剑桥大学考古系教授马丁·琼斯认为，一系列的“现代”行为为人类走出非洲提供了必备的生存策略，包括面对面地分享食物、讲故事和旅行。而考古发掘中对所有单位进行浮选、系统的植物考古学、沉积物和稳定同位素分析，将会获得更全面的人类分享食物的画面。 马丁•琼斯以讲故事的方式，为我们梳理了千万年以来，“人类”分享食物的历史。从人类近亲黑猩猩分享一只髯猴的活动，到旧石器时代晚期狩猎者的大型狩猎活动，再到农业起源之后人们在定居活动中的饭局，再到希腊罗马时代的经典宴会，再到现代大学教授们的晚宴。内容涉及古生物学、考古学、文献历史学、艺术史等。全方位为我们解答了“为什么我们人类这么喜欢组织参加饭局、分享食物”。

《重返风景》以十五世纪以来在西方一直是重要艺术表现的风景创作为题，探讨从古至今，从风景绘画到地景创作、现地制作等不同表现形式。 本书由四章构成。第一章从风景的表现手法、风景的创造，以及当代艺术家本身备受争议的立场来着手进行主题式分析，同时夹杂着历史和社会学的分析，目的是为了呈现与作品有关的背景，以及某些风景图像最原始的含义。 在第二章中，作者讨论风景的取景、装框、限制和结构。风景中道路或线条的规划，往往提供了导引的作用，因为从这些线条可以着手了解其与透视法的关连。 第三章直接透过主题、感受和与世界的各项关联来探讨一些概念，从中介入个人历史、集体历史和悲剧历史，以及它们对风景的影响。 第四章的重点则以地景的呈现和身体倾听经验为主。

本书对女性与现代性之间的复杂关系进行了创新而激动人心的探索，挑战了传统的以男性为中心的现代性理论，并大胆质疑了某些女性主义观点，这些观点或是将现代性妖魔化为内在的父权制的产物，或是假定了一个有关现代社会男性经验和女性经验之间的简单对立。作者将文化历史和文化理论相结合，聚焦于19世纪末这个特殊的历史时期，对怀旧、消费、女性书写、大众化的崇高、进化、革命和变态等概念进行了检视。她从比较和跨学科的视角出发，对来自英语、法语和德语传统的大量文献进行了细致的文本分析，涉及社会学理论、现实主义和自然主义小说、颓废文学、政论文章和演讲、性学话语，以及通俗情感小说等多个领域，分析的男性和女性作家包括齐美尔、左拉、萨克-马索克、拉希尔德、玛丽•科雷利、王尔德和奥利芙•施赖纳等。 “得益于菲尔斯基开阔的批评视野和丰富的批评情感，该书提供了对性别和现代性的绝佳思考，而且菲尔斯基最终让我们相信，对这两个问题的思考必须紧密联系在一起。我想不出还有什么书能具有这种兴趣的广度，以及对理论价值变化的警觉。可以说，菲尔斯基以出类拔萃的水准，用后结构主义的方法书写了一部翔实的历史唯物主义佳作。说这本书充满智慧毫不为过：它缜密公允，关注政治，兼收并蓄，又具有令人振奋的跨学科思维。” ——詹妮弗•维克（Jennifer Wicke）, 纽约大学 “菲尔斯基向我们证明了性和性别对现代主义/现代性文化的核心意义，她的研究复杂而巧妙，既利用了当代理论，又借助了对手边材料的历史研究。与她先前的论著一样，菲尔斯基展现了扎实的、前沿的学者知识，同时对该领域一些过热的理论话语表现出了良好的冷静态度。她对女性主义、后结构主义、马克思主义等常见的理论观点的评论总是十分公正，她文笔清晰，论证中闪耀着洞见的火花。” ——安德烈亚斯•许森（Andreas Huyssen），哥伦比亚大学

