康定斯基于1912年写成的《艺术中的精神》一书，是现代艺术理论的经典文献之一。该书上部探讨艺术与社会文化、艺术与人类精神的关系，以及在现代社会中艺术精神面临的危机问题。下部阐述纯粹绘画的形式和精神问题，并勾勒出现代色彩构成和平面构成的基本设想。全书虽篇幅短小，但提纲挈领，内涵深刻，为现代抽象主义艺术和设计奠定了坚实的美学基础。

“现代人不屑于想象”，马拉美如是说。诗人、画家、戏剧家或工程师们都想用形式与行为的统一去取代现实与图像的古老二元性。生活本该因此而得到革新。 我们当代人不再相信革命，即使在过去，也没有重新赞美图像的崇拜：画布上的卓越闪光，摄影或平面图像的刺点。图像成为他者的感性在场：变成血肉之躯的语言或不可再现的上帝的印记。 针对上述观点，雅克•朗西埃将复合而又异质的自然与我们称之为图像的东西对立起来。图像既非纯粹的复制，又非原生的在场，而是一些独特的操作，它会重新分配可见物、可说物和可想物之间的关系。借助戈达尔的图像句子，对它进行研究，分析它叠加灰暗的电影镜头、灭绝犹太人的图像和哲学家的话语的情况，本书剖析了那些不为人知的纽带，它们连接着诗学象征和工业设计，也连接着19世纪的虚构想象以及关于集中营的见证或是当代艺术的装置。 同一个计划推动着这种交叉的过程：将图像从神学的阴影中解放出来，把它归还给诗学的创新和政治的赌注。

康定斯基艺术理论著作第三部首次引入中国。 本书是对《艺术中的精神》《点线面》的理论延伸和阐释。 第一张抽象画是何时产生的? 康定斯基是如何走向“抽象”绘画的? 抽象艺术与自然有什么关系？ 抽象画家靠的是什么？大脑还是直觉？ 在康定斯基眼中，美国的“可能性”是怎样的? 康定斯基是如何看待保罗•克利的？ 这些问题，你都可以在书中找到答案。 包豪斯经典译丛（Bauhaus Series） 1．克利与他的教学笔记 [德] 保罗•克利 著 2．克利的日记 [德] 保罗•克利 著 3．艺术中的精神 [俄] 康定斯基 著 4．点线面 [俄] 康定斯基 著 5．艺术与艺术家论 [俄] 康定斯基 著 6．色彩构成 [美]约瑟夫•亚伯斯 著 7．《新视觉——包豪斯设计、绘画、雕塑和建筑的基础》[美] 拉兹洛•莫霍利-纳吉 著

康定斯基《点线面》一书，最早作为包豪斯学校的形式课程讲义出版，是现代主义艺术的经典文献。从内容上看，本书是康定斯基理论名著《艺术中的精神》的续篇，一方面贯彻该书中的抽象艺术主张，以具体分析的方法研究抽象视觉元素的艺术特征，另一方面则延续该书中的视觉构成课题，从色彩构成转到平面构成，探索现代构成理论的基本框架。本书共有三部分，分别讨论平面构成的三大元素即点、线、面的形式特点，全书自成体系，内容具体，深入浅出，富含美学洞见，并极具实践参考价值。书中有一百多幅插图，均由大师亲手绘制。 就外在的概念而言，每一根独立的线或绘画的形就是一种元素。就内在的概念而言，元素不是形本身，而是活跃在其中的内在张力。 ——康定斯基 《点线面》是包豪斯学校的经典讲义、平面构成的理论巨著。书中插图丰富，均由大师亲手绘制。 本书由著名平面设计师邓扬舟亲自审校，译笔生动，用语典雅，值得用心品读。 20世纪上半叶是西方艺术纷繁复杂、革命四起的时代，此间传统造型美术已彻底没落，各类先锋画派纷纷涌现，以丰富的实验手段探索新艺术的可能。立体派、野兽派、风格派、未来派、抽象表现派等集大成者，其艺术目的固然各有不同，但其技术基础却又异曲同工，即要颠覆传统视幻造型，强化绘画本身的二维特性，创造纯粹平面化的视觉构成。身兼先锋艺术大师和先锋理论家的康定斯基所写的《点线面》，可以说是上述先锋技术理念的奠基者，也是极为完整和成体系的阐述。

