一本可读可赏可玩的书。 中央美术学院博士专业解读和精心手绘。 毫厘毕现千年名画被忽视的细节，并结合史料文献，剖析了《清明上河图》创作的背后政治意图，认为图中所描绘的是宋神宗治下王安石变法时期，京都汴梁城外十数里清明坊草市的场景，这个场景汇集了大量直接指向“熙宁新法”对于北宋社会形态改变的图像符号。尽管有的学者提到《清明上河图》创作于宋神宗时期，或者提出图像所反映的并不是汴梁城内的场景的观点，但缺乏具体的论证手段和详尽的论述证据，很大程度上停留在推测的阶段。 本书作者提供了详尽的论述和图像符号证据。作者坚持从图像出发，深入图像中的每一个细微之处，带着画家本身的敏锐去观察、去审视这些图像，又将它们看作一个个有意义的符号，努力寻求这种图像背后的意义指向，为大家厘清了《清明上河图》图像中近40个有所指向的符号，指出有些符号在以往研究者的解读中被误读了。首次将《清明上河图》所反映的历史时间和地点进一步统一在“熙宁变法”时期的汴梁城外十数里清明坊草市这个“历史的场景”上。

当莫奈遇到涂尔干，当杜尚遇到布尔迪厄时，严谨的社会学家将如何观照天马行空的艺术作品？精确的实证科学与舞动的激情灵感又会起到怎样的化学反应？ 在薇拉•佐尔伯格看来，无论艺术家具有怎样的个性特征，他们的作品都直接或间接地依赖于社会结构，因此她建立了一套评估制度、经济、政治是如何影响艺术创造的社会学方法。本书考察了艺术家生活的社会环境，他们所面对的支持和压力，他们需要取悦的公众以及他们必须抗争的社会力量，对高雅与低俗艺术的区分、艺术流派演变的原因以及艺术品价值波动的历史过程等问题做出了细致分析。作者以社会学的独到视角，理性地解答了那些关于艺术的问题。

哪些作品能被称作艺术品而哪些不能，由谁来评判？ 艺术品都是艺术家独立完成的吗？ 艺术家是否像人们想象中的那样特立独行？ 艺术家、评论家、艺术品商人、收藏家之间有着怎么样的关系？ 贝克尔的艺术社会学经典著作《艺术界》为这些问题提供了答案。 对艺术的传统分析往往局限于艺术家和艺术品，而贝克尔则以社会学之眼审视艺术，将艺术看作一种集体活动，对“艺术界”这一概念进行了丰富而精微的阐发。在贝克尔看来，艺术界通常与它试图与之划清界限的世界有着千丝万缕的联系，因此，本书的每一章都从一个略有不同的视角窥探艺术界，讨论了艺术品创作进程及其参与者之间的合作与冲突，艺术活动中的特殊惯例，新的艺术家分类，艺术与国家的关系，以及艺术的名声问题等等，展现了一幅艺术界运作与变化的生动全景图。

本书初版于1927年，以其高度的原创性和敏锐性，至今被公认为研究塞尚艺术的典范之作。罗杰•弗莱认为形式而非内容才是艺术最基本的表达元素。塞尚的作品最切合这一理想——对自然的一切方面赋予形式的表达。在本书中，弗莱既着力于探索塞尚艺术风格的发展进程及其艺术世界的宏观结构，同时也对塞尚作品进行具体而微的分析，以静观沉思的体验功夫，以不断充实的感性材料，完成文采斐然、生动活泼的著述，展示了塞尚艺术不可思议的魅力。 沈语冰忠实地翻译了这本著作，为其写下大量注解及导论文字，并在附录中提供了丰富的弗莱研究、塞尚研究资料。 本次修订新增50余幅塞尚作品的彩色图片。

