这是一本专门为水彩画初学者，所编写之观念与技巧并重的实用教材。 藉由二十幅由浅入深、循序渐进的完整示范，完全公开透明水彩画的基本技法。 六百五十张清晰而详尽的过程示范图，让读者轻松地按部就班临摹练习，以习得透明水彩的调色原理与缝合、重叠、渲染之三大基本技法。 书末并收录许多相关题材影像照片，作为读者自我测试与练习各种技法之参考资料，是水彩爱好者与美术相关科系的最佳教材与自学技法实用书。

从1978年起，自然主义式的再现艺术越来越让霍克尼感到束手束脚，其限制性和诸多缺陷越来越让他不耐烦。霍克尼总是抵制把艺术分为具象和抽象这种愚蠢的二分法，他认为“一切艺术都是抽象艺术”，再现从来就不是对外部世界的复制，一切再现，尽管风格有差异，都以感知和概念的假设与惯例为基础。与此同时，霍克尼痛恨自己的风格被模式化，虽然他的风格大受欢迎，他却不愿意重复可预测的霍克尼式图像。他挑战了过去被误以为真实的摄影（摄影虽然是机械记录，但它也不能摆脱对空间感知的特定预设，而且其 含义并非绝对客观中立），并对各种不同的空间再现方式，对采用新技术“复制”艺术的丰富可能性，都兴趣盎然，为之兴奋。他对空间再现具有莫大的好奇心，对之反复实验，因为空间是一切再现形式的精髓。作为这种好奇心的补充，霍克尼越来越频繁地从事舞台设计，舞台设计本身就是一门将制造错觉与三维性结合在一起的艺术。 霍克尼的脾气是完全不在乎别人说他天真。作为一名艺术家，他相信任何事都不能想当然，任何事他都必须亲自探索。他对空间再现的研究和实验，包括其涉及到的更广泛的意义，以及他对复制的含义等问题的关注，都不是哲学家会思考的问题，而是一位工作中的艺术家思考的问题。他的探索具有儿童般纯真的好奇。他对艺术界狭隘、多变、时髦的风气毫无兴趣，只顾走自己的路，这倒不是因为他刻意要摆出一副原创性的姿态，而是因为他总是站在艺术家的立场上，对“更广阔的视角”，对未知的宇宙，满怀真挚的兴趣和热爱。因为这个原因，本书不仅按年代编排了霍克尼的作品，同时也追溯了他创作中的道德和智性思考，它们当然和作品分不开。

《素描指南>(第6版)从介绍素描的特性，起步者的工具，学习看，临摹和速写入手，继而用五个章节详尽透彻地论述了线条，明度，质感，构图和透视，接下去的几个独立章节全面探讨了干性和湿性材质以及传统的素描体裁如静物，风景等，关于表现性素描，混合材质使用连同其他一些高层次问题的讨论将会在画家技艺渐趋成熟的过程中起到很好的指导作用。《素描指南>(第6版)适合于初、高级素描学者的教学参考书。 《素描指南》为学习者提供了一个发展个人观点和技法的极好框架。它从介绍素描的特性、起步者的工具、学习“看”、临摹和速写入手，继而用五个章节详尽透彻地论述了线条、明度、质感、构图和透视；接下去的几个独立章节全面探讨了干性和湿性材质以及传统的素描体裁如静物、风景、人体和肖像等。关于表现性素描、混合材质使用连同其他一些高层次问题的讨论将会在画家技艺渐趋成熟的过程中起到很好的指导作用。 在第六版中您将发现： 近400幅插图:半数以上为20世纪素描作品，大量为本版最新收入。 两个全彩部分:展示运用各种不同材质创作的彩色素描作品。 一个新焦点:强调“看”在素描艺术中的重要性，帮助学生在素描实践中建立起视觉联系。 一个全新章节:第18章，帮助学生在综合各种不同材质创作技法的基础上发展其技艺。 关键性术语定义:在书中首次出现时标注在页边空白处，并在全书末尾附有完全术语表。 课外练习及自我评价题:两者并立引导学生客观地评定自己的作品。 《素描指南》是我见过有素描的最为全面的论述。他谈到了许多细致入微的技法和态度，无论是初学者还是较高层次的学习者，以至于成熟的艺术家，都将从中获益匪浅。