Netflix最新制作了一系列关于文化创意时尚工业领域的艺术纪录片《抽象: 设计的艺术（Abstract: The Art of Design）》，探访全球创意艺术名家，分享这些活跃于世界顶级设计领域舞台的设计师所持的创意艺术理念。

★ 2017年沃尔夫森历史奖 ★ 2016年达夫•库珀非虚构文学奖获奖作品 ★ 甲骨文X企鹅图书联合推出 ★ 通过伟大抄本领略千年欧洲史中不为人知的隐秘部分 【本书简介】 伟大的抄本是欧洲文明和历史中隐秘的星。想要接触它们，就需要进入鲜有人能够进入的秘密花园。克里斯托弗•德•哈梅尔为我们打开了秘密花园之门，邀请我们与他一同踏上这条他花了一生精力探索的学术之路。 《非凡抄本寻访录》探访了十二份精美的欧洲中世纪泥金装饰手抄本，是一场深入中世纪社会的非凡旅行。 从无与伦比的《凯尔经》抄本到知名的《坎特伯雷故事集》抄本，作者克里斯托弗·德·哈梅尔全方位地介绍了各份抄本的制作过程、时代背景、面世后的经历；追溯了这些非凡手稿是如何被制作、复制、谁拥有它们又是谁非常渴望得到它们，以及这些手稿如何卷入政治、为何被视为绝美之物，甚至成为一个国家的象征。

作为西方绘画史上划时代的艺术流派，印象派与后印象派具有恒久的魅力。著名的艺术大师如毕沙罗、马奈、德加、塞尚、莫奈、莫里索、雷诺阿、高更、梵高、修拉等创作了诸多世人熟知的油画作品。但很多读者并不知晓，他们还遗留下了许多精彩绝伦的素描艺术作品。德加的粉彩画、塞尚的水彩画、梵高的钢笔墨水素描、罗特列克的混合媒介作品……这些灵动、精彩的素描作品不再是油画的附属品，而是待我们发掘的隐秘的杰作! 本书集中呈现了印象派与后印象派的20位代表艺术家的224幅素描作品，并以流畅典雅的文字诠释了素描艺术是如何从内容、形式、媒介到技法都为推动艺术走上现代之路做出了贡献。这些艺术家既包含上述诸位大师，也有读者并不熟悉但同样具有鲜明特色和重要价值的布丹、卡耶博特、拉法埃利、福兰等等。让我们进一步发现印象派与后印象派那些鲜为人知的艺术杰作！

这是一部充满传奇色彩又娓娓道来的权威之作，呈现了一幅由皇室宫殿和3,150,428件藏品构筑的璀璨星图。艾尔米塔什博物馆犹如徜徉于收藏之海上的文化方舟，乘载并沿袭了俄罗斯乃至欧洲富于戏剧性的人文历史。让我们透过馆长彼奥特罗夫斯基的开阔视野，依循博物馆二百多年的时间线，在他的导览下领略这座艺术殿堂中星罗棋布的艺术珍品。 —— 本书是国家艾尔米塔什博物馆的馆长米哈伊尔·彼奥特罗夫斯基（Mikhail Piotrovsky）对博物馆的收藏和历史所做的全面梳理。他深情地为读者呈现了博物馆自1764年创建以来的传奇故事和艺术典藏。彼奥特罗夫斯基任馆长一职至今已有近30年时间，大英博物馆前馆长尼尔·麦格雷戈（Neil MacGregor）曾称他为“世界上最伟大的馆长”。 俄罗斯国家艾尔米塔什博物馆（State Hermitage Museum），又称冬宫博物馆，是名列世界四大博物馆的著名艺术机构，主要由皇家宫殿建筑群构成。艾尔米塔什博物馆源自叶卡捷琳娜大帝的私人收藏室，两百多年后的今天，它已经转变为一座真正被国家和世界人民所共同拥有的艺术殿堂。

