欺少年穷》的时候，眉宇之间、眼神之中流露出了今天华语乐坛越来越少见的血性。 这张专辑以“阿民”为题，用12首作品阐述了其感受、思考过程。它不仅仅是一张音乐作品，也同样是对许多传统文化的提问。不得不说，在九连真人的音乐中，包含着华夏民族独有的文化特点，却又巧妙地将其融合进现代的音乐形式中，这种种因素的聚合，都使得这支乐队独树一帜。这也将使得九连真人势必会在中国乐队音乐的历史上留下浓墨重彩的一笔。 如黄燎原先生所说：九连真人虽然以客家话行世，但其作风激越，乐风明亮，大开大阖，光明疏朗，居山中而瞰天下，歌曲以不正之风抚触灵魂。 当然，光听专辑也是不够的。专辑只能记录音乐和歌词，但是记录不了“气场”，这种气场你只有在现场的时候才能感受的到。

不知道从什么时候开始，我们很少去注意这样一件事情，那就是自我情绪的流失。 世界日新月异，我们一如往常，在今天，当“内卷化”已经被塞入各种各样的讨论话题，卷入其中得不到一个恰当伸展的我们，始终还是无法看到出口究竟是在哪里。我们的情绪被放入一个个精美的罐子里，整齐排布，亦步 亦趋，时刻被提醒、被规训、被说服。网络舆论和社会规则都在无形中四立围墙，冲撞即是莽撞，而“情商”（EQ）尤其成为一个衡量标准，直白赤裸的表露情绪，无疑成为幼稚、逾矩、怪异甚至是疯狂的举动。 但总有人在做那个突破常规、拒绝定义的“疯子”。2018年，曾轶可从“人设”时代的货架上夺回自己，大胆彰显自己的创作才华和独特品味，以《Anti ! Yico》给当时的娱乐生态一记重拳。2020年，“破除人设”后的她，又以体内爆发的无限能量，用更为决绝、张扬的创作，冲撞进被外界隔绝的《情绪禁区》（Emotional Quarantine），在这疯狂又难以理喻的世界上，她正奋力划桨而来，向人们展示她音乐王国的蓝图。 身为华语乐坛的“异类”，曾轶可一直坚持用极为个人化的创作，不断突破大众的界定，恰如彩虹，把光色从单一的维度中，解析出无限宽阔的色域。与John Congleton再度合作的《彩虹》，以另类摇滚乐为基底，正是曾轶可用以打破华语流行音乐范式的武器。狂暴的噪音吉他引领全篇，失真沙哑的音色与疾行的强劲鼓点，宛如疾风骤雨肆虐在耳膜，曾轶可笃定的声线破开雨帘，在彩虹的另一端，坠落在《雌雄异体》的全新世界里。 在陌生世界的巨大齿轮前，在无边的冷漠和寂静弥散的混沌里，她推翻着性别与人格的二元理论，为拒绝再次陷入标签的陷阱与“既定规则”的修正，她化身难以被归类的外星来客，轻蔑地称自己为“怪物”，在合成气弦乐编织的序曲里开启星际漫游。异类也好，怪物也罢，所有格格不入的藏匿者们啊，从不惮于对世界抱有最大程度的善意与，爱。 在梦幻流行氛围里甘愿沉溺的《害羞》，无须背叛身体的本能反应，因爱而打乱的呼吸在小心试探的《初吻》后，如发酵后蓬松的面包，在无法察觉的间隙缓缓铺满整个心房。贪婪沉醉，迅速下坠，终于在《蝴蝶》里被冒进的噪音吉他打破克制，迸发出热烈又执着的渴慕，只为追逐你的心跳而《越界》。即便是要跨越荒芜，穿过皮肤血液，哪怕被疼痛割伤差点丢弃性命，只要终点有一朵盛放的玫瑰，又有什么禁忌可言，爱就是唯一的本性。 用《戏》向同样浓烈炙热的《霸王别姬》致敬的曾轶可，与“不疯魔不成活”的程蝶衣一样，不求他人辨识真实或虚妄，只把这一池爱恨交织，都倒入略带复古质感的《水的记忆》中；又将胸腔郁积的回忆浸入融化了爱的盐分的深海，弥散在温润的混响空间，用已经沙哑的音色，为《昔日圣诞》的遗憾和失意的心送上一朵玫瑰。百转千回，渺远的钟磬弦音回荡在旷远的意识空间，如此漂流，只为说一句《Truly》爱你，在冰冷的脉冲声背景下，充溢在比46亿年还要漫长的岁月。 专辑中10首歌曲，皆是曾轶可在《情绪禁区》内的勇敢冒险。在外界看来，充满禁忌的拥抱、近乎偏执的追寻、脱离常态的炽烈，几乎都是不可理喻的“失控”，是被列入“禁区”的情绪。但身处其中，「情绪禁区」又是天真的情绪在野蛮生长的游乐场，被尼采称为“酒神艺术”的种子，就在这里发芽。 是“异类”吗？是“病态”吗，也许只是纯真的孩子，如Patti Smith在《只是孩子》里写：“我竭力压制着破坏性的冲动，不断以创造性的冲动取而代之。不过，那个憎恨规则的小我并没有死”，她们有一点相似，都毫无顾忌地做回了自己。

