在这本《看名画的眼睛1》中，作者选择的15幅名画都是从文艺复兴到近代西方美术史的代表之作，在介绍画作本身含义及画家生平的同时，还力求把产生这些伟大杰作的西洋文化历史背景阐述出来，以此帮助人们从多个角度加深对这些优秀作品的理解和鉴赏。图文并茂的形式也让读者能更细致地观察这些画作的细微之处，仿佛就站在图画面前，亲眼品鉴传世佳作的无穷魅力。

艺术史领域重量级经典，现代艺术百科全书式著作 欧美高校50年来标准教科书，了解现代艺术入门必读 40多年5次重新修订与时俱进，国内首度正版足本引进 🧾编辑推荐 📓现代艺术史领域重量级经典，50年来一直是欧美高校课程标准教科书，了解现代艺术入门必读 本书初版完成于1968年，是著名艺术史家H. H. 阿纳森的代表作，一经推出即深受欢迎，畅销欧美五十余年。本书也是“现代艺术”史学领域著书立传开创性尝试，其开拓性书写为无数后来者树立了榜样。 出版50余年，本书一直是欧美高校现代艺术史课程的标准教科书、资料书、工具书，深受广大师生好评。半个世纪以来，一代代学子对于现代艺术的起因、发展的认识，对现代艺术精神的理解，无不得益于这部著作。艺术领域里的各路人士，从艺术家、艺术史家、批评家、策展人、高校教授，到博物馆、画廊和非营利文化机构工作人员、收藏家和艺术投资人等，都从中受益匪浅。 📓现代艺术百科全书式著作，清晰完备梳理艺术史发展和变化脉络 本书以艺术的历史发展为主线，时间为串联线索，聚焦自19世纪中叶以来至今的西方视觉艺术，详尽地讨论了现代艺术史上重要的艺术家、艺术作品和艺术潮流，涵盖绘画、雕塑、摄影、建筑，兼顾社会、政治、科技、文化和思想的变迁对于艺术创作产生的影响。 书里将阐述落实到对具体作品的分析上，与此同时细致的形式分析往往与社会、政治、文化和经济的历史语境密切关联，兼及对图像、符号、心理分析的恰当融汇，帮助读者一步步认识和理解作品。 📓40多年历经5次重新修订，与时俱进紧跟艺术史研究全新方向 成书半世纪以来，本书历经多次修订，恰当及时地反映着现代艺术史研究在方法和涵盖范围上的变化。第六版由经验丰富的艺术史家伊丽莎白·C.曼斯菲尔德教授主持，逐章、全面修订，在研究方法上兼容并包，在内容上延续到了21世纪初全球当代艺术创作的状况。 在经典研究之外，社会艺术史、后殖民主义研究、批判理论到女权主义、视觉文化研究、全球艺术史等当代议题，都在本书中有所涉及和讨论。 📓国内首度正版、足本引进，80万字译稿精心打磨近10年 这部著作早先的中文译本《西方现代艺术史》曾于1986年出版（以原书第二版为底本），当时正是中国现代主义艺术蓬勃兴盛的时期，渴望了解西方现代艺术的中国年轻一代艺术家们，几乎人手一册。几代人对现代艺术的持续热情，对现代和当代艺术在中国数十年的巨大发展和变化，产生了无法忽视和估量的影响。 时隔三十余年，此次恢复原名《现代艺术史》，首度正版、足本引进，回应一代读者的期盼！我们以2010年的原书第六版为底本，邀请曾在1980年代参与翻译的钱志坚教授再度悉心迻译，精心打磨译稿近十年，将焕然一新的《现代艺术史》带到中文世界。 📓精装图文并茂，超过1200幅高清图片专业调色，尽力还原作品本真 全新极简风格封面，在装帧上贴合极少主义和光效-视幻觉的现代主义风格，硬精装膜银卡印刷。与上一版相比，第六次插图修订版新增图片200余幅，全书收录精美图片超过1200幅。内文排版参照原版随文附图，讲到哪里作品高清图就到哪里，符合读图时代读者习惯。每幅图经过专业调色、替换，高质量印刷，尽力还原作品本色。 🧾内容简介 《现代艺术史》是一部经典的艺术断代史著作，聚焦于19世纪中叶以来现代艺术史的历史及其在当代艺术中的回响。本书以时间为串联线索，以艺术运动、艺术家和艺术作品为内容支柱，以绘画、雕塑、建筑和摄影为核心类型，清晰地梳理了现代视觉艺术史的发展和变化脉络。本书英文原版自1968年初次出版以来，历经多位专家数次修订，一直是美国高校有关现代艺术史课程的首推教材。 《现代艺术史》第六版由经验丰富的艺术史家、作家伊丽莎白·C. 曼斯菲尔德主持了全面修订，不仅逐章更新了史料信息、拓展了大量图片，在内容分析上更是注重兼容并蓄，与时并进地容纳了艺术史研究的诸多新方向。 🧾名人推荐 在过去四十多年中，H. H. 阿纳森的《现代艺术史》一直是论及“现代艺术”这一宏大而复杂主题时不可或缺的指南。经过伊丽莎白·C.曼斯菲尔德的修订和扩写，《现代艺术史》第六版对现代艺术进行了全面概述，并提供了关于21世纪的后现代主义、全球化、艺术机构等话题的令人着迷的新材料。 ——艾伦·沃勒克（Alan Wallach），威廉与玛丽学院 伊丽莎白·曼斯菲尔德修订的《现代艺术史》与现代主义本身一样广泛。始于19世纪法国的现代主义，止于当代全球化，她的研究涵盖了众多媒介在内的美学发展，其范围之广令人印象深刻。我尤其佩服她如何在一个贯穿全书27章的清晰阐释框架下组织现代主义的巨大多样性。她的书对教育工作者而言将是无价的工具。 ——安德烈斯·马里奥·泽尔维农（Andrés Mario Zervigón），罗格斯大学艺术史系 阿纳森《现代艺术史》的几次修订拓宽了现代主义的整体历史语境，更加全面地探讨了现代主义在艺术中的含义及其与现代西方世界历史的关系。这个修订版包括了更多欧洲和北美艺术家，在处理艺术史的史学研究上也更加成熟。 ——戴蒙·威利克（Damon Willick），洛约拉马利蒙特大学

