这是一本艺术史学科导论性质的著作，也是一本艺术史学习经典指南。此书对学科内最重要的基础知识进行了清晰而不流于表面的概述，其所关注的不是包含诸多艺术家姓名和风格的艺术史，而是艺术史本身，即研究对象、媒介材料、理论方法、发展趋势等，讲述准确、精妙。 作为一门学科，艺术史最早于19 世纪在德语国家兴起，因此向来有“艺术史的母语是德语”的说法。这本经久不衰的著作由艺术史各个分支领域的顶 级德国学者分别撰写，畅销德国30余年，也是德国艺术史院系中流传广泛的专业读物。最新的德文第7版（中文首版）包含关于神经学、图像媒介，以及后现代和国际化的新艺术史等章节，关于性别研究等部分也做了较大修订。可以说，此书迎合了德语区艺术史学科巨大的改革热望，也经受住了改革的考验。因此，它理所当然地出现在诸多权威的艺术史推荐书单。 我国目前有诸多艺术史研究与教学机构，以及艺术史专业学生与跨专业学者，此书可作为一本常备的方法论手册，帮助读者更好地了解艺术史学科全貌。

本书将视角锁定在那些世界上艺术赝品背后的大师，并且探讨是什么因素促使这些人将他们的惊世才华用在伪造那些已经成为过去的先人作品上。查尼认为：关于艺术伪造有一点很值得关注：出于一种普遍的对犯罪的迷恋，艺术伪造这一流派似乎正处于一种轻松的恶作剧式的氛围之中，而不被视为完全的犯罪行为。查尼指出，艺术伪造似乎不那么罪恶滔天--那些受害者通常都是有钱的买主和卖家，一开始就不会博得大众的同情。很少会出现伪造者受到严重刑事处罚的情况，而且很多服刑结束再次复出的伪造者会获得比原先更高的名誉和机会，比如他们的原作会被贴上升值的标签（包括他们的那些“原创”伪造品）。本书从心理学角度分析艺术犯罪的根源。作者查尼希望读者能够意识到艺术伪造是一种能带来严重后果的犯罪行为，也许一开始不会给他人造成直接损失，但到归根结底，对于艺术史和学术研究而言，损失必然是巨大的。

本书初版于1955年，收录了潘诺夫斯基三十多年来的若干名篇，堪称20世纪艺术史中的关键性著作，也一直作为欧美艺术史学生的标准读物。它不仅揭示了中世纪和文艺复兴时期艺术家们丰富的生活和工作细节，更主要的是，深刻讨论了视觉艺术中涉及作品内容的图像志与图像学问题。 作者从“一个图像可以再现一物，象征另一物，而表达其他物”的视角出发，详尽考察了提香、普桑、丢勒的作品以及圣德尼修道院院长叙热的生平。作为欧洲语言、历史与文化的大师，潘诺夫斯基以出色的学术研究能力对“人体比例理论”和“瓦萨里编《素描集》的第一页”做出令人敬佩的阐述；还以敏锐的洞察力对英语与德语在艺术史研究与表达方面的异同做出了极具启发的比较。

斯塔德曼严谨地采用暗箱对维米尔工作室进行的重构，证明了维米尔使用暗箱。即暗箱曾被用来投影准确的图像供画家们描绘轮廓， 17 世纪荷兰艺术家维米尔正是采用暗箱装置，完成了一些西方艺术中最有名的画作。 这些发现并没有让维米尔的天赋一文不值，反而展现了他如何同许多艺术家一样尝试使用新的技术发展自己的风格或选择主题。书中精细的调查和大量同时代的插图完美地展现了欧洲在那个时代巨大的科学和文化创新与进步。

