The third volume in the New York Times bestselling Wes Anderson Collection series showcases the best artwork from “Bad Dads,” an annual exhibition of art inspired by the films of Wes Anderson. Curated by Spoke Art Gallery in San Francisco, “Bad Dads” has continued to grow and progress as a dynamic group exhibition since its inaugural show in 2011, and has featured work from more than 400 artists from around the world. Those artworks range from paintings to sculptures to limited-edition screen prints and vary greatly in style, making for a diverse and lively show each year. Though each piece is distinct in its own right, the artworks’ unifying element is the shared imagery and beloved characters from: · Bottle Rocket · Rushmore · The Royal Tenenbaums · The Life Aquatic with Steve Zissou · The Darjeeling Limited · Fantastic Mr. Fox · Moonrise Kingdom · The Grand Budapest Hotel The book features an original cover by graphic artist Max Dalton, a foreword by writer and director Wes Anderson himself, and an introduction by TV and movie critic Matt Zoller Seitz, author of the bestselling Wes Anderson Collection books. A visual treasure trove, Bad Dads grants fans of Wes Anderson another creative avenue to explore his inspired worlds and movies.

Wes Anderson is one of the most influential voices from the past two decades of American cinema. A true auteur, Anderson is known for the visual artistry, inimitable tone, and idiosyncratic characterizations that make each of his films—Bottle Rocket, Rushmore, The Royal Tenenbaums, The Life Aquatic with Steve Zissou, The Darjeeling Limited, Fantastic Mr. Fox, and Moonrise Kingdom—instantly recognizable as “Andersonian.” The Wes Anderson Collection is the first in-depth overview of Anderson’s filmography, guiding readers through his life and career. Previously unpublished photos, artwork, and ephemera complement a book-length conversation between Anderson and award-winning critic Matt Zoller Seitz. The interview and images are woven together in a meticulously designed book that captures the spirit of his films: melancholy and playful, wise and childish—and thoroughly original.

Wes Anderson’s eighth feature film, The Grand Budapest Hotel, is the fullest expression to date of Anderson’s varied thematic and stylistic idiosyncrasies and influences—a meticulously crafted, visually resplendent matryoshka-doll caper set primarily in an alternate-history version of 1930s Europe. This supplementary, one-volume companion to The Wes Anderson Collection (Abrams 2013) is the only book to take readers behind the scenes of The Grand Budapest Hotel, with in-depth interviews between Anderson and cultural critic and New York Times bestselling author Matt Zoller Seitz. Anderson shares the story behind the film’s conception, the wide variety of sources that inspired it—from author Stefan Zweig to filmmaker Ernst Lubitsch to photochrom landscapes from turn-of-the-century Middle Europe—personal anecdotes about the making of the film, and other reflections on his filmmaking process. These interviews are accompanied by behind-the-scenes photos, ephemera, and artwork, as well as exclusive critical essays by Ali Arikan, Steven Boone, David Bordwell, Olivia Collette, and Christopher Laverty; interviews with costume designer Milena Canonero, composer Alexandre Desplat, lead actor Ralph Fiennes, production designer Adam Stockhausen, and cinematographer Robert Yeoman; and an introduction by playwright Anne Washburn.