来自巴黎艺术圈的一线报道，从最高尚的思考到最粗鲁的描述，时如闲谈，时如雄辩！ 汇聚世界各大美术馆128幅珍藏，重现卢浮宫艺术沙龙巅峰时刻！ · · 1759年至1781年，狄德罗为巴黎塞纳河畔的卢浮宫举行的两年一度的“沙龙”（绘画雕塑展览）撰写评论，发表在《文学通讯》，本书是以上报道的汇集。作者以明晰如画的想象力，对绘画、雕塑和版画作了详尽、精细的分析。狄德罗作为一个启蒙思想家、哲学家、文学家而为人熟知，作为一个美学家，尤其作为艺术批评家的身份却鲜为人知，本书是对狄德罗这一身份的确认，也为读者提供了一个了解狄德罗的新视角。

《重返风景》以十五世纪以来在西方一直是重要艺术表现的风景创作为题，探讨从古至今，从风景绘画到地景创作、现地制作等不同表现形式。 本书由四章构成。第一章从风景的表现手法、风景的创造，以及当代艺术家本身备受争议的立场来着手进行主题式分析，同时夹杂着历史和社会学的分析，目的是为了呈现与作品有关的背景，以及某些风景图像最原始的含义。 在第二章中，作者讨论风景的取景、装框、限制和结构。风景中道路或线条的规划，往往提供了导引的作用，因为从这些线条可以着手了解其与透视法的关连。 第三章直接透过主题、感受和与世界的各项关联来探讨一些概念，从中介入个人历史、集体历史和悲剧历史，以及它们对风景的影响。 第四章的重点则以地景的呈现和身体倾听经验为主。

★ 2017年沃尔夫森历史奖 ★ 2016年达夫•库珀非虚构文学奖获奖作品 ★ 甲骨文X企鹅图书联合推出 ★ 通过伟大抄本领略千年欧洲史中不为人知的隐秘部分 【本书简介】 伟大的抄本是欧洲文明和历史中隐秘的星。想要接触它们，就需要进入鲜有人能够进入的秘密花园。克里斯托弗•德•哈梅尔为我们打开了秘密花园之门，邀请我们与他一同踏上这条他花了一生精力探索的学术之路。 《非凡抄本寻访录》探访了十二份精美的欧洲中世纪泥金装饰手抄本，是一场深入中世纪社会的非凡旅行。 从无与伦比的《凯尔经》抄本到知名的《坎特伯雷故事集》抄本，作者克里斯托弗·德·哈梅尔全方位地介绍了各份抄本的制作过程、时代背景、面世后的经历；追溯了这些非凡手稿是如何被制作、复制、谁拥有它们又是谁非常渴望得到它们，以及这些手稿如何卷入政治、为何被视为绝美之物，甚至成为一个国家的象征。