本书将文化研究、语义学、符号学、复杂理论和进化论、社会学、人类学、认识论哲学融为一炉，提出了一个核心理念——文化造就群体，群体创造知识。该书观点新颖，论证充实，曾引发热烈讨论，相信中文版的面世会带来更多新观点的碰撞。文化造就群体，群体创造知识。 《文化科学：故事、社群、知识与革新的自然历史》是由何道宽翻译自约翰·哈特利、贾森·波茨著的Cultural Science-A Natural History of Stories, Demes, Knowledge and Innovation。本书批判继承进化论和文化研究，试图嫁接科学文化与人文文化，以实现新的综合。该书的核心理念是一个两阶段模式：文化造就群体，群体创造知识，知识在冲突的群体边界上强劲增长。它把文化研究、语义学、符号学、复杂理论和进化论、社会学、人类学、认识论哲学融为一炉，令人耳目一新。在这本雄心勃勃、说服力强的书里，哈特利和波茨向我们展示了行为科学和文化研究统一的愿景，粉碎了传统学科的疆界。“文化科学”是“新文化经济学”和“新文化研究”的全新路径，有诸多特殊的命题。“文化科学”实际上是科学文化和人文文化的调和，是文化的“现代综合”。

Beginning with agoraphobia and claustrophobia in the late nineteenth century, followed by shell shock and panic fear after World War I, phobias and anxiety came to be seen as the mental condition of modern life. They became incorporated into the media and arts, in particular the spatial arts of architecture, urbanism, and film. This "spatial warping" is now being reshaped by digitalization and virtual reality.Anthony Vidler is concerned with two forms of warped space. The first, a psychological space, is the repository of neuroses and phobias. This space is not empty but full of disturbing forms, including those of architecture and the city. The second kind of warping is produced when artists break the boundaries of genre to depict space in new ways. Vidler traces the emergence of a psychological idea of space from Pascal and Freud to the identification of agoraphobia and claustrophobia in the nineteenth century to twentieth-century theories of spatial alienation and estrangement in the writings of Georg Simmel, Siegfried Kracauer, and Walter Benjamin. Focusing on current conditions of displacement and placelessness, he examines ways in which contemporary artists and architects have produced new forms of spatial warping. The discussion ranges from theorists such as Jacques Lacan and Gilles Deleuze to artists such as Vito Acconci, Mike Kelley, Martha Rosler, and Rachel Whiteread. Finally, Vidler looks at the architectural experiments of Frank Gehry, Coop Himmelblau, Daniel Libeskind, Greg Lynn, Morphosis, and Eric Owen Moss in the light of new digital techniques that, while relying on traditional perspective, have radically transformed the composition, production, and experience--perhaps even the subject itself--of architecture.

◎法国大革命中，为什么相当一部分称颂宽容、公平正义和人民主权的国民议会代表会选择恐怖统治？ ◎追求自由、平等、博爱的法国大革命为何会一步步走向恐怖的大众暴力？ ◎除了全面考察法国城乡的社会状况，本书尤其关注大革命中的政治精英，不仅是精英阶层的政治行动，还有这些行动背后不断变化的心理动因，试图借此考察暴力政治文化的起源。 ◎本书在研究过程中参考了大量手稿和印刷文件，其中最重要的是同时代的一系列信件和日记。在同类研究中，这并不多见。 纵观历史上的重要革命，很多都有恐怖时期，也都有对社会能够也必须革新的强烈信念，而这些信念很容易引向对反对者的敌视和打压。对所有的革命而言，那些利益和价值观念受到威胁的群体，都会成为反革命势力；对所有的革命而言，在无法避免的过渡时期，都会出现权力真空，也都会出现每一个权力 机构均受到质疑的时刻；对所有的革命而言，人民群众的影响足以将革命推向意料之外的轨道。另外，对所有的革命而言，也很可能都有执迷于揭穿阴谋、过度怀疑和缺乏信任的时期，都有充满不确定性以致难辨敌友，不知道谁是真正的革命者，谁是躲在革命誓言面具之下、披着羊皮的狼的时期。 事实上，结束一场革命很可能要难于开启一场革命。