◆“漫画音乐家”马托蒂作品首次引进 ◆爱与艺术幻灭的悲歌 ◆诗意文字与极简画面的实验性融合 ▼编辑推荐 ★国内首次引进“漫画音乐家”洛伦佐·马托蒂的漫画作品 意大利漫画家洛伦佐·马托蒂在漫画界、插画界都享有世界级声誉，连续三年（2018-2020）负责威尼斯国际电影节主海报的绘制。王家卫、安东尼奥尼、索德伯格合拍电影《爱神》的海报也出自他手。《日本漫画60年》作者、著名漫画评论家保罗·格拉维特称赞他为“漫画音乐家”，形容他的漫画的韵律和节奏犹如音乐。《窗边的男人》是洛伦佐·马托蒂蕞具实验性的作品之一，也是他的首部简体中文版作品。 ★文字与图像的碰撞与平衡，作家与画家的跨领域交流 在《窗边的男人》中，文字和图像有时像相互缠绵的情人，有时又像两个平行的旅人。如编剧莉莉娅·安布罗西所述，“给予文字和图画等同的空间和重量非常必要，但真要做到并非易事。我们一次又一次地尝试入侵对方领土——共事，就意味着需要时刻尊重对方，有时甚至需要塑造新的平衡”。本书犹如作家和画家通过作品来进行交流，安布罗西诗意的文字与马托蒂纤细的线条时而产生碰撞、时而融合，最终达到一种奇妙的平衡。 ★极简主义的笔触，描绘一场爱与艺术的幻灭 一个遭遇离异的雕塑家，艺术创作也陷入灵感枯竭的阶段。他的内心一片空白。他一次次渴望在祖先、故友、爱人以及雕塑那里得到慰藉，却一次次被推向更大的空虚……漫画家用极简主义风格描绘这段爱与艺术的幻灭之旅。抽象的画面映射出人类无以名状的情绪，大量的留白宛如主人公空空如也的内心世界。 ▼内容简介 一个陷入了创作瓶颈的失意雕塑家，他尝试感受周遭的一切，来唤起自己对爱与美的记忆。去拜访病重的友人时，他遇到了曾经认识的美丽女士，并和她展开一段美好的爱情。这段爱情让他思索良多…… 爱情、怀疑、艺术、对先辈的回忆……一切在雕塑家内心交织，使他彷徨、挣扎。 ▼媒体推荐 “这部作品图文之间有一种无法复制的平衡感。” ——Fumettologica（意大利著名漫画评论网站） “在《窗边的男人》里，文字和绘画就像是在用某种方式互相追逐。但这并不意味这莉莉娅·安布罗西抒情诗意的文本与马托蒂的画面讲述的是两个故事。如果以不同角度解读它们，会发现文本和画面用非常亲密的方式相交。” — —保罗·费拉拉（意大利作家、评论家）

陈丹青的私人艺术史 1.5亿人次观看，豆瓣高分艺术纪录片《局部》内容全收录 发掘隐没的天才、次要的作品 时隔五年，新修订 内文更换高级涂布纸，贴近画作原色 本书是陈丹青视频节目《局部》第一季的讲稿。从少年王希孟到憨人凡·高，从早期文艺复兴的捣蛋鬼布法马可到威尼斯画匠卡帕奇奥，从舞女出身的瓦拉东到民国闺秀女画家，从宫廷画师徐扬到战死沙场的巴齐耶……他们多数是被美术史忽略的天才，作品亦然，虽经历史“隐没”而显得“次要”，却值得再度被认知、被观看。这是一份画家个人的观看与叙述，艺术史退为背景，艺术家，才是主角。

跟陈丹青一起逛美术馆 1.5亿人次观看，豆瓣高分艺术纪录片《局部》内容全收录 游走层叠的艺术时空，聚焦艺术史上的规范与偏离 本书是陈丹青视频节目《局部》第二季的讲稿，围绕纽约大都会艺术博物馆铺展开来。历史不是静止的，美术馆收藏的就是重重叠叠的时间。勃鲁盖尔与李公麟对望眼前的麦田，维米尔堆砌起凝结层的魅力，印象派在百年后将沙龙绘画挤至次席……这些艺术家，大多数没进过大学，古人更不消说——规范永远期待天才的偏离。再完美的规范也无法包容千差万别的真实。“此所以美术馆是我的大学，此所以我至今尚未毕业。”

与陈丹青重访文艺复兴 1.5亿人次观看，豆瓣高分艺术纪录片《局部》内容全收录 翻越达·芬奇、米开朗琪罗与拉斐尔，仰望意大利湿壁画 本书是陈丹青视频节目《局部》第三季的讲稿，作者寻访意大利教堂、修道院，聚焦凝固于墙上的湿壁画。“文艺复兴三杰”常被比作高峰，作者却将“次要作品”与它们的创作者娓娓道来：“大名鼎鼎”的乔托与师傅“牛头”契马布埃，落拓不羁的马萨乔与气息高贵的马索利诺，可敬的乌切洛与可爱的老利皮，阿西西圣方济各教堂的弗朗切斯卡与美第奇-里卡迪宫的戈佐里，以及那些无名的工匠……千百幅湿壁画既是君王与臣民的教科书，又是图像的狂欢。在不用透视法的中古时代，这些工匠显示了绘画的另一种维度，另一种理性，更饱满，更开放，更接近现代性。艺术不是进化链，不要以为越是后来的艺术，越是好。

