本书分为上下两卷，章节不同，目的也不同。上卷包含前四章，旨在强化读者对现代艺术创造了一种新艺术这一假说所持的怀疑态度，或者使他们产生出这种态度。下卷包括其余四章，意在解释为什么现代主义艺术不是艺术。该书可供各大专院校作为教材使用，也可供从事相关工作的人员作为参考用书使用。 前言 导言 二十世纪：非艺术的时代 上卷 幻灭 第一章 艺术在范式危机中 国王必须死 艺术与文化转变 形象艺术已经踏上了不归路 范式危机的症状 划界问题 现代主义：热的和冷的 结语 第二章 现代艺术与作伪逻辑 作伪：生存的普遍原则 杜桑综合症：作为还原论的现代主义 把艺术还原为感动和印象 一堆还原 还原品对理念品 结语 第三章 抽象艺术中有抽象吗？ 抽象艺术可以是任何东西 抽象：一个双向过程 概念抽象对图画抽象 形象艺术中的抽象对抽象艺术中的抽象 抽象对简化 利希滕斯坦的母牛变成抽象的了吗？ 抽象对物性和客体化 把含糊当抽象 抽象是一种感情吗？ 抽象艺术是神秘主义的一种形式吗？ 艺术中的抽象有什么目的？ 第四章 为粗鄙服务的美学 美学的贫困 通过不定义艺术来定义艺术 丹图：关于艺术定义的惯例论 迪基：行为主义美学 定义与对艺术的特征描述 下卷 心灵与艺术 第五章 心印：心灵一现实的结构性影像？ 心灵，心印，以及艺术和文化的起源 心印和艺术 形象艺术对抽象艺术：联结性的不同层次 第六章 二十世纪艺术的等级性的崩溃及其对现在与未来 艺术的含义 艺术和有序一无序的互补性 现代主义：艺术的组织原则的崩溃 形象艺术对抽象艺术：等级状态的诸层面 把绘画随意化：碾石头对碾尘土 等级性一随意性作为递归的联结性一拆解性 等级性一随意性：最复杂、最不可缺少的心印 第七章 形象呈现是武断的吗？对惯例论艺术观及其对非再现 艺术的寓意的再考察 惯例论艺术观为把任何东西当作艺术品的做法 大开绿灯 以史前视角看惯例论艺术观 反对惯例论艺术观的七个论点 回到起点？ 第八章 对称性：艺术的联结原则 艺术中的对称性遭到废弃 对称性和文化的起源 通过相对对称性的联结性 一幅形象绘画就是一个元模式 现代主义：破碎的对称性的一个副产品 恢复艺术的对称性是绝对必要的 尾声 病树前头万木春 一场革命性的变革 首要的步骤 一条通往新艺术的道路 出自心灵的艺术 附录 形象艺术对抽象艺术：总结表 注释 参考书目 索引

本书为美国知名德勒兹专家罗纳德·博格关于德勒兹的系列专著之一。全书分为音乐、绘画和艺术三部分。第一部分的三章先是概述德勒兹与瓜塔里有关宇宙音乐的论述；接着重点分析了法国音乐家梅西安等人的作品, 以此阐释德勒兹有关解域叠歌的思想；最后从音乐动物行为学、生物学和生态学角度考察音乐和艺术的关系。第二部分转而探讨绘画艺术的问题和母题，指认德勒兹将绘画的问题建构为解域面孔-风景。作者重点阐释了面孔-风景这一概念，并以弗兰西斯·培根、塞尚、凡·高等著名画家的画作为例，指出画家的任务是打破面孔性的模式，脱离现行符号的控制，捕捉贯穿面孔、身体和风景的不可见的变形力量。第三部分即第七章对德勒兹《什么是哲学？》一书中的艰涩段落进行了推测性的解读。