诺曼博士用诙谐的语言讲述了许多我们日常生活中常常会遇到的挫折和危险，帮我们找到了这些问题的关键，即产品设计忽略了使用者在一定情境中的真实需求，甚至违背了认知学原理。诺曼博士本书中强调以使用者为中心的设计哲学，提醒消费者在挑选的物品，必须要方便好用，易于理解，希望设计师在注重设计美感的同时，不要忽略设计的一些必要因素，因为对于产品设计来说，安全好用永远是竞争的关键。

从 20世纪名流沉浮，到最亲密的人容颜改变 时尚摄影重量级前辈，记录一代人的光彩年华 ·️ 📸编辑推荐 🔸以摄影方式展现传奇斜杠艺术家 塞西尔·毕顿 他的一生无比绚烂丰富，身兼摄影师、服装设计师、舞台设计师、记者、作家等数职，3次获得奥斯卡金像奖，4次获得、1次提名美国话剧和戏剧最 高奖项托尼奖。 他对服装与生俱来的优雅品味与他时尚摄影大师的地位十分相称，拍摄精美的时尚作品就像他的第二天性。 他是游⾛于英国皇室、⽂艺圈、好莱坞的翩翩公⼦。是英国皇室御用摄影师，《Vogue》杂志英国版、美国版、法国版的密切合作者，启发时尚摄影教母安妮·莱博维茨、⼈像摄影⿁才蒂姆·沃克的重量级前辈，比顿的知名度不输给他的名人拍摄对象。 · 🔸领略好莱坞最辉煌时期 著名影星的风华绝代 在费雯丽，英格丽·褒曼、伊丽莎白·泰勒葛丽泰·嘉宝、奥黛丽·赫本、玛丽莲·梦露、加里·库珀、马龙·白兰度等当红明星的优雅与气度中，展现时尚摄影的时代精神 · 🔸直指大师辈出的年代里 一双双深邃目光 为毕加索、格特鲁德·斯泰因、卢西安·弗洛伊德、和萨尔瓦多·达利、乔治·巴兰钦、弗朗西斯·培根、安迪·沃霍尔等极具创造力的人物，留下了一系列叹为观止的肖像 · 🔸看见一位伟大时尚摄影师 摄影风格的建立和转变 早期擅长用戏剧性元素、细腻光线、惊艳服装、华丽背景，打造如梦似幻的氛围；后期则偏向天然去雕饰，用更直接的方式拍摄肖像 从其最亲密的、在一生中反复出现的人的容颜改变中，见其内心与风格的转变 · 🔸深入比顿光鲜外表下 更真实、更丰富的内心 覆盖比顿整个职业生涯，包括青年时代的习作、著名人物的经典肖像、战地纪实摄影、以及难得一见的私人创作 · 🔸英国苏富比塞西尔·比顿工作室档案馆从上万张照片和底片中精心挑选，悉心编纂 · 🔸黑白层次细腻，彩色颜色饱满，高水准印刷最大程度还原原作 · 📸内容简介 塞西尔·比顿（Cecil Beaton）的时尚品味，及其电影和舞台服装设计师的著名身份，掩盖了他作为20世纪摄影大师的地位。比顿给人留下的表面印象犹如一张面具，隐藏了他的成就中的严肃之处。回顾他七十多年的职业生涯，我们发现的远远不止是对社会的记录。到20世纪中叶，他已经摆脱了许多戏剧性，为毕加索、格特鲁德·斯泰因、卢西安·弗洛伊德与弗朗西斯·培根等当时极具创造力的人物留下了一系列令人叹为观止的肖像。他为葛丽泰·嘉宝、奥黛丽·赫本与玛丽莲·梦露等女性拍摄的照片，位于他优秀的作品之列。在他非凡的视角里，甚至有些许现代性的痕迹。 · 本书对他的摄影生涯进行了重新评定，照片多数是从苏富比塞西尔·比顿工作室档案的上千张照片和底片中挑选出来的。比顿在童年时期就喜爱收藏照片。从青少年时期起，他的妹妹们开始充当他的首批模特。拍照成了家庭服装表演的延伸项目。后来他成为大西洋两岸的《时尚》杂志的明星，满怀信心地踏入好莱坞，就像他时常从容自如地出入于英国社交场所那样。有一段时期，他敏锐的戏剧意识令他深受超现实主义的影响。他对服装与生俱来的优雅品味，与其时尚摄影大师的身份十分相称。到1960年代，他已经自如地在白金汉宫为女王拍照了，就像他与“摇摆伦敦”的名人们在一起，或是在纽约与安迪·沃霍尔和他的“工厂”明星们在一起时一样。比顿在电影《迷幻演出》的片场为米克·贾格尔拍摄照片后，他的摄影生涯走向了完结，同时也标志着一个时代的落幕。本书展现了各个时期反复出现在他照片里的人物，用图像的方式讲述了他的一生。