编辑推荐： 一书在手，看展不愁！ 百余幅高清名画导赏，图解现代艺术的来龙去脉，全彩印刷，一座口袋里的美术馆。 ֎ 117幅名画插图，学术级导赏，陪你看懂西方现代艺术精华 ֎ 人物、事件、历史、绘画技巧，全方位还原1863年，现代绘画的诞生时刻 ֎ 马奈、德加、莫奈、塞尚，库尔贝……翻开书页，漫步于大师云集的纸上美术馆。 内容简介： 时间回溯至1863年，法兰西美术学院主持的官方画展拒绝了大部分报名参展的作品，引起被拒绝艺术家们的强烈不满。拿破仑三世为安抚民众举办了“落选者沙龙”，马奈《草地上的午餐》横空出世，引发19 世纪西方艺术史上最大争议，“现代绘画”由此粉墨登场，“印象派”这个影响了一个世纪美学思想的绘画流派也由此诞生。“落选者沙龙”因此成为世界艺术进程中的划时代事件。在此之后，官方艺术的影响逐渐变小，艺术家们开始不拘流派技法，进行自由的创作，巴黎市也在自由创作的氛围中逐渐成为世界艺术之都。 本书正是对“落选者沙龙”事件的一次历史性还原，兼论它的源流与影响。作者灵动的散文笔法赋予历史书写强烈的故事性，近百幅彩色世界名画插图更令人仿佛置身一座纸上美术馆。

《偏爱原始性》研究视觉艺术趣味变化史上反复发生的一个现象:古老而单纯的作品，例如“原始的”作品，在道德上和审美上要优于后来变得柔弱、颓废的作品。贡布里希将这种观念追溯到古典时代，既把它与西塞罗关于放纵感官会导致厌恶的观察联系起来，又把它与艺术发展像生命体一样会生长、会成熟、会腐败以致死亡的一个影响深远的比喻联系起来。一代代的艺术家和批评家更偏爱早期风格所具有的力量、高贵和真诚，而厌恶精致的风格，因为它以腐败和俗气诉诸人们的感官。《偏爱原始性》总结了作者四十多年来对这个问题的研究和思索，他论证严密，旁征博引，讨论了相关作者、批评家和艺术家在塑造和改变这些观念时所起的作用。

阿尔珀斯在书中对荷兰绘画的描绘性进行了多角度的论述，指出意大利文艺复兴艺术和荷兰艺术之间存在着根本的分歧：前者主要是对一种“文本文化”的表达，理论家们教育我们去“读解”绘画，如此才能引出并阐释作品的多层次意义；相较而言，后者产生于一种真正的视觉文化，新知识以视觉的方式记录下来，绘画与地图都属于独特的荷兰视觉文化的表现形式。 作者的关注点不在传统的、意大利式的故事“叙述”，而在图像对可视世界的“描绘”，她将艺术史的研究重点从深藏于图像背后的意义转移到图像表面上来，从而向以潘诺夫斯基为代表的图像学研究发起了挑战。

过去的一百年间，艺术世界的风景发生了急剧变化。观者在一件件艺术作品前大为迷惑，这些作品是种挑衅吗？艺术家是否只是在讲内行笑话？ · 艺术本身也是一种语言—一种存在周期远超出其特定时代的语言。美国资深艺术评论家兰斯·埃斯普伦德在本书中结合自身多年的艺术鉴赏经验，将内含于艺术的 语法逻辑细细道来。书中以对于艺术基础要素的分析开篇，随后深入解读了十件现当代艺术作品，引领读者去观看和思考，从而形成自己的审美判断，能够以艺术家看待艺术的方式去审视艺术。 · 【编辑推荐】 ★资深艺术评论家分享艺术鉴赏之道 兰斯·埃斯普伦德基于多年的艺术鉴赏经验，对艺术的语言进行了深入浅出的解读，他引领读者接近那些陌生的艺术品，进而独立运用欣赏技巧与艺术品展开交流，像艺术家那样思考。 · ★走近现当代艺术，让艺术真正与你有关 作者通过自身欣赏艺术的经历，引导你建立自身审美体系，同时与艺术建立紧密的联系，形成属于自己的私人体验。对艺术的经验，尽管我们全都可以参与分享，但那归根结底是属于自己的，就像对爱的体验一样。 ` ★从基本要素到个案分析，深入剖析艺术的魅力 书中以对艺术基础要素的分析开篇，对于贯穿于艺术史中的深层次审美标准进行了阐释，随后，在对于十件当代作品的细致解读中，展示了艺术欣赏的各个角度。由此，读者可以由一般到个别，从理论到实际逐渐深入，成长为独立的艺术鉴赏家。 · ★业内专家、多家媒体盛赞 本书得到了艺术评论界以及包括《华盛顿邮报》《科克斯书评》等美国主流媒体以及资深策展人约翰·埃尔德菲尔德和奥斯卡获奖导演罗伯特·本顿的好评，被赞为“富于洞察力”而又“毫不晦涩”的艺术赏鉴理想读物。"