本书考察了第二次世界大战中纳粹屠杀犹太人事件在美国如何被描述和纪念，从战后年代的低调处理，到1990年代的“大屠杀热”，反映出不同时代中，集体记忆如何因变化的风气以及当前需要被设计和修改，而族群谋求生存的主题贯穿其中。作者对人们不假思索接受的观点提出反思，关注其对道德实践的影响，强调认识历史的复杂性。 本书作者彼得·诺维克曾以《那高尚的梦想：“客观性问题”和美国历史学界》获美国历史学年度最优秀著作奖。在《大屠杀与集体记忆》中，他再次挑战固有观念，引用哈布瓦茨理论，考察了美国犹太人对第二次世界大战中的大屠杀事件的认识变化，指出：历史地理解某物就得认识到它的复杂性，从各种不同的角度观察它；就得了解当事人的动机和行为充满歧义，包括道德的歧义。而集体记忆从根本上说是非历史的，甚至是反历史的。对集体记忆做出反思，我们可以获得更多的历史智慧。

From the first sets of photographic records made by Western travelers to doctored portraits of Chairman Mao and the avant-garde photographic performances of the post–Cultural Revolution era, photography in China has followed divergent paths. In this book, Wu Hung explores the multiple histories of photographic production in China, using them to tell a larger story about China’s shifting sociopolitical contexts and the different agendas, technologies, and aesthetics that have helped define its arts. At the center of the book is a large question: how has photography represented China and its people, its collective history and memory as well as the diversity of Chinese artists who have striven for creative expression? To address this question, the author offers an in-depth study of selected photographers, themes, and movements in Chinese photography from 1860 to the present, covering a wide range of genres, including portraiture, photojournalism, architectural and landscape photography, and conceptual photography. Beautifully illustrated, this book offers a multifaceted and in-depth analysis of an important photographic history.

At the turn of the millennium, international youth culture is dominated by mainly two types of aesthetics: the African American cool, which, propelled by Hip-Hop music, has become the world's favorite youth culture; and the Japanese aesthetics of kawaii or cute, that is distributed internationally by Japan's powerful anime industry. The USA and Japan are cultural superpowers and global trendsetters because they make use of two particular concepts that hide complex structures under their simple surfaces and are difficult to define, but continue to fascinate the world: cool and kawaii. The Cool-Kawaii: Afro-Japanese Aesthetics and New World Modernity, by Thorsten Botz-Bornstein, analyzes these attitudes and explains the intrinsic powers that are leading to a fusion of both aesthetics. Cool and kawaii are expressions set against the oppressive homogenizations that occur within official modern cultures, but they are also catalysts of modernity. Cool and kawaii do not refer us back to a pre-modern ethnic past. Just like the cool African American man has almost no relationship with traditional African ideas about masculinity, the kawaii shojo is not the personification of the traditional Japanese ideal of the feminine, but signifies an ideological institution of women based on Japanese modernity in the Meiji period, that is, a feminine image based on westernization. At the same time, cool and kawaii do not transport us into a futuristic, impersonal world of hypermodernity based on assumptions of constant modernization. Cool and kawaii stand for another type of modernity, which is not technocratic, but rather "Dandyist" and closely related to the search for human dignity and liberation.

In this lively ethnography Ian Condry interprets Japan's vibrant hip-hop scene, explaining how music and culture that originated halfway around the world is appropriated and remade in Tokyo clubs and recording studios. Illuminating different aspects of Japanese hip-hop, Condry chronicles how self-described "yellow B-Boys" express their devotion to "black culture," how they combine the figure of the samurai with American rapping techniques and gangsta imagery, and how underground artists compete with pop icons to define "real" Japanese hip-hop. He discusses how rappers manipulate the Japanese language to achieve rhyme and rhythmic flow and how Japan's female rappers struggle to find a place in a male-dominated genre. Condry pays particular attention to the messages of emcees, considering how their raps take on subjects including Japan's education system, its sex industry, teenage bullying victims turned schoolyard murderers, and even America's handling of the war on terror. Condry attended more than 120 hip-hop performances in clubs in and around Tokyo, sat in on dozens of studio recording sessions, and interviewed rappers, music company executives, music store owners, and journalists. Situating the voices of Japanese artists in the specific nightclubs where hip-hop is performed - what musicians and fans call the genba (actual site) of the scene - he draws attention to the collaborative, improvisatory character of cultural globalization. He contends that it was the pull of grassroots connections and individual performers rather than the push of big media corporations that initially energized and popularized hip-hop in Japan. Zeebra, DJ Krush, Crazy-A, Rhymester, and a host of other artists created Japanese rap, one performance at a time.