面对西方艺术史上那些大师笔下的杰出肖像画，我们除了赞叹、回味，还能做些什么？还能多看出些什么、多发现些什么吗？仔细读完这本《肖像画的凝视》，相信你观画的目光会有不同，你不仅能从自己的凝视中体察更多，还能发现画家和画中人凝视的目光，等等。 哲学思辨的运作虽基于概念，但其动机和创意更多来自观察、感受和想象，特别是在艺术史领域，能将思考、鉴赏、洞察、解析融为一体并完美进行的，当属法国当代像让-吕克南希这样具有深厚艺术修养的思想者，因为对他们来说，思无界，哲学更无界。 在这本以肖像画为主题的哲学著作中，南希要探索的是主体、身份和绘画的真理这样一些问题。作者以西方美术史上几位画家的肖像画作品为范例，围绕“凝视”这一核心概念，解读出观看的多维向度，梳理出“相似性”“唤起”和“凝视”等概念的内涵与关联，对肖像画的特性、肖像画和圣像画之间的渊源等作了深刻的哲学思考。这是南希艺术哲学中较为重要的一部作品，篇幅虽小，其独创性和思想性却不容忽视。 本书为漓江西学子午线译丛第二辑的第一本。

One of the key figures in the New York art world of the 1980s, Keith Haring (1958–1990) created a signature style that blended street art, graffiti, Pop, and cartoon elements to unique, memorable effect. With thick black outlines, bright colors, and kinetic figures, his public (and occasionally illegal) interventions, sculptures, and works on canvas and paper have become instantly recognizable icons of 20th century visual culture. From his first chalk drawings in the New York City subway stations, to his renowned “Radiant Baby” symbol, and his commissions for Swatch Watch and Absolut Vodka, Haring’s work was both emblematic of the manic work ethic of 1980s New York, yet distinctive for its social-awareness. Belying their bright, playful aesthetics, his pieces often tackled intensely controversial socio-political issues, including racism, capitalism, religious fundamentalism, and the increasing impact of AIDS on New York’s gay community, the latter foreshadowing his own death from the disease in 1990. In this vivid introduction to Haring’s work, we explore the dynamic life and innovative spirit of this singular artist, who spent little more than a decade in the spotlight, but through the accessibility of his visual vocabulary and the strength of his political commitment became one of the most significant artists to emerge from New York’s vibrant, downtown community.

《绘画构图学》介绍了:绘画构图学是研究绘画构图的原理、规律与技巧的绘画理论。绘画的表达方式是通过视觉符号传情达意的，因而被喻为艺术语言。作为“语言”，必然包含语义信息。因此，绘画是由符号和语义构成的。如要将画家所思所想的“语义”明晰地传达给观众，就得对符号进行组织，使语言信息与符号信息同构。这便是构图的任务。符号为何能传达信息，怎样组织符号传达画家所要表达的信息，且给人以视觉美感，这便是绘画构图学所要研究的学问。这门学问，是以绘画技巧、绘画心理学、色彩学、美学和创作理论为基础的综合性的技法理论学科。

本书是法国艺术史家于贝尔•达弥施有关摄影与电影研究成果的汇总，分为四个部分：第一部分探讨摄影的本质，同时提出一个一直萦绕着他的问题：摄影是没有历史的，或者说，由于摄影的本质，不可能存在一种摄影史——哪怕在纪念他所崇敬的瓦尔特•本雅明撰写的《摄影小史》时，他也多次重申这一问题；第二部分，分述三种不同的摄影实践，包括曾经昙花一现的立体视像、法国当代作家兼摄影家德尼•洛什的创作，以及加拿大多才多艺的全能艺术家迈克尔•斯诺的作品；第三部分专门讨论“建筑摄影”这一特殊类型；第四部分探讨运动的图像，也就是电影中的影像，最终提出一个“节奏-影像”的概念，与德勒兹的“时间-影像”与“运动-影像”相映成趣。

