西方绘画的历史，最精彩的华章都在迄今上溯的500年里。传承的线索和风格的演变，也以此段时期内最为清晰。中国对西方绘画历史的认知，历经嬗变，逐步丰富扩张，其实也是对我们自己的映照与检视。本书收录了国内外14位著名的画家与学者——包括在艺术界崭露头角的年轻一代——对西方绘画的新鲜见解。

饮食一直是一个亘古不变的话题，对食物的追求是人类的本性。在文艺复兴前的欧洲绘画中，有关食物、餐饮、烹饪以及描写餐馆和宴会的作品一直比较少见。直到16世纪中后期，表达世俗生活和饮食的绘画作品才陆续问世，并逐渐成为一个热门题材。在这一时期中，绘画艺术中的食物大多象征着人们对物欲的满足，但也从另一个层面反映了所在时代及社会的文化和礼仪。 本书通过圣经故事、欧洲的神话故事等，附以大量的绘画艺术作品，仔细研究食物的象征意义、饮食的习俗和餐饮的礼仪等。书中还讲述了餐桌的基本摆设，从餐桌的摆设反映出当时的社会风貌。另外，本书还讨论单个食物和饮品的象征意义，从洋蓟到起泡酒，从辣椒到苦艾酒，揭示属于那个时代的艺术家的语言内涵。由此可见，艺术和人们的生活是息息相关，密不可分的。可以说，饮食是生活，也是艺术。

《论毕加索》是格特鲁德·斯泰因对从1900年至1937年间她所认识的毕加索的记录，形式上可被归为长篇散文的范畴。书中记述了包括毕加索的部分生平、作者与毕加索的交往经历、对毕加索作品的分析及感受等在内的诸多内容。内容的丰富性与多样性使得这部书既不能被划定为体例严谨的学术著作，也不能被视为斯泰因对毕加索的私人回忆。从形式上看，斯泰因在书中仍在进行着某种文学试验，虽然这种企图还不致令读者感到不知所云，但其文本的先锋性依然是显而易见的。

本书是著名艺术史家廖内洛·文杜里（1885—1961）的代表作，也可视为英语世界第一部重要的艺术批评史。本书分别论述了古希腊罗马时期、意大利文艺复兴时期、巴洛克时期的艺术批评，考察了十九世纪初德国理想主义哲学，详述了十九世纪和二十世纪德国与意大利的文献学家、考古学家和鉴赏家对艺术批评的影响，探讨了十九世纪下半叶德国批评家创造的有关纯粹可视性的理论，以及现代艺术的起源及其后续影响，为读者提供了通过艺术批评的历史体验来理解艺术的坚实基础。

古墓里留待灵魂的空座位，壁画中央缺席的主人，棺椁上虚拟的窗棂与覆盖的帛画……著名美术史家巫鸿悉心解读中国古代视觉文化与礼仪传统。祭祀场合中的空位代表着供奉的对象，也意味着供奉者精神集中的焦点。有形的座位，隐喻着无形的主体。 “巫鸿美术史文集”是芝加哥大学巫鸿教授中国古代美术研究成果的全面集成，编年汇集了巫鸿几乎所有古代中国美术史的论文和未发表讲稿，串联四十年学术历程中散落的明珠，透视学者思维发展成熟的脉络。本卷收录巫先生1999—2003年的15篇论文与讲稿，从战国时代的城市形制到明清皇城的钟鼓楼，从敦煌石窟到《女史箴图》，探究艺术品的物质性与历史性，领略中国古代美术的“无形之神”。 “巫鸿美术史文集”计划收录作者1979年至今关于中国古代美术史的八十余篇论文和讲稿，按照年代编排，展现作者三十余年的研究轨迹，打破西方研究中国古代美术的传统范式，通过探索新的观念和方法，使这个学科的内涵更为丰富和复杂。对中国古代礼仪艺术的内涵、定义及沿革做了界定，把历史研究的重点还原到古代美术作品的原始功能、意义和环境上去；同时引进多种现代美术史中的分析观念，从“空间性”、“时间性”、“物质性”等多个角度讨论中国古代墓葬、建筑、绘画和器物的基本特质。 继《传统革新》《超越大限》与《陈规再造》之后，《无形之神》为文集的第四卷，收录作者1999年至2003年关于中国古代美术史的15篇论文和讲稿。这一阶段的研究一方面继续关注方法论，如《汉画读法》解读武梁祠画像的思想和语言系统，《战国城市研究中的方法问题》探讨城市物质形式的不断变化；另一方面，《无形之神》《说“拓片”》《时间的纪念碑》等一系列论文，选择了道教对老子的表现、碑刻拓片、钟鼓楼等精巧的切入点，深化阐释古代艺术与视觉文化的物质性、历史性、时空观，旁征博引，引人入胜，兼具学术思辨和可读性。 “巫鸿美术史文集”下一步即将推出卷五《残碑何在》与卷六《思考尺度》，敬请关注。