读帖不知从何处着眼?放大镜里看名帖，精析一笔一画中暗藏的乾坤 临帖是个技术活?一千个人眼中有一千幅《兰亭序》 有问有答，口传心授、如沐春风的书学笔记 一笔一画，层层揭开中国书法技、艺、道的面纱 作者多年书法创作、研究、教学经验的结晶，以答初学者问的形式，普及书法艺术的历 史源流，引导读者在学习书法、欣赏名作的同时，领略中国艺术蕴涵的文化精神。

一部图文并茂的戏剧百科全书 一趟沉浸式的戏剧之旅 全球畅销30余年，历经10次修订，名家经典译本 从雅典卫城到莎翁故乡，从象征主义阵营到百老汇 带上这本书，环游世界剧场看戏去！ 📖编辑推荐 戏剧不仅仅是一系列剧本、一套表演技巧，或者一种合作的艺术形式。戏剧就是生命。戏剧就是人。戏剧就是人类以自身为素材进行创作的艺术。三千多年来，它一直是对人类历险的活生生再现，而且，从没有像今天这样充满生命的活力。 ——罗伯特•科恩 *** 近年来，中国的戏剧舞台上有了越来越多的国际演出，世界各国的莎剧精品成为国内邀请展的常客，柏林、爱丁堡、阿维尼翁等戏剧节的佳作越来越及时地输送进来，《剧院魅影》《摇滚莫扎特》等经典音乐剧一次次掀翻国内剧场的屋顶，里马斯•图米纳斯导演的《叶甫盖尼•奥涅金》引发了现象级的热潮，更催生了《浮士德》的国际合作…… 万花筒般的舞台，到底哪些戏蕞值得看？这些戏背后又有什么故事？剧作家、导演、设计师、演员是如何各司其职，共同创造一出好戏的？本书便是这样一本看戏指南，带领你深入演出制作的台前幕后，体验舞台的魅力，让你可以像一个内行那样去选择、去看戏。同时，本书还能作为一份世界戏剧地图，带你去看全世界蕞好的戏。 ★ 友情提示：阅读本书有风险，戏剧的魔力可能令你血脉偾张，忍不住花更多的钱去看戏，去全国各地、去世界各地看戏！ *** 第10版全新修订，作者罗伯特•科恩先生亲赴英、法、德、罗马尼亚、波兰和意大利等国，发现与追踪蕞新的戏剧创作和演出制作，对话多位托尼奖、普利策奖得主，并拍摄了80多幅幕后照片，记录下当今世界剧坛的新貌。此次中译本邀请剧作家费春放老师增订译文，力图延续这本图文并茂的经典教材带给读者的浪漫与激情。 ◎ 环游全球剧场，追踪戏剧潮流 巡礼纽约百老汇、伦敦西区近百家戏院，穿越莎士比亚环球剧院“前世今生”。 ◎ 聚焦当代名家，对话前沿力量 亲访“X教授”帕特里克•斯图尔特、“金牌”导演苏珊•斯特罗曼、托尼奖设计师斯科特•帕斯克…… ◎ 发掘历史遗珠，揭秘演出细节 真的是莎士比亚创作了莎士比亚戏剧吗？舞台巨制《战马》《狮子王》比院线电影版更成功？ ◎ 解读热点话题，分享冷门知识 好莱坞明星的舞台情结，音乐剧歌词的尺度进化，演员化装箱里的秘密…… 📖内容简介 这是一封来自戏剧世界的邀请函。打开它，你将在资深学者的引领下，坐在行舟的前排，挑战一趟沉浸式的戏剧之旅。途中，演员、剧作家、舞美设计师、导演等轮番登场，向你展示各国剧场的经典名作；不同风格的流派此起彼伏，分分合合；传统与革新激荡出艺术的浪花，令你为这永恒的“现场”流连忘返。 本书是北美高校戏剧入门的指定教材，全球畅销30余年。每次修订，作者都会遍访世界舞台的蕞前沿，发掘新戏，对话新秀，观察新的戏剧运动和潮流，引介新的技术变革。为了此次全新修订的第10版，特别踏足英国、法国、德国、罗马尼亚、波兰和意大利等国，亲自拍摄80多幅新增幕后图，力求记录当今剧坛动态。