这是一部充满传奇色彩又娓娓道来的权威之作，呈现了一幅由皇室宫殿和3,150,428件藏品构筑的璀璨星图。艾尔米塔什博物馆犹如徜徉于收藏之海上的文化方舟，乘载并沿袭了俄罗斯乃至欧洲富于戏剧性的人文历史。让我们透过馆长彼奥特罗夫斯基的开阔视野，依循博物馆二百多年的时间线，在他的导览下领略这座艺术殿堂中星罗棋布的艺术珍品。 —— 本书是国家艾尔米塔什博物馆的馆长米哈伊尔·彼奥特罗夫斯基（Mikhail Piotrovsky）对博物馆的收藏和历史所做的全面梳理。他深情地为读者呈现了博物馆自1764年创建以来的传奇故事和艺术典藏。彼奥特罗夫斯基任馆长一职至今已有近30年时间，大英博物馆前馆长尼尔·麦格雷戈（Neil MacGregor）曾称他为“世界上最伟大的馆长”。 俄罗斯国家艾尔米塔什博物馆（State Hermitage Museum），又称冬宫博物馆，是名列世界四大博物馆的著名艺术机构，主要由皇家宫殿建筑群构成。艾尔米塔什博物馆源自叶卡捷琳娜大帝的私人收藏室，两百多年后的今天，它已经转变为一座真正被国家和世界人民所共同拥有的艺术殿堂。

1976年，一系列的历史事件促成了中国当代摄影的开端，民间摄影团体与展览开始崛起。随后，摄影新潮逐渐流行。接下来，实验摄影与观念摄影走上舞台，延续至今。本书作为三影堂摄影艺术中心举办的“中国当代摄影四十年”展览画册，是对中国当代摄影的一次整理与回顾，收录近200位中国当代摄影艺术家近600幅作品及艺术家个人简介，全景式地展现了中国当代摄影历史。

What is art and where did it begin? Why do we make it and why does it change? These are some of the many questions that Julian Bell considers in his highly acclaimed book, now available in paperback. Bell, himself a painter, takes a global perspective and uses a wide range of objects to set up juxtapositions that will challenge and enlighten the reader: dancing bronze figures from southern India, Romanesque sculptures, Baroque ceilings and jewel-like Persian manuscripts are discussed side by side as testaments to mankind's universal creative instinct. Highly original in its ideas yet brilliantly straightforward in its prose, this book will appeal to everyone who wants or needs, for purposes of study, the whole picture of the history of art in one concise and authoritative volume.

《美术的故事：从晚清到今天》是一本美术史著作，是中国现代艺术通史的开山之作，是为那些对人类的文明与知识有常识的人而作，而不是学者和研究者需要的历史。本书的任务非常单纯：通过从鸦片战争到今天的“美术”故事的讲述，让读者的感知和智性重新开动起来，帮助读者了解美术的历史，重新理解“美术”的意义，以及美术与人类文明的基本形态。 作者通过对晚清以来的中国艺术史进行真正史学意义的梳理，改变了中国现代艺术史“剪刀加浆糊式”的旧有格局，对中国现代艺术史学科的自我反思及发展贡献尤著。以宏大而自由的笔法铺叙成篇，描述大量社会艺术史的内容，提出了一些令人惊觉的问题。这些问题牵曳着艺术家、艺术品与政治、经济及意识形态等社会因素的关节点，供给人们去继续思索。全书图文并茂，在浩瀚如烟的历史档案、资料中精选了600余幅图片，与文章呼应，首开全彩图说中国近百年美术史的先河。

