Brian Eno's second album collaboration with Dieter Moebius and Hans-Joachim Roedelius of Cluster consists of slow-moving instrumentals full of repeated synthesizer sound patterns and sustained guitar notes in the ambient style familiar from Eno's collaborations with Robert Fripp and albums of his own, such as Discreet Music. One song, 'Broken Head,' features recited vocals by Eno, and on another, 'The Belldog,' he sings. On 'Tzima N'arki,' his vocal is turned backwards.

Limited Edition Japanese "Mini Vinyl" CD, faithfully reproduced using original LP artwork including the inner sleeve. Features most recently mastered audio including bonus tracks where applicable.

专辑类型：Experimental / Ambient 专辑厂牌：EG 专辑介绍： 1973年Brian Eno 离开Roxy Music后开始将他的环境音乐理念付诸实行，这是量产系列作品的第一张，用一台VCS3合成器与数位sequencer搭配Robert Fripp 的即兴吉他演奏，合成器浑沌的持续背景长音概念来自Eno大学时期接触的La Monte Young音乐，旋律结构则是受到Philip Glass的啟发。成果虽很阳春，但Fripp一流的电吉他为专辑加了许多分。而这些背景长音的概念未来将由简入繁，演化至更複杂的音景拼贴，并在Another Green World(EG,1975)专辑中发展至最高峰。 --- from

Presented as an audacious, multi-media theatrical performance entitled Before The Dawn, the month-long, sold-out, 22-date residency at London's Hammersmith Apollo was an unqualified triumph. Now, to the delight of Kate Bush fans around the world, comes the audio document of those mesmerizing, historic shows. Before The Dawn will be available as a 3-CD set, a 4-disc vinyl box set or a 29 track digital album. The sound quality is almost unparalleled; nothing has been re-recorded or overdubbed. The three act show, containing many well known Kate Bush songs, also included two song suites: 'The Ninth Wave' from Hounds of Love and 'A Sky of Honey,' from Aerial. Included in the show are an abundance of well loved songs from her extraordinary career including 'Running Up That Hill,' 'Hounds of Love,' 'And Dream of Sheep,' 'Waking The Witch' and 'Cloudbusting.' Despite the enormous anticipation and expectations, Before The Dawn drew resounding praise from fans and critics all over the world. The New York Times called the performance 'Dense, cathartic and physical.' NME concluded: 'It is no ordinary artist that can tackle life, death, synchronicity, identity, spiritual transformation, empathy and the chaos of relationships with idiosyncratic ease in the space of a few hours,' and the U.K.'s Independent gushed, 'Undoubtedly the most ambitious, and genuinely moving piece of theatrical pop ever seen on a British stage.'