本书为村上隆和日本文化领域的13位大师们的对谈集，该对谈集仅在中国发行。 由村上隆主持并有13位日本大师的参与，可以看到最有代表性的日本大师们的现状和作品，是一本社科人文类普及读物。 这些大师中包括安藤忠雄、蜷川实花、奈良美智、佐藤可士和等知名度极高的大师，还包括庵野秀明、细田守、富野由悠季等亚文化界的明星。 这本书总结了迄今为止的13为大师们和村上隆的活动和作品，并探究其成功的原因。因为村上隆的主持，对谈很有深度。这本书还有13位大师们和村上隆授权的很多图片，视界突出，介绍的作品量和信息量非常多，相当于日本创业界大师们的全集。

本书为著名画商雷奈·詹泊尔所写的日记，詹泊尔，一位与印象派同时代的法国大画商。喜欢参观博物馆、喜欢和人吃饭聊天并记下来。作为画商世家，他的生意做到了欧洲和美国，日记中的相当部分和印象派有关。他和德加、雷诺阿、莫奈、米勒、马奈、马蒂斯、毕加索、塞尚等保持着私人交往。跟他们一起吃饭、讨论作品、开玩笑。当然，还讨价还价。本书讲述了作者与各界艺术名流的交往故事，记录了艺术作品在买卖之间的流转迁徙，展示了作者对于艺术本身的独到见解;虽不过是对流水生活的点滴摘录，却反映出整个时代的风云变幻。

作为一个杰出的艺评家，约翰•罗斯金（John Ruskin，1819—1900）自己也进行艺术创作。罗斯金从艺术的功用目的出发，将诗歌、绘画、建筑、雕刻视为本质相通的艺术，他对“细节”的关注使他可以像面对文字一样面对视觉艺术的形式构成要素，在肯定“形象思维”的基础上，罗斯金发现了视觉艺术形式要素的语言特征，又由于罗斯金对视觉艺术浪漫主义特征的强调，他开始关注视觉艺术形式要素自身的“表现”功能，意识到了视觉艺术形式“语言”的独立价值。本书主要介绍了自西方油画发展起时，线条、光线与色彩这三种油画中必备元素的发展过程，通过具体的论述及对具体画作的描述，从绘画的三种基本元素反映出西方油画的发展史。

On the Museum's Ruins presents Douglas Crimp's criticism of contemporary art, its institutions, and its politics alongside photographic works by the artist Louise Lawler to create a collaborative project that is itself an example of postmodern practice at its most provocative. Crimp elaborates the new paradigm of postmodernism through analyses of art practices broadly conceived, not only the practices of artists -- Robert Rauschenberg, Cindy Sherman, Marcel Broodthaers, Richard Serra, Sherrie Levine, and Robert Mapplethorpe -- but those of critics and curators, of international exhibitions, and of new or refurbished museums such as the Staatsgalerie in Stuttgart and the Martin-Gropius-Bau in Berlin.The essays :- Photographs at the End of Modernism.- On the Museum's Ruins.- The Museum's Old, the Library's New Subject.- The End of Painting.- The Photographic Activity of Postmodernism.- Appropriating Appropriation.- Redefining Site Specificity.- This is Not a Museum of Art.- The Art of Exhibition.- The Postmodern Museum.

齐格弗里德·克拉考尔，是公认的西方写实主义最具代表性的电影理论家。《电影的本性》一书是他最具影响力的代表作品。在书中他建立起一个完整而严密的电影理论体系：从电影是“物质现实的还原”这一基本命题出发，阐明电影的全部功能是记录和提示我们周围的世界，而不是讲述虚构的故事。他的结论是，只有拿着摄影机到现实生活中去发现和拍摄那些有典型性的偶然世界，才能拍出符合电影本性的影片。

《色彩感知学》内容简介：色彩学习从视觉上论证客观事实与主观感受之间的落差——观看的心理因素。是关于“看”的哲学和心理学。视觉课题的证明不同于科学的证明，它试图做的不是证实，而是颠覆。尽管我们看到的视觉效果是真实的，并没有欺骗的成分，但它的性质类似魔术表演。 探索色彩现象的实验像一种特殊而朴实的魔术。谜底就摆在眼前，它并不依靠藏匿真相来欺骗眼睛，恰恰相反.它所创造的假象借助于观察者的想象力，让人能真实地感受到现实世界与人为虚构的关联，帮助我们看清现实的主观构造。 我们学习色彩不仅观察对象本身，更重要的是观察它与周边环境的关系——时间、空间以及它与观察者（主体）的相关关系，也就是说，我们感兴趣的是——眼前的色彩现象是如何发生的。