《格尔尼卡》是毕加索极为知名的作品之一。这幅画诞生于特定的时代背景之下，也有着自己的特殊使命——在海外为西班牙共和国摇旗呐喊。它以独特的毕式元素，抽象地展现了战争给生命带来的痛苦，却没有更加具体地展示那个它为之而生的具体事件与地点——在西班牙内战爆发后遭到纳粹德国轰炸后的巴斯克小镇格尔尼卡。也正因为如此，《格尔尼卡》并没有随着西班牙共和国事业的失败而被历史遗忘， 反而不断被新的历史事件重新唤醒，并逐渐登上神坛，成了永恒的反战符号。在本书中，詹姆斯·艾德礼为我们深度解析了这幅旷世名作的来龙去脉、其背后的社会文化意义，以及它是如何影响了无数现代艺术家，并在不断变迁的社会形态中被赋予了永恒的价值。

本书从博物馆、美术馆藏品出发，结合丰富的历史文献以及作者多年来投身书画鉴定的经验与文史知识，探讨作品、书画家以及作品以外的流传、鉴藏序列，为读者呈现一个独特的书画鉴定与美术史研究的视角，是一本值得书画鉴藏界和史学界重视的著作，更是一本喜爱文博艺术的一般读者可赏可学的知识普及读物。

书为“贡布里希研究文丛”书系之一，从英国著名学术出版机构保罗·霍尔伯顿出版社引进版权。书稿起源于2009年6月伦敦大学瓦尔堡研究院在伦敦召开的贡布里希诞辰100周年纪念研讨会，收录研讨会演讲文稿10篇，作者不限于贡布里希研究专家，涉及艺术史、文化史、哲学等诸多领域的学者，如剑桥大学文化史教授彼得·伯克对贡布里斯的文化史观进行了梳理和评价；牛津大学艺术史教授马丁·坎普从贡布里希对莱奥纳尔多的研究出发，论述了“图式与共相”“制作与匹配”和“艺术的力量” 等问题；亦有贡布里希遗产档案编目工作人员从贡布里希留给瓦尔堡研究院的书信、日记、讲稿等材料切入，为研究贡布里希的文献遗稿提出了新的解读路径。

★编辑推荐 一部中西学者研究美术史大师在人文学科中影响的丛书，一部研究苏格拉底式美术史大师的丛书。——范景中 因《艺术的故事》而声名斐然的贡布里希，以其深厚的学养、丰硕的著述和显著的成就，以及对人文主义理想的终生追求，形塑了一代代人的精神世界。 贡布里希在接受黑格尔奖的演说辞中写道：“人们可以向一位学者表达的最大地敬意，就是认真地看待他，不断地重新评价他的论述方向，这一点怎样重复也不过分。” 本书是中国学术界对这位伟大人文学者所表达的最大敬意。 本书围绕贡布里希的学思进行的跨学科对话，体现了中国学者的研究与思考，让贡布里希这位伟大学者的人文精神在今天仍然富有活力，仍然具有现实意义。 ★内容简介 本书为“贡布里希研究文丛”之一，是2018年11月举办的“贡布里希论坛暨文献展”中相关议题的研究文章合集，作者不限于贡布里希研究专家，涉及艺术史、文化史等多个领域。书中，杨思梁、孔令伟、杨振宇、陈平、杨小彦等多位学者，从各自的研究领域和角度出发，围绕贡布里希及其学术思想进行了深入探讨与论述，其中蕴含的思考方向，将对艺术史及相关领域有着重要的价值。

