he name of the review copy was Nils Frahm ... Plays Piano, celeste, and reed organ. I thought, “oh no.” This sounded like a vanity project or low-budget new age disk, the kind that sells next to Sounds of the Humpback Whale at the Rite-Aid checkout counter. I was determined not to like it … but then I listened to it. Again and again. I began to realize that I really liked this disk, despite the title. Then I learned that the real title was Wintermusik. (A rose by any other name …) And that Peter Broderick, another artist whose music I admire, was also a fan; and that his reaction to Nils Frahm had been the same as mine. Here’s what Broderick had to say: “I laid back and pressed play, thinking I would fall asleep to the sound of some nice piano music. But the sound I heard was more than just nice. It was absolutely breathtaking, and it kept me awake staring at the ceiling until the CD was finished. Then I pressed play again.” Broderick and Frahm are now touring together, and the songs that Broderick had listened to were re-recorded under Broderick’s supervision and will soon be released on Kning Disk. Wintermusik might have languished in obscurity as well, if not for Monique at Sonic Pieces, who happened upon the disk, fell in love with it and signed the artist for this limited release of 333. The handmade book binding is stark gray, but elegant, and suits the project well; Wintermusik was initially recorded as a Christmas present for family and friends. This puts the disk in the company of Sufjan Stevens' Songs for Christmas, recorded as a series of personal gifts over the years and finally packaged a few years later as a boxed set for fans. There’s certainly a light-hearted, holiday feeling to the music, especially when the bells join the proceedings; one thinks of happy carolers, wandering from house to starlit house as flurries dust their woolen caps. But this is not to say that one should avoid the disk simply because Christmas is half a year away; nor should one feel that the sounds herein represent any specific religion or creed. This is simply a disk of engaging, well-played music, suffused with a positive vibe. Richard Allen

Wendy Carlos is an American musician and composer best known for her electronic music and film scores. Born and raised in Rhode Island, Carlos studied physics and music at Brown University before moving to New York City in 1962 to study music composition at Columbia University.