《艺术即历史：书画同体》是中国艺术史学者方闻教授毕生研究成果的集大成之作。 在这部著作中，方闻教授全面梳理了中国书法和绘画的历史，并对诸多艺术史重要议题提出了全新见解，例如：每件艺术品都代表了艺术自身历史的重要时刻；书法与绘画在中国艺术中的核心地位及二者的历史关联；再现性绘画与雕塑在早期绘画史中的平行发展；晚期绘画史中被视作艺术家个人表达手段的笔墨；流派传承这一典范的重要性；收藏家的作用……方闻教授将作品分析与语境化解读巧妙结合，展示了一个中国艺术研究者对中国文化与历史的深刻洞见。

《世界3》是由OCAT研究中心（OCAT Institute）组织编辑的艺术史理论丛书，主要刊载艺术史理论及与其相关的语言史、心理学史、哲学史、文化史、宗教史、社会史与思想史的前沿性研究课题和译文，也对相关学术课题的国际资讯、图书、展览和研究机构进行报道与评介，本年刊将通过为这一学术领域的研究成果提供出版平台，力图为这一领域新的汉语思想模式和知识形式的形成创造条件，并为汉语学术界提供与国际同学术刊物的交流机会。 《世界3》第四辑以“艺术史与博物馆”为专题，将“艺术史”和“博物馆”作为两个持续交叉和互动的框架，深入探讨二者之间复杂而多重的关系，以及其他有关范畴和当前的研究动向。思考由收藏（作品化）、展览（公共化）、美术馆（机构化）和美术史（学术化）四个相互联系、互为因果的环节构成的机制，在全球历史中呈现的长久而复杂的进程。

★王季迁家族私藏多年的鉴赏日记手稿+流落在外的鉴赏日记，首次公开+合璧！ ★对所有手稿进行释读整理，保留了日记删改原文。 ★对日记中涉及的200多幅存世画作进行了考证，补入作品图片及收藏情况。 ★呈现王季迁对古代书画的鉴定思维与深度分析。 ★记录了王季迁在20世纪40年代日常寓目、购藏的书画作品，兼及交游、鉴赏、考辨、售格等额外信息。 本书是对目前市面上可见王季迁所有手稿的首次整理出版。这三本日记手稿——题画杂录、题画杂录（二）、备忘（二），记录了王季迁在20世纪40年代日常寓目、购藏的书画作品，兼及交游、鉴赏、考辨、售格等额外信息。 这些日记手稿中清晰可见王季迁写日记时的构思，在涂涂改改中表现了他的艺术观点、鉴藏理念等。在书中，我们保留了这些删改的内容原文，方便读者阅读与比对王季迁在这一过程中的所思所想。以此揭示鉴藏家对古代书画的鉴定思维与深度分析。 书中记录的众多作品现存于世，本书采取补入作品图片及注释藏地两种方式，以作阅读时的参照。 本书因是日记手稿，作者在记录时较为轻松，在表达观点时也更开放，可以从另一个角度认识作为鉴定家的王季迁。也从日记中，看到王季迁同吴湖帆、庞莱臣、潘博山等人的交往游艺。

Portraiture occupies a central position in the history of Western art. It has been the most popular genre of painting and has been crucial to the construction and articulation of individualism. Despite this, its status within academic art theory is uncertain and there is no adequate critical analysis of the subject available. With an international team of specialists, including Patricia Simmons, Ludmilla Jordanova, John Gage, Marcia Pointon and Ernst Van Alphen, this volume provides a much-needed, comprehensive and up-to-date introduction to the major issues in the history of portraiture. The book's chapters are structured chronologically, progressing from the Italian Renaissance to Dutch seventeenth-century portraiture and on to Picasso, surrealism, Lucian Freud and Cindy Sherman. Each chapter examines the key developments in portraiture within each specific period, complete with analytical subheadings, making this an ideal book for students.