《直觉素描:用所有的感官去感受》内容简介：教授如何画素描不外乎两种方式：一种是传达各种图形技巧、专业技能；另外一种是激发想象能力以及直觉。《直觉素描:用所有的感官去感受》属于后者。在很大程度上，《直觉素描:用所有的感官去感受》放弃了理论推导，而侧重遵照我们感官的体验以及直觉来进行素描创作，其方法简单说分成三步：首先集中注意力于自己的身体，让内部的图画产生出来；然后将不同的感官能力纳入意识中；最后通过我们在“身人”体验他人的自然力量拓展“看”的能力。由此，素描成为情感和感受的可见的痕迹。 《直觉素描:用所有的感官去感受》收集了约80个练习范例并附着图例，以极为丰富的直觉角度展现了用直觉画素描的这种别出心裁的素描创作形式，步骤具体翔实，读者可依照进行自己的创作。 躺着画，坐着画，走着画，站着画，舞蹈着画，爬行着画，流动着画，覆盖着画，击打着画，抚摸着画。 每一种身体感觉，每一种痛苦，每一个想法，每一个回忆，每一个联想，都导向运动，成为素描痕迹，在你的身体中创造出空间去进行转变。 在画素描时，你在期望，习惯、观念方面放弃得越多。你就会发展出越多的信任。 素描在这里意味着和身体的各种可能性游戏，和线条、和形式、和心理抵触以及互相矛盾、和恐惧、和欢乐做游戏。 画素描不是意味着建构或者复制，而是充满活力的关系的表达。素描是感官的赠与。 给你的手、你的眼睛、你的纸和笔分配角色。笔将成为探触的手指，纸将成为被触摸到的皮肤，静／净将成为你体验的空间。 学习在画素描时给那些你迄今认为不值一看的东西足够的重视。

《油画技法》是一本讲解油画技法的专著。《油画技法》以100多幅西方油画大师的作品为例，生动具体地分析了西方油画大师的表现方法与技法。《油画技法》在美国艺术界具有广泛影响。中国青年独家购买了这本专著在中国的出版权。

《向大师学绘画:如何默写人体》系统地向你介绍了一种循序渐进地应用解剖学与度量学描绘人体的方法。从《向大师学绘画:如何默写人体》的第一页开始，你将学会本体系的基础——简化骨骼。当你掌握了简化骨骼的画法后，就可以将肌肉逐步添加上去。 本体系的独特之处在于它对图解的应用，它对肌肉的完整分离与分析，以及它对各部分的渐次组合。在介绍人体某一部分的各章节开头，都有一幅骨骼图和一个身体的八头法图例作为随后资料的概览，各人体部位的绘画要点均在每章中给予编号说明。图解之后常常跟随提要部分，为怎样绘画简化人体给予提示性补充。书中的图例是阐述本体系最简明的指导性图画。在这些图例中，通常复杂的物体被简化成如椭圆形、三角形和水滴形的几何图形，使本体系可以立即转化为人体画法。与之对应的解剖提要使本体系适用于任何专业领域。 目前，还没有任何一种体系在视觉完整性与简洁性上可以与《向大师学绘画:如何默写人体》媲美。构成人体外形的每一块肌肉或肌肉组被分离开来进行分析，使之能够逐次逐块地组成一个完整的动作人体。每章都是一个完整的单元，包括各种切中要点的信息。伴随着每章逐步构造人体的学习，你可以体会到本体系将人体各部位一步一步组合在一起的全部过程。而《向大师学绘画:如何默写人体》结尾一章“从你的头部画起”就是这种循序渐进方法的最终成果。结尾一章的完成作品应为自我检查之用，即在每章学习结束之后，翻到最后一章，将你的作品与包括行走、奔跑、3／4侧面前视图与后视图以及各种动作的作品进行比较。当你掌握了这种绘画方法后，你将能够绘画出《向大师学绘画:如何默写人体》所示动作的任何变体。

