本书是前卫理论家蒂埃利•德•迪弗的代表作，对杜尚的意义做了极其充分的学理阐释，其宽宏的视野、深入的剖析，令人耳目一新。全书8篇文章，围绕着前卫艺术史的一个核心论题从多个层面展开。作者认为，虽然现成品打破了与以往任何已知风格的联系，但是杜尚将现代主义艺术实践的逻辑当作其作 品 主题——那是审美判断的一个转向，即用“这是艺术”来取代经典的“这是美”。德•迪弗在重新读解康德的《判断力批判》中，运用这一转向（用“艺术”一词系统地替换“美”一词），揭示了杜尚和达达主义激进的实验与主流的绘画现代主义之间隐藏着的联系。本书第一部分涉及杜尚大名鼎鼎或臭名卓著的《泉》，特别深入地挖掘了当年许多不为人知的细节。第二部分讨论了杜尚从绘画向现成品的转变，从特殊艺术向一般艺术的过渡，管装颜料和空白画布也因此得到重新理解。第三部分考察了康德在第三批判中用“艺术”替换“美”带来的审美与伦理后果。第四部分试图重建现代主义的“考古学”，从而为我们对后现代境况的重新理解铺平了道路。

Why do we find ourselves returning to certain pictures time and again? What is it we are looking for? How does our understanding of an image change over time? In his latest book T. J. Clark addresses these questions - and many more - in ways that steer art writing into new territory.In early 2000, two extraordinary paintings by Poussin hung in the Getty Museum in a single room, Landscape with a Man Killed by a Snake (National Gallery, London) and the Getty's own Landscape with a Calm. Clark found himself returning to the gallery to look at these paintings morning after morning, and almost involuntarily he began to record his shifting responses in a notebook. The result is a riveting analysis of the two landscapes and their different views of life and death, but more, a chronicle of an investigation into the very nature of visual complexity, the capacity of certain images to sustain repeated attention, and how pictures respond to, but also resist, their viewers' deepest wishes. Clark's meditations - sometimes directly personal, sometimes speaking to the wider politics of our present image-world - track the experience of viewing art through all its real-life twists and turns.

-编辑推荐- •本书是近二十年来，视觉研究方法领域的权威著作。就它企图对研究视觉材料的各式各样的方法进行全面而系统的讨论和评价而言，本书依然独一无二。 •本书第3版，增加了对受众研究、民族志、照片文档、照片引谈、摄影小品，以及视觉伦理研究等视觉方法的讨论，展示了视觉研究及其方法的不断发展的本质。 •书中穿插的大量关于数字媒体的内容，亦是新版的一大亮点。 -内容简介- 本书坚定地专注于研究方法而不是媒体。书中的主体章节，每一章都会讨论一种可用于诠释视觉材料的方法，而每一章要用何种视觉材料来探究这种方法，则取决于它是否最能体现这种方法的步骤、长处和不足。本书要做的就是深度探讨每一种方法。 第1章是对用来理解视觉文化各种不同理论方法的概览，同时也探究了一些关于无处不在的数字影像所造成的差异问题。 在第2章中，作者精心制作了一个指导读者使用她提出的“批判性视觉方法论”的实用性框架。 第3章详细解释了本书的结构，这将有助于读者从随后讨论方法的章节中有所斩获。 从第4章到第10章均专注于处理既有影像的方法，如内容分析、符号学、精神分析和话语分析等。 第11章比前一版更为细致地专注于另外一些研究视觉影像的方法，这些方法旨在处理为解答研究的问题而制作的视觉影像。 视觉伦理学是第3版中全新的一章。研究活动中的伦理学关乎研究者的行为。它关注他们研究中自身的诚实和坚定性，以及他们正在与什么材料，或跟谁一起展开研究如此这般的关系问题。