「『夢』不是要讓你睡著，而是要把你弄醒。」 認識超現實主義大師馬格利特 用畫筆建構出一場永恆之夢 用攝影貫徹超現實美學精神 在家庭相簿裡，暗藏著他的藝術家人生與白日夢 臺北市立美術館2018年「揭相：馬格利特影像展」展覽專書 帶你深入馬格利特的超現實世界 從家族相簿到創意攝影 畫作VS.攝影－－佐證與對照 認識大師的頂尖想像＆創意 ◎特別收錄－－展覽中看不到的對照畫作 典藏畫家過世10年後出土的珍貴攝影及影片 「奧祕的存在，就是心靈最根本的本質。」 －－馬格利特 「像詩，又似謎，馬格利特以他獨有的黑色幽默，戲弄我們跟這個沉悶無趣的邏輯人間。」 －－攝影家／張照堂 馬格利特，享譽全球的比利時超現實主義畫家，喜歡閉眼拍照，常以夢境自娛、從中擷取作畫靈感。人生歷經兩次世界大戰，他說沒有思想的繪畫和攝影，不夠用來認清這世界。世界對他而言，就是一個常識的挑戰。於是白日與黑夜共存、現實與想像合體，真假之中，他創造了矛盾、神祕的視覺刺點。 他是朋友口中「假扮成過著資產階級生活的平凡人，來隱藏他是個怪人的事實。」他厭惡……專業性的英雄主義……美好的感覺……裝飾藝術、民間傳說、廣告、公告的嗓音……童子軍、樟腦丸的氣味、當前發生的事和醉漢。攝影家張照堂說：「馬格利特是白日造夢者，將人的無意識視覺化，並質疑外現世界的存在與虛無，何者為真假？他用畫筆建構出一場永恆之夢。」他的作品有著詩意的豐富想像，影響了無數創作者，以及插畫、設計和流行文化。 臺北市立美術館於2018年9月29日，盛大舉辦「揭相：馬格利特影像展」，是近年來關於超現實主義藝術家的重要展覽。相關話題，再次引發討論，本書正是此次展覽的專書，由展覽策展人撰寫，他是現任比利時夏勒華攝影博物館的館長薩維耶‧凱能（Xavier Canonne）。書中一如展覽，透過畫家過世10年後出土的珍貴家庭照片和影片，揭露他日常生活及創作過程中的真實面向。 這批照片攝於1914至1967年間，大多己無留存底片，由私人藏家收存。直至1970年代中期，才終於出土。這些影像提供了另一條路徑，探究畫家的創作動機和作品意涵，同時也進一步了解彼時比利時超現實流派的發展，以及他與同期使用攝影為創作媒材藝術家們的關係，如：曼‧雷、豪爾．烏白克與傑克－安德烈‧柏法等。馬格利特的攝影，有別於他在繪畫中所透露的沉靜哲理，反而轉身將自己化為滑稽的即興演員，展現出一個藝術家在探索真理過程中，以諧趣開朗的智慧面對生命的幻化無常。 六大篇章，典藏畫家過世10年後出土的珍貴攝影及影片 一、家庭相簿－－日常生活 二、家族的相似性－－與超現實主義社群的關係 三、繪畫的相似性－－與畫作的即興合照 四、許可的複製－－來自照片的作畫靈感 五、對攝影的模仿－－電影的影響 六、虛假的鏡子－－創作歷程的探索 書中分為六大部分，前三部分認識藝術家的日常人生，接下來的四到六章，則反映他的工作過程，以及他與照片、電影、畫作之間的關係。最後一章「虛假的鏡子」，以馬格利特的名畫《The False Mirror》命名。馬格利特認為臉孔不能表達一個人真實的本性，只能提供一個外貌，一面「偽鏡」。鏡子完全局限於表面，無法穿透奧祕。 他在許多「肖像照」裡閉著眼睛，連結睡眠和死亡，好像陷入內在世界，專注於個人思想的鍛煉。與其說表達夢境，馬格利特閉眼的「肖像」更像傳達他的內在生命，一種行動的展現，這種行動代表他的思想，正是透過思想，他的畫筆給出了實質的形式。 1967年仲夏，馬格利特閤上了眼，這雙眼就算不是為他而閤上，後人也不該再將它們打開。其餘的，已不再屬於他，因為現在對這個世界睜大雙眼已經是其他人的事了。就算沒有轉變觀看，馬格利特對這個世界所做出的貢獻至少也改變了世界被感知的方式，將它一大部分的奧祕以符號，物件，和他選擇的外貌揭示出來。 馬格利特說－－ 【談超現實】 超現實不是一種美學，是一種反抗狀態。 超現實主義思想在各方面都具有革命性，並且必然反對資產階級的藝術觀念。 【談夢】 1936年的一個夜晚，我在一間房間醒來，房間的鳥籠裡有一隻睡著的鳥。一個奇妙的錯誤，讓我以為鳥從籠子裡飛走了，取而代之的是一顆蛋。我因而得知一個驚奇又新穎的詩意祕密。 基於這個啟示，我想除了籠子以外的物體，是否也能表現出蛋和籠子相遇，所激發出的詩歌。 【談神祕】 失去奧祕，事物本身就不可能存在。 如果我只是一部相機，絕不可能誘發神祕感。 【談電影】 我不拍電影，我拍的是過去美好日子裡的老片。 「道德」電影不是電影：它是乏味道德教訓的無聊諷刺畫。它跟道德教訓一樣，裡面都沒有道德。 【談靈感】 我的畫跟夢正好相反，因為夢並不意味著就是我們所說的那樣。我只能在神智清明下工作。清明不用我去請，它自己會來，也被稱作靈感。 【談藝術】 如果畫裡的物件禁得起被詮釋為符號或被解釋成甚麼東西，我的畫就成立了…… 繪畫藝術如果沒有被或多或少當成一種神祕化的無邪形式，就陳述不了觀點，也表達不了情感：一張流淚的臉孔形象並沒有表達悲傷，也沒有說出悲傷的想法。想法和情感並沒有可見的形式。 【談畫作標題】 畫作標題的選擇是為了防止我的畫作被歸放到一個令人安心的領域。 標題必須是一個額外的保護措施，來阻止任何將真正的詩歌降格為一個無關緊要的遊戲企圖。