本书是小塞缪尔·Y. 埃杰顿教授在美术史领域多年研究的成果，探讨了西方发端于17世纪伽利略的“科学革命”与距之300年前由乔托开启的文艺复兴“艺术革命”之间的传承关系，揭示了文艺复兴时期绘画、雕塑和建筑在“现代科学”中所发挥的决定性作用。 作者认为，早在莱奥纳尔多之前，不知名的“工匠－工程师”塔科拉和马丁尼已构想出一种描述性几何图语言，而文艺复兴重现自然的艺术方法则有助于发展伽利略、哈维以及笛卡尔的科学想象力，因此熟悉以透视和明暗法描绘图像的伽利略才会即刻判断出他通过望远镜观察到的月球光暗领域为山峰和陨石坑。他强调，西方在观看方式上的独特成就是现代科学兴盛的前提。同时，他还将文艺复兴时期欧洲的科学和美术与明代中国相比较，认为当时的中国对“现实”的认知受制于另一套艺术体系。 本书包含了近150张丰富生动的精美插图，相信会受到美术史家、科学史家以及其他对文化史有兴趣者的喜爱。

本书是艺术史学科中关于艺术破坏研究的一本具有开创性意义的学术著作。作为艺术史研究领域中的一部专著，作者将研究视点放在艺术破坏这一艺术史研究中鲜有人问津的重要主题之上，在对艺术破坏的相关概念、研究方法、观念看法以及行为分类等问题作了历史与理论的系统梳理的基础上，从原因、动机、行为语境及其在现当代艺术发展过程中所具有的价值等方面，对全世界范围内发生的各种攻击、破坏艺术作品的行为以及破坏者等案例作了全面、深入地分析与研究。该书不仅对我们了解艺术品自创作完成之后的遭际与归宿、观众对艺术品的接受反应特别有价值，而且对于理解现代艺术中有关艺术与非艺术这一基本问题也具有一定的启发意义。

艺术与哲学，这两项人类重要的精神事业，如何才能获得有效的沟通？本书收录了著名艺术史家迈耶•夏皮罗的21篇文章，其中大部分在作者生前从未发表过。在这本文集的第一部分，夏皮罗用具体的艺术作品阐述了艺术家、艺术运动与哲学体系之间的各种关系。他用高度清晰的论点、优美的行文，以及非凡的博学，扩展并丰富了我们对艺术作品的理解。在文集的第二部分，夏皮罗探讨了我们对艺术的各种日常经验：现代艺术的价值，社会写实主义，革命艺术，引起骚乱的艺术，艺术市场，艺术家的公共赞助，公共艺术委托，教会艺术，等等。 +++++++++++ +++++++++++ 我们会怀念他那包罗万象的心灵，正如在哥伦比亚大学流行的说法那样：“假如西方文明被摧毁，迈耶可以在十天之内将它们重建出来。”——David Shapiro 夏皮罗先生是这个世纪最有创造力的思想家……他也是迄今为止美国最重要的艺术史家。——Michael Kimmelman ++++++++++++ ++++++++++++ ★在欧美艺术史上，夏皮罗是独一无二的。他的独特远不止是博闻强记、包罗万象的学问，不止是他那特立独行的思想者的风范，更在于他独特的写作风格。 ★夏皮罗几乎从未写过一本大部头的书，但他的讲座和论文赢得了几代读者，他的写作总是那么观点清晰，简要而精彩，极具启发意义。 ★“假如西方文明被摧毁，迈耶可以在十天之内将它重建出来。” ★辑录的文章涉及主题广泛，写作时间上更是跨越40年之久，从中我们得以见证夏皮罗始终如一的坚守：艺术家的自由，以及艺术与社会的融合。 ★书中还有大量精美图片，和夏皮罗的阐释互为呼应，异常精彩。

艺术审美的脱节如何引发文化的瓦解？—— 艺术风格的变化，正是社会更迭的缩影。 - 赛德尔迈尔将法国大革命以来的艺术品作为理解社会转变的基础，将每个时期出现的新的艺术现象视为时代的“症候”，并在此基础上通过诊断整合成“中心的丧失”这一概念。现代艺术的审美脱节不仅意味着风格问题，而且指向了更深层的文化和宗教瓦解过程。因此，这是一部关于精神的批评之作，作者从艺术出发，既考量时代的丰功伟业，又不回避它的苦难深重。本书的问世引起了艺术评论家和神学思想家的共同关注。 - 【编辑推荐】 ★奥地利著名艺术史学家赛德尔迈尔集大成之作。 ★以艺术作品的风格变化为基础，探讨社会更迭的现象与含义。 ★这是一部探讨艺术作品的文艺之作，更是一部关于精神的批评之作。 - 【媒体推荐】 我们可以将《艺术的危机》恰当地理解为关于文化或人类精神的一次流行病学诊断。赛德尔迈尔的目标是去“诠释”，“通过艺术的语言”去绘制一个有关当今时代的“体温图表”。 ——罗杰•金鲍尔，美国艺术批评家、社会评论家，《新标准》杂志主编