Projected-image art occupies an increasingly important place in the contemporary art-world. But does the projected image have its own specificity, beyond the histories of experimental film and video on the one hand, and installation art on the other? What is a projected image, and what is the history of projected-image art? These questions and others are explored in this thoughtful collection of nine essays by leading international scholars of film and projected-image art. Clearly structured in three sections - 'Histories', 'Screen', 'Space' - the book argues for recognition of the projected image as a distinctive category in contemporary art, which demands new critical and theoretical approaches. The contributors explore a range of interpretive perspectives, offering new insights into the work of artists including Michael Snow, Carolee Schneemann, Pipilotti Rist, Stan Douglas, Gillian Wearing, Tacita Dean, Jane and Louise Wilson, amongst others. The Introduction supplies a concise summary of the history of projected-image art and its interpretation, and there is a focus throughout the book on detailed analysis of individual artworks.

缪哲 在艺术史学者的书房里，欧文·琼斯（Owen Jones，1809-1874）的《装饰的语法》（The Grammar of Ornament）与《中国装饰集锦》（Examples of Chinese Ornament），是两部常见的书。 本NB里的图案，皆选自《中国装饰集锦》。琼斯的序说：“中国新近的战争，及太平（天国）之乱，使许多公共建筑遭洗劫，或夷为丘墟；富丽的装饰艺术品，亦因此流入欧洲。这些作品，是以前罕见的。其夺人目者，不仅在工艺的精能，亦在色彩的和谐，与装饰的通体之完美。” 然则琼斯成书，是以太平天国运动导致的中国工艺品流散为因缘的。从书取的图案看，这些工艺作品，似皆晚清的粉彩，或珐琅彩。这类作品，固有琼斯称的“富丽”与“精能”，但图案呆板，无即兴之趣，色彩肥腻，失淡雅之美。原其趣味，不过“满族大官”的“村婆娘好浓妆”，很不高明。琼斯采以成书，或因符合其主张的“通则”，亦或这些作品，可解慰当时人对东方想象的饥渴。 但琼斯的趣味，是较“满族大官”为雅正的。这一见于他选的图案中，颇有唐宋之风者，如不同式样的缠枝莲，即未失淡雅、即兴的唐宋之典型；二亦见于其纹样的色值，皆较原器的为低，故一扫原器“大红大紫”的肥腻，成一种“再创作”的佳范。 本册所选的，是书中最具特色的蓝色纹样，大家可以一窥东方与西方审美的完美结合。

What does it mean to write "This is not a pipe" across a bluntly literal painting of a pipe? René Magritte's famous canvas provides the starting point for a delightful homage by French philosopher and historian Michel Foucault. Much better known for his incisive and mordant explorations of power and social exclusion, Foucault here assumes a more playful stance. By exploring the nuances and ambiguities of Magritte's visual critique of language, he finds the painter less removed than previously thought from the pioneers of modern abstraction.