“追问一个人的情感是否发自内心，即情感的真与伪，这种提问本身没有什么意义，因为所有成年人的情感体验其实都是被训练的结果。” 一个人内心的情感体验，是某种关系的体现。无论是个人、团体还是阶层的情感表达，都无法忽视社会情感准则的教化训练。本书作为情感史研究的奠基之作，提出了情感表达、情感体制、情感导航、情感自由、情感痛苦等理论，并以“情感主义”为切入点，研究启蒙时代及法国大革命时期人们情感表达方式的变化及其意义。沙龙、共济会、咖啡馆等情感避难所的出现，是人们避免情感痛苦、追求情感自由的表现。人们在日记、通信、演讲中表露出对情感自由的向往，报纸刊物以及私人发行的小册子也在这方面发挥了引领作用。呼吁情感真挚、拒绝伪善成为人们在情感表达方面的基本要求。这种情感表达方式并不仅限于小说、戏剧等文学创作，而是成为一种社会行为规范，上升为一种政治上的“美德”。 由此，雷迪清晰勾勒出情感与认知、情感与理性、情感表达与文化之间的关系，在“硬邦邦”的“理性”材料之外，强调“情感有自身的历史”，使情感成为历史学的合理研究面向，为情感史的发展提供了坚实的理论支撑。 ================================= 专家推荐： 雷迪通过提出问题，提供一些关于集体情感变化及其限制的答案，开启了情感研究跨学科领域的新阶段。—— 《美国社会学杂志》 这是一项不同寻常的工作，既刺激又富有成效....雷迪的直觉是，情感不应该简单地从“思想”中区分出来，这种直觉发展得非常出色……我相信这本书将成为任何关于自我和情感的人类学中的必读书目。——纽约大学弗雷德·迈尔斯 这是一本深刻的学术著作，将成为快速发展的跨学科情感研究的核心。雷迪在心理学、人类学和历史学之间架起了桥梁，探讨了情感是管理与人类最亲密的关系的过程这一迷人的观点。 ——基思·奥克利，多伦多大学教授，认知心理学家，小说家

你是否想过以下这些问题： 同样是濒临绝种的动物，熊猫为何比娃娃鱼受到更多关注？ 虐待动物的儿童，长大后会变成暴力分子吗？ 把心爱的宠物囚禁在自己家中是对的吗？ 把在收容所等着安乐死的流浪猫喂给动物园的蟒蛇吃这样的做法是否合理？ 作者通过本书提供了以上问题令人惊讶的解答，并用他巧妙的智慧透视我们对其他动物的矛盾情感。他以自己的经验，亲身探究各种既有的世俗观念，借由高度娱乐性和启发性的故事，呈现动物与人类关系的差异。作者在书中介绍了有趣的逸事、新的科学研究和他本人道德上的矛盾，探讨了人类与动物之间的复杂难题，从宠物、食物到人类与动物之间的关系，从动物囤积背后的心理因素到动物研究的道德困境，作者带领读者走进纷繁复杂的人与动物的世界。