大键琴版本

巴赫在世的最后几年，主要花费时间在删改和完成先前的作品上面，但他仍继续写出新的作品。 《键盘练习曲集》第三卷出版之后，过了3年，第四卷在1742年也问世了，其实这是一套完整的作品。内容是咏叹调的三十首变奏曲，是巴赫为学生哥德堡（Goldberg）创作的乐曲。据说，俄罗斯驻德雷思顿大使冯·凯塞林男爵（Baron von Kaiseriling）因为晚上经常失眠，就让他的管风琴师哥德堡作一首催眠曲，用来在入睡前弹奏，哥德堡就向他教师巴赫求救，巴赫信手拈来，在短时间内，创作了这部作品。不过据英国传纪作家，蒂姆·道雷的《巴赫传》所述，这首曲子其实是凯塞林男爵直接委托巴赫写的，因与巴赫有师徒缘份的哥德堡每晚必须弹奏此曲而得名。这部作品堪称是“巴赫所有键盘作品中结构最简单、最扎实的作品，它气势磅礴、雄壮精美，经由技艺超群的大师巧妙演泽，将最严密的逻辑秩序和最自由的抒情表达融而为一，使人为之惊叹”。 加拿大钢琴家古尔德很好地把握了巴赫的精髓，用现代钢琴再现了这部原为大键琴写的作品的丰富内涵。古尔德成名后，第一张录制的唱片就是这首《哥德堡变奏曲》，当时的录音公司，即sony公司的前身哥伦比亚公司的职员问他，是不是换一首常见的，要知道在古尔德之前只有著名的波兰钢琴家兰多夫斯卡录过此曲，这样会不会太冒险。但年青的古尔德很有礼貌地固执了已见。就在它的唱片发行后，全世界爱乐者的心都被征服了，原先对巴赫音乐敬而远之的人，通过古尔德的诠释，开始读懂了巴赫严谨背后的美，许多人将其视为珍品。也许世界上唯一对这张唱片不满意的就是古尔德本人。在数码技术出来后，古尔德又重新录制了此首，且是他生平唯一的一次重录。原先自己用了20多年的斯坦威钢琴也变成了雅马哈钢琴，还是别人闲置在一边的旧钢琴。 谁也不清楚古尔德为什么重录这部作品。重录，某种意义上说就是对先前的否定，不过他的确公开否定了被公认为他里程碑的1955年录制版。“我无法与录制这张唱片的这个人的精神形成认同，就像这张唱片是一个别的什么人录制的与我无关。”确实，摆在我们面前的这张唱片，似乎没有先前演释的那种猛然攫住你的力量，但它更加严肃，更加柔情，更加具有声层的感染力……咏叹调主题沉静的深思，第15变奏中触键的变幻莫测，第25变奏中史诗般的距离感，所有这一切使这个1981的数码版，染上了一层超物然外的深刻宁静的气质。演奏时间也由原来的38分27秒放慢至51分15秒，特别是最后的咏叹调，他真的是在说，永别了，有种有意拖长的，令人揪心的口吻…… 早先少数几个演奏过《哥德堡变奏曲》的钢琴家基本上都遵循老的传统。现在古尔德重又回到了早先的传统。但是这不是简单的回复，而是更高层次的扬弃。如作品以同一主题不断变奏的同度卡农、二度卡农、三度卡农直至九度卡农贯穿其中，互相之间安排性格不同的两个间播段进行对比，最后又回到“本体”——主题本身，这种既变化又统一，既和谐又对比，从一个本源出发，逐步发展，变形又回到本体，这一构想本身却具有更普遍、更广泛、更宏观的哲学内涵。正如黑格尔在《美学》中所说的，艺术在感性的面纱下揭示理念的发展，直到“看到更远的精神这一客观形式回转过来，把它扬弃，而后又返回自身”。 虽然，可以将古尔德1981年的版本，听成是他死前的永诀，如果仔细倾听，认真品味。我们发觉他的表情并没有过份的沉痛和悲哀，相反很宁静、深秋般的宁静。古尔德在巴赫的伟大音乐中，战胜了死亡，超越了自我，在生命最后时刻，似乎真正接受了上帝的福音。他知道自己已修成正果，成了名副其实的艺术圣徒。 他，从巴赫开始，以巴赫结束。 曲目介绍： J. S. 