《巴洛克艺术》是德国专业摄影团队十年心血之作，书中近700幅精美图片，详尽的艺术文化史梳理，以前所未有的规模，全面系统地呈现出巴洛克时期绘画、雕塑、建筑、工艺等各个方面的成就，引领读者游历巴洛克艺术世界，探知那宗教激情与尘世享乐、技术理性与迷狂感官的谐和之境，并解读那华丽不可方物的奢华风格背后，人性的欲求与神性的光芒。 在资深编辑、独立出版人罗尔夫•托曼地带领下，他的团队开始了一段长达10年的巴洛克艺术探微之旅。这部重达12斤的超大开本著作，以全新的视角，将巴洛克艺术详尽地介绍给每一位艺术狂热的爱好者。作者用漫谈式的笔法勾勒了巴洛克艺术的全貌，娓娓道来，阐述了建筑、绘画、雕塑等艺术流派之间的内在关系并呈现了其文化美学价值。围绕历史与社会，政治与文化，宗教仪规与世俗生活，向人们完整呈现了巴洛克时代的盛世景象。 尤其值得一提的是《巴洛克艺术》的摄影图片，摄影大师阿希姆•贝德诺兹怀着满腔热情、以其严谨的拍摄态度，用他的相机记录了这些艺术品最原初的、甚至是已经绝版的画面。他采用极其复杂先进的数码拍摄技术，最大限度还原了艺术品的原貌，迅速带领读者进入巴洛克世界之中。

“双峰译丛” 推出的另一本美术评论同样振聋发聩。谁会怀疑法国大诗人兼文艺评论家波德莱尔的艺术品位、浪漫激情与诗性语言呢？他写的美术评论《我看德拉克洛瓦》的文字同法国浪漫主义绘画大师德拉克洛瓦的传世佳作《自由女神领导人民》一样浪漫、激情、狂放而优美！能像波德莱尔那样把评论写得如此有热情和文采的文艺评论家着实不多。如诗如画的《我看德拉克洛瓦》使人想起了雨果的浪漫和罗曼・罗兰的热情，还有如波德莱尔本人的眼睛那样的深邃和犀利！

Casting aside the traditional conception of film as an outgrowth of photography, theater, and the novel, the essays in this volume reassess the relationship between the emergence of film and the broader culture of modernity. Contributors, leading scholars in film and cultural studies, link the popularity of cinema in the late nineteenth century to emerging cultural phenomena such as window shopping, mail-order catalogs, and wax museums.

《前拉斐尔主义》（1906）是罗斯金公开为前拉斐尔派辩护的杰出的艺术评论作品，它的面世引起了艺术界、学术界强烈的轰动。 本书收录了罗斯金对前拉斐尔主义艺术和艺术家的若干评论，涵盖了从文艺复兴到19世纪欧洲的艺术流派、艺术分析、作品欣赏、画法研究、材料研究、历史与社会文化分析等领域。其中第一篇同书名的文章发表于1851年，是前拉斐尔派的三位创始人（霍尔曼•亨特、米莱斯、罗塞蒂）首次展出的绘画遭到媒体的猛烈抨击时，罗斯金所作出的回应；其后的关于建筑与绘画的部分，是罗斯金1853年在爱丁堡发表的演讲；本书还包括了罗斯金于1855至1859年间发表的对艺术院展出作品的注释，对这些作品进行了一一点评。 本书内容广博、笔触细腻，充满了艺术的色彩和美感，充满着对美的热切和向往，而字里行间所蕴涵的丰富情感，也处处显露出作者的人文关怀。

19世纪的欧洲和“新世界”经历了复杂的社会、政治和文化变迁，艺术亦深受影响，繁多的潮流与运动，殊难作为一个整体来加以描绘。唐纳德·雷诺兹从新古典主义和浪漫派入手，借助考察大卫、安格尔、戈雅和罗丹等代表性艺术家的作品，辨析出本世纪绘画和雕塑的重要主题、概念与风格特征。 藉着作者广博的学识和专精的研究，本书进而也涉及了19世纪艺术的诸多其他方面，比如历史绘画、浪漫派情感对风景画的影响、法国现实主义、印象派与后印象派、拉斐尔前派、惠斯勒以及“工艺美术运动”的兴起等。

This Reader brings together, for the first time, key writings about the nineteenth century, a key period in contemporary discussion of visual culture. Exploring such topics as photographs, exhibitions and advertising the editors suggest that 'modernity' rather than 'modernism' is a valuable way of understanding the changes particular to the visual culture of the time, and they investigate a variety of nineteenth-century images, technologies and visual experiences. With three specially-written essays about definitions of visual culture as an object of study, the book examines genealogies and introduces key writings about culture from writers living in the nineteenth century itself or from those who scrutinized its visual culture from early in the twentieth century such as Walter Benjamin and Siegfried Kracauer. The Nineteenth Century Visual Culture Reader is organized around key themes: * technologies of vision * practices of display and the circulation of images * cities and the built environment * visual representations of the past# * visual representations of catagories of racial, sexual and social differences * spatial configurations of inside and out, private and public. Selections include well-known authors and new research by younger scholars to produce a well-balanced and comprehensive collection.