《建构文化研究:论19世纪和20世纪建筑中的建造诗学(修订版)》是肯尼思·弗兰姆普敦（Kenneth Frarnptorl）继他的经典著作《现代建筑——一部批判的历史》之后又一部令人翘首以待的宏篇巨著，必将对现代建筑发展的讨论产生深远的影响。 一言以蔽之，《建构文化研究》是对整个现代建筑传统的重新思考。弗兰姆普敦探讨的建构观念将建筑视为一种建造的技艺，它向迷恋后现代主义艺术的主流思想提出有力的挑战，并且展现了一条令人信服的别开生面的建筑道路。确实，弗兰姆普敦据理力争的观点就是，现代建筑不仅与空间和抽象形式息息相关，而且也在同样至关重要的程度上与结构和建造血肉相连。 组成《建构文化研究:论19世纪和20世纪建筑中的建造诗学(修订版)》的十个章节和-篇后记追根溯源，努力挖掘当代建筑形式作为一种结构和建造诗学的发展历史。弗兰姆普敦对18世纪以来法兰西、日耳曼和不列颠建筑史料的近距离解读为《建构文化研究:论19世纪和20世纪建筑中的建造诗学(修订版)》的理论框架提供了坚实的基础。他清晰地阐述了结构工程与建构想象是以何等不同的方式呈现在佩雷、赖特、康、斯卡帕和密斯的建筑之中，以及建造形式和材料特征是如何在这几位建筑师的建筑表现中发挥相辅相成的作用的。此外，弗兰姆普敦的分析还表明，这些元素贯穿在某位建筑师作品中的方式也就构成了评判该建筑师整体建筑发展的基础。这一点尤其突出地体现在弗兰姆普敦对佩雷、密斯和康的建筑作品和思想态度的历史威份的分析之中。 在弗兰姆普敦看来，积极主动地挖掘建构传统对于未来建筑形式的发展具有至关重要的意义，同时也可以为现代性和“先锋派”历史地位的讨论提供了全新的批判性视角。

Written over a span of more than two decades, the essays by Iris Marion Young collected in this volume describe diverse aspects of women's lived body experience in modern Western societies. Drawing on the ideas of several twentieth century continental philosophers--including Simone de Beauvoir, Martin Heidegger, Luce Irigaray, Julia Kristeva, and Maurice Merleau-Ponty--Young constructs rigorous analytic categories for interpreting embodied subjectivity. The essays combine theoretical description of experience with normative evaluation of the unjust constraints on their freedom and opportunity that continue to burden many women. The lead essay rethinks the purpose of the category of "gender" for feminist theory, after important debates have questioned its usefulness. Young's classic essay, "Throwing Like a Girl," is reprinted here, along with a comment of the impact of that essay twenty years later. Newer essays include reflection on the meaning of being at home, and the need for privacy in old age residences. Other essays analyze aspects of the experience of women and girls that have received little attention even in feminist theory--such as the sexuality of breasts, or menstruation as punctuation in a woman's life story. Young describes the phenomenology of moving in a pregnant body and the tactile pleasures of clothing. While academically rigorous, the essays are also written with engaging style, incorporating vivid imagery and autobiographical narrative. On Female Body Experience raises issues and takes positions that speak to scholars and students in philosophy, sociology, geography, medicine, nursing, and education.

关于现代音乐的是非从未消失。在毕加索和波洛克的画作售价过亿的时候，自斯特拉文斯基的《春祭》以降，震撼人心的音乐作品仍在向听众传递不安的涟漪。现代音乐无处不在。先锋之声在好莱坞的惊悚电影配乐中大行其道，从地下丝绒乐队开始，极简主义对摇滚、流行和舞蹈音乐产生了巨大的影响。《纽约客》的杰出音乐评论家亚历克斯·罗斯照亮了这个秘密的世界，并展示了它如何弥漫于20世纪生活的每个角落。 《余下只有噪音》讲述那些特立独行的人格，他们抵制对古典主义的过去的崇拜，与广大民众的冷漠作斗争，并违抗独裁者的意志。无论是用最纯净的美来吸引听众，还是用最纯粹的噪声来打击听众，作曲家们一直都洋溢着当下的热情，拒绝古典音乐作为一种式微艺术的刻板印象。 从第一次世界大战之前的维也纳到20世纪的巴黎，从希特勒的德国、斯大林的俄罗斯到六七十年代的纽约市中心，罗斯将20世纪的历史及音乐编织在一起，在最有影响力的作曲家与更广泛的文化之间建立了启示性的关联。通过他所讲述的音乐，《余下只有噪音》重述了20世纪的历史。