好藝術，如何看？ 當代藝術就是布滿專業術語的地雷區 該相信你的眼睛？藝評評價？藝術史論斷？還是市場賣價？ 紐約最前線、美國80年代新表現主義大將 塗鴉藝術家巴斯奇亞、凱斯˙哈林同代人、普普大師李奇登斯坦好友 重返20世紀藝術現場，說出藝術家們的激辯、交心、回憶與自白 歷經觀念　行動藝術洗禮後的新觀看之道 繼約翰‧伯格《觀看的方式》，又一精彩觀點的經典之作 「關於藝術的『如何』論戰，沒人比大衛‧薩利探索得更棒。」 －－作家‧魯西迪 ◎什麼因素讓當代藝術滴答運作？什麼因素讓它變成好藝術？又是什麼因素讓它顯得有趣？ 自杜象1917年在小便斗上簽名後，撼動了繪畫主導的藝術世界。視覺藝術的變化速度日益加快，未來主義、構成主義、新地理、機制批判、非具象主義、表現主義、抽象表現主義、低限主義、新表現主義等新名詞大量繁殖，當代藝術成了布滿專業術語的地雷區，這些術語就像是為了將欣賞者淘汰出局而設計的。 ◎近五百年後，再度挑戰「藝術家談藝術家」 美國80年代最重要的新表現主義大將：大衛‧薩利（David Salle），試圖扭轉一般人被藝評家阻隔於現代藝術之外的現況。身為塗鴉藝術家巴斯奇亞和凱斯˙哈林的同代人，及普普大師李奇登斯坦的好友，他想用藝術家聚在一起聊天的語言談論當代藝術，說出一位創作人面對藝術世界這四十年來天翻地覆驟變的真心話。他是繼1550年義大利藝術家瓦薩利，時隔近五百年後，再度挑戰藝術家談藝術家的後繼者。文集收錄的主題，從當代指標型人物到歷史人物皆有。許多是作者的同代人，有些更是認識幾十年的好友、同學。 藝術家講話的方式與記者不同，記者習慣把焦點擺在周圍脈絡、市場、觀眾等等，也跟學術評論不同，評論家會根據理論宣稱自己說法的正當性。這兩種都是宏觀敘事。但藝術家不一樣，他們談的是什麼有效，什麼沒效，為什麼。他們的焦點比較微觀；是由內往外推。 ◎假如藝術會說話，如何區別哪些是真話？ 大衛‧薩利在書中舉例： 「Case 1.──曾經有個電視節目叫做《信不信由你！》。其中一集，令人印象深刻，內容是有個傢伙說他把自己的車子吃掉了。他花了四年的時間，方法是把車子剁成碎片，每天吃掉一小塊，這個傢伙想辦法把整輛車都吃進肚子，包括方向盤、鉻鋼、輪胎，全部。用現在的觀點，他根本不知道自己正在創造藝術。」 「Case 2.──今天當代藝術分成兩大陣營。一邊是存在好幾百年不曾間斷的圖像性藝術；另一邊是數量正在增加的展演性藝術。我們不願面對的真相是：展演藝術比創作藝術容易。挑選比創新容易。想做出真正吸引目光的東西，需要獨一無二的充沛活力把知識、視覺和文化的面向整合起來。迴避這項整合工作的藝術，不太可能長久吸引人們的關注，因為它下的賭注比較少。當你心存僥倖，不敢繃到極限，情感的力道就會減弱。」 吃車子是藝術嗎？面對觀念藝術，繪畫究竟太傳統，抑或更凸顯其獨有唯一性，仍具突破空間？複製品、模仿作，與原作有差別嗎？為什麼我們對某些藝術有似曾相識的感覺？對被評論的藝術家來說，是否認同藝評人的專家眼力？當我們欣賞一件當代作品時，要如何看出好壞？普普藝術大師李奇登斯坦，私底下如何評價自己的作品？他的作品，如何的「很不」安迪‧沃荷？市場價格等於藝術價值嗎？藝術家Jeff Koons被諷刺媚俗，他的作品是否只是譁眾取寵？與英國藝術家Hirst比起來，在話題之外，誰的藝術性耐久？