《中国绘画的深意》是日本汉学家宫崎法子解读中国绘画的经典之作。 作者选取了中国绘画中非常重要的两个类别——山水画、花鸟画，作为其研究对象，以这两类画的兴衰史为切入点，一一剖析画中的表现的主题与其背后蕴含的意义，结合艺术和社会史，解读一代代中国古人在绘画中编织的思想与梦想。既是艺术作品的赏析品味，更是社会学及人文精神的阐述。 全书分为山水画和花鸟画两卷。卷一山水画梳理了对山水画的确立、发展产生影响的社会背景，比如科举制度的发展、士大夫阶层的出现、文人文化的普及；例举自五代以来到宋、元、明各个历史时期的重要绘画作品，详述了山水画中的旅人、渔夫、奇石与庭院等意象背后蕴含的文人阶层的隐逸理想；重点解读文人山水画这一派系，论述其创作背景、传播与发展以及中心主题的变迁，从北宋的实景山水画慢慢过渡到元明的山居图、别业图、行旅图、仙山图等的过程。 卷二花鸟画结合大量作品展示，概括从古至宋的花鸟画的发展过程，重点详述藻鱼图、莲池水禽图、草虫图等典型主题的绘画内容，解析画中常见的意象如鱼、莲花、鸳鸯、白鹭、葡萄、竹雀等，表明花鸟画相比山水画承载文人知识分子的精神寄托之外，更多包含了中国民间自古以来对幸福的天真追求。

"本书收录石守谦教授自1994至2007年间陆续发表的十五篇论文，共分五个单元，以元明绘画为主，上溯五代，下及二十世纪。作者以中国绘画史的论述架构为经，以不同研究论题为纬，探索并示范中国绘画的研究方法。 自二十世纪中期以来，关於中国绘画研究的方法与模式已有长足发展，其中以风格学的形式分析贡献最力，在时代风格的确立与特定风格系谱的建立方面，成果卓著，但另一方面也出现了局限。作者对此作了回顾与反思，质疑以西方狭义的「再现」（representation）标准来研究中国绘画的适当性，进而提出「画意」作为一种观看中国绘画的方式。「画意」一词原出自中国传统画史，但作者试图从艺术品与观者互动的角度予以考量，力求将作品还原至创作初始的文化情境来理解其「画意」。全书以「画意」一旨贯串，於风格分析的基础之上，一方面开展新议题，一方面对传统的议题提供新视角，如以族群冲突、交融的观点解析丰富多元的蒙元绘画、或以区域竞争的角度观察地方画派等，其中对於「文人画」发展的重新审视与解读，更是前所未发之真知灼见。 作者就不同研究个案的题材与性质，选择切入视角与适当的研究方法，同时展现了艺术史微观的深入与宏观的渊博。本书不仅可提供中国绘画爱好者一窥中国绘画精髓的管径，更为中国艺术史提供一组多元、开放而可行的研究方法，是不容错过的一部佳著。"

图像是历史的遗留，同事也记录着历史，是解读历史的重要证据。从图像中，我们不仅能看到过去的影像，更能通过对这些影像的解读探索它们背后潜藏着的信息。政治的、经济的、军事的、文化的……“一幅画所说的话何止千言万语”。面对数量难以穷尽的图像。历史学家也就面对着惊人的宝藏，但宝藏下面，也隐藏着难以觉察的陷阱。彼得?伯克以其杰出新文化史家的广阔视野，对包括工艺品、画像、雕塑、电影、电视、平面广告等的多种视觉材料进行了分析，关注的重点并非这些图像本身，而是如何利用它解读历史，以及在此过程中存在的机遇与危险。