他們以創作, 向時代開戰! 定格英國藝術史上自18世紀迄今的十個重要瞬間，還原政治、宗教與社會文化語境， 從他們的故事，看「審美」如何記錄、回應甚至超越時代──

本书是一部非常独特的关于16世纪自然知识中的图像维度的扎实研究。在16世纪上半叶，学者们开始在自己的研究和著作中使用图像，作者首先探究了文艺复兴时期主导书籍印刷的技术、经济、艺术、政治条件。但是更值得思考的问题是，这些图像应该如何被使用，应该被赋以何种程度上的权威性，它们能够证成哪类真实，等等。作者以富克斯的《植物史论》和维萨里的《人体的构造》等为例，仔细追踪科学家们对图像的处理方式，并对当时印刷书籍中的图像、文本与自然知识的论证和传播之间的关系进行了研究，展示出科学技术史中的一个独特侧面。 科学史家楠川幸子探究了在显微镜发明之前，图画在16世纪医学著作中的作用。以富克斯的《植物史论》、维萨里的《人体的构造》和格斯纳未出版的《植物史》等为例，楠川幸子认为，这些解剖学和植物学图像，不仅仅是对自然现象的简单复制，也是一种多样化的视觉试验。本书也包含了许多精美插图。 ——《自然》 极具权威性……作为致力于科学图像研究的书籍，楠川幸子的著作十分完美，图片的清晰与精美更为论证的流畅性与原创性增色。 ——艾琳•里夫斯，《泰晤士报文学增刊》 在这里被讨论的所有作者，都对图画的使用及其与文本的结合如何影响读者的阅读实践，做出了相当多的思考。对于楠川幸子和她的出版商，我们同样可以这么说，因为它是这个领域长期以来内容特别精美、插图特别丰富的著作之一。这部思想缜密、发人深思的研究，将会为研究科学史上图像与文本的关系、图像的角色与视觉证据的作用提供参考。它大有希望引领对16世纪文本与视觉科学的多元化与创新性的讨论。 ——弗洛莱克•艾格蒙德，莱顿大学，《英国科学史研究杂志》

《艺术品的衰老》将“艺术”与“科学”的关系完美诠释，它站在科学与艺术的交界点，用科学的方式为大家展示艺术品随岁月“衰老”的过程。不同于以往的学术类图书，《艺术品的衰老》中没有晦涩难懂的词汇，语言风趣幽默，通俗易懂，其中列举的上百幅高清名家画作也能让读者体验一场名画的视觉盛宴。 本书通过举例名家画作的故事，分别围绕艺术品的开裂、变暗、变色等不同的老化内容以及清洁修复等展开讨论。比如米开朗基罗绘画于西斯廷教堂的壁画作品《先知撒迦利亚》，经历了几代人的清理与修复，已与刚绘画出的样子相差甚远。 当然你还会在本书中看到人们对艺术品不同的态度：修复师与艺术史学家们为了一幅画作该如何处理而争论不休；一位特立独行的艺术策展人因为某些原因，只愿意点评当世的作品，在演讲中高谈阔论；凡·高突然在某一天改变了绘画思路，绘画的颜色越来越丰富……每一件艺术品背后所拥有的故事与人物，从艺术品本身到其拥有者甚至修复师，都将在这本书中呈现。

-编辑推荐- 单子？二分体？贤者之石？魔法一般的炼金术等你探寻 画家与颜料搏斗，正如密室里的炼金术士与万物拼杀 中世纪炼金术士与文艺复兴艺术大师的灵魂共振 充满创造力的学术建构，窥见欧洲天才头脑的绝妙想象力 揭秘艺术史上沉埋已久的哲学内涵 视觉文化学科的开创性奠基杰作之一 本书破除艺术史常见的论述模式和理论陈套，潜入中世纪炼金学文献之中，挖掘了在现代科学（尤其是化学）知识体系建立以前，关心物质的分类、合成与性质的学科——炼金术中的神秘幽微的哲学和丰富广博的想象力。作者将炼金术对水、石等物质存在的处理方式与古老的蛋彩画、油画创作技法联系起来，艺术家和炼金术士之间的共通性远多于我们的想象。艺术家通过绘画材质本身进行思考和创作，艺术那抽象的“神性”从来不能脱离其微妙而充满污秽的物质性。 -内容简介- 炼金术被埃尔金斯称为“被遗忘的化学”，其文献记载中大量违反科学常识的知识和公式，却是一门用于思考物质及其内部运动过程的最发达的语言。因此，关注炼金术能帮助当代人反思和重构古典时期的绘画本质和艺术理论。 作为利用水与石混合的例证，绘画等视觉艺术是其一，炼金术是其二。在炼金术中，贤者之石是终极目标；而在绘画中，通过水与石的关系最终表现出独一无二的图像和色彩是终极目标。炼金术和绘画一样，其本质是实验室中复杂、肮脏、混乱而漫长的实验，这些实验的成功率不高，失败的案例也很多，并且绝非仅靠文本功夫就能深入探究，必须结合充分、专业、倾尽全力的实践。“物质性的记忆”构成了绘画的主体，而本书正是通过对炼金术常见步骤的分析解读，重现并反思油画画布上细腻的颜料纹路、笔触技巧和调配秘诀，从而有效地充实和巩固艺术史学的“理论地基”。 -媒体/名人推荐- 真正的原创之作。它会让你以不同的眼光看待画作，从不同的角度思考颜料。 ——《波士顿环球报》 最好的撰著常常能展示一个新世界。本书充满了详尽的描述和富有启发的洞见，向读者展示了绘画材料、笔触技巧与万物的炼金术。此书将永远改变您的看画方式。 ——《哥伦布电讯报》 漫游在大都市里，需要在看艺术之余小憩一下，我去书店买了《绘画是什么？》并坐下来开始阅读。当我再次起身时，艺术看起来不一样了。这部埃尔金斯的最佳作品教给你如何更近距离地看并看到更多。 ——《艺术期刊》，大卫•凯利