這些似是而非，似非而是的疑問，該怎麼說，怎麼想？ 關於這些思考，作者歷經了四十年的寫作摸索。從1975年初到紐約，用寫作支付房租，到1980、1990年代，改以一種懶人版的書寫形式進行採訪。最後，他採用最老派的方式，不採訪，純粹獨立書寫。「我發現，書寫可以幫助我理解對某件事情的真正想法，最後變成一種習慣，很難戒除。」 本書的架構分為四部分：「如何為想法賦予形式」、「當個藝術家」、「世間藝術」和「教學與論戰」。 最後一篇也可稱為「給年輕藝術家的建議」，包含一些可在課堂上或私下進行的習作。設計這些習作的目的，期待讀者從自身的連結、描述和類比中找到樂趣，帶領「一般讀者」摸清藝術家心思，不需太多專業配備，就可抵達藝術意義的核心。 ◎聯合推薦 藝評人／張世倫 藝術家、策展人、國立臺灣藝術大學美術系兼任助理教授／張君懿 「卸下當代藝術令人諱莫如深的專業術語，以直接、自然的口吻提供讀者欣賞藝術天馬行空的表現。」 －－胡氏藝術公司執行長／胡朝聖 「透過大衛直觀又透澈的筆尖，揉合充滿溫度和歷史厚度的色彩。我似乎進入每個創作者的意識，用他們的筆觸描繪出一幅幅世代繪畫的圖像。」 －－藝術家／陳敬元 「我經常說，好懂的藝術只有很貴的與很差的兩種，因多數人只關心『什麼』而非『怎麼』。本書讓你擦亮眼睛。」 －－亞紀畫廊負責人／黃亞紀 「假使藝術會說話，我們要如何學會區別那些是真話？除了好奇、觀看與直覺，我們所認識的藝術大多是來自於藝術家本人、評論、媒體、策展人和收藏家的口耳相傳，透過作者幽默機智的文筆，重返藝術現場，聆聽二十世紀現代藝術精彩的談話。」 －－策展人、藝術評論作者、臺灣數位文化科技與藝術學會執行長／劉惠媛 「本書以親密對話的文體，讓讀者猶如置身小酒館、咖啡屋與工作室，聆聽藝術家們對當代藝術的激辯、交心、回憶與自白。」 －－國立臺南藝術大學藝術創作理論研究所副教授／龔卓軍 「如果說約翰‧伯格的《觀看的方式》是藝術評論的經典，探究了藝術是『什麼』，那麼大衛‧薩利的《當代藝術，如何看》就是藝術家給的答覆，告訴觀者該『如何看』。篇篇精彩的文章談論藝術家在創作時，他們想什麼？ 關於藝術的『如何』論題，或許從來沒人比他探索得更棒。」 －－作家‧魯西迪 「一流的藝評有很多是由藝術家所寫的，是那種最不掉書袋，也不會只把藝術家當成棋子來看待的評論文章。大衛‧薩利正是這類藝評者，他不問這是不是藝術？屬於哪種派別？而是問它讓我有什麼感受和思考？他的藝術作品經常被標籤為前衛，一種概念上的立場聲明，他巧妙地且以一種令人信服的方式提醒我們，所有的藝術，即使表面上看來桀驁不馴，也都等著被觀看，而藝術家做的正是教我們怎麼觀看。」 －－美國作家／亞當‧高普尼克（ Adam Gopnik） 「大衛‧薩利被認為是創作前衛且聰明的畫家，但他的這本書帶給我們的驚喜更多。他的第一本散文集是一場場精闢且近身的觀察手記。他認為新藝術源自古藝術，他在書中將不可親近的大師召喚前來，（當他提到他當代的朋友Alex Katz和Jeff Koons時），讓他們有了生動的形象和親近感。身為畫家，薩利似乎以身為藝術家大家庭的一員而感動且自豪，並從他所謂的『共享的藝術DNA』中推導他的繪畫形式，提升了所有傑作其實都是同一組創作的可能性。」 －－藝評家／Deborah Solomon