首张同名专辑 <Mandarin> 从乐队于 2019 年 9 月到 2020 年 6月 写下的歌曲中收录了 9首作品，包含中英日三语，本张专辑独立发行于 Monti Ark。

新世代在消费主义的世界里上下翻覆，人们看待世界的方式也逐渐固化和统一，如果没有意识的觉醒，丰富是通向另一层意义的乏味。在独立音乐表达逐渐内卷，趋于软弱和空洞的当下，来自昆明的朋克乐队塑料用《新世界》来命名并发表自己的专辑，作为他们既往四年每一个醉酒的日夜作出的坦诚交代，如同一颗破破烂烂又滚烫炙热的心发出的本能呼喊，《新世界》却一定意义上成为了不肯轻易妥协的那些青年完成自己的社会观察后发出的掷地有声的呐喊。 当万人从流于主流价值观而去时，站在对岸格格不入的个人就会被视为异类甚至是失败者。塑料乐队在无意识中就已经走到了另外的那一面，在他们的新专辑里，因为无法被轻易标签归类，我们听到了许多种崭新的表达可能，除了《一颗心》和《木星》等这些始的 Old School Punk 作品，《魔鬼和我一起醉酒》、《假》、《悲伤只是一种普遍的情绪》、《2018》等选入专辑的歌曲充满了传统朋克中尚不具备的叙事性，原始吉他贝斯鼓三大件不再是简单的宣泄，而是编织起如暗潮涌动的情绪之网，华丽却隐忍地一点点网罗收拢着起伏的情绪；作为主唱，昭通青年博凯真诚又不无忧郁的歌声如钝斧般攫开听者的心脏，对于那些结局早已注定的无言，何其绝望，却依然炽烈。就像在《新世界套餐》中那句“我准备再爱世界一遍 / 在我倒下之前”，当是献给理想主义最后的挽歌和战歌。 塑料乐队虽然是以异化、颓废、无药可救的失落为表达形态，却总能让沉迷之中的听者有惊恐的反省，亦或击中人心最隐秘处的柔情，像是一团烧心的火，或是榨干了眼泪之后残余酒精的泡沫。《新世界》是一面镜子，提醒着迷失在消费主义海洋的年轻世代——属于我们的“世纪病”是什么，而塑料成员们心中闪烁的理想花火和纯朴信念，也会被时间证明其价值和意义。

My Bloody Sex Party 是一支山东临沂的摇滚乐队，目前的平均年龄应该是 16 岁。 他们组建于 2020 年的夏天。那时候是暑假，刚刚结束了中考，四位同学决定组建一支乐队。他们是刘（吉他，唱），尚（贝斯），庄（吉他），李（鼓）。在传统的摇滚乐器之外，他们也使用了大量的非常规乐器——从比较常见的提琴、二胡、三弦、琵琶，到非常罕见的西塔琴、维纳琴，或是匪夷所思的计算器。此外还有一些改装的乐器与加料演奏，比如装上了吉他弦的电贝斯，用弓拉琵琶，或是用笔在吉他上划过。 他们用一个多月的时间写歌，排练，在一位成员母亲的废弃的办公室里完成了录音。他们使用手机录音，然后用一台看上去有点旧的台式电脑混音，最后保存为 mp3 格式。 在正式升入高中之前，这张专辑完成了。四位成员后来分别去了不同的学校。鉴于曲目的时间太长（总长度超过 150 分钟），这套专辑将分作三辑在燥眠夜逐次发行。 母带：浦裕幸 设计：刘璐

Miley Ray Cyrus is an American singer-songwriter, actress, and record producer. Her music spans a range of styles, from pop and country pop to hip hop. Cyrus' personal life, public image, and performances have often sparked controversy and received widespread media coverage.