《想象力：构图与创作思维》从点、线、面、体等基本元素开始，讲解了如何发挥想象力，并且应用各种创作理论将想象实现成作品。本书的内容体系完整，强调抽象思维的重要性，关注精神感受对创作过程所起的关键作用，通过大量绘画案例对基本元素、形式、平衡、简洁和力进行分析，整理成易于读者学习的知识体系。在*后一章设置了大量的练习，让读者在学习了前面的知识后立刻进行针对性练习，进一步掌握所学的知识点。 《想象力：构图与创作思维》适合想要发挥想象力进行创作的插画师和爱好者阅读，也适合相关专业的学生和培训班作为教材。

如果你想学习精深的素描技法，就应当求教于杰出的画家，譬如米开朗基罗、达·芬奇、波提切利、鲁本斯……当然，这些大师已经不能亲自向我们传授技法，但幸运的是，他们的作品依然留存于世，成为我们优秀的老师。 作者罗伯特·贝弗利·黑尔，被普遍认为是乔治·伯里曼在纽约艺术学生联盟的继承者，从事素描与艺用解剖方面的教学40余年。他选取了100幅自文艺复兴以来西方著名美术大师的人体素描作品，对其进行分析，展示了千年美术史上的大师们如何处理线条、光线和块面、体块、位置朝向和方位以及艺用解剖学等基本元素。 本书思接千载，博采众长，以出色的洞见和明晰的解说，仔细分析了绘画中的基本难题，并一一展示了大师们应对这些难题的表现方法与技巧，将绘画技法的教学落实于真实作品之中，是一本帮助艺术学生与艺术家水平进阶的实用教材。 ▲畅销全球55年的殿堂级素描教程，影响几代艺术家与学生的绘画指南。 ▲清华美院、中央美院名师联合推荐，在各大艺术院校经久不衰的经典教材。 ▲伯里曼公认的继承者罗伯特·贝弗利·黑尔在本书中总结毕生教学经验，逐一揭示西方美术巨匠的独门绘画技巧。 ▲书中收录100幅达·芬奇、伦勃朗、丢勒等西方美术大师的原始素描手稿。 ▲左页图片放大，突出大师笔法细节，右页全幅原图，呈现名作全貌，图上标注一目了然，更加清晰。 ▲本书可作为艺术学生、绘画学习者的专业指导书籍和工具书。 适读人群 ：艺术专业学生，绘画爱好者，素描学习者

众多漫威、DC画师的实用素材库 承继伯里曼，高颜值装帧搭配引人入胜的讲解 芝加哥艺术大学经典教学著作 ◎ 编辑推荐 ☆如果你买了《伯里曼》就丢在一边，看不进去…… 从本书中，你可以借助生动讲解和众多美貌范画，学习到一样的知识。作者师承伯里曼，并将其教学体系做了深入细致的 阐释，并不局限在教科书式讲解或是枯燥的技术分析上，而是通过展示自己曾经遇到过的、你未来可能会遇到的问题，并给出最行之有效的解决方法，来帮助你全面掌握素描知识。 ☆如果你笔下的形象总是千人一面，少了点性格…… 本书不仅讲解了身体各部位的比例、透视和光影的塑造方法，还讲解了肌肉的运作原理以及肌肉牵引下身体各部分呈现出的姿态变化、面部表情变化。帮助你在创作各类人物时，不仅能使笔下的面孔生动自然，连身形动态都颇具性格，不论写实还是肆意夸张表情和身材比例，都能协调悦目。 ☆如果你已经掌握了扎实塑造技巧，而画面效果依然平淡…… 这时候你的画面缺乏的是对画面的整体设计，无论是大场景还是独立人物抑或是一个很小的局部，都有创作者精心的设计存在。画画不是原封不动地记录全部事实，而是捕捉视线或脑海中的微妙节奏。安德鲁·路米斯会引导你发现细微之处的节奏所在，通过大量的素材学习，让你的画面拥有设计感。 ◎ 内容简介 如果你曾因“缺乏艺术细胞”而放弃绘画，觉得自己画什么都不好看，那么你一定要看看这本书。拥有艺术天赋固然美好，但是深入学习并掌握丰富的绘画知识和技巧才是完成佳作的必经之路。 在本书中，作者系统地讲解了包含绘画基本原理、透视技巧和光影营造等在内的绘画知识，使你能够高屋建瓴地理解块面、色彩、比例和明暗等画面必备要素，学会系统性地思考和安排画面。书中还配有丰富的可供临摹的示例，使你能够边学边练，更牢固地掌握所学的知识，将画面上所有组成部分有机地融合在一起。 ◎ 名人推荐 我全部的绘画技法和我画的超级英雄,都应该归功于路米斯的天才著作。 ——《蝙蝠侠》《超人》《神奇女侠》《沙赞》的画师、美漫画大师亚力克斯·罗斯(Alex Ross)