名畫與空間的想像之旅！ 如果世界名畫任你掛， 客廳、廚房、餐廳、臥室……美麗的維納斯，你會擺在哪？ 用空間說名畫！ 豪華氣派的大廳掛上什麼畫最能吸引眾人的目光？ 什麼畫擺在廚房會讓人食指大動、胃口全開？ 青春浪漫的交誼廳放上什麼畫肯定提升速配指數？ 嚴禁小三入侵，大老婆萬歲的主臥房最需要擺上什麼畫？ 空間與畫作之間透露著什麼玄機？ 空間對了，畫作看起來就大不同？ 本書以建造一間住宅的概念為出發，為讀者設計了一座精彩有趣的「想像的博物館」，這間博物館不僅有客廳、廚房、餐廳、臥室，甚至還有浴室、遊戲間、情人房……作者把居住的生活空間化身成博物館的展示空間，再依各個空間的特色一一擺上適合的畫作，而藉由作者獨具創意的配置，藝術品背後的故事與複雜交錯的歷史背景，亦有了生動的連結，從而使我們更懂得畫作想要傳遞的訊息。 從文藝復興、巴洛克、洛可可、浪漫主義到寫實主義，超過200幅的世界名畫，都在本書裡找到相應的空間。我們看見了正在大廳和聖家族一起迎賓的米開朗基羅、在浴室裡為馬拉垂淚哀悼的大衛、在臥房思索世界的起源的庫爾貝、或是在交誼廳跟維納斯交朋友的波提切利，空間對了，彷彿大師就在身邊與我們親密對話。因此，我們不僅懂了畫，瞭解空間與藝術之間的關係，更進而懂得在什麼樣的空間掛上什麼作品，提升了自己的美感品味，當然還不止此，連藝術史都懂了。 本書特色 1.懂得買畫也要懂得掛畫：買畫是一回事，如何掛畫卻又是另一回事。什麼樣的空間該掛上什麼樣的畫，本書將告訴你哪些畫適合擺在大廳？哪些畫為什麼出現在廚房？哪些畫才是客廳的重點？畫作位置對不對，也關乎個人的美感與品味。 2.超過200幅藝術史上的頂尖作品，涵括全世界著名博物館的經典館藏：沒有去過巴黎羅浮宮？嚮往遊覽義大利的烏菲茲美術館？翻開這本書，世界知名的博物館名畫都在作者營造的空間烘托下，躍然紙上、栩栩如生。 3.不僅帶你認識世界名畫，更閱讀了一段精采輝煌的藝術史：作者藉由創立一座想像的博物館，透過不同的展示空間，以易讀、易懂、易理解的圖文並茂方式，在介紹世界名畫的同時，也讓我們進一步了解西洋藝術史。