◇艺术×美术馆×人生的精彩碰撞 ◇一个中年男子与美术馆的故事 ◇一首彩铅绘就的存在主义图像诗 ◇一组值得所有喜欢独自逛展馆的人细赏的画卷 ◎ 编辑推荐 ✨ 耐人寻味的图像诗歌，描绘与现实略隔膜、隐身于精神世界的当代人 《旁观者》不是个苦闷的故事，也没有着重刻画主人公的孤独，说的就是一个中年男子，没什么爱好，就喜欢到美术馆看展览，对着照片画画。画面如此安静，以至于似乎能听到主角的脚步声在空荡荡的美术馆中回荡。 美术作品是男主角的缪斯，窗外女孩也是男主角的缪斯，男主角一直像是生活的局外人，但在美术作品里，他觅得了安心之所。诗歌一般的语言和留白余味悠长，直击当代人的痛点，描绘当代人的精神出口与人生底色。推荐所有喜欢一个人静悄悄逛美术馆、博物馆的人阅读。 🖌 真实建筑与原画的人肉复刻；色彩、笔触、分镜的梦幻结合 该书是作者读研期间的毕业设计，画风和表达方式耐看又有自己的味道。清淡和谐的配色受到大师温瑟·麦凯（《小尼莫》）和埃尔热（《丁丁历险记》）影响，溢出温柔和生命力；彩铅的触感区别于主流CG画风，让画面显得细腻柔和。 此外，本书所有场景均取材于比利时和巴黎的著名美术馆，作者如人肉相机般将著名艺术品一一复刻，显出超强的绘画功底与对精美画面的执念，更将古典绘画与现代社会融为一炉。而用相同分镜对同一场景、不同动作的反复刻画则增强了情绪，将时间凝固于细碎的画格中，让读者跟着作者的节奏一帧一帧进行阅读，感受着主角的孤独、疏离和情感流动。 🖼 暗藏心思的巧妙埋梗、推动剧情的艺 术互文 作者在故事中藏了很多艺术彩蛋，如开篇比利时象征主义画家康斯坦特·蒙塔尔的《灵感之泉》；反复出现暗示着情欲与热情的印象派巨匠马奈的《奥林匹亚》；与男主角眼神互动的安特卫普画派昆汀·马西斯的宗教题材画《鲁汶的圣安妮》；封面上出现的雕塑家维克多·卢梭的雕塑《幻觉三姐妹》；整页绘就的、男主角吃饭时看的卓别林的经典默剧《淘金记》……既诚挚地致敬了经典作品，又方便读者通过了解这些作品的内容和创作背景更深地理解剧情。 ◎ 内容简介 中年男子休伯特一个人生活，安静木讷，更像人生的旁观者。 他长相平平，性格内敛，椭圆的镜片让他总是愁眉苦脸的脸庞显得更加呆滞。平日里，休伯特喜爱独自一人逛美术馆，他常在著名画作前踱步徘徊，在闭馆前和美术馆管理员道别后再低头默默离开。他不善言辞，遇上搭顺风车的陌生人，也只能勉强礼貌地说上几句话。他的居家生活安排得更是简单：坐在窗边画画、钻进厨房做饭、安静地边吃东西边看电视…… 休伯特喜欢拍照片，通常是拍油画作品中的女性，回到家中再传到电脑里临摹。楼下的女房东对他投怀送抱，他不为所动。只有一个现实中的女性真正吸引他，她就住在对楼，从他的窗户可以看到她的阳台…… ◎ 媒体推荐 “这本书很棒，我希望每个人都能读一读。它很会调动情绪，画面留白也处理得不同凡 响。” ——《观察家报》瑞秋·库克 “只要你愿意花时间读，这本图像小说一定会让你感到有所收获。这是一本需要你仔细阅读的书。” ——《先驱报》泰迪·杰米森