王菲 第十张粤语大碟「敷衍」 1997粤语大碟最终回 10首王菲的感情迷津 10篇林夕的文火引渡 我几度梦过荒城里那日落秋山 梦醒叫了外卖西红柿炒饭 我走在每天必经的路 却发觉这只不过是条走惯了的迷途 我没能开心欢畅 也无法痛快感伤 于是生活变成 敷衍 敷衍 1997遗憾缺席 新艺宝最后一辑 亚洲乐坛唯一跨世纪天后 王菲 第十张粤语大碟「敷衍」 日本摄影大师 藤代冥砂 首度跨国掌镜 据说最暗处也有光明 照不穿我也映得出你 1996年，王菲正爱得天翻地覆，与心爱的人谱出生涯中实验与概念性最强的专辑《浮躁》；同时有孕在身的她，仍往新艺宝唱录了10粤语歌曲，作为合约的结束。与破格的《浮躁》不同，这10首歌是《Di-Dar》的延续：如梦似幻的Dream Pop、黯色幽微的Trip Hop，在甜美的歌声里，贯穿着浓厚的悲剧性。没想到，这张粤语专辑《敷衍》迟到了18年。1997年，为了对敌王菲新东家百代的《王菲》国语同名专辑，新艺宝将她最后这张碟一拆为四，分别发了两张EP《玩具》与《自便》，各收录五/三首新歌，并将另外两打散进精选辑。由于仓促拆成EP，曲序上以单曲作为思考，多年来乐迷们不断拼凑这张粤语专辑的原貌，如今谜团终于揭晓。重新出土的粤语经典《敷衍》，由浮躁音乐与香港环球唱片合作，封面及内页为日本摄影大师藤代冥砂提供当年拍摄的珍贵未曝光照片，曲序经过巧妙编排，加上林包办全数词作，头尾呼应。 十首曲序安排从黑暗到光明，前三曲〈敷衍〉〈暗涌〉〈心惊胆战〉绵密的湿黏感，再到〈守护天使〉〈守时〉甜蜜的漂浮味，援引出〈不得了〉〈玩具〉叫嚣的游戏，最终以〈我信〉〈自便〉散漫的颓废，挟带完美的收尾〈约定〉。 同时，唱片公司亦遵照九零年代「卡带」的设定，A面前五首与B面后五首，播放时间相近，皆约为21 分钟，总计近42分钟。 其中擅于英伦迷幻美学的Adrian Chan负责了五首歌的编曲，超越了《Di-Dar》时期的数量；同样箇中高手的C.Y. KONG则操刀两曲，难得向梦幻流行乐暂别，造起清爽小品。 原本被打散的〈不得了〉〈玩具〉，连著听，竟发现用了同一旋律；而在爱情中〈敷衍〉的命题，驰骋全辑，悲观与随便的信念，彷佛注定了结局。 暗涌的池水18年后依旧。 1. 敷衍 房子忽地歪斜了，嗡鸣声震。不祥的音效敲打，像坏掉的钟；Trip Hop趴在楼梯扶手，诡异爬行；不 带感情的王菲带了柄拖把，拖著咬字：「本想好好的伤感/想放任/但是没泪痕」。延续了《Di- Dar》时期的迷离，Adrian Chan的编曲已走出模仿的路，称职平贴林夕百无聊赖的世界，以及Beyond贝斯手黄家强的曲色。那般黏黏湿湿的不快，为整张专辑定了调：「我世界纵没理想/对你却有著妄 想」。为情人敷衍，也好过再次落空。 2. 暗涌 这儿是黑夜，悲剧里的道别，眉头是绵密的钢琴，睫毛是落雨的乌云。「我的命中命中/越美丽的东 西我越不可碰」。才第一段，林夕便交出了词涯代表作，与作曲陈辉阳的组合，三年后再谱陈奕迅 〈K歌之王〉，藏进王菲的〈我愿意〉与〈约定〉字眼。从小古典音乐背景的陈辉阳，以流动的钢琴 为意象，飞湍瀑流的速度，不时伴有浩荡弦乐与典雅吉他；副歌间如珠玉落盘的琴音，与结尾的狂澜一收，最是精彩。 3. 心惊胆战 你的表演是烟，等戏的人是雾。幽冥的空声铺底，铜钹轻响，小鼓连击，张亚东招待，一场冷汗湿透 的秀。过去在《Di-Dar》与《浮躁》里，他多以Dream Pop造梦，眼观同伙C.Y. Kong迷路於Trip Hop灯 区；这回张忍不住小露一手，迷魅的Trip Hop造戏，与辑中的〈敷衍〉前后呼应。王菲延续其漫不在 乎的唱法：「让我心、惊、胆、战/等不及你表演」。冷眼旁观，暗⾃自抽搐，尾声刻意掉拍，打了哆嗦，止於寒栗。 4. 守护天使 云端储存你的一切，永未被发现。习於Cocteau Twins的仙乐飘飘，袭於黄舒骏〈天使〉的欲动蠢蠢， 黄家强写的〈守护天使〉仍似在云间，恋爱的Dream Pop，模糊的景深。仿同〈冷战〉的两轨声部，真 假⾳音交会，只是林夕玩了前后叠音，比如行至「时刻靠在你路途」的「路」时，不候唱毕，便衔嵌 「路过了但你未必知道」；抑或「美好」与「耗损」（好与耗）的同⾳音相叠，宛如穿越多层云雾，甚 为巧妙。从〈心惊胆战〉等到〈守护天使〉，命题连贯，苦等兴叹。 5. 守时 我们约一点钟，边缘咖啡见。按曲序，〈守时〉以及〈守护天使〉前后链结，等著守著；而在林夕的巧笔下，〈守时〉又与〈约定〉成了双胞胎，不仅皆为陈小霞作品，还各职A/B面末曲：「情缘总不 会准时/若真的可以/能和你未一起便白头/未算迟」遥相对照「两鬓斑白/都可认得你」。我们邂 逅得太晚，何以弥补往年？翻唱自李明依〈爱的决定〉，陈小霞缱绻凄美的情歌，永远浪漫；王菲蜜 甜不腻的嗓⾳音，从未来迟。 6. 不得了 放大镜是订制的，见你哇哇的叫，我开怀大笑。C.Y. Kong揉合了羊毛衫轻爽的编曲，恬淡中带点俏皮，与其一块打造的〈玩具〉这回放进专辑连著听，可发现前者01:16秒时的慢奏吉他，像极了后者 2:09秒时的轻快吉他。林夕捕捉爱情中常被放大的小问题，其实庸人自扰；同年，他又写了《王菲》 国语专辑的〈小题大做〉，词意几近契合，曲末更提到了「一起来吃喝玩乐/不得了」，可视为延伸 聆听。（附注：〈玩具〉则唱道「一起渴睡一起醉」，颇有雷同） 7. 玩具 一起去买空虚寂寞，反斗城里供需急迫。同属羊毛衫风格，同为C.Y. Kong出手，一派写意轻巧，后段 还有〈梦游〉般飘飘然的合成器声响。「除了你那须根太嫩/那副漂亮容貌没破损/除了那套新衣未 会穿/你也算是完全/占据你是满⾜足不过的志愿」。林夕这番「物化」的比拟堪称一绝，「彼此也有 玩具」的说法隐喻性伴侣，同时也与〈敷衍〉成为前后文。一起渴睡一起醉，一起去空虚？这是问句，而肯定句写得更精辟：没法一起失去。 8. 我信 疯子从没觉得自己是疯子，反覆诘问，翻覆结巴。沿著〈敷衍〉的编曲，Adrian Chan踩著小碎拍，前奏仍诡谲，可却慢慢开展，玩兴好比降速后的〈玩具〉。王菲唱：「据说有信仰会上天堂」，也曾在旧作〈出路〉中无比困惑：「我信佛/这有没有帮助」。林夕运用歌词的重复性：「我信我信我信/ 请信任我的愚蠢」对比「我不信我不信我不信/找谁渡我的迷津」，加重听者的错乱，加深整体的迷 幻。 9. 自便 你是7-ELEVEN的白灯，而我是飞蚊。Adrian Chan依循著〈我信〉的小碎拍，淡而化之的吉他，呜咽 发懒的合成器，佐以王菲走在钢索上的高音，描出迷幻味。「这生命我只需要⼀一半/让你双手来吧」。林夕笔中敷衍人生的态度，连自己的未来、自由、运程与价值都抛弃了，叫人自便到取，切中专辑命题：我到底相信什麼？我有理想吗？我是玩具吗？我是感情货吗？ 10. 约定 旅馆前道别，凄绝的戏；假如没有死，和你约定。雨声是凝住的眼泪，钟声是肃穆的誓言，Adrian Chan先透过如此的场景设定，雨声与钟声，还有歌词里「结他的和弦」谱曲，伴著弦乐勾勒出轮廓。 林夕写回忆是多麼细腻，旅馆的门牌、笑著的神态、走半哩长街、灯照一脸黄、微温的便当、还有街 角流过的声线。「就算你壮阔胸膛/不敌天气/两鬓斑白/都可认得你」。陈小霞的凄美隽永，就算 忘掉天地，也不会忘记。