20世纪后期以来，中国艺术史研究状况发生了显著的变化。那是西方新艺术史集中影响中国艺术史研究的时期，也是中国艺术史研究者在全面反思的基础上拓展新方法的时代。这个时期既出现了对文人生活进行全面解剖的解构性论著，也出现了具有重建艺术史野心的通史写作；既有来自人类学、考古学的 整体思维，也有来自后现代哲学、文学研究的纷繁术语，意识形态化也成为这一时期部分中国艺术史研究的基本特征。一方面艺术史研究的视野已经远远超出绘画史领域，形成青铜器研究、宗教美术研究、墓葬艺术研究等领域的同时并进，另一方面展示方式、观看方式、生产方式、消费方式、空间性、物质性等观念的兴起也极大地拓展了所有研究领域的广度与深度。 这样的变化，伴随着80年代后国际学者之间的学术交流往来日益频繁，全球化领域中兴起的“中国艺术史研究”引起广泛关注，同时也为中国艺术史研究的“海外”背景带来新的语境。期间，中国艺术史与整个艺术史及文化研究的关系不断随着时间和地点的推移发生转变，产生了新的思想。事实上，“海外”对于三四十年前与今天的中国艺术史界而言或许有不同的意义，但它仍然能概括这一时间段中的一些学术反思：本辑副标题重提的“海外”概念，其本质意义就更接近于“知识生产地点”，反映出不同地点的研究特性，其中的跨学科领域思考、不同研究旨趣、观察视角和研究方法等塑造了中国艺术史的转向和未来。《世界3: 海外中国艺术史研究》希望对各地的知识生产进行部分总结和介绍，关注不同语境下的“中国艺术史研究”，在比较中反思三四十年来这个学科的图景。 ❑ 《世界3》是由OCAT研究中心（OCAT Institute）组织编辑的中文艺术史理论丛书，是OCAT研究中心的核心出版物，由主编黄专先生于2014年创办。主要登载艺术史理论及与其相关的语言史、心理学史、哲学史、文化史、宗教史、社会史和思想史的前沿性研究课题和译文，也对相关课题的国际资讯、图书、展览和研究机构进行报道与评介。《世界3》将通过为这一学术领域的研究成果提供出版平台，力图为这一领域新的汉语思想模式和知识形式的形成创造条件。 《世界3》的主要栏目有“专题研究”、“理论焦点”、“前沿动态”、“机构概览”和“书评”等。“专题研究”是丛书的核心栏目，刊登美术史、建筑史、影像史、设计史为主体的艺术史理论和方法及与其相关的语言史、心理学史、哲学史、文化史、宗教史、社会史和思想史的研究论文和译文。“理论焦点”是介绍世界当下重要的理论动向与理论研究，并突出其与艺术史研究的相互借鉴意义。“前沿动态”是丛书的综述性栏目，主要综述报导上述领域中重大课题的历史和现状，评论性报导年度内重大学术活动、人物、会议、出版、展览的现场。“机构概览”是介绍世界代表性的艺术史研究机构的概况及研究主题为主。“书评”是推介前述学术领域具有重大学术影响、前沿位置和独特方法的著作、学术期刊和学术展览的专栏性评论文章。

本书因而采纳思想史视角，以通过馆舍、馆藏和展陈等表达的知识结构为切入口，梳理博物馆在中国的诞生和早期成长历程。 中国早期博物馆既有从无到有的创造过程，也有从旧到新的改造过程；既与风云诡谲的政局欲说还休，又与新生的实证科学同声共气；既有域外观念和实践的移植，也有独特本土实践和经验的总结。 从殖民主义到国家主义，从帝制孑遗到新生政体，从都会形象到民众教育，不同情境导致各类特色鲜明的博物馆次第登场。 在经历了漫长的缓慢发展后，中国博物馆在20世纪30年代早中期进入井喷期，数量激增，类型完备，博物馆干预社会生活的积极性空前高涨，社会可见度也显著提升。中国博物馆迎来了第一个黄金时代。

“美术史”是一个问题吗？ 随着现代社会的形成，美术史作为人文科学的一支新军，也得以在人类最近的历史时期中萌芽并成熟。但是，在著名美术史学者巫鸿的眼光中，这一广受尊重、日显重要的学科本身仍然是一个年轻的问题，其相关讨论还远远没有充分展开。 在《读书》杂志所开的专栏“美术纵横”，巫鸿发表了十篇文章，就美术史何以成为问题、如何拓展其思考的路径、这一问题所置身的波澜壮阔的当代人文场景等等，提纲挈领地阐述了个人的见解。 ---------------------------------------- “如果没有自成系统的方法论和操作规则，美术史作为一个‘学科’的意义就很值得怀疑。” “一个既非进化也非退化的历史。” — 巫 鸿