《图像的生与死》是一部讲述图像在西方的起源、演进和死亡的历史，同时也是一部通过分析图像及其传播手段而建立的西方思想史。 《图像的生与死》是一部跨学科研究之作，在书中，雷吉斯•德布雷第一次解释了他所创设的一门新学科：媒介学。该学科处于艺术史、技术史、宗教史等多学科的交汇之处。全书论述了西方人视角下图像从魔幻的到艺术的再到经济的演变过程，对技术革命与集体信仰对于图像所产生的影响进行了深刻分析。作者从西方哲学、宗教、艺术、科技、媒体等方面，对图像起到的作用和反作用进行了详尽又深入的解读，许多观点都闪烁着思想的光芒。

美国著名艺术史学家、理论家，芝加哥艺术学院教授詹姆斯?埃尔金斯在《图像的领域》中对图像范围和研究方式进行了革命性的推动，他把视野放远到“非艺术”的图像，其中包括科学技术、商业、医学、音乐、考古等领域。埃尔金斯断言，这些图像与任何规范的传统图像如绘画、摄影、雕塑等艺术品一样，具有异常丰富视觉资源和值得研究的潜力，而且与人们对这些图像习惯上的认识相反，它们具有丰富的表现力。埃尔金斯以众多学科的图像作为例子，提出了分析和思考视觉图像的一种全新方式，即依赖与视觉对象内部自身关系的方式。艾尔金斯首先展示通常艺术史学家选择研究图像的现行标准，然后敦促大家应该从相反的，在更为广泛的图像领域以新的视角进行研究。艾尔金斯还分析了这一跨学科领域的哲学基础，简述了图像的整个范围，从书写、书法到数学、几何图形再到抽象绘画。

《图像学研究--文艺复兴时期艺术的人文主题》(主编冯俊)是《上海三联人文经典书库》之一，书中包括了皮耶罗两组绘画中的人类早期历史、盲目的丘比特、时间老人、佛罗伦萨与意大利北部的新柏拉图主义运动、新柏拉图主义运动与米开朗琪罗等内容。 本书适合从事相关研究工作的人员参考阅读。

阿比•瓦尔堡是20 世纪卓越的美术史家和文化史家。他生前发表的著述并不多，很多重要的学术思想都零零落落地散布在其讲稿、日记、信札、纸条中。本书是瓦尔堡研究院前院长贡布里希教授在对瓦尔堡文献进行多年研究的基础上撰写而成，是一部以历史学家的角度书写就的思想传记。作者熟谙瓦尔堡学术成长所依赖的文化背景，精通瓦尔堡研究的文艺复兴问题，擅长心理分析，他在书中不仅实现了两位美术史巨人跨越时空的对话，而且一起对古典传统的双重性做了演绎。 书中共附有174幅插图，其中包括瓦尔堡一生各个阶段的照片、笔记本的内页和艺术品的图片等，另附有一篇扎克斯尔所撰写的关于瓦尔堡图书馆历史的回忆录，生动而全面地展示了这位艺术史上关键人物的学术生涯和学术思想。正如《艺术通报》所说，此书是“一部绝佳的思想传记，叙述清晰，感人至深”。

《里帕图像手册》是西方世界影响最为深远的一部图像志手册，首版于1593年。它不仅是当时艺术家、诗人以及艺术爱好者人手必备的参考书，也是后世艺术史研究者描述与阐释艺术作品的重要文献资料。将抽象概念拟人化是西方独有的象征传统，源于古典时代，经由中世纪作家和文艺复兴学者的诠释、综合，焕发出绚丽的光芒。本书以手册的形式总结归纳了这些拟人化形象，涉及的知识涵盖哲学、历史、天文、地理、音乐、数学等各个方面。它的出版标志着西方人文主义寓意图像志体系的建立。 文艺复兴时期群星璀璨，本书作者切萨雷·里帕（1555—1622）起初却并不瞩目，甚至其生卒年直到20世纪才被学界确定。作为一名红衣主教家中的侍者，里帕得以接触丰富的古典文献资料，他在仔细甄选后完成了这部图像手册，并在其中融入了自己的丰富想象。里帕的勤奋、眼界和创造力，使他从一个默默无闻的侍者，最终一跃成为西方文化史中的明星。 此书1593年的首版并无插图，再版时才增加了图像，之后被翻译为各种文字广泛传播。此中译本根据1709年于英国伦敦出版的首个插图英译本译出，图文并茂，生动形象，弥补了长期以来这一经典著作无中译本的缺憾，为艺术史研究者提供所急需的参考资料，并将惠及其他人文学科。