首頁 〉中文書 〉藝術 〉美術 〉詮釋之外: 藝評社會與近當代前衛運動 商品訊息 試閱 作者書籍 詮釋之外: 藝評社會與近當代前衛運動 詮釋之外: 藝評社會與近當代前衛運動 作者 ／ 高千惠 出版社 ／ 典藏藝術家庭股份有限公司 出版日期 ／ 2017/09/15 商品語言 ／ 中文/繁體 裝訂 ／ 平裝 定價 ／ NT$400 售價 ／ 9折, NT$ 360 ※ 有庫存可銷售 詮釋之外: 藝評社會與近當代前衛運動 其它優惠/消息 introduction all_character catelog 內容簡介 藝評，顯然只有介入思想與文化時， 才能在藝術社會產生生命力。 「我希望能揭露和釐清隱藏在特定判斷和品味之下的理論假設。雖然我不曾就藝術或現代性提出某種「立場」，但某些一般性的立場似乎已經成形……。」──《反詮釋》蘇珊．桑塔格（1975 Susan Sontag）(美國著名的作家和評論家著名女權主義者) 藝評－ 作為啟蒙精神的延續 作為辯證文學的展演 作為美學定義的伸張 作為跨語際的實踐 作為歷史意識的表態 作為藝術理論的聲言 作為思想與行動的聯結 作為前衛的守護角色 作為文化發展的經驗參照 作為新感知世界的陳述 藝評與藝術，過去被設定於「謎」與「詮釋」之間的關係。 藝術評論不僅是藝術作品的陳述文字，具有影響性的視覺文化評論，也是藝術史的扭轉點。作為藝術理念、思維和工具演練，本書旨在介紹具影響藝術史、藝術生態的近代重要評論書寫之影響力、進而討論近代及當代藝術評論的思潮和困境，並分析藝術評論與社會文化脈絡的關係和作用力。它不僅是一種檔案的總整理，更期待能作為區域藝術文化發展的經驗參照。 這是一本以藝評與藝術思潮出發的前衛藝術運動小史、一本有關藝評社會生態史的筆記，也期待是一本能產生藝術社會交流的閱讀文本。

For over a decade, conceptual and performance art has been dominated by participatory art. Its champions, such as French curator Nicolas Bourriaud (who invented the term "relational aesthetics" to describe it) and American art historian Grant Kester, believe that by encouraging an audience to join in, the artist can promote new emancipatory social relations. Artificial Hells is the first historical and theoretical overview of socially engaged participatory art. The book follows the trajectory of twentieth-century art and examines key moments in the development of the participatory aesthetic, in both Europe and America. This itinerary takes in Futurism, Dada, Situationism, Czechoslovakian Happenings, and Argentinean Conceptualism, and concludes with contemporary artists such as Thomas Hirschhorn, Tania Bruguera and Jeremy Deller. Since her controversial essay in Artforum in 2006, Claire Bishop has been one of the few to expose the political and aesthetic limitations of this work. In Artificial Hells she not only scrutinizes the claims for democracy and emancipation that the artists and critics make for the work, but also questions the turn to ethical (rather than artistic) criteria invited by such participatory and collaborative art.

熟稔西方音乐图像学的学者弗洛朗斯·热特罗博士将视线集中在16到20世纪的西方音乐题材的绘画作品，带我们梳理那些作品中的音乐主题及其象征意义。其中包括表现音乐神话题材的作品、彰显音乐神圣力量的宗教绘画作品，象征美德与人文主义知识的乐器静物画，赞颂家喻户晓的音乐大师的肖像画，揭示音乐社交魅力的场景图像作品，以及表达音乐精神的现代主义作品。这些作品呈现了视觉艺术家描绘音乐的准则和逐渐解构这些准则的演变，即艺术家是如何从对音乐物品表象的描绘到对音乐精神力量的表达。 《看见音乐：西方经典绘画中的音乐主题》这一特定主题不仅让我们全方位了解音乐如何在视觉艺术品中发出声响，也从另一个角度领略音乐及表演者的历史。350余幅精美的画作和富于洞见的文字，带领读者在艺术的时空中领略触手可及的绘画与音乐之美。