全球五大唱片夺宝战UNIVERSAL独得Tanya震动亚洲乐坛第一张英文创作专辑。

后摇界里总有那么几支地球人都知道的鼻祖级乐队。他们即使隔了好几年没有新作品问世，人们也会比记任何一支优秀的新乐队都更要清楚的记住他们曾经的经典。人们习惯性的把他们作为真理般的评价标准，与他们作品相似度越高的作品就是好作品。一旦这样的乐队有意无意的整出一丁点的风吹草动，所有人的眼睛就会在第一时间齐刷刷的投到他们身上。当然更不要说是在沉寂三年后推出新专辑。我卖了这么大的一个关子，我想其实也没什么过分的。因为你们大概都已经猜到，我要说的是Mogwai.。 距2003年的Happy Songs For Happy People时隔三年，Mogwai终于将于2006年3月7日发行第五张录音室专辑Mr. Beast。这对现如今不景气的Post-rock市场来说，无疑是一副加强型的强心剂。三年前的Happy Songs For Happy People，是一张让大部分从一开始就喜欢Mogwai的乐迷们大跌眼镜的专辑：Mogwai这是怎么了？完全没有了当年Rock.Action的狂野，愤怒和爆裂，完全是一副安安静静慢悠悠的念经讲故事的派头，难道Mogwai开始收敛魔鬼锋芒改走温情路线了吗？这对每个他们音乐的狂热爱好者来说都是一种极富毁灭性的暗示。包括我在内。于是在那之后的几年内，我们只好带着不安期待着他们的下一次爆发。 Mr. Beast是Mogwai成立11年来的第5张录音室专辑。由Matador Records发行，在Glasgow的Castle Of Doom录音室录制完成，耗时6个月。由Tony Doogan操刀制作，也就是为他们制作过Happy Songs For Happy People和Rock Action的制作人。第9首“I Chose Horses”中，Craig Armstrong客串了键盘部分，日本Hardcore乐队Envy前主唱Tetsuya Fukagawa在此献声。 真正引人入胜感人肺腑的Post-rock是残酷地美丽着的。Mowai毋庸置疑是这方面的典范。他们最懂得如何置衡残忍与优雅(Happy Songs For Happy People是唯一例外的一次“优雅过度”事故)。在Mr. Beast中，Mowai完全回归到了最佳状态：惊心动魄的吉他噪音，精致尖锐的钢琴片段，广袤空旷的音景空间。温情，这个越来越多后摇乐队开始一味的大范围应用的主题，在Mowai此次的专辑中也不可避免的出现，然而幸好是被保持在了一个相当合理的剂量内。吉他手/主唱Stuart Braithwaite这样阐释新专辑的原动力：“我们在制作这张专辑的时候，有意识的尝试要把它做的更加吵闹，因为我们开始意识到在我们的现场演出和录音室专辑中存在着巨大的差别。这是毫无理由的。所以我们希望能做出一张可以在现场演出中同样能大放光彩的录音室专辑。因为我们喜欢在舞台上演出那些经过我们努力创作得到的作品。”事实证明，Mr. Beast确实是一张极具舞台爆发力的作品。 “那种quiet-loud/quiet-loud结构好象已经成为了我们的标签，但现在那已经变成陈词滥调。” Stuart补充到，“现在有太多人开始在他们的音乐中使用这种结构，所以我们在这张专辑中开始有意识的避免它。其实并非我们发明了它，但是好象人们觉得这就是我们所做的一切，似乎我们的音乐是和这种公式绑在一起的。并且我们其实已经开始厌倦了自己音乐中的这个部分。我们曾在“Like Herod”(97年的Young Team)中将这种结构发挥到了极至，现在我们觉得这种模式已经没什么可再深入发展的空间了。结束了这种模式之后我们进行了一些安静极简风格的尝试(比如03年的Happy Songs For Happy People)。但之后我们发现，在创新的过程中，我们的作品中缺失了很大一部分对Mogwai而言尤为宝贵的噪音！现在我们很高兴能在这张专辑中回归到了原来的状态。因为从某种意义上说，那是构成Mogwai音乐至关重要的一部分。尽管新专辑中大概只有25%的部分可以算是真正意义上的吵闹，但毕竟这次我们是从创作一开始就有意识去注意的这个问题的。”这是乐队成员“重返正道”的悔悟，同时也是每个Mogwai乐迷最欣然看到的“浪子回头”。 Mr. Beast以一曲“Auto Rock”开场。这可能是Mogwai继Young Team 中的“Yes I am a Long Way From Home”以后最棒的一首开场作品。以一段简单淡定，另人微感不安的钢琴主题展开，随后钢琴逐渐被渐强的吉他和与钢琴同步节奏连续击打的鼓点所吞没，场景十分宏大；接下来的“Glasgow Mega-Snake”则是一首标准Mogwai风格作品，这是我听过他们近几张专辑中最过瘾的一首：疯狂脱序的吉他群猛刷，瞬间在你耳边构建起一堵厚实的噪音墙，阵势相当庞大，它带着熔炉般的炽热，你的内心随之急速的颠簸，碰撞，最后塌陷。这首作品的短小精悍，凭空之间瞬间纠集的爆发力，以及最直接的噪音轰炸，都充分证明了Stuart Braithwaite所希望的一切都成真了。他们不再需要quite部分的铺垫，直接loud，照样能做出最震撼的Post-rock。这也是专辑中一个很明显的特点：所有作品几乎均直接切入主题，没有铺垫和罗嗦，最长的一曲也不过5分46秒，整张专辑全长不过40分。这着实拯救了那些被困在现在一些冗长拖沓又缺乏高潮的Post-rock作品中昏昏欲睡的耳朵。 第三曲“Acid Food”，是一首相对温情的作品，加入了Stuart的人声部分，吉他音色温暖而庸懒，有些迷幻的感觉。但这次的尝试似乎略显平庸，并没法和几年前乐队全盛时期专辑中的这类作品相媲美。第四首“Travel is Dangerous”同样也是一首加入人声的作品，是继第二首“Glasgow Mega-Snake”之后新一轮的爆裂，也是我在整张专辑中最喜欢的一首作品。黑暗，天旋地转，金属般的冰冷，你会听到Mogwai久违的残酷。Stuart的声音与器乐融为一体，爆炸的时候各自为营；在此之后的几首作品：Team Handed，Friend of the Night，Emergency Trap，都比较舒缓，把听者的心跳节奏从刚才的喷涌中减慢下来，均采用了漂亮的钢琴旋律搭配简单吉他Riff的形式。 第9首“I Chose Horses”是这张专辑中相当特别的一支作品。Craig Armstrong行云流水般舒缓的钢琴旋律，日本Hardcore乐队Envy主唱那低沉极富磁性的念白，我惊叹这竟是Mogwai的作品。这其中仍然潜在着某种内敛的诡异。第10首“We’re No Here”是最后一爆，而且也是最澎湃的一次。积蓄的最后力量在此一涌而尽，这是野兽最后的咆哮，它愤怒的朝你踉跄而来，然后准确的将你的身心撕裂。这是个高调的结局，我们每个人都欣然瞑目。 有很可观的一部分人认为Mogwai的音乐是极度绝望的。对此乐队成员Stuart Braithwaite持有非议：“我很纳闷儿为什么人们会觉得我们的音乐另人沮丧和充满绝望的，因为我发现只有坏音乐才会另人沮丧。我们都认为悲伤的音乐会出奇的使人振奋，而我们的音乐就应该属于这种悲伤。”确实，在Mr. Beast中，表象似乎是绝望的，可你会从音乐中找到出口，至少是愤怒的冲动。 也许Mogwai的这张Mr. Beast比起曾经的那几张经典作品来说，并没有太多建设性的突破；也许作为后摇界最大的一个腕儿，他们今天再发新作并不能像昔日那样对整个音乐界带来过于轰动的效果；也许，也许…………让我说，也许个屁！我们曾经痴迷的魔鬼好不容易重生了，我们爱的不就是他那份最本色的愤怒、残酷和邪恶吗？那响彻于我们心底的强悍噪音，正是Mogwai为每个没有灵魂的人设计的一次震撼教育。 (转自网易音乐)