◆ 编辑推荐 马王堆汉墓中的四重棺椁，敦煌石窟内环环相扣的巨幅“变相”画，与“君子”美德密不可分的精美玉器……中国古代美术史上的一串串趣味密码，由著名美术史家巫鸿悉心破解。在古人那里，生前成仙和死后永生这两个概念紧密结合，一个人往往终其一生精力追求仙境，同时又孜孜不倦地营造墓葬。死亡被看作充满希望的另一个世界的开端，一个过渡性的“礼仪过程”。中国早期美术深刻地反映了人们时空观念的转变，以及瑰丽奇幻的想象力和创造力。 ◆ 内容简介 “巫鸿美术史文集”计划收录作者1979年至今关于中国古代美术史的八十余篇论文和讲稿，按照年代编排，展现作者的研究轨迹，打破西方研究中国古代美术的传统范式，通过探索新的观念和方法，使这个学科的内涵更为丰富和复杂。 继《传统革新》之后，《超越大限》为文集的第二卷，收录作者1988年至1994年关于中国古代美术史的15篇论文和讲稿，涉及城市、礼器、墓葬、宗教、地域美术等诸多方面，力求突破既有的研究范畴，在方法和理论上寻求创新，其目的不在于再造一种与西方传统历史写作形式相类似的单线的历史，而在于多角度地展现中国艺术的丰富、复杂与变化。在对马王堆汉墓的解读中，“原境”已不仅意味着一种物质性的结构关系，还包括丧葬礼仪以及观念的语境，而“礼仪中的美术”（art in ritual context）这个概念也从中产生；《何为变相？》这篇长文则将上述概念结合起来，将研究对象扩展到敦煌。《五岳的冲突》观照由自然地理到文化景观的概念转换与实践。这类文章的重要性并不在于其具体的解释，而在于体现出作者对于进一步拓展中国美术史研究视野的努力。 除了《传统革新》和《超越大限》，“巫鸿美术史文集”还出版了卷三《陈规再造》，下一步即将推出卷四《无形之神》与卷五《残碑何在》，敬请关注。 ◆ 作者简介 巫鸿（Wu Hung），著名美术史家、批评家、策展人，芝加哥大学教授。 1963年考入中央美术学院美术史系学习。1972—1978年任职于故宫博物院书画组、金石组。1978年重返中央美术学院美术史系攻读硕士学位。1980—1987年就读于哈佛大学，获美术史与人类学双重博士学位。随即在哈佛大学美术史系任教，于1994年获终身教授职位，同年受聘主持芝加哥大学亚洲艺术教学，执“斯德本特殊贡献教授”讲席。2002年建立东亚艺术研究中心并任主任，兼任该校斯马特美术馆顾问策展人。2008年被遴选为美国国家文理学院终身院士，并获美国大学艺术学会美术史教学特殊贡献奖，2016年获选为英国牛津大学斯雷特讲座教授，2018年获选为美国大学艺术学会杰出学者，2019年获选为美国国家美术馆梅隆讲座学者，并获得哈佛大学荣誉艺术博士。成为大陆赴美学者获得这些荣誉的第一人。 其著作包括对中国古代、现代艺术以及美术史理论和方法的多项研究，古代美术史方面的代表作有《武梁祠：中国古代画像艺术的思想性》（1989）、《中国古代艺术与建筑中的“纪念碑性”》（1995）、《重屏：中国绘画中的媒材与再现》（1996）、《黄泉下的美术：宏观中国古代墓葬》（2010）、《废墟的故事：中国美术和视觉文化中的“在场”与“缺席”》（2012）、《“空间”的美术史》（2018）、《中国绘画中的“女性空间”》（2019）等。 编者郑岩，中央美术学院人文学院教授。主要研究方向为汉唐美术史与考古学，主要著作有《魏晋南北朝壁画墓研究》《从考古学到美术史》《逝者的面具》等，合著有《山东佛教史迹》《中国美术考古学概论》《庵上坊》等。 ◆ 专业评论 他的著作打破了按照材质分类，按照西方概念讲述中国故事的传统，从基本结构上改变了西方中国美术史传统写作的范式，正在构成一种具有历史关怀的、生动新鲜的叙事。不仅如此，以他为代表的这一代学者甚至在对世界范围内整个美术史学科的走向产生重要的作用。 ——郑岩（中央美术学院人文学院教授） 巫鸿教授有关中国美术的相关研究，跨越上古与中古时期的墓葬美术、宗教美术与传世书画艺术，兼及史前时代的玉器文化与当代实验艺术，其开拓领域之广、研究力度之深，可谓前所未见。他在研究方法上，引入了当代人类学的思维与视角，创造性地将绘画、雕塑、器物与建筑有机整合为一体，从而发展出一套适用于美术史学科的、能够打通微观研究和宏观叙事的“中层研究”方法论体系，使图像、器物与建筑空间的研究能够与人和时代的精神、思想和文化相联通。 ——李清泉（广州美术学院美术研究所教授、艺术与人文学院院长） 巫鸿并未把艺术品作为多样而变化中的世界观的图解。相反，艺术品在他手里成为了历史中的演员和创造者，而不仅仅是历史的标志物。 ——伊万兰•卜阿（Yve-Alain Bois，哈佛大学美术史与建筑史系前系主任，现普林斯顿高等研究院研究员） 巫鸿希望的，是通过分析美术材料本身找到一条可以跟随的线路，寻找视觉材料内在的演变路径。换句话说，也就是把美术演变的轨迹从这些概念中剥离出来，在美术中说明一个精神性的“中国”。 ——胡一峰（《中国文艺评论》杂志副主编、编辑部主任） 他在方法论上兼具中国传统美术史和美国美术史的研究方法的优点，重视人类学和美术学的跨学科融通，并且推陈出新，形成了自己的独特方法论。 ——朱志荣（华东师范大学中文系教授、美学与艺术理论研究中心主任） 巫鸿先生在解读中国画史名迹时不仅注意重新审视传统的读画方式和内容实质，还充分注意到绘画媒介形式的物质性特征，将绘画置于一种由创作者、观赏者共同参与动态过程，从而丰富和提升了鉴赏这幅名画的内涵和意义。 ——赫俊红（中国文化遗产研究院研究员） ◆ 媒体评论 巫鸿认为作为处理历史材料的研究者，最终能够改变西方中心格局、建立全球性美术史的途径并不是以抽象思维的方式推演出一套理论话语，而是通过对于历史的具体的作品，通过考古材料，通过历史上的书写进行具体分析，从中提炼出多元性的美术史的概念和叙事方式。 ——雅昌艺术网 巫鸿是一个有着特定的视角和兴趣，并将这种视角和兴趣沿用到极为多元的研究对象之中的学者。 ——《燃点》 在如今更趋多样化的美国学界，芝加哥大学的巫鸿教授可谓是最活跃的一个中国艺术学者。他的研究领域跨越了古代与现当代的壁垒，以人类学的研究方法贯穿始终并互为借鉴。 ——《艺术新闻（中文版）》

本书是一部经典的艺术收藏通史，它以宏阔的视野、翔实的史料、图文并茂的形式、生动有趣的细节展现了西方世界从古希腊、罗马时期一直到19世纪初期2000多年的艺术收藏的历史。书中，欧洲不同时代和国家的艺术收藏风尚和主要活动都得到了反映；以王公贵胄为代表的大收藏家和艺术资助人的活动都被生动记录——亚历山大大帝、凯撒大帝、美第奇家族、哈布斯堡家族、路易十四、红衣主教黎塞留、蓬巴杜夫人、凯瑟琳大帝、拿破仑……这些西方历史上叱咤风云的人物同时也是艺术事业热情洋溢的资助者和艺术品“贪得无厌”的“攫取者”。 本书同时还是一部关于艺术的观念的历史：它试图展示的，不仅仅是艺术与财富的关系，更是珍贵藏品与观念之间的关系。欧洲不同民族的精神气质、语言、文化和社会习俗的特征，社会文化思潮的变迁等等，均在不同时代和地域的艺术收藏的时尚、趣味和风气中得到了清晰有力的折射。