前言（作者的话）： 身后是非谁管得，其实，生前的是非也管不得。但生命之史都只有真实的一份，伪造或曲解都将被时间揭穿。 我一向反对写自己的传记，感到平凡人生何必传之记之，今年逾八旬，常见有长、短文章叙我生平故事与言行，善意恶意、或褒或贬，真伪混杂，我虽一目了然，也只能由其自由扩散。但促我反思，还是自己写一份真实的自己的材料，以备身后真有寻找我的人们参照。 书分三部分，第一部分叙“生命之流”，即随着岁月的流逝和生活的经历，记自己思想感情的成长、发展、转变与衰落。这生命之流如绘了一幅《清明上河图》，着力于长河的全貌与主要转折，而许多局部细节须用放大镜观察。第二部分“此情此景”，便全是局部放大图，包括有关生活的、文艺观的，其中不少文章都是当年针对现实而发，并引起过强烈反响和争议，今一字不改呈奉于新读者前，读者有最大的自由选择自己有兴趣的篇章。第三部分是年表，那是生命支付的账单，备查支付的误差。

【トップアニメーターが明かす 基本から演出までのすべて。】 手の作画に定評のあるアニメーター・加々美高浩が、 どのように考え、どのように描いているか、 基本もこだわりもしっかりとまとめて明かします。 ●手を描くために知っておきたいことが盛りだくさん ・どんな手も描きこなすための３つのアタリ 「図形アタリ」「シルエットアタリ」「ブロックアタリ」 ・描き分けや描き込みのコツがつかめる 「男女」「年齢」「指」「シワ」「絵柄」「感情」 ・手の魅力を引き上げる演出技法 伝えたいことを伝えるための表現の技術を教えます。 ・いろいろなポーズを描くための知識 シチュエーションや動きにあわせた手ポーズの実例を多数紹介。 ●二大ダウンロード特典 ・ラフから影付けまで！ 「作画まるごと解説動画」 30分オーバーの解説付き作画動画がいつでも見れます。 ・加々美高浩の手を作画資料に！ 「手のポーズ写真素材集」 加々美高浩ディレクションによる加々美高浩の手の写真素材です。

《绘画构图学》介绍了:绘画构图学是研究绘画构图的原理、规律与技巧的绘画理论。绘画的表达方式是通过视觉符号传情达意的，因而被喻为艺术语言。作为“语言”，必然包含语义信息。因此，绘画是由符号和语义构成的。如要将画家所思所想的“语义”明晰地传达给观众，就得对符号进行组织，使语言信息与符号信息同构。这便是构图的任务。符号为何能传达信息，怎样组织符号传达画家所要表达的信息，且给人以视觉美感，这便是绘画构图学所要研究的学问。这门学问，是以绘画技巧、绘画心理学、色彩学、美学和创作理论为基础的综合性的技法理论学科。

Josef Albers' "Interaction of Color" is a masterwork in art education. Conceived as a handbook and teaching aid for artists, instructors, and students, this influential book presents Albers' singular explanation of complex colour theory principles. Originally published by Yale University Press in 1963 as a limited silkscreen edition with 150 colour plates, "Interaction of Color" first appeared in paperback in 1971, featuring ten colour studies, and has remained in print ever since. With over a quarter of a million copies sold in its various editions since 1963, "Interaction of Color" remains an essential resource. This new edition presents a significantly expanded selection of close to sixty colour studies alongside Albers' original text, demonstrating such principles as colour relativity, intensity, and temperature; vibrating and vanishing boundaries; and the illusion of transparency and reversed grounds. A celebration of the longevity and unique authority of Albers' contribution, this landmark edition will find new audiences in studios and classrooms around the world.