本书讲述了在艺术界享誉盛名的34对爱侣彼此之间的点点滴滴，探寻了他们的浪漫韵事和稳如磐石的合作关系。正是这种亲密无间，孕育了一批闻名遐迩的艺术品。从弗里达·卡罗和迭戈·里维拉，到康奈尔和草间弥生；从约瑟夫和安妮·阿尔伯斯，到吉尔伯特与乔治,作者以没有特定顺序的方式，追寻每段浪漫关系的缘起缘灭，记下高潮和低谷，去揭示浪漫的爱意在创作过程中的作用是何等强大。 无论是长久而安稳的结合，还是昙花一现的喧闹激情；本书打开了一扇20世纪的大门，让人们得以品读那些伟大的爱情故事。每个故事都附有独特且精致的插画，包括主角二人的肖像及其代表作品。

These essays, as selected and translated by Stephen Heath, are among the finest writings Barthes ever published on film and photography, and on the phenomena of sound and image. The classic pieces "Introduction to the Structural Analysis of Narrative" and "The Death of the Author" are also included.

Product Description This book comprises material on colour which was written by Wittgenstein in the last eighteen months of his life. It is one of the few documents which shows him concentratedly at work on a single philosophical issue. The principal theme is the features of different colours, of different kinds of colour (metallic colour, the colours of flames, etc.) and of luminosity--a theme which Wittgenstein treats in such a way as to destroy the traditional idea that colour is a simple and logically uniform kind of thing. This edition consists of Wittgenstein's basic German text, together with an English translation.

「為什麼我們不能想像有透明的白玻璃，即使實際上沒有這種東西？」 「將白色透明玻璃類比成透明有色玻璃，這哪裡出錯了？」本書的撰寫，並不是要去建立一套顏色理論，而是要去建立一套顏色概念的邏輯。 維根斯坦的狂放與聰辯，一直吸引著廣大的追隨者，他在四十年代與波帕（K. Popper）對哲學的爭論風采，至今依然令人傳頌不已。身為邏輯哲學論者，維根斯坦認為哲學不是一種理論組織，而是一種活動，一種命題的釐清，必須從文句的爬疏中，將哲學解放出來。 國內對維根斯坦的研究，長期一直以邏輯哲學論的角度探討，本書的視野新穎、趣意橫生，當可為國人提供另一嶄新的體驗。

本书作者国画大师傅抱石先生是位博大精深的学者，毕生著述二百余万字，涉及文化的各方面。本书着重荟萃了傅抱石的《山水人物技法》著作和他相关的关于山水人物方面的论述，汇编成书。全书分为山水、人物技法部分,山水、人物理论部分，写生部分，配上大量作者山水、人物精品范作。傅抱石画法精到。擅画山水人物，山水画方面他中年创“抱石皴”，笔致放逸，气势豪放，尤擅作泉瀑雨雾之景；所作多幅大山水画，气魄雄健，具有强烈的时代感。人物画多作仕女、高士，形象高古。对当代学习研究中国画者有很好的学习借鉴意义。