【编辑推荐】 ◎ 推特CEO杰克·多西(Jack Dorsey)真诚推荐，著名导演大卫·林奇(David Lync)的枕边书，美国艺术院校常年推荐书，影响了近百年绘画者的艺术启蒙经典。 ◎ 收录美国著名艺术教育家、现实主义先驱罗伯特·亨利100年前的信笺笔记、艺术评论， 真实再现20世纪欧美艺术界观念流派与历史脉络。 ◎ 完整呈现罗伯特·亨利的艺术观念、技法、鉴赏与研究，小到对笔触、线条的技法钻研，大到对绘画、音乐、雕塑、诗歌、哲学与时代审美的思考，从技法到心法，指引你的艺术之路。 ◎ 艺术学生、文艺爱好者、绘画学习者、创意工作者获取灵感的宝藏之书。 【内容简介】 罗伯特·亨利， 一位与雷诺阿、塞尚同时代的大师， 一位于天才辈出的19世纪，桃李满天下的艺术引路人。 他曾在纽约艺术学生联盟传道授业， 也曾在给绘画学子的回信中谆谆教导。 在他身后，遗留下的浩繁笔记、书信、讲稿和文章，在此汇集成册， 璞玉不琢，完整呈现一百年前的原始篇章。 书中涵盖了他对美的全部认知， 对线条、块面、明暗、色彩、笔触、背景的独到见解， 对伦勃朗、提香、马奈、雷诺阿、塞尚的批评， 对绘画、音乐、雕塑、诗歌、哲学的共时思考， 对时代审美的反思，对艺术个性的鼓励，对永恒艺术的追寻…… 透过他的只言片语，你将抵达超越时间与空间的，那个瑰丽而伟大的思想所在。 那就是艺术精神。 【媒体推荐】 “它帮我顺利过渡难关，帮我开始，也帮我完成了很多事。它为艺术学子讲述创造力，但我认为，对于所有那些即将面对挑战的人来说，它依然非常具有说服力，希望你也能成为这本书的读者之一。” ——杰克·多西 Twitter（推特）创始人 “每个人都有过在生活中动些巧思的经历，让各种事物更好、更美、更有效率或趣味。《艺术精神》就是这样一座充满智慧的宝山，永远指引着你真诚的方向，它会占据你的床头，读它百遍也不嫌多。” ——简忠威 国际知名水彩画家 “35年前我就买了这本书，当时某些段落我根本读不懂。后来我重读了一遍，发现同样的段落居然展现出了不同的意义。罗伯特·亨利将艺术家们试图表达的东西都写了出来。这是一本鼓舞人心的书，它可以帮助艺术家找到自己内心深处的创造精神。” ——凯文·麦克弗森（Kevin Macpherson）美国著名油画家，《油画的光与色》作者 “在我的书房里，被我看得最破的书有两本，一本是罗伯特·亨利的《艺术精神》，一本是梅约的《手册》。” ——理查德・施密德（Richard Schmid）世界知名画家、教育家 “我还记得当时在纽约联合广场，听到学生热烈讨论亨利晚课的讲话。那次讨论相当激烈，也许没人会相信，这些年轻人白天做苦力，晚上却来画室作画数小时。他们聊完天后就在长椅上倒头大睡，因为他们连租一间房过夜的钱都没有。那些尊重表达自由的男男女女，从未忘记也无法忘记亨利曾给予他们的如此宝贵的一课。” ——福布斯·沃森（Forbes Watson） 纽约艺评家 “《艺术精神》之于艺术学生，犹如《圣经》之于基督徒。” ——美国亚马逊读者