享誉全球的概念艺术家坎·穆夫提克将在书中探讨传统的素描及写生训练对当今商业艺术创作的裨益。作为一名在游戏、电影及动画领域深耕多年的概念艺术家，坎·穆夫提克深谙娱乐业高速的工作节奏和不断创新的产业需求。由此，坎·穆夫提克从实用角度出发，介绍如何通过合理训练，快速掌握人体素描的绘画技法，从而提升捕捉人物动态的能力，为笔下的人物赋予生命力。 除了实用的学习方法和绘画技巧，本书还收录了众多业内人士的优秀作品及其学习建议。坎·穆夫提克还特邀专业摄影师及模特，为本书拍摄了大量动态人体图片。无论是想要提高素描基础的数字艺术家，还是想要扩展思路的传统艺术家，抑或人体素描的初学者，都会爱上这本传统与现代、实用与美学相结合的素描之书。

Figure Drawing: Design and Invention is an instructional figure drawing book geared towards the novice and experienced artist alike. This book emphasizes a simplified understanding of surface anatomy, in order to clarify the mechanics of the figure, facilitate invention, and ultimately create a skill-set that can be successfully applied to other media. In addition, this book focuses very strongly on practical usage, making sure the artist is able to assimilate the steps presented here into a cohesive working process. (Fourth printing, September 2011)

同じ絵を見ても、プロと素人では、見ているところが違っていた!? ★予約殺到! 大人気のビジネスマン向けビジュアルリテラシー講座、待望の書籍化! ・なぜ、この絵に惹きつけられるのだろう? ・この絵の主役はどこ? ・前情報なしに、どう見たらいいの? ・バランスや構図が良いとか悪いとか、みんな何を見て言っているの? ちゃんと絵の中にヒントがあるんです。 センスがなくても、知識がなくても、目の前の絵画を「自分の目で見る」、 そして「良し悪しを判断する」ことは、できるんです。 謎を解くカギは、ぜんぶ絵の中にあります。 絵の研究は、「意味」と「形」の二本柱。 この本では、これまであまり触れられてこなかった、「造形」の面から歴史的名画を見ていきます。 描かれたモノを「見る」ためには、少し見方を訓練していないと気づかないものです。 ダ・ヴィンチ、ラファエロ、ルーベンス、 ベラスケス、フェルメール、ゴッホ、セザンヌ―― 超有名なあの名画、知られざるあの傑作、 どう見たらいいか迷う抽象絵画、20世紀を代表する写真まで―― どう見たらいいか、初めて分かるようになります。たくさんのカラー作品が練習問題。 はじめて見る絵でも、パズルを解くように絵を読み解いていく面白さ、 味わってみませんか? 「どういう絵に対しても使える本書で紹介した絵の見方は、 コンパスのような役割を果たしてくれるはず。 名画がどうして名画と呼ばれるのか。 今まで見ようとしなかった真実が、きっと見え始めるでしょう」――著者

土豆和理想国共同打造的“看理想”系列节目之一：陈丹青的以画家之眼观看艺术杰作的《局部》。

James Gurney, New York Times best-selling author and artist of the Dinotopia series, follows Imaginative Realism with his second art-instruction book, Color and Light: A Guide for the Realist Painter. A researched study on two of art's most fundamental themes, Color and Light bridges the gap between abstract theory and practical knowledge. Beginning with a survey of underappreciated masters who perfected the use of color and light, the book examines how light reveals form, the properties of color and pigments, and the wide variety of atmospheric effects. Gurney cuts though the confusing and contradictory dogma about color, testing it in the light of science and observation. A glossary, pigment index, and bibliography complete what will ultimately become an indispensible tool for any artist. This book is the second in a series based on his blog, gurneyjourney.com. His first in the series, Imaginative Realism, was widely acclaimed in the fantastical art world, and was ranked the #1 Bestseller on the Amazon list for art instruction. "James Gurney's new book, Color and Light, cleverly bridges the gap between artistic observation and scientific explanation. Not only does he eloquently describe all the effects of color and light an artist might encounter, but he thrills us with his striking paintings in the process." --Armand Cabrera, Artist