自古埃及和巴比伦时期以来，观察夜空，研究星图一直是人类面临的挑战。人们总是惊讶于自己所发现的东西，同时又渴望获得科学知识以了解自己所观察到的。 本书以精美的插图和深入浅出的文字，展示了16世纪至19世纪最著名、最罕见且最令人印象深刻的星图，带领读者踏上通往天空之旅。本书介绍了过去几个世纪里，伟大的天文学家们所做的研究和所取得的进展，他们或多或少地对奇妙的天体现象做出了诠释，并向那些把研究星图作为人生目标的人介绍了星图知识的演变。阅读本书，读者将会发现，在很多情况下，艺术和科学知识是以如此特殊的方式融合在一起，最终形成真正的杰作。

这本书看似年代久远，但在当时是最全面和系统的佳作，特别是为了培养摄影者敏锐的观察能力和提高其审美能力，作者提出的多种实验手段和训练方法，更是匠心独造。读者如能照着去做，一定会获益匪浅。

学会配色是做“好设计”的基础。《日本主题配色速查手册》是作为一本适用于各种场合的配色手册。从了解色彩开始，本书可以为你的设计带来无限的灵感与创意。 书中运用了9大色系的1068种原始色彩，罗列了分属15种类别的125组主题配色方案，展示了2500个变化丰富的配色样本。作者对每一组方案都做了简要说明，帮助你使用并轻松驾驭自己所需的色彩。让你掌握看似复杂的色彩搭配法并将这些色彩组合灵活运用到具体设计中。 书后还附有实用的两大工具，方便你从15个类别中迅速找到你需要的色彩关键词索引，以及让配色效果清晰可见的黑、灰两色遮板。 本书不仅是设计师、设计专业学生必备的配色指南，还为从事礼品艺术包装、杂货设计、画报、时装、室内装潢、布料设计等色彩工作者提供创意和灵感。这是一本你值得拥有的实用工具书！

- 编辑推荐 - 意大利马克思主义哲学家、《帝国》作者安东尼奥·奈格里阐发他20来年对后现代艺术之本质的思考的新著作。 作者采用致友人书信的形式展现其思想。奈格里的这些朋友广布艺术、哲学、文学、政治等多领域，呈现出一个思想于其中生发的多元视角。 九大主题再现奈格里与九位友人之间的思想交锋，这些主题汇集了奈格里在不同时期的思考点滴，呈示出一条清晰的思想演进的路径。 - 内容简介 - 本书包含的九封论艺术的信，是作者在1980年代流亡法国期间写给朋友的。从早期唯物主义的艺术理解出发，奈格里把艺术生产和各历史时期特有的社会生产结构联系起来。这使得他能够定义后现代和后福特时代（奈格里称之为非物质劳动的时代）的物质生产和艺术生产的本质。 奈格里试图界定这个新时代的艺术之美，为此，他使用了其思想中的根本概念：独一性、诸众、抽象、集体劳作、事件、生命政治、共产。艺术是活生生的劳动，因此是独一性的发明，是独一形象和对象的发明。但这一表达行为，只有在它借以表达自身的符号和语言转入共同体时，只有当它们被一个共同规划所包纳时，才实现了美。美不是想象的行为，而是一种成为了行动的想象力。艺术，在此意义上，就是诸众。