依旧一张极具个人态度的专辑，无关于风花雪月，而聚焦于时事热点，戏谑性的歌词和不拘一格的编曲，给这张专辑蒙上了意味深长的色彩。披着爱情糖衣的《独家村》，谢安琪以细腻温婉的唱腔道出坚守自我的独立宣言，隐晦而模糊的词作，其中深意难以捉摸。而《C餐》中她甜美可爱的唱腔，则与轻快活泼的旋律相得益彰，以一种洒脱俏皮的态度，传达出独立之外也需包容的理念。是绵里藏针，还是过度解读，也许每一位听者都能有自己独道的见解。

睽違一年半，近六百個日子，創作才子韋禮安終於將在3月25日推出第三張全新創作專輯「有所畏」。新專輯概念以黑暗、恐懼為主軸，是韋禮安從上一張專輯宣傳時就在心中醞釀的想法。歌曲主題小從韋禮安自身在社會化過程中，害怕失去自我，害怕失去純真或是對愛情不確定性的恐懼，大到對人性貪念或甚至因看到勞健保破產的疑慮衍生對他這個世代明天在哪裡，絕望的恐懼，都涵蓋在新專輯中。雖然這些主題是韋禮安對自身的省思和對周圍人事物觀察所創作出來，但他所感受到的，一定也是大部分的人的人生旅途中常常遇到的疑惑，所以韋禮安表示，聽者聽完這些歌都可以把它變成自己的。 新專輯唱出不同心境的恐懼，回歸到韋禮安自己身上，也是一個開始坦誠面對自我的過程。韋禮安從小就是一個膽小和喜歡逃避的人，他怕黑，於是尿急可以忍耐整個半夜到天亮才去上廁所；他怕高，所以到遊樂園校外教學時，總被分配到「俗辣組」，不坐刺激的雲霄飛車，但一天可以坐八次的咖啡杯。長大後，韋禮安漸漸發現，這所有的害怕都是想太多，自己嚇自己造成的，例如，雖然怕高，但因為專輯宣傳，而曾經到雲南大理搭全亞洲最長最高的纜車，完成後，也覺得沒有想像中那麼可怕，甚至因為這個經驗，而有幸看到世間難得的美景。 所以雖然專輯整體概念是黑暗，但韋禮安真正想傳達的是，一旦人願意把自己最害怕的事説出來，面對它，就「無所懼」了。就像韋禮安看完「少年Pi的奇幻漂流」後，覺得那隻老虎代表了恐懼，但也因為那隻老虎，使得Pi有更堅強生存下來的勇氣。而韋禮安也希望每個人聽完專輯，可以擁有這樣的勇氣。 韋禮安當年以大學生的身份出道，難得的清新創作氣息與才華，讓韋禮安迅速在歌壇佔有一席之地，他迅速舉辦個人大型售票演唱會，拿下金曲新人獎，也經歷當兵，再重返歌壇，這其中不過是短短三年時間，很多時候前一件事情還來不及消化，下一件事已在眼前等著去面對，這種種歷程，讓原本就是「慢熱」個性的韋禮安，產生極大的不安全感。 於是在音樂圈忙碌工作過程中，總是想太多的韋禮安因為害怕失去自我、害怕不再像當初每個人要他保持的純真，於是創作出專輯的開門歌《狼》。首波主打《狼》，韋禮安取台語「人」的諧音。整首歌藉由嗜血的狼來傳達人克制不了自己慾望，再單純的人最後仍抵擋不了大環境的誘惑，從害怕被人吞蝕最後變成吞蝕別人的人，即對「自我改變」的恐懼。 過去韋禮安的專輯都以流行民謠曲風為主，這次專輯為呈現黑暗恐懼的主題，轉而以流行搖滾為主軸，編曲節奏更顯重量，層次更為豐富。在搖滾的基底下，加入包括金屬元素的《狼》和其他民謠、抒情、電氣、嘻哈、2-Step等不同多樣風格，全輯十一首全新創作絕對是華語樂壇史無前例的破格創作大碟。 為了讓歌迷與媒體更了解這次專輯的完整概念，韋禮安特別選在發片前，3月22日下午3點半，於台北華山Legacy舉辦「有所畏」唯一一場新歌搶聽㑹，搶到限量門票的歌迷，除了將可以欣賞過去韋禮安最經典的歌許多歌曲外，也將可以幸運搶先聽到韋禮安新專輯所有新歌，其中有許多還是專輯中不㑹收錄的自彈自唱版本，機會難得，不可錯過。