甜梅號成軍於1998年3月，三位成員分別是黃建勳（小白；主唱兼吉他手）、李柏曄（葉子；低音吉他手）和林佑青（佑子；鼓手）；三人目前分別就讀於世新、實踐和台大的學生。 甜梅號的樂風融合90年代西方另類搖滾興起的三個重要類型概念──緩飆﹝slowcore﹞、低傳真﹝lo-fi﹞和後搖滾﹝post- rock﹞，令人想起Yo La Tengo、Sonic Youth、Seam、Mogwai等樂團。 音樂簡單而自溺，在甜美的旋律下，往往在同一首歌裡，表現時而沉靜飄渺，時而吵雜激亢，藉著樂曲的累積和堆砌，將聽者內心最深沈的情緒牽引出來，繼而爆發開來。三年多來經過多張合輯和數十場現場演唱的歷練，甜梅號已經成為目前台灣最具風格和號召力的樂團之一。 實幹文化製作的首張專輯《是不是少了什麼》，在八月二十五日正式發行。

◎入列「摇滚名人殿堂」和英国「音乐名人堂」伟大前卫摇滚乐团Pink Floyd灵魂传奇最新大碟 ◎继《Amused to Death》之后睽违近25年推出回归摇滚的概念大碟，探讨下一代的孩童安危问题，也触及现今社会乱象、充斥暴力恐惧的氛围 ◎耗时七年之久的筹备录音，再度力邀曾与Paul McCartney、U2、Radiohead合作的天王製作人Nigel Godrich掌舵，同时招揽Atoms For Peace的Joey Waronker等独立乐团好手助阵 Roger Waters, the creative power and songwriting force behind Pink Floyd, presents Is This The Life We Really Want ?, his first rock al bum in 25 years. The album is produced and mixed by Nigel Godrich (Radiohead, Paul McCartney, Beck, U2, "From the Basement"), and includes 12 new Roger Waters musical compositions and studio performances. Roger Waters' last studio album, 1992's Amused To Death, was a prescient study of popular culture, exploring the power of television in the era of the First Gulf War. This long-awaited follow-up, Is This The Life We Really Want ?, is an unflinching commentary on the modern world and uncertain times, and a natural successor to such classic Pink Floyd albums as Animals and The Wall. Tracks on Is This The Life We Really Want ? include: "When We Were Young," "Déjà vu," "The Last Refugee," "Picture That," "Broken Bones," "The Life We Really Want," "A Bird In A Gale," "The Most Beautiful Girl in the World," "Smell the Roses," "Wait For Her," "Oceans Apart," and "Part of Me Died." The lyrics for Wait for Her were written by Roger Waters and inspired by an English translation by an unknown author of "Lesson from the Kama Sutra (Wait for Her)," by Mahmoud Darwish. The musicians on Is This The Life We Really Want? are: Roger Waters (vocals, acoustic, bass), Nigel Godrich (arrangement, sound collages, keyboards, guitar), Gus Seyffert (bass, guitar, keyboards), Jonathan Wilson (guitar, keyboards), Joey Waronker (drums), Roger Mannning (keyboards), Lee Pardini (keyboards) and Lucius (vocals) with Jessica Wolfe and Holly Proctor.