法国新古典主义画派奠基人，拿破仑时代的全景画家 以史为画，图绘波澜壮阔的法兰西历史 见证时代，缔造共和国革命节日的传统 图像证史，个人奋斗与历史进程共同谱写的命运之歌 💂‍♂️ 编辑推荐 🖼 抛开标签，从历史情境与作品表达中走近更真实的大卫 “艺术晴雨表”“法国历史的图解者”“大革命的预言家”“新古典主义的典范”，作者对这些我们耳熟能详的短语说不：事实远比标签复杂。千篇一律的术语与标签虽然表述方便，却也局限了人们对艺术的认识。大卫身处历史之中无法超然世外，用画作传达着他关于社会、文化、政治的观点，他的作品与他独有的经历和思考息息相关。他有哪些不同寻常的经历和独到的思考？跟随作者的讲述，回到具体的历史，回到具体的作品，走近更真实的大卫。 🖼 回到争议，透视个人命运与时代动荡的复杂关系 启蒙主义、法国大革命、废黜君主制、拿破仑帝政时代、波旁王朝复辟，大卫的艺术生涯跨越了这充满激变与动荡的时代，他的一生不可避免地需要面对许多“选择时刻”，他的后世声名也与这些选择息息相关。他是国王的拥护者还是革命的支持者？他是独立自主的艺术创作者还是见风使舵的艺术投机者？他与同时代的艺术家们关系如何？后代艺术家如何看待他的成就？作者在行文中抛出一个又一个问题，邀请读者做出自己的判断。 🖼 图文并茂，收尽大卫的经典之作，于细节处见玄机 全书配图200余幅，从大卫学徒时期的习作、罗马奖参赛作品到成名之作和晚年流亡时期的作品，清晰勾勒出大卫的艺术发展之路，且与艺术家生平中经历的大事件互为对照。其中，《荷拉斯兄弟之誓》《苏格拉底之死》《马拉之死》《萨宾妇女的调停》《拿破仑一世及皇后的加冕典礼》《分发鹰旗》等经典之作，在全幅完整作品之外更收录了质量上乘的细节图。细致的文字分析以画面本身为起点，辅以历史背景和图像传统的介绍，帮助读者深入了解作品在内容和形式上的创新。日本进口内文纸印刷，采用耐久性好、不易变形的特种软胶胶装，简约平整，力求提高读者阅读的舒适度。 💂‍♂️ 内容简介 雅克·路易·大卫（1748—1825年）与法国大革命时期的社会和政治动荡之关系，比任何一位艺术家都更紧密。作为一位政治家，大卫期待社会变革；作为一位艺术家，他将画笔献给大革命事业，创作旨在赞美共和国英雄和殉道者的宣传性绘画。他是“共和国的盛典大师”，也是拿破仑时期的首席画家，其个人命运与时代历史进程相依相连。 抛开“新古典主义”的陈旧标签，本书结合最新的研究，描画了大卫艺术与生活的方方面面，特别关注大卫的艺术风格创新、对政治活动参与和对新的艺术观众群的寻找，以及他对图绘道德、德行与爱国主义不断改变的态度等一系列问题。 💂‍♂️ 名人推荐 这部关于大卫的最新概论是艺术与历史的无缝融合。本书援引非同寻常的事实，观察独到，配图丰富，让法国现代绘画之父在法国大革命、拿破仑帝国和波旁王朝的复辟中重新焕发活力。 ——罗伯特·罗森布卢姆（Robert Rosenblum），纽约大学艺术史教授

Considered a great classic by all who seek for a meeting ground between science and the humanities, "Art and Illusion" examines the history and psychology of pictorial representation in light of present-day theories of visual perception information and learning. Searching for a rational explanation of the changing styles of art, Gombrich reexamines many ideas on the imitation of nature and the function of tradition. In testing his arguments he ranges over the history of art, noticing particularly the accomplishments of the ancient Greeks, and the visual discoveries of such masters as Leonardo da Vinci and Rembrandt, as well as the impressionists and the cubists. Gombrich's triumph in "Art and Illusion" arises from the fact that his main concern is less with the artists than with ourselves, the beholders.

Artist David Hockney discusses his theory that artists were secretly using optical devices such as mirrors and lenses in creating their work as early as the 15th century. Examples from Flemish and Italian art are studied as he examines how famous paintings have had their noted mysteries newly solved; he also makes comparisons to modern film and digital imagery.