【编辑推荐】 ◎ 推特CEO杰克·多西(Jack Dorsey)真诚推荐，著名导演大卫·林奇(David Lync)的枕边书，美国艺术院校常年推荐书，影响了近百年绘画者的艺术启蒙经典。 ◎ 收录美国著名艺术教育家、现实主义先驱罗伯特·亨利100年前的信笺笔记、艺术评论， 真实再现20世纪欧美艺术界观念流派与历史脉络。 ◎ 完整呈现罗伯特·亨利的艺术观念、技法、鉴赏与研究，小到对笔触、线条的技法钻研，大到对绘画、音乐、雕塑、诗歌、哲学与时代审美的思考，从技法到心法，指引你的艺术之路。 ◎ 艺术学生、文艺爱好者、绘画学习者、创意工作者获取灵感的宝藏之书。 【内容简介】 罗伯特·亨利， 一位与雷诺阿、塞尚同时代的大师， 一位于天才辈出的19世纪，桃李满天下的艺术引路人。 他曾在纽约艺术学生联盟传道授业， 也曾在给绘画学子的回信中谆谆教导。 在他身后，遗留下的浩繁笔记、书信、讲稿和文章，在此汇集成册， 璞玉不琢，完整呈现一百年前的原始篇章。 书中涵盖了他对美的全部认知， 对线条、块面、明暗、色彩、笔触、背景的独到见解， 对伦勃朗、提香、马奈、雷诺阿、塞尚的批评， 对绘画、音乐、雕塑、诗歌、哲学的共时思考， 对时代审美的反思，对艺术个性的鼓励，对永恒艺术的追寻…… 透过他的只言片语，你将抵达超越时间与空间的，那个瑰丽而伟大的思想所在。 那就是艺术精神。 【媒体推荐】 “它帮我顺利过渡难关，帮我开始，也帮我完成了很多事。它为艺术学子讲述创造力，但我认为，对于所有那些即将面对挑战的人来说，它依然非常具有说服力，希望你也能成为这本书的读者之一。” ——杰克·多西 Twitter（推特）创始人 “每个人都有过在生活中动些巧思的经历，让各种事物更好、更美、更有效率或趣味。《艺术精神》就是这样一座充满智慧的宝山，永远指引着你真诚的方向，它会占据你的床头，读它百遍也不嫌多。” ——简忠威 国际知名水彩画家 “35年前我就买了这本书，当时某些段落我根本读不懂。后来我重读了一遍，发现同样的段落居然展现出了不同的意义。罗伯特·亨利将艺术家们试图表达的东西都写了出来。这是一本鼓舞人心的书，它可以帮助艺术家找到自己内心深处的创造精神。” ——凯文·麦克弗森（Kevin Macpherson）美国著名油画家，《油画的光与色》作者 “在我的书房里，被我看得最破的书有两本，一本是罗伯特·亨利的《艺术精神》，一本是梅约的《手册》。” ——理查德・施密德（Richard Schmid）世界知名画家、教育家 “我还记得当时在纽约联合广场，听到学生热烈讨论亨利晚课的讲话。那次讨论相当激烈，也许没人会相信，这些年轻人白天做苦力，晚上却来画室作画数小时。他们聊完天后就在长椅上倒头大睡，因为他们连租一间房过夜的钱都没有。那些尊重表达自由的男男女女，从未忘记也无法忘记亨利曾给予他们的如此宝贵的一课。” ——福布斯·沃森（Forbes Watson） 纽约艺评家 “《艺术精神》之于艺术学生，犹如《圣经》之于基督徒。” ——美国亚马逊读者

From the first sets of photographic records made by Western travelers to doctored portraits of Chairman Mao and the avant-garde photographic performances of the post–Cultural Revolution era, photography in China has followed divergent paths. In this book, Wu Hung explores the multiple histories of photographic production in China, using them to tell a larger story about China’s shifting sociopolitical contexts and the different agendas, technologies, and aesthetics that have helped define its arts. At the center of the book is a large question: how has photography represented China and its people, its collective history and memory as well as the diversity of Chinese artists who have striven for creative expression? To address this question, the author offers an in-depth study of selected photographers, themes, and movements in Chinese photography from 1860 to the present, covering a wide range of genres, including portraiture, photojournalism, architectural and landscape photography, and conceptual photography. Beautifully illustrated, this book offers a multifaceted and in-depth analysis of an important photographic history.

In 1900, Dutch art historians Andre Jolles and Aby Warburg constructed an experimental dialogue in which Jolles supposed he had fallen in love with the figure of a young woman in a painting: "A fantastic figure - shall I call her a servant girl, or rather a classical nymph? What is the meaning of it all - Who is the nymph? Where does she come from?" Warburg's response: "In essence she is an elemental spirit, a pagan goddess in exile," serves as the touchstone for this wide-ranging and theoretical exploration of female representation in iconography. In "Nymphs", the newest translation of Italian philosopher Giorgio Agamben's work, the author notes that academic research has lingered on the "pagan goddess," while the concept of "elemental spirit," ignored by scholars, is vital to the history of iconography. Tracing the genealogy of this idea, Agamben goes on to examine subjects as diverse as the aesthetic theories of choreographer Domineco da Piacenza, Friedrich Theodor Vischer's essay on the "symbol," Walter Benjamin's concept of the dialectic image, and the bizarre discoveries of photographer Nathan Lerner in 1972. From these investigations emerges a startlingly original exploration of the ideas of time and the image. Agamben is the rare writer whose ideas and works have a broad appeal across many fields, and "Nymphs" will engage not only the author's devoted fans in philosophy, legal theory, sociology, and literary criticism, but his growing audience among art theorists and historians as well.