本书是一本评论集，评论的是出版于二十世纪，对美术史最有影响力的十六本书。这十六本书皆由顶尖学者或行家里手写就，在重估这批名著的同时，整体上也为读者穿越艺术典籍的重重迷宫指明了道路。它是一幅阅读艺术史的大致路线图。

综合、权威，可读性强，并有大量精美插图。从塞尚到20世纪头十年的立体主义、未来主义、超现实主义和达达主义，再到20世纪50年代的抽象表现主义，赫伯特·里德对现代绘画做了详尽的诠释。卡洛琳·蒂丝代尔和威廉·菲弗在最后的章节中生动地讨论和分析了弗兰克·斯特拉、理查德·汉密尔顿、安迪·沃霍尔、罗伯特·劳申伯格以及其他许多艺术家的作品，推动着对现代绘画的解读向前发展。这是一次不可或缺的考证工作，证明了赫伯特·里德作为一个艺术家、诗人、艺术史学家的才能。

Ways of Seeing is a 1972 BBC four-part television series of 30-minute films created chiefly by writer John Berger and producer Mike Dibb. Berger's scripts were adapted into a book of the same name. The series and book criticize traditional Western cultural aesthetics by raising questions about hidden ideologies in visual images. The series is partially a response to Kenneth Clark's Civilisation series, which represents a more traditionalist view of the Western artistic and cultural canon.

"Sensuous Surfaces" is a systematic introduction to the decorative arts in Ming and Qing dynasty China. Jonathan Hay's analysis takes in both material and technique, and also issues of patronage and taste, which together formed a loose system of informal rules that affected every level of decoration in early modern China, from an individual object to the arrangement of an entire residential interior. By engaging the actual and metaphoric potential of surface, this system guided the production and use of the decorative arts during a period of explosive growth, which started in the late sixteenth century and continued until the mid-nineteenth century.The system made a fundamental contribution to the sensory education of China's early modern urban population, both as individuals and in their embodiment of established social roles. "Sensuous Surfaces" is also a meditation on the role of pleasure in decoration. Often intellectually dismissed as merely pleasurable, Hay argues that decoration is better understood as a necessary form of art which can fulfil its function only by engaging the human capacity for erotic response. Featuring around 280 colour images, of a wide range of early modern Chinese objects and art-works, this book will engage anyone with an interest in decoration, art, China - or the experience of pleasure itself.

Product Description In the first exploration of Chinese paintings as both material products and pictorial representations, The Double Screen shows how the collaboration and tension between material form and image gives life to a painting. A Chinese painting is often reduced to the image it bears; its material form is dismissed; its intimate connection with social activities and cultural conventions neglected. A screen occupies a space and divides it, supplies an ideal surface for painting, and has been a favorite pictorial image in Chinese art since antiquity. Wu Hung undertakes a comprehensive analysis of the screen, which can be an object, an art medium, a pictorial motif, or all three at once. With its diverse roles, the screen has provided Chinese painters with endless opportunities to reinvent their art. The Double Screen provides a powerful non-Western perspective on issues from portraiture and pictorial narrative to voyeurism, masquerade, and political rhetoric. It will be invaluable to anyone interested in the history of art and Asian studies.

In this, the only up-to-date critical work on still life painting in any language, Norman Bryson analyses the origins, history and logic of 'still life', one of the most enduring forms of Western painting. The first essay is devoted to Roman wall-painting while in the second the author surveys a major segment in the history of still life, from seventeenth-century Spanish painting to Cubism. The third essay tackles the controversial field of seventeenth-century Dutch still life. Bryson concludes in the final essay that the persisting tendency to downgrade the genre of still life is profoundly rooted in the historical oppression of women. In "Looking at the Overlooked", Norman Bryson is at his most brilliant to date. These superbly written essays will stimulate us to look at the entire tradition of still life with new and critical eyes.