◎ 心碎般的脆弱、催眠化的噪音，独立摇滚界最经典的乐团 ◎ 从轻声呢喃的民谣到庞克魄力、再至精緻複杂的编排与猛烈爆炸音感 ◎ 收录〈I Feel Like Going Home〉、〈Mr. Tough〉等全新创作曲目 作为一组三人团体，优拉糖果真是个费解複杂的引擎，他们自然而然的融合成一体，就像一个史前生物全然专心撕裂那些包围自己的树丛，以自发性观点去建设属於他们的音速世界，一切都是这么地深思熟虑。从轻声呢喃的民谣到庞克魄力、再至精緻複杂的编排以及猛烈爆炸音感，优拉糖果成就了近乎无可动摇又令人感动的音乐性格。 此张专辑将是优拉糖果进入歌坛22年的里程代表作，从〈I Feel Like Going Home〉里小提琴声响贯穿著一种令人心碎的脆弱情感，辉映Georgia温缓歌声中热切渴望的解放感；趾高气昂的带进〈Mr. Tough〉一段具有放克味道的钢琴演奏，配搭Ira与James假音詼谐的唱述关於一位舞池恶霸有趣故事；纯演奏曲〈Daphnia〉，传出阵阵令人难以忘怀的静謐噪音，迷濛谱化出深邃音频美感；〈The Room Got Heavy〉中戏剧化模糊喃喃说唱，散发一股催眠魔力令人晕眩神迷；末曲〈The Story of Yo La Tengo〉以超过十分鐘的渐层式编曲，转入的鼓噪气流再度激起听者亢奋情绪。如果优拉糖果有一种基本模式，那就是一组永远停不下来，不断寻求变化并拓展自我水平的经典乐团。 Ira Kaplan伊拉卡布蓝，Georgia Hubley乔治亚哈布利，James McNew詹姆士麦肯纽三人组成的优拉糖果乐团之所以听起来与眾不同，并不是因为他们是偏离主流轨道的冷门份子，而是因为他们本身正是艺术家。《I’m Not Afraid Of You And I Will Beat Your Ass》这张专辑保有了所有优拉糖果最棒的音乐元素，并且提升到了极致，从令人讚赏的管弦乐作品〈Black Flowers〉到〈Watch Out For Me Ronnie〉车库摇滚式的咆哮。如果优拉糖果有一种模式，那就是一个永远停不下来不断寻求变化并拓展自我水平的乐团。 《I’m Not Afraid of You and I Will Beat Your Ass》绝对有资格称作一张真正的专辑。整张专辑超过一小时四十五分鐘的长度，在曲目与曲目之间以一种纯粹的音乐气氛连结。不仅是随著柔软旋转木马式的声响，而是一场微妙的音乐游行，以一段超过十分鐘特别而且具有同等强度的，甚至是令人意想不到戏剧性的圆弧吉他线作为结束。听起来就像是经过一段浓密的灌木林后，他们会找到一块空地，停下来野餐，然后进入梦乡，云游在白日与夜晚转换之际。〈I Feel Like Going Home〉里，小提琴的声响（David Mansfield, of Dylan's Rolling Thunder Revue演奏）贯穿著一种令人心碎的脆弱情感，辉映著乔治亚温缓歌声中的热切渴望，之后的〈Mr. Tough〉趾高气昂的带进一段重複且具有放克味道的钢琴演奏，配搭著伊拉和詹姆士的假音詼谐地唱述著关於遇见了一个有名无实的舞池恶霸的故事。 如同优拉糖果这张专辑所赋予的整体图像涵盖了一个巨大的概念，他们也意识到了那些难以察觉的微小部份，说真的，就是这些细小的片段让优拉糖果这个乐团是如此难以形容的杰出。演奏曲〈Daphnia〉中令人难以忘怀的静謐噪音；乔治亚在带有〈Autumn Sweater〉味道的〈The Room Got Heavy〉中戏剧化模糊喃喃的朗读；〈Pass The Hatchet, I Think I'm Goodkind〉的过门中，鼓、贝斯与手鼓像是从内翻转到外演奏著。 优拉糖果在音乐里所传达的讯息深深的与群体意识紧密结合，在优拉糖果的音乐里充满了希望，如〈Mr Tough〉，期望我们能了解音乐能够超越难耐世俗的现实生活，让我们脱离那些分化我们的纷争。优拉糖果不仅以他们的作品身体力行他们的音乐概念，并以相同态度对待他们的音乐伙伴，诸如Jad Fair到Ray Davies等这些与他们极为互异的艺术家们。他们的光明节週活动 (Hanukkah show) 已经变成霍伯根 (Hoboken) 每年的传统活动，并为当地的慈善单位筹募了上万美元的捐款。在这个活动里许多人在站上舞台表演的同时，也渐渐融入了 这个温和却又稳健的三人组合所凝聚的团体里，这就是优拉糖果。同样地，他们在2004年秋天的州际摇摆活动(Swing State Tour)就是一个典型优拉糖果式作风的缩影，找来许多他们的好友，表演一长串的歌曲，每天晚上都有三小时极为不同的表演，除了带有些暗示意味之外几乎没有实际政治动作的政治动机。 虽然大家总是说优拉糖果不是一个爵士乐团，但是他们的确有著爵士乐手的思考方式，他们结合Other Dimensions In Music和the Sun Ra Arkestra两个爵士乐团的 free jazz 演奏创造出一些超越一般制式而令人惊喜的音乐结构。稍早他们在WFMU每年度举行的点歌翻唱(covers-by-request)募款活动上，展现了他们的即兴才能还有他们对於流行乐历史广博的幽默见解，逗得听眾哈哈大笑，并得到相当大的回响，并於今年初收录成《Yo La Tengo Is Murdering The Classic优拉糖果谋杀经典》合辑。2004年七月他们在纽约的电影诗歌节上表演，为了Joshua White与Gary Panter两位艺术家的现场灯光秀即兴创作了一张原声带， 并使用了Panter的画作为这张专辑的封面。 显然地，优拉糖果他们的作风总是与其他的乐团完全不同，从他们的上一张专辑《Summer Sun夏日阳光》后，他们也分别为了四部电影《Junebug》、《Game 6》、《Old Joy》、《Shortbus》製作配乐，而且为Jean Painleve实验寂静的水中电影所作之配乐也变成一张受欢迎的专辑。之前为知名卡通辛普森家庭所製作的配乐最近也出现於美国影集《Gilmore Girls奇异果女孩》的终章里。 不管我们觉得生命短暂或是长的没完没了，时鐘还是转动不停，我们都应该对那些为了扭曲我们的时间感所作的努力而觉得高兴，不过这只是优拉糖果所作的眾多事情中的一件小事罢了。