巴赫的《哥德堡变奏曲》，BWV988，是巴赫著名的键盘作品，大约作于1741-1742年间。这部伟大的变奏曲原名叫做《有各种变奏的咏叹调》，1742年出版，此作为巴赫的学生哥德堡(Johan Theophil Goldberg)而作。哥德堡是侍奉当时驻在德累斯顿的俄国使臣凯瑟林(Hermann Karl Von Keyserlingk)伯爵的年轻演奏家。巴赫曾把他的《B小调弥撒》献给凯瑟林，因此而获得“宫廷音乐家”的封号。1741-1742年间，凯瑟林居住在莱比锡，让哥德堡师从巴赫，学习演奏技巧。伯爵患不眠症，失眠时就需哥德堡为其演奏，哥德堡以演奏需要，求巴赫帮助谱曲。巴赫当时作成这部变奏曲之后，凯瑟林送他一只装满100枚金路易的金杯以酬谢。 这是音乐史上规模最大，结构最恢宏，也是最伟大的变奏曲。这部变奏曲是为两层大键琴而作，巴赫在各段变奏里都指定了键盘的种类。变奏曲的形式，是以一个基本主题，引导出对比命题和对应（反对）命题，然后再探求演绎与对比的各种可能性。巴赫这部作品，以他1725年为安娜·玛格达琳娜而作的小曲集中的一首萨拉班德舞曲作为主题，发展成30段变奏。这30的数字，由3所支配，以3个成一组的变奏，以卡农的方式表达：一位齐声的卡农，二为二度卡农，三为三度卡农……此后达到第九个卡农后，第十变奏为四声部的赋格，之间不断出现创意曲、托卡它、咏叹调等各种形式。第一曾与第二层键盘交替。第十六变奏作为中心，速度分为前后两半，这种作曲技巧所构成的建筑结构之微妙，实在令人叹为观止！ 这部作品共分32段，第一段以那首萨拉班德舞曲的主题开头，第32段是经过30段变奏后和缓地、平静地重新回到主题，不同的是第一段的简单主题经过30段变奏后，已变得异常丰富和复杂。 30段变奏分别是： 1.使用第一层键盘，二声部，前奏曲风格，拍子和调性与主题类同。 2.三声部，实用第一层键盘，上二声部暗示主题，低音不随基本旋律。 3.卡农，三声部，实用第一层键盘。 4.模仿前一变奏。 5.第一、第二层键盘交替表达。 6.第一层键盘的二度卡农。 7.第一、二层键盘交替表达，西西里舞曲风格。 8.使用第二层键盘，二声部，活泼的托卡它风格。 9.使用第一层键盘的三度卡农，三声部。 10.第一层键盘，四声部的小赋格。 11.使用第二层键盘的托卡它风格。 12.第一层键盘，四度卡农。 13.使用第二层键盘，抒情风格。 14.使用第二层键盘，活泼的前奏曲风格。 15.由原来一直的G大调转为G小调，第一层键盘，五度转位卡农，行板。 16.又变成G大调，前半部慢后半部快，序曲，把法国风格序曲的三段式改为两部：前半部为二声部前奏曲风格，行板；后半部为三声部小赋格，快板。 17.使用第二层键盘，二声部的托卡它风格。 18.使用第一层键盘的六度卡农。 19.使用第一层键盘，舞曲风格，三声部。 20.使用第二层键盘，具华丽的技巧。 21.七度卡农，部分使用半音阶。 22.托卡它风格，宁静的调子。 23.使用第二层键盘，模仿对位方式。 24.八度卡农，使用第一层键盘。 25.变成G小调，使用第二层键盘，浪漫的幻想曲性质，偏重于半音阶技法。 26.恢复G大调，前奏曲风格，慢拍和快拍子之间的旋律对比。 27.使用第二层键盘，九度卡农。 28.使用一贯的震音发挥华丽效果。 29.主调音乐样式，第一、第二层键盘交替。 30.使用第一键盘，标记是Quodlibet。Quodlibet是起源于中世纪的演唱方式，一种组合数首熟悉的民歌的乐曲。这里使用了17世纪意大利流行的民歌《被甘蓝和芜菁所追赶》和德国民歌《离开家已有许久》，使两者旋律以对位的方式互为缠绕。