- 编辑推荐 - •斯蒂格勒教授两访中国，带来系列精彩讲座 •在人类纪里，艺术为何？艺术何为？ •我们应当如何克服身处其中的人类纪？ •一次丰富而深刻的思想的邀约亟待您的参与 - 内容简介 - 本书囊括了斯蒂格勒教授受中国美术学院跨媒体艺术学院、视觉中国研究院，以及同济大学欧洲文化研究院的邀请，于2015年2月26日至3月4日和2016年3月17日至20日，两次访问中国美术学院所作的关于数码时代普遍无产化状况下的审美判断和元电影、书写、屏幕与欲望之间的关系的系列讲座；以及2015年3月6日在南京大学所作的关于如何克服我们身处其中的“人类纪”的讲座发言。这几场讲座既包含斯蒂格勒教授最新鲜的思考与批判，又牵引出他庞大深厚的哲学框架和系统。

The Routledge Handbook of Graffiti and Street Art integrates and reviews current scholarship in the field of graffiti and street art. Thirty-seven original contributions are organized around four sections: - History, Types, and Writers/Artists of Graffiti and Street Art; - Theoretical Explanations of Graffiti and Street Art/Causes of Graffiti and Street Art; - Regional/Municipal Variations/Differences of Graffiti and Street Art; and, - Effects of Graffiti and Street Art. Chapters are written by experts from different countries throughout the world and their expertise spans the fields of American Studies, Art Theory, Criminology, Criminal justice, Ethnography, Photography, Political Science, Psychology, Sociology, and Visual Communication. The Handbook will be of interest to researchers, instructors, advanced students, libraries, and art gallery and　museum curators. This book is also accessible to practitioners and policy makers in the fields of criminal justice, law enforcement, art history, museum studies, tourism studies, and urban studies as well as members of the news media. The Handbook 　includes 70 images, a glossary, a chronology, and the electronic edition will be widely hyperlinked.

《全球视野艺术丛书：涂鸦与街头艺术》中的评论虽略显尖锐，但通俗易懂。作者安娜·瓦克拉维克追溯了涂鸦与街头艺术的起源、演变，探究了设计先驱们的实践活动和创作动机。 涂鸦、街头艺术的创作形式与设计语言从多个方面影响着我们的文化，包括它们在文化反堵现象和颠覆广告中的出色表现。不仅如此，瓦克拉维克还分析了涂鸦与街头艺术在建设、改造城市环境中所起的作用，以及它们在视觉文化领域所扮演的日益重要的角色。值得一提的是，书中选取的图片同样精彩，它们展示了涂鸦与街头艺术作为21世纪最为典型的艺术运动的魅力所在。

The Curator’s Handbook is the essential handbook for curators and curatorial students, mapping every stage of the process of putting on an exhibition, no matter how traditional the venue, from initial idea to final installation. An introduction explores curatorial work from its origins in the seventeenth century onward and outlines the various roles of the curator today. Twelve chapters then trace the various stages of the exhibition process in clear, informative language and using helpful diagrams and tables, from developing the concept to writing contracts and loan requests; putting together budgets and schedules; producing exhibition catalogues and interpretation materials; designing gallery spaces; working with artists, lenders, and art handlers; organizing private views; and documenting and evaluating a show. With advice and tips from a cast of international museum directors and curators―including Daniel Birnbaum (Moderna Museet, Stockholm); Aric Chen (M+, Hong Kong); Elizabeth Macgregor (Museum of Contemporary Art, Sydney); Hans Ulrich Obrist (Serpentine Gallery, London); Gao Peng (Today Art Museum, Beijing); Jennifer Russell (Metropolitan Museum of Art, New York); and Nicholas Serota (Tate, London)―this volume is a crucial guide for anyone involved in, or studying, the dynamic field of curation.

本书总结了作者八年来在当代艺术展示方面的观察、研读、思考和教学的成果，汇集了其中最核心的实践史、理论资源及反思原则。在系统讨论了当代艺术展示的主要元素和方法论之后，作者更进一步挖掘了这一领域的主要的学术背景，意在为读者进一步讨论当代艺术展示提供材料和思路上的铺垫。 本书既提供了关于当代艺术展示的系统的理论解释，也可被看成读者自审、讨论我们时代的艺术理论与艺术展示实践的一个反思-论争现场，更可被看成一本备用的策展理论小词典、行动手册。