《Spring Styx》里的歌全部创作于2019年，它们使Cephalosis听起来变得更具体更绝对。这张专辑的影响主要来自黑泽明为主的日式电影“木制”配乐、少量的北欧“中二”黑金属、耶路撒冷、对彼岸世界的弃绝……这些歌几乎都是坐在沙发上用电脑“书写”出来的，演奏过程被弱化，也没有什么音乐人的直觉和灵感，甚至没有创作所需的足够的音量。听起来宏大的场景，片段激烈的进行都是虚构的，它们被隔离在自己的地界中，甚至与我的日常无关，也难与和他人共鸣。但我幻想的这个绝对的异象世界，也许也在每个人心中显现过。

“如果遥远天际中散烁的星星也有声音的话，那它听起来一定像是Mogwai这样”——《NME》杂志 又是几个苏格兰的孤独男人——Mogwai，和Arab Strap同属Chemikal Underground公司，以及后来北美最大的另类音乐公司Matador。受Sonic Youth和My Bloody Valentine的深处启发，甚至还有The Smashing Pumpkins(其实听听“Gish”未尾，便知Billy Corga也是在巨大的噪音中冰冷的质疑生活的变数)，当然还有Slint(后摇滚的启蒙人之一)90年代初就有的示范表演，只是Mogwai更迷于制造有巨大声响的哀伤之曲，徐徐推进沉稳的沉思，“Mogwai曾认为一段好的旋律，即使不断重复地演奏十分钟也会是好听的”。 相比Tortoise、Experimental Audio Research、Movietone等后摇滚代表，Mogwai稀少的人声反而是最多的，他们埋头精调细琢，爆发时比Bedhead更内敛些。用了大量新的吉它音色，把鼓调成如沉闷心跳的节奏，贝司厚重、缓和的流淌，淡然的声音若即若离的在音乐的边线，大段大段华丽轰鸣的段落起起伏伏。“当史诗般作品“Mogwai Fears Satan”结束整张专集的时候，Mogwai提升了整个后摇滚音乐的水平，创造新的音乐革命和情感力量，不同于所有当代的吉他为基本乐队的东西。”他们让音乐回归到心灵的无援之处，放弃了人声有时候对音乐过份的虚饰和为难，后摇滚实际上比摇滚乐多了更多可能的音乐语言，于“无声”处，音乐是第一位的，所以我想不是后摇滚结束了摇滚乐，而是新血滋生了新肉，后摇滚让摇滚乐有了另一重生命力。 1997年Mogwai《Young Team》问世时，不该的是这一年Radiohead的《OK Computer》大行其道，几乎拿走了所有的盛誉(而今又有多少人还在为《OK Computer》竖起耳朵就不得而知了)，好像没有人不喜欢滥美之词并热衷参于，总有一些人为了省事和嫌麻烦而容易满足追随。 世界由此喧嚣，愤怒大行其道，而它并非一律可贵，Mogwai也有啸杀感肆起的乐段，却嗜好把愤怒深埋在各种声效的表层下，他们坦诚了无助的脆弱，熨烫人心，由此得以自救，Mogwai不诅咒爱，却把矛头指向了生活对个性和人性的伤残，缓解了我们常年心头积压的心悸。 少年心气般的兴奋《Young Team》过后，1997年精选辑《Ten Rapid》是1995 -- 1997年大批单曲的合集，可整个音乐的音色和概念上感觉还是有一贯性，象是同时期的作品。如其他后摇滚乐队一样，Mogwai做得非常精细，变幻莫测的音色和反复的乐段，也象其他乐队一样充满睿智。他们找来了Mercury Rev的成员及监制Dave Fridman(Dave以往较叫好的作品包括为Flaming Lips制作的唱片)，泡制了1999年《Come on Die Young》，“年轻人你快点死吧”——每个人的内心都是有魔鬼的，权势、容貌、名利、荣辱上太多太多的杂念让心魔在无止的滋长，它们合力抹杀了爱，以龌龊为乐，退化到像动物一样撕杀。“Come on Die Young”，要不到后来都会变成了“Mogwai”。谁都想活的好点——“在三十岁的时候人们都希望有条捷径可以走”，“Mogwai Fear Satan”(魔鬼面对馓旦)就是Mogwai对人生的一次嘲讽。 而Mogwai的感性一面也是纯净、真切的，欲说还休的“Cody”的余味绕梁三尺，“如果我试图让你停下脚步，你是否也会想让我停留，古老的歌一直萦绕，直到最后的时刻，悲伤的歌让我回忆起儿时的旧友，如果这就是命运，我想我只能离开……” 爱是一个高温的主题(Mogwai好些起伏颇大的段落很适合给《37度2》中贝蒂那段失控的街头奔跑做配乐)，有时候她的冰冷比热更令人嗜好，我们经常忍不住像怀疑生命一样对它，如果说生命无常，爱情何尝又不是更脆弱的呢？“End”是无声的所在，比Joy Division“The Eternal”还可怕的青春衰曲，它可能有三个以上的版本？写此曲的时候Mogwai们平均年龄不到22岁，22岁——大部份这个年龄的人还在街上用着父母的钱，回家在卧室里苦恼，算计着爱情和明天，而他们给了未完青春最好的沉思。 2001年《Rock Action》好像评论有些低落，但却是《Young Team》后最给人印象深刻的作品。名为“Rock Action”(摇滚行动)，这又是具有讽刺意味的名头。《Rock Action》结合了富于棱角的扭曲噪音，具有推动力的鼓点，Tortoise般的电子构架，尤以长达九分钟的史诗般作品“2 Rights Make One Wrong”为佳，以铜制乐器，弦乐，Banjo，行云流水般的吉他，时隐时没的人声编制成一层层意犹未尽的音墙，它让我们的耳朵良久的幸福着…… Mogwai得到了不单是英国及欧洲后来也有美国评论界太多的赞美，在独立音乐同仁当中也得到了许多的尊敬。他们每每赶走了陈腐的气息，建立了自己的音乐美学体系，对所有的赞美都当之无愧。后来甚至也深情款款的翻唱了Guns N' Roses的“Don'T Cry”，在其主页上就有这首曾经博得不少少女之心的歌，不过你听了之后就明白这仍然是Mogwai一以惯之的作风，他们一直在试着用最好的方式来表达自我，并让艺术的血液得以畅通。 “对于我们的东西，这世界还没做好准备，” Suart Braithwaite却一锤定音的说过，是的，他们还年轻着，Mogwai如今的平均年龄不超过26岁，大胡子Dominic Aitchison今年可能26了，Stuart Leslie Braithwaite更是1976年5月10日生，在后摇滚的阵营里他们还没到“向后看”的时候，他们享受着音乐，甩掉“陈年往事”的累赘，把生命中多余的包袱远远甩在了脑后…… 每一个夜晚都是心衰者的逃离，生命无可把持，每个地方都有这么多的陈词缆调，如果这就是命运，我想我只能离开。让我们一起跑，跑过城市，跑过山谷和平原，在风中跑，跑过了无尽的年岁，跑过了绝望也跑过了温暖，让身后的东西统统腐烂吧……