2021年第十六届文津图书奖获奖图书 在《谁在看中国画》这本书中，作者讲述了中国及其他国家的观看者如何无可争议地塑造了“中国绘画”这一伟大的艺术传统。他认为，中国境内的观看者对“中国绘画”的演变至关重要。通过考察描绘观看绘画的场景的作品，他向读者介绍了观看者的理想类型：士绅、帝王、商贾、民族和人民。在讨论中 国艺术观看者的变化时，柯律格强调，中国文化中意象的多样性，使我们无法明确概括出“中国绘画”的构成。探索艺术作品与观看者之间的复杂关系，将使我们对“中国绘画”这一概念的形成和变革产生新的认识。 -------------------------------------------- ★从全球史看200余幅传世画作，中国画的观看之道。柯律格以纵贯500年、横跨东西洋的广博识见，从士绅、帝王、商贾、民族和人民五类观看者的理想类型出发，探讨不同观看者对“中国绘画”的形塑。他不打算为“中国绘画”下定义，正相反，他揭橥“中国绘画”在跨文化、跨国交流过程中内涵与实践方法的变动不居。 ★士绅、女性的观看如何塑造中国画。对明代士绅来说，“中国绘画”不是一种艺术实践，而是观看、欣赏的文人雅好；是他们的观看创造了“中国绘画”，而不是画家。与士绅不同，十八世纪后，女性不仅观看、欣赏“中国绘画”，更创造“中国绘画”。 ★帝王凝视下的“豪横风”。不同于士绅观看“中国绘画”的社会性集体雅好，帝王是“中国绘画”单独的观看者。帝王的凝视威严专横，他声称自己是“中国绘画”的创造者。此外，在中国艺术史话语中，绘画一旦被认定有西方风格，如郎世宁的作品，如广州的外销画，它们通常会在“中国绘画”的话语中销声匿迹。 ★雅好变商品，商贾眼里的中国画。中外商业活动不仅将士绅阶层的“中国绘画”带入明、清商贾之家，带入日本、朝鲜、美国，以及欧洲诸国的市场，更将西方的新技术，以及西方绘画的理念、媒材、技法等带入“中国绘画”。 ★浮夸危险的观看者：近代以来的中外民族主义者。晚清、民国动乱频仍，对于“中国绘画”，中外民族主义者成为虽赤诚创新，但浮夸危险的观看者。 ★新中国新变化：人民创造的中国画。观看“中国绘画”，从未把你我包括在外，一部共有的“中国绘画”史。 -------------------------------------------- 纵观长时期各种媒材的嬗变，《谁在看中国画》一再暴露意料之外的讽刺，打破人们对中国和欧洲艺术传统的轻率预设。通过这项创新工作，柯律格为全球艺术史设定了一个新标杆。 ——包华石（密歇根大学中国艺术史荣休教授，两届20世纪前列文森中国研究著作奖得主） 以优雅热情的对话文风、清晰明确的论辩，本书探索“中国绘画”这一现代概念的生发演变。在本书中，柯律格匠心独具，将他渊博的学术造诣、对研究对象的精深识见，以及对艺术市场的历史和中国艺术收藏情况的把握熔于一炉。 ——白瑞霞（加州大学伯克利分校中国艺术史荣休教授） 这本书提供了一个适用于绘画史所有领域的研究方法。以此，任何领域的艺术史学家都或许可以恢复无法言说的艺术史。 ——裴珍妮（多伦多大学中国艺术史教授） 他眼中的中国艺术史是世界性的领域，不是西方论述里的附属品，自然也不专属于中国。研究者若也将中国艺术史视为世界性的领域，则柯律格在本书所意识到的问题，自然难以回避。 ——刘宇珍（台北故宫博物院书画处助理研究员）