《西方美术风格演变史(修订版)》产生于我的美术史教学经历。我曾想找到一本教科书，它能激发不熟悉这个学科的人从观看美术品获得享受，进而理解美术品作为我们文明中富于活力之组成部分所具有的重要价值，但我无法找到这样一本教科书。这促使我抛开通常的写作方式，即把每个时期看成独立的部分，绘画、雕塑与建筑都是分别发展的，而是将西方美术视为一种连续不断的风格演化过程加以描述。我着力于不同时代美术与建筑之间的连续性，以及每一特定时期各种美术相互间的关联，并尽可能提供与美术发展相关的文学、社会与哲学的背景知识。由于是要强调整体而不是局部，我不得不省略掉许多作品与美术家，有人会觉得我本应该把这些内容包括在内。我的理由就是，我相信一部美术史入门书的主要目的应当是以一种尽可能富于趣味性与知识性的方式构筑起一个总体框架，读者能轻而易举地把进一步研究过程中收集到的各种附件装配到这个框架上。 纽约市布利尔雷学校的学生与同事对我热情鼓励，达特茅斯学院舍曼艺术图书馆的摩利．奧康纳尔、让．希尔、雅尼丝．荷吉斯．狄米克和克劳荻娅．雅切维奇等人也给了我不少帮助。他们无尽的善意与关心使我在研究与写作的岁月里能坚持下来。 在《西方美术风格演变史(修订版)》修改与准备出版的各个阶段，我得到了费顿出版公司友善的支持，这是令人愉快的经历。我特别感激让．克劳德。贝塞尔与贝尔纳．多德。贝塞尔的热情重新点燃了我对《西方美术风格演变史(修订版)》的信心，多德则是每一位作者都会希望遇到的耐心而熟练的编辑。

这是一部E.H.贡布里希有关价值及其在人文学科中的作用的最著名的论文集。正如作者在中文版导言中所说：“本书的文章出诸一个艺术史学者之手，但它们的主要论旨不是艺术问题，而是文明史学者所面临的问题。当然，文明史的问题与艺术史的问题息息相关。”从黑格尔哲学到战争时期的广播宣传，从博物馆的未来，到艺术研究中理性与情感的作用，贡布里希教授一直持有这样一种观点：我们文化中的理想始终承受着非理性的、僵化的偶像的威胁。 时至当今，这部论文集仍不失为一部对自由和人类价值适时而重要的肯定。

本书基于作者多年研究古典艺术的深厚功底和现代艺术史的崭新视野，反思和挖掘长久以来西方艺术史学中被忽视的一种另类叙事——表现主义的故事。 作者强调“艺术是诗，更是美”，系统梳理一种不同于再现和体制化古典主义的艺术史学传统，从而强调“视觉”人文主义的发展线索。该书尝试在当下的学术语境和现实关切之下，直指西方艺术史学史研究和发展的薄弱环节，通过洗练和重塑这段被遮蔽的历史，确认其在图像和媒体时代所具有的人文主义和知识批判的价值与意义，评析深入，视角独特，资料丰富。

享誉世界的中国艺术史家巫鸿，在美国名校讲授中国艺术史各领域的第一堂课汇集，是中国艺术的入门级读物。 《第一堂课》堪称中国版的《艺术的故事》，它以深入浅出的讲解，系统展示“中国美”的意蕴，带你领略中国艺术的至高境界。 这是让世界了解中国艺术的第一堂课，也是中国人走进自己伟大文明美的历程的第一堂课。 …………………………………… 作为中国美术史领域国际著名的学者，巫鸿教授自上世纪开始尝试进行中西两种文化的转译，开启了一种新的中国艺术史写作范式。本书便是巫鸿30年来在哈佛和芝大给学生第一学期第一堂课的讲稿合集，希望中国读者可以通过他的眼光，重新发现和认识本国的艺术与文明。 这两个大学的开学第一堂课都是由教授向大学生介绍本门课程到底是研究什么的，以供大学生做选修的参考。哈佛和芝大的美术史课程都分为三个档次。最基本的是为本科生专门设计的“核心课程”(Core Course)，目的在于为“有教育的年轻人”提供基本知识修养。中间一级是本科和研究生均可遴选的课程，专业程度因而随之增强。最高一级是给研究生，主要是博士生开设的小型讨论课，这种课强调不间断的互动、讨论、磋商以及学生的独立研究。本书所收的讲稿包括了这三种课程。 不同于以往的艺术史著作，作者用一种专题性的讲述方式，来代替以往以时间为线索的艺术发展史写作，并以深入浅出的语言，将作者思想中的每一个灵光，汇聚成一片星丛，在更为真实、开放的历史时空中展开。

在这本《看名画的眼睛.2》中，作者选择的15幅名画都是从文艺复兴到近代西方美术史的代表之作，在介绍画作本身含义及画家生平的同时，还力求把产生这些伟大杰作的西洋文化历史背景阐述出来，以此帮助人们从多个角度加深对这些优秀作品的理解和鉴赏。图文并茂的形式也让读者能更细致地观察这些画作的细微之处，仿佛就站在图画面前，亲眼品鉴传世佳作的无穷魅力。