本书是劳伦斯·比尼恩1933至1934年间在哈佛大学系列讲座的讲稿合集，代表了他研究东方艺术的最高成就。作者不仅对中国、日本、印度、波斯等民族艺术的发展历程进行了整体论述，还把民族风格的比较上升到精神观念进行探讨，试图寻找出亚洲文化艺术之间互相影响的脉络及背后的精神要素。作者向我们展示了人的精神是如何通过创造性的艺术来表现它与世界和宇宙的关系，也指出了文化现象绝非孤立的存在。中国人与日本人，波斯人与印度人，中国人与波斯人，中国人与印度人……亚洲各民族精神性格的不同，造就了艺术风格的差异，也促成了亚洲艺术整体的璀璨辉煌。

承德避暑山庄又名热河行宫，是康熙四十二年（1703）至乾隆五十七年（1792），清朝政府在热河（今河北承德）修建的一座中国现存最大的皇家园林，它是清代皇帝夏日避暑和处理政务的场所，历时89年完工。避暑山庄位于山脉节点的战略性位置，据说清朝的风水能量流经此处。每年从晚春到初秋，皇帝都会在这里处理政务及举行仪式，避暑山庄作为“北京的后花园”，实际上是清朝前期的第二个政治中心。 · 本书利用艺术和建筑史、花园和景观史、近代早期全球史以及历史地理等多领域的资料与方法，重构了承德避暑山庄在康熙年间的发展历程，进而阐明了景观作为意识形态媒介的表达在清早期和更广泛的近代初期世界中的重要性。通过对绘画、版画、历史地图、基于地理信息系统研究新绘制的地图和个人记述的考察，揭示了地理空间在清初政治、军事、外交等上层建筑中的重要意义。作为海外首部深入研究避暑山庄所呈现的康熙王朝园林与艺术特征的重要专著，本书通过阐述承德避暑山庄的选址、营造及其象征意义，对康熙时代的政治愿望及其相应的艺术表现提出了新的见解。

这是关于两个杰出的灵魂相遇的故事。当最可贵的知音亦是自己最强劲的对手时，会发生什么？艺术评论家塞巴斯蒂安·斯密为我们讲述了四个这样的故事。 马蒂斯与毕加索，马奈与德加，弗洛伊德与培根，波洛克与德·库宁，八位现代艺术史上屈指可数的伟大画家。他们曾彼此亲近，相映生辉，也曾相互疏远，相互怨怼。《竞争的艺术》探寻作为一个艺术家，一步步成就自己风格、发出自己声音的道路——这几乎总是伴随着对他人期待的有意背离。 作者并不探讨苦涩嫉妒和仇恨攻击，而是试图分析艺术界本来就脆弱易感的创作风格，在人际关系亲疏影响下所产生的景仰、模仿、退让，和愿意“接受风格相互影响”的开放性，探寻被吸引和保有独特性之间艰难的平衡。

本书的主要内容是丢勒在游历威尼斯和欧洲其他城市时写成的书信以及他的尼德兰游记。通过这些书信和游记，这位极为前卫的艺术家展示了他高尚而正直的个人功利主义哲学，并细致地记录了他自己在旅行中的开支。可能就在这次旅行中，丢勒染上了某种疾病，而且这很可能是他几年以后去世的原因。