Astroworld (stylized in all caps) is the third studio album by American rapper Travis Scott. It was released on August 3, 2018, by Grand Hustle Records, Epic Records and Cactus Jack Records. The album follows his second studio album Birds in the Trap Sing McKnight (2016), and his collaborative album Huncho Jack, Jack Huncho (2017) with Quavo. The album features guest vocals from Kid Cudi, Frank Ocean, Drake, The Weeknd, James Blake, Swae Lee, Gunna, Nav, 21 Savage, Quavo, Takeoff, Sheck Wes and Don Toliver, among others. Production was handled by multiple high-profile producers, including Mike Dean, Allen Ritter, Hit-Boy, WondaGurl, Tay Keith, Tame Impala, Frank Dukes, Sonny Digital and Thundercat.

Björk has released her new album Vulnicura almost two months ahead of schedule a fter it was leaked online. Tracks from the album were posted online just days after the Icelandic singer announced the title and tracklist. It is being rolled out on iTunes around the world over the next 24 hours, though the vinyl and CD are being kept back for the original March release date. Serving as the follow-up to 2011’s multimedia project Biophilia, the nine-track effort features production from Arca and The Haxan Cloak. Additionally, Antony Hegarty of Antony and the Johnsons sings on the track called “Atom Dance”. Meanwhile, Bjork has written an open letter about the album and its creation, and you can read it below. "dear websitefolks , fans , tweeters and my music supporters on all the sorts of www : vulnicura will be rolling out worldwide over the next 24 hours !! i am so grateful you are still interested in my work !! i appreciate every little bit !!! i wanted to tell you the tale of making of this album i guess i found in my lap one year into writing it a complete heartbreak album . kinda surprised how thoroughly i had documented this in pretty much accurate emotional chronology …. like 3 songs before a break up and three after . so the anthropologist in me sneaked in and i decided to share them as such . first i was worried it would be too self indulgent but then i felt it might make it even more universal . and hopefully the songs could be a help , a crutch to others and prove how biological this process is : the wound and the healing of the wound . psychologically and physically . it has a stubborn clock attached to it . there is a way out and then a magic thing happened to me : as i lost one thing something else entered . alejandro contacted me late summer 2013 and was interested in working with me . it was perfect timing . to make beats to the songs would have taken me 3 years ( like on vespertine ) but this enchanted arca would visit me repeatedly and only few months later we had a whole album !!! it is one of the most enjoyable collaboration i have had ! i then went ahead and wrote string and choir arrangements and recorded them in iceland towards the end of the album i started looking around for a mixing engineer and was introduced by a mutual friend of ours , robin carolan to the haxan cloak . he mixed the album and also made a beat for one half of “family” . together with chris elms the engineer we kinda formed a band during the mixing process and this is the album we made !!! i do hope you enjoy it i would like to thank this overqualified little team ( where roles often blurred ) . i also would like to thank robin , his generous approvals gave me more courage to complete this as is . and my group of songswapping / dj friends : the right tune can truly cure : ta for those sonic ointments but most of all i would like to thank my team : james merry , derek birkett and emma birkett . rosemary and elisa . this album could not have been done without you" (via Björk’s Facebook)

亞莉安娜·格蘭德-布特拉，是一名美國歌手、詞曲作家及演員。她以寬闊的音域聞名。 亞莉安娜出道於出演2008年的百老匯音樂劇《13》，之後在尼克國際兒童頻道播出的電視連續劇《勝利之歌》及其衍生劇《薩姆和卡特》中飾演角色凱特·瓦倫廷，她還參演過其他戲劇和電視角色，並為一些動畫片和電影配音。

Bjork is one of the most recognized stars in the world. She has sold millions of copies of her groundbreaking albums, she is an icon of cutting edge style, and she has received worldwide acclaim as an actress. Medulla, Bjork's first new studio album in three years, finds her delving deeper than ever before into her haunting and exhilarating sound and vision. Innovative as always, Bjork has this time built the songs on Medulla entirely from vocal tracks, with no instruments appearing on the album, creating a soundscape unlike anything you've ever heard before. Special guests include Rahzel from The Roots, Mike Patton of Faith No More and Mr. Bungle, an Inuit throat singer, an Icelandic choir, the world's greatest human beatboxes and more.