Goldberg Magazine 5 stars

DECCA 公司出版的《Ultimate》极致系列包括多套5CD一组的主题选集，着重地介绍了各个时代的大师们最有影响力、最广为流传的古典音乐作品，其中包括贝多芬、巴赫、肖邦、柴可夫斯基、莫扎特、舒伯特等的必听之作。此外，该系列还以不同体裁作为类别划分，加入了古典小提琴、大提琴、钢琴、钢琴协奏曲、休闲古典、巴洛克、歌剧等主题选集。虽然这个系列中某些选曲的录音年份有些久远，但演绎者中不乏宗师级的人物，故欣赏价值也是颇高的。全系列由环球公司下属的德国 EDC压片生产，品质优良，而封面设计则简约而不失典雅。该系列比较适合初涉古典音乐的朋友欣赏、收藏，通过这套入门级的CD能对古典音乐有一个基本的、初步的认知和了解。而已是古典音乐爱好者的乐友，或许也能从中找到一些自己可能还没有听过的演绎版本。 斯特拉文斯基：《火鸟》 在芭蕾世界，一向有“一只白鸟和一只红鸟”的说法，“白鸟”指的是《天鹅湖》，“红鸟”就是这部《火鸟》。《火鸟》是俄国作曲家伊戈尔·斯特拉文斯基的叁大现代芭蕾舞剧中的第一部，也是最重要的一部。《火鸟》取材于俄罗斯民间传说，是20世纪芭蕾舞台上最具影响力的现代芭蕾作品之一，久演不衰。该剧取材于俄罗斯民间童话，是一部两幕芭蕾。 第一幕：伊凡王子在森林中迷路，发现了在金色苹果树上的火鸟。王子被它的美丽所迷住，想法抓住了火鸟。被擒的火鸟请求王子放了它，王子同意了。火鸟为感激王子送了一根羽毛给王子，告诉王子当他有困难时，拿出这根羽毛召唤它，它就会出现。 第二幕：王子继续在森林中前行，误入了魔王的花园。他发现花园中有11位美丽的姑娘，王子与姑娘们一起跳舞，并爱上了其中最美的一位。夜幕降临，姑娘们必须回到魔王的宫殿，王子为了心 爱的姑娘也来到了魔王的宫殿。王子被魔王的守卫抓住，危急关头他拿出了火鸟的羽毛唤来了火鸟。火鸟施法术让宫殿中的人不停地跳舞，直至筋疲力尽。王子敲碎了魔王的魔蛋，解除了魔王所有的魔法，姑娘们获得了自 由。太阳出来，新的一天开始了，王子和他美丽的姑娘在祝福中举行了婚礼。 德利布：《葛蓓莉亚》 作于1870年。原剧脚本作者是尼泰和圣-莱昂，根据霍夫曼原着的《睡魔》故事改编。这部作品也称为《珐琅眼睛的姑娘》，剧情写的是少女葛菲利亚是葛培留斯精心设计制作的机器木偶，她常常坐在窗口，青年弗朗兹对她一见钟情，百般献殷勤。弗朗兹的未婚妻斯瓦尼尔达为此十分生气。最后他们终于发现葛菲利亚原来是机器木偶，于是二人消除了误会，重归于好。 《葛蓓莉亚》是古典芭蕾舞剧中少有的喜剧，尽管这部舞剧的演绎版本很多，差别很大，但主要场景均忠实沿袭德利布创作的音乐，《葛蓓莉亚》中的音乐确实非常美妙，其中的主要旋律就是剧中的玛祖卡舞曲，非常具有民族特色。 这部芭蕾的全剧包括前奏曲与间奏曲，还有22首有编号的曲子，第二幕第二场的第二十二曲《钟的庆典—插舞》中又包含有8首；而第八曲与第十叁曲都要重复演奏，所以实际上全曲共33首：前奏曲，幻想曲风格，形成高潮后为着名的玛祖卡舞曲旋律。 普罗科菲耶夫：《罗密欧与朱丽叶》 普罗科菲耶夫的叁幕芭蕾舞剧《罗密欧与朱丽叶》作于1935至1936年间，剧本根据莎士比亚同名戏剧改编。舞剧音乐共五十一曲，开始并不为人们所接受，1936年，作曲家将其改编成两首管弦乐组曲和一套钢琴组曲，在音乐会上演出并受到欢迎。直到1940年这个舞剧才在列宁格勒上演成功，从此成为世界芭蕾舞台上的着名剧目。1944年，作曲家又由此改编了第叁部交响组曲。这部舞剧剧情与同名歌剧基本相同。它的音乐继承并发展了柴科夫斯基舞剧音乐的交响性原则，以特有的深刻抒情性和戏剧性着称于世。美妙动人、丰富多采的旋律与和声，复杂多样化的节奏以及雄魄壮阔、精致华丽的配器，把舞剧音乐提高到一个崭新的时代高度。 古诺：《浮士德》 歌剧《浮士德》的剧本由巴比亚和卡雷根据歌德的同名长诗改编，于1859年首演于巴黎。 剧情大致为：年迈的哲学家浮士德十分羡慕青年们的活力，于是祈求魔鬼给他以返老还童的帮助。魔鬼梅菲斯特·费利斯对浮士德说：如果你肯出卖自己的灵魂，不仅能返老还童，而且还可以得到一个名叫玛格丽特的姑娘。浮士德应允后，就喝下魔鬼的药，果然变成了英俊少年。后来魔鬼又施展魔法，使浮士德骗得了玛格丽特的爱情。可是，当玛格丽特怀孕后就被浮士德抛弃了。在一次决斗中，浮士德又将玛格丽特的哥哥瓦伦丁刺死。玛格丽特因受刺激而神经错乱，杀死了自已的孩子而被囚。浮士德见此情，深感震惊，进入牢房要带她逃走。但垂死的玛格丽特已不认得他。 这时魔鬼抓住浮士德，要他的灵魂，而天使引导玛格丽特进入天国的歌声使浮士德得到了解脱。