My Bloody Sex Party 是一支山东临沂的摇滚乐队，组建于 2020 年的夏天。 那时候是暑假，刚刚结束了中考，四位同学决定组建一支乐队。他们是刘（吉他，唱），尚（贝斯），庄（吉他），李（鼓）。在传统的摇滚乐器之外，他们也使用了大量的非常规乐器——从比较常见的提琴、二胡、三弦、琵琶，到非常罕见的西塔琴、维纳琴，或是匪夷所思的计算器。此外还有一些改装的乐器与加料演奏，比如装上了吉他弦的电贝斯，用弓拉琵琶，或是用笔在吉他上划过。 他们用一个多月的时间写歌，排练，在一位成员母亲的废弃的办公室里完成了录音。他们使用手机录音，然后用一台看上去有点旧的台式电脑混音，最后保存为 mp3 格式。 在正式升入高中之前，这张专辑完成了。四位成员后来分别去了不同的学校。鉴于曲目的时间太长（总长度超过 150 分钟），这套专辑分作三辑在燥眠夜逐次发行。现在是专辑的最后一张。 母带：浦裕幸 设计：刘璐

风格：post－rock（后摇） 曲目： 01 - Summer 02 - Helicon 2 03 - Angels Versus Aliens 04 - I Aam Not Batman 05 - Tuner 06 - Ithica 27 o 9 07 - A Place For Parks 08 - Helicon 1 09 - End 专辑评价： 1997年精选辑《Ten Rapid》是1995 ——1997年大批单曲的合集，可整个音乐的音色和概念上感觉还是有一贯性，像是同时期的作品。如其他后摇滚乐队一样，Mogwai做得非常精细，变幻莫测的音色和反复的乐段，也像其他乐队一样充满睿智。 Mogwai简介： 苏格兰的孤独男人—Mogwai 更新时间:2002年08月27日09:42 “如果遥远天际中散烁的星星也有声音的话，那它听起来一定像是Mogwai这样”——《NME》杂志 又是几个苏格兰的孤独男人——Mogwai，和Arab Strap同属Chemikal Underground公司，以及后来北美最大的另类音乐公司Matador。受Sonic Youth和My Bloody Valentine的深处启发，甚至还有The Smashing Pumpkins（其实听听“Gish”末尾，便知Billy Corga也是在巨大的噪音中冰冷的质疑生活的变数），当然还有Slint（后摇滚的启蒙人之一）90年代初就有的示范表演，只是Mogwai更迷于制造有巨大声响的哀伤之曲，徐徐推进沉稳的沉思，“Mogwai曾认为一段好的旋律，即使不断重复地演奏10分钟也会是好听的”。 相比Tortoise、Experimental Audio Research、Movietone等后摇滚代表，Mogwai稀少的人声反而是最多的，他们埋头精雕细琢，爆发时比Bedhead更内敛些。用了大量新的吉它音色，把鼓调成如沉闷心跳的节奏，贝司厚重、缓和的流淌，淡然的声音若即若离的在音乐的边线，大段大段华丽轰鸣的段落起起伏伏。“当史诗般作品“Mogwai Fears Satan”结束整张专辑的时候，Mogwai提升了整个后摇滚音乐的水平，创造新的音乐革命和情感力量，不同于所有当代的吉他为基本乐队的东西。”他们让音乐回归到心灵的无援之处，放弃了人声有时候对音乐过分的虚饰和为难，后摇滚实际上比摇滚乐多了更多可能的音乐语言，于“无声”处，音乐是第一位的，所以我想不是后摇滚结束了摇滚乐，而是新血滋生了新肉，后摇滚让摇滚乐有了另一重生命力。 1997年Mogwai《Young Team》问世时，不该的是这一年Radiohead的《OK Computer》大行其道，几乎拿走了所有的盛誉（而今又有多少人还在为《OK Computer》竖起耳朵就不得而知了），好像没有人不喜欢滥美之词并热衷参与，总有一些人为了省事和嫌麻烦而容易满足追随。 世界由此喧嚣，愤怒大行其道，而它并非一律可贵，Mogwai也有萧杀感肆起的乐段，却嗜好把愤怒深埋在各种声效的表层下，他们坦诚了无助的脆弱，熨烫人心，由此得以自救，Mogwai不诅咒爱，却把矛头指向了生活对个性和人性的伤残，缓解了我们常年心头积压的心悸。 少年心气般的兴奋《Young Team》过后，1997年精选辑《Ten Rapid》是1995 ——1997年大批单曲的合集，可整个音乐的音色和概念上感觉还是有一贯性，像是同时期的作品。如其他后摇滚乐队一样，Mogwai做得非常精细，变幻莫测的音色和反复的乐段，也像其他乐队一样充满睿智。他们找来了Mercury Rev的成员及监制Dave Fridman（Dave以往较叫好的作品包括为Flaming Lips制作的唱片），炮制了1999年《Come on Die Young》，“年轻人你快点死吧”——每个人的内心都是有魔鬼的，权势、容貌、名利、荣辱上太多太多的杂念让心魔在无止的滋长，它们合力抹杀了爱，以龌龊为乐，退化到像动物一样撕杀。“Come on Die Young”，要不到后来都会变成了“Mogwai”。谁都想活得好点——“在30岁的时候人们都希望有条捷径可以走”，“Mogwai Fear Satan”（魔鬼面对撒旦）就是Mogwai对人生的一次嘲讽。 而Mogwai的感性一面也是纯净、真切的，欲说还休的“Cody”的余味绕梁三尺，“如果我试图让你停下脚步，你是否也会想让我停留，古老的歌一直萦绕，直到最后的时刻，悲伤的歌让我回忆起儿时的旧友，如果这就是命运，我想我只能离开……” 爱是一个高温的主题（Mogwai好些起伏颇大的段落很适合给《37度2》中贝蒂那段失控的街头奔跑做配乐），有时候她的冰冷比热更令人嗜好，我们经常忍不住像怀疑生命一样对它，如果说生命无常，爱情何尝又不是更脆弱的呢？“End”是无声的所在，比Joy Division“The Eternal”还可怕的青春哀曲，它可能有3个以上的版本？写此曲的时候Mogwai们平均年龄不到22岁，22岁——大部分这个年龄的人还在街上用着父母的钱，回家在卧室里苦恼，算计着爱情和明天，而他们给了未完青春最好的沉思。 2001年《Rock Action》好像评论有些低落，但却是《Young Team》后最给人印象深刻的作品。名为“Rock Action”（摇滚行动），这又是具有讽刺意味的名头。《Rock Action》结合了富于棱角的扭曲噪音，具有推动力的鼓点，Tortoise般的电子构架，尤以长达9分钟的史诗般作品“2 Rights Make One Wrong”为佳，以铜制乐器，弦乐，Banjo，行云流水般的吉他，时隐时没的人声编制成一层层意犹未尽的音墙，它让我们的耳朵良久的幸福着…… Mogwai得到了不单是英国及欧洲后来也有美国评论界太多的赞美，在独立音乐同仁当中也得到了许多的尊敬。他们每每赶走了陈腐的气息，建立了自己的音乐美学体系，对所有的赞美都当之无愧。后来甚至也深情款款地翻唱了Guns N' Roses的“Don'T Cry”，在其主页上就有这首曾经博得不少少女之心的歌，不过你听了之后就明白这仍然是Mogwai一以贯之的作风，他们一直在试着用最好的方式来表达自我，并让艺术的血液得以畅通。 “对于我们的东西，这世界还没做好准备，” Suart Braithwaite却一锤定音地说过，是的，他们还年轻着，Mogwai如今的平均年龄不超过26岁，大胡子Dominic Aitchison今年可能26岁了，StuartLeslie Braithwaite更是1976年5月10日生，在后摇滚的阵营里他们还没到“向后看”的时候，他们享受着音乐，甩掉“陈年往事”的累赘，把生命中多余的包袱远远甩在了脑后…… 每一个夜晚都是心衰者的逃离，生命无可把持，每个地方都有这么多的陈词滥调，如果这就是命运，我想我只能离开。让我们一起跑，跑过城市，跑过山谷和平原，在风中跑，跑过了无尽的年岁，跑过了绝望也跑过了温暖，让身后的东西统统腐烂吧…… 个人评价： mogwai是我暂时听过的后摇乐队中最喜欢的一个，虽然人人都说乌龟比较好，而且是元老级乐队，但怎么说我都觉得他们没有mogwai好，mogwai的音乐有一点超越postrock的风格，不像大部分后摇乐队那样，整体编曲都慵懒的感觉，mogwai的音乐更赋予激情，也是我喜欢他们的地方！ 个人评分：★★★☆

原版於1992年發行，較平淡的專集。最佳的是第一首Detouring America With Horns及第二首的single Upside Down。

What if a song was not a culmination but a singe, an imprint, or a crater left in the wake of creative process? On her new record “Jade”, Pan Daijing composes at a different scale than that we’ve come to know. Since the release of her groundbreaking LP “Lack” in 2017, Daijing has expanded her operatic vision into a series of major commissioned exhibition-performances at institutions including the Tate Modern, Martin Gropius Bau, and the Haus der Kulturen der Welt. Developed for full casts of opera singers and dancers, and reaching for an all-encompassing durational experience of intensity for both performer and audience, the development of these works was for Daijing as emotionally disarming as it was thrilling. In order to continue accessing her own limits, Daijing had to develop a place of sanctuary within her own practice. Its nine tracks written and recorded over the last three years, “Jade” is the sound of solitary release and refuge, of creative self-sustenance. Written without the imperatives of direct address to performers or audience, “Jade” speaks inward, while inviting a kind of rhetorical listening. The artist draws on materials familiar from her previous work: namely, ascetic electronic textures that rumble and pierce, and voice bent in irreverent directions. In place of catharsis..., however, her arrangements here linger in tension, extending curiosity towards the delicate void that nourishes extremes. They toy with the minor capacities of song: repetition, chant, observations that conclude without resolving. “Jade” comes from a vulnerable place, tender as in an undressed wound caught in the midst of healing over. Vocals, mostly Daijing’s own, arrive as wordless sequences of notes soaring alongside a drone, or plain laughter, or in a few places spoken word. What is said or sung provides fragments of experience and reflection. In the process of piecing together these fragments, the listener is confronted with the tender parts of her own. “Solitude is like an immense lake you’re swimming through,” says Daijing of these songs. “Sometimes you dip your head in and sometimes you lift it above. On album centerpiece “Let,” she speaks to us over the sound of rippling water, returning between anxious scenes to a refrain: “I take my bath in the ocean.” We are not just consuming Daijing’s story; we are being invited to join her in the water. more