Erwin Panofsky's Perspective as Symbolic Form is one of the great works of modern intellectual history, the legendary text that has dominated all art historical and philosophical discussions on the topic of perspective in this century. Finally available in English, it is an unrivaled example of Panofsky's early method that placed him within broader developments in theories of knowledge and cultural change. Here, drawing on a massive body of learning that ranges over Antique philosophy, theology, science, and optics as well as the history of art, Panofsky produces a type of "archaeology" of Western representation that far surpasses the usual scope of art historical studies.<br /> <br /> Perspective in Panofsky's hands becomes a central component of a Western "will to form," the expression of a schema linking the social, cognitive, psychological, and especially technical practices of a given culture into harmonious and integrated wholes. Yet the perceptual schema of each historical culture or epoch is different, and each gives rise to a different but equally full vision of the world. Panofsky articulates these different spatial systems, demonstrating their particular coherence and compatibility with the modes of knowledge, belief, and exchange that characterized the cultures in which they arose. Our own modernity, Panofsky shows, is characterized by its peculiarly mathematical expression of the concept of the infinite, within a space that is necessarily both continuous and homogeneous.

中国画颜色、颜料技法的里程碑巨著 非物质文化技法的盛世重光 ◎ 编辑推荐 现代工笔画大师于非闇系统整理古代及当代画家的颜色、颜料技法，结合绘画实践，将其毕生所学与独门秘技毫无保留地记录下来。这本小册子篇幅不大，却是研究中国传统绘画颜色、颜料的里程碑式的巨著。书中记载的相当多的颜料制备 方法，在现今化工颜料的冲击下已经濒于失传。 ◎ 内容简介 《中国画颜色的研究》详细介绍了中国画颜色的品种、性质及发展状况，中国墨的特色，古代与现代画家研漂颜料、使用颜色的方法等。此次修订工作由刘乐园（Lewis Eden）主持。修订者对于原书中所征引的传世文献，全部依据明清两朝的刻本、钞本，进行了校勘和重新标点；对于一些比较复杂的问题进行了缀辑、订补和解释，并与近世考古新发现互相印证、彼此阐发。在进行整理工作的同时，出版团队组织专人，按照于非闇原稿中所说的颜料制备方法，对诸多中国传统矿物质、植物质颜料进行了制备攻关实验，许多攻克的颜料技法难点（比如纯金金泥的制备和使用，西洋红颜料的特性，石绿颜料的制法，花青颜料的用法等），都毫无保留地吸收进书稿中，使这本重要著作以精勘、精修、精校、精印出品的方式重现人间。

为什么中国文化会产生这样的园林？ 中国的园林何以成为读书人性格的写照？ 在本书中，作者从古代绘画、赋文、器物以及现存名园中，寻找园林精神的蛛丝马迹，勾勒出中国园林思想的发展脉络，也映射出中国文化内在的矛盾与张力。

贡布里希对世界著名学者的经典阐释，一部捍卫古典文化传统、拯救人文科学的呕心沥血之作。 本书是我社《贡布里希文集》的第七本，介绍了黑格尔、博厄斯、瑞恰慈、耶茨夫人、克里斯、库尔茨等十一位世界著名学者的艺术思想，并以期通过对他们的介绍达到振兴目前处于衰退的人文学科的目的。作者认为，人文学科是人类的记忆官能，人文学科需要受控的想象力，人文学科不能以自然科学的精确客观标准为标准，因为这会导致它的非人性化。人文科学者必须掌握外语、把握史料的艺术诀窍，培养感受力和理解力，并且尊重价值。这说明振兴人文学科绝不是一件轻松的事情，这取决于今天的人文学者以及有志于人文学科的年轻读者。如果我们克服自卑自傲情绪，以前辈大师为榜样，发奋努力，复兴人文学科就成为可能。本书有很高学术价值。 收入本书的十一位学者都是世界有名的人文学者，作者把他们置于人类文明的大背景下来讨论，不仅为我们解读了这些学者的观点、成就和研究方法，而且还简洁生动地描述了每位学者的气质和习性，让读者看到了他们栩栩如生的形象。是一本热爱人文科学的学者们不得不读的书，也是一本探索人类文化传统的好书。

本书以十篇论文探讨了中国传统绘画发展历程中重要转变之原因。 作者一方面从传统的研究成果及材料中汲取精华，另一方面又能不囿于成规，充分挖掘了画家与文化环境的互动关系，并将其作为改变各阶段画风的重要因素。