「我不只是一位音樂家，大提琴給了我追求夢想的力量！」 經典演奏曲〈爆米香的滋味〉大提琴家郭虔哲，暌違14年的重量級作品 古典樂刊《弦樂雜誌》形容「在輕鬆自如的演奏中，表現出優美溫暖的音色，完美表達浪漫靈魂的大提琴家。」 「郭虔哲回來了！」闊別台灣樂壇10多年，曾以經典暢銷演奏專輯《爆米香的滋味》風靡樂壇的旅美演奏家郭虔哲，經歷歲月洗鍊下，從跨界音樂重回古典領域。 此次郭虔哲與多位音樂家攜手重奏，以華格納歌劇「唐懷瑟」的詠歎調“Evening Star”為題，轉化為更深層與藝術性的表現，精挑細選17首生命中具有紀念性的樂曲，給予樂迷最寧靜而暖心的陪伴。這不僅是一張紀錄生命點滴的作品，也是他以大提琴家身份重回樂壇的標誌性作品。

《约翰逊音乐集》Johnson's earlier dance music includes galliards and almains，simple pieces largely of melody and bass，with the harmony filled in at cadences.North's playing reflects their function，metrical with only the barest slowing up as the dance sequence ends Other dances，for court Masques，are more balletic。The most striking is the vividly characterised Wiches Dance- a menacing pause，a threatening energetic whirl，and then a return to frightening stillness。In contrast to such extrovert movements are he four Pavans，beautifully crafted in often sustained counterpoint，a challenge to both composer and performer on the ten-course lute。North plays these most thoughtfully。The introspective mood here is intensified by his inventive divisions-elaborated repeats-creating a sense of improvisation in his playing。One of the Pavans exists only in a keyboard arrangement by Giles Farnaby，North has ingeniously reversed the process to re-create the lute original，as he's done with the final track，The Satyre's Dance，from a court Masque by Ben Jonson。As often with plucked instruments，close recording picks up the rasp of calloused finger-tips on strings-the performer's perspective，but quite apt for such initimate music，so superbly played。 A master Lutenist in the music of the instrument's finest composer。 01 The Princes's Almain - Masque - Coranto 4:26 02 Pavan No.1 5:16 03 Galliard，My Lady Mildemays Delight 1:42 04 Pavan No.2 7:24 05 2 Almains 2:42 06 The Noble Man 2:52 07 The Witches' Dance 1:50 08 Pavan No.3 6:54 09 3 Almains 4:43 10 The Fairies' Dance 2:12 11 Fantasia 3:31 12 Galliard 1:38 13 Lady Strang's Almain 1:02 14 Pavan No.4（reconstructed by N North） 3:47 15 The First，Second，and Third Dances in the Prince's Masque 3:49 16 3 Almains 3:16 17 Satyr's Dance（reconstructed by N North） 3:11 Playing Time：60:17

Leading Polish film composer Zbigniew Preisner conducts the Britten Sinfonia strings and Crouch End Festival Chorus in the UK premiere of Diaries of Hope – a new work inspired by the diaries and poems of Polish children who were victims of the Holocaust. Lisa Gerrard from spellbinding duo Dead Can Dance – nominated for an Oscar for her vocals on major film Gladiator and two Golden Globes for The Insider and Ali – performs in the principal vocal role alongside boy soprano Archie Buchanan. Best known for his scores for the films of Krzysztof Kieslowski (Dekalog, The Double Life Of Veronique, Three Colours Blue and more) and for Requiem for my friend, his moving tribute to Kieslowski, Preisner is one of the most celebrated film composers of his generation and recipient of many accolades including a Silver Bear from the Berlin Film Festival and two Césars from the French Film Academy.

Composed By – Vivaldi Conductor – Seiichi Mitsuishi Koto [1st 17-string] – Kazue Sawai Koto [1st] – Harumi Nakamaru Koto [2nd 17-string] – Eriko Kuramoto Koto [2nd] – Chieko Mori Koto [3rd] – Harue Hanabusa Liner Notes – Rory Guy Liner Notes [Sonnet Translation] – Gwynn Morris* Photography [Koto Photos] – Marvin Moris Soloist [Koto] – Tomoko Sunazaki