人们掌握了生火的技能之后，偶然间发现在优质黏土上烧火，黏土会变得坚硬，这就是陶瓷的起源。当火与土相遇，陶瓷艺术就产生了。从新石器时代的原始陶器开始，人类的窑烧技术在不断失败中进步，也随着人类的足迹不断传播。 在中国，陶瓷的产生已有三千年的历史，经历了由陶到瓷，再到陶瓷并驾的发展历程，其间诞生了青瓷、白瓷、秘色瓷、三彩瓷、五彩瓷、青花瓷等独特的种类。而在西域的伊朗、土耳其、阿富汗等地，也发展出具有异域特色的陶瓷工艺，并风靡一时。通过陆上与海上的贸易通道，中国的瓷器吸收了西域的特质，西方人也为中国陶瓷之美所折服，从此陶瓷成为中华文化的象征。千年来，散落在全球各地港口、海岸的瓷片，连接成著名的“海上丝绸之路”。以景德镇为中心的中国陶瓷，是将世界联结为一个整体的里程碑。

后现代主义之后，我们该如何面对由“老大师”们建构的艺术史正典？“女性英雄”们如何制造差异化的图像？进入艺术史的女性主义视角如何解读作品和作品之外的性别、阶级、种族、身份的差异？通过重读正典化的男性大师和女性艺术家——梵高、图卢兹•劳特莱克、马奈、阿特米西亚•简特内斯基、玛丽•卡萨特、贝尔特•莫里索，波洛克从女性主义的角度出发深入地探讨了图像和社会语境中的差异问题。本书既不是对白人精英男性正典无甚新意的批判，也不是对被忽略的女性艺术家毋庸置疑的颂赞。当人们抛开性别的界限时，广泛存在于社会语境中的差异就会重塑我们对于图像的认知和艺术史的叙述模式。 本书重读经典化的现代大师——梵•高、图卢兹•劳特莱克和马奈，以及重读女性主义艺术史中“经典化”的艺术家——阿特米西亚•简特内斯基和玛丽•卡萨特。作者引入精神分析与解构来评测阅读“女性化记载”的工程，并提出了一些新的问题，是女性主义题材不错的美术史论读物。

在这部启人心智的书中，杰出的艺术史家托马斯•克洛探究了前卫艺术与现代大众文化之间的内在关联。研究表明，二者之间存在着非常强大而又不可或缺的联系。作者详细生动地叙述了杰克逊•波洛克、安迪•沃霍尔、克利斯托夫•威廉姆斯及其他人的故事，最终对现代艺术及其在20世纪后期文化中的地位，做出了新颖而富有独创性的阐发。本书是公认的马克思主义艺术史的典范，同时对当代艺术批评中的体制批评、艺术的社会史的理论发展，也做出了巨大的贡献。 此书对前卫艺术和大众文化关系的论述极富创见，给我们提供了一个不同于克莱门特、格林伯格在前卫和大众文化之间做出严格区分（高雅和庸俗）的理论视角，大大丰富了我们对现代艺术的理解。同时，书中对当代艺术批评中的体制范围的相关论述；也开启了我们对于西方由来已久的体制批评理论的了解和研究，具有很高的学术价值。

-编辑推荐- ★ 为何读？ 影像“无处不在”，它们渗透进我们的学术工作和日常生活，成为民族志学者工作中不可分割的元素。当代的民族志研究已然卷入了视觉技术、影像、隐喻和观看方式等的旋涡中。本书是一次邀请，它希望引起大家对民族志研究过程中的影像、技术以及观看和体验方式的关注。 ★ 如何读？ “方法是为研究服务的，而非研究为方法服务。”本书不是一个提供方法的文本，而是一本方法论的书籍：它旨在提出方法上的建议，邀请读者参与到这种方法中，对其进行评估，看是否能以及如何运用到他们的课题中，如果读者愿意的话也可以对这种方法进行调试和改造。 -内容简介- 近年来，视觉研究和民族志相融合的趋势日益显现。本书是这两者融合而产生的一本里程碑意义的著作，它历经3版，足以看出它在这一领域的经典性。 本书分为三大部分共10章： ★ 第1章将视觉民族志置于广阔的历史和学科背景中，将为后面的章节所讨论的视觉民族志方法提供历史和学科的描述。 ★ 第2章概括了一种方法，它将视觉影像和技术与反身性民族志相关联，聚焦于主观性、创造性和自我意识。 它将社会个体的人类学思想与视觉理论及对消费和物质文化的探索相结合，意在思考视觉影像和技术是怎样与两种文化交织在一起的：一种是民族志学者研究的文化，另一种是学者们置身其中的学术文化。 ★ 第3章延续了第2章的讨论，关注视觉田野调查准备工作的实践。在此，作者通过田野调查中的性别关系的例子，反思了项目设计、伦理考量和身份认同等问题。 ★ 由4-7章组成的第二部分通过聚焦在实践中一直被使用的各种视觉和数字技术来考察视觉民族志方法论和方法。第4章集中探讨摄影在民族志研究实践中的使用。植根于视觉社会学和人类学的摄影还能以各种方式被运用于众多领域。 ★ 第5章将讨论视频在视觉民族志研究中的运用。在此，作者将不再以统治了视觉人类学实践和文献的民族志电影为中心，而是考虑了不同的方式，其中视频录像可以成为民族志情境中的一种。 ★ 第6章是专为第3版而写的，作者将重点讨论网络媒体在视觉民族志中的应用，探讨融入这一情境中的新的视觉民族志研究实践如何显现。 ★ 第7章继续前面三章的话题，着重探讨在民族志进程中对视觉材料的组织和阐释。 ★ 本书的最后一部分致力于分析作为民族志学者如何利用数字和视觉影像传播我们的研究。第8章和第9章讨论不同类型文本的产生，视觉的、书面的和其他材料怎样在不同的表征中结合并互联，尤其是摄影和视频。 ★ 数字媒体已经为视觉影像的使用打开了新的令人激动的可能性。然而，这些可能性也带来了一系列表征、 阐释和知识产权等问题，第10章将就此进行探讨。

- 编辑推荐 - ·杜尚的《泉》、马勒维奇的《黑方块》、蒙德里安的格子画……这些艺术作品的创新究竟有何意义？它们的文化价值究竟从哪儿来？ ·著名艺术评论家、策展人鲍里斯•格罗伊斯为我们创设了一个广阔的思考空间，使一系列关于神圣和世俗（什么才算是文化？）、传统和断裂（文化如何进入档案库？），以及时尚和历史之间关系的话题得以展开。 ·格罗伊斯擅长将不同的哲学传统（从法国后结构主义到现代俄罗斯哲学）融入他具有启示意义的分析中，这些问题直指当今文化生产的核心，展现出他极其宽广的思想维度。 - 内容简介 - 本书探讨了当代文化发展中一个极为关键的议题：创新。不论是理论家、作家还是艺术家都不断被要求去创造新的东西。但是“新”这个概念本身已经彻底发生了变化。“新”的定义只能以它和现存的和旧有东西之间在某个文化中的关系来确定。一件艺术作品的价值是由它和其他艺术作品之间的关系，而不是以它和文化以外的现实之间的关系所决定的。这就意味着在文化中，创新其实是一种重估价值的过程，从本质上说，创新是一种经济层面上的运作过程。而每个希望参与到社会生活中去的人都在参与这种价值交换。 对格罗伊斯来说，创新是一种对文化的否定式适应。艺术品和文化传统之间的关系及其在多大程度上可以否定性来适应传统成为了评价艺术作品的主要标准。因此，世俗和日常的领域如今可以进入文化档案库。一个最好的例子就是杜尚的现成品。本书通过对新与旧、日常和文化之间辩证关系的探讨，展现了艺术和理论是如何获得文化价值的过程。