Art has its own power in the world, and is as much a force in the power play of global politics today as it once was in the arena of cold war politics. Art, argues distinguished theoretician Boris Groys, is hardly a powerless commodity subject to the art market's fiats of inclusion and exclusion. In Art Power, Groys examines modern and contemporary art according to its ideological function. Art, Groys writes, is produced and brought before the public in two ways—as a commodity and as a tool of political propaganda. In the contemporary art scene, very little attention is paid to the latter function; the official and unofficial art of the former Soviet Union and other former Socialist states, for example, is largely excluded from the field of institutionally recognized art, usually on moral grounds (although, Groys points out, criticism of the morality of the market never leads to calls for a similar exclusion of art produced under market conditions). Arguing for the inclusion of politically motivated art in contemporary art discourse, Groys considers art produced under totalitarianism, Socialism, and post-Communism. He also considers today’s mainstream Western art—which he finds behaving more and more according to the norms of ideological propaganda: produced and exhibited for the masses at international exhibitions, biennials, and festivals. Contemporary art, Groys argues, demonstrates its power by appropriating the iconoclastic gestures directed against itself—by positioning itself simultaneously as an image and as a critique of the image. In Art Power, Groys examines this fundamental appropriation that produces the paradoxical object of the modern artwork.

With an introduction by Hubertus von Amelunxen Media philosopher Vilem Flusser proposed a revolutionary new way of thinking about photography. An analysis of the medium in terms of aesthetics, science and politics provided him with new ways of understanding both the cultural crises of the past and the new social forms nascent within them. Flusser showed how the transformation of textual into visual culture (from the linearity of history into the two-dimensionality of magic) and of industrial into post-industrial society (from work into leisure) went hand in hand, and how photography allows us to read and interpret these changes with particular clarity.

Children's picturebooks are the very first books we encounter, and they form an important, constantly evolving, and dynamic sector of the publishing world. But what does it take to create a successful picture book for children? In this publication, Martin Salisbury and Morag Styles introduce us to the world of children's picturebooks, providing a solid background to the industry while exploring the key concepts and practices that have gone into the creation of successful picturebooks.

❊未署名的画作与美术馆藏品有什么区别？何以见得？ ❊是价值连城还是不值一文？谁说了算？ ❊什么是艺术，什么是价值？ ❊一幅可能是大师作品的画 ❊一段画布上的探索 ❊一个真实故事 🖼 编辑推荐 ◎根据真人真事改编的图像小说： 一个玩世不恭的年轻人，在纸醉金迷之中突然遇到了“强烈的、疯狂的爱，刺破、改变人生的爱”——艺术。在低入高出的艺术品交易过程中，他偶然淘到一幅令他终生爱恨交加的画。捡漏只需一时冲动，而鉴定却用了整整二十五年。 ◎一个“纸上谈兵”的悬疑故事： 一幅没有署名的油画，可能是大师之作，但被专家一句话贬为赝品。主人公跨越时间、地域，根据蛛丝马迹一步步逼近一个多世纪前的创作真相……整部作品读起来恍如一部另类侦探小说，又恍如一部另类传记作品，讲述一幅画的前世今生。 ◎看透一幅画的表面，看到艺术品和艺术品市场的背面 书中人和读者的心情仿佛坐上了过山车，跟着画作的每一步发现忽高忽低。虽然主人公最终通过研究、对比、联想理清了这幅画的全部经历，虽然科学技术已经足以将这幅画的表面分成一层层的剥开审视，虽然书后的相关资料足以揭开艺术鉴定的神秘面纱，但我们读后反而更加迷惑：艺术品市场究竟是如何运作的？艺术的本质究竟是什么？ 🖌 内容简介 斯特凡纳·K本是一个花花公子，在一幅画的感召下进入艺术品交易行业。他偶然间低价淘到一幅手法独特的油画，它似乎是收藏于波士顿美术馆德加名画的“前作”，即草稿或样品图；但种种迹象表明这幅画创作于名画之后，价值不可估量；权威专家却判定它为赝品，不值一文……兜兜转转，一波三折，他尝试用各种新式鉴定方法为这幅画平反，不知不觉就用去了半生的时间！ 📷 媒体推荐 “一次出人意料，而且引人入胜的阅读。它其实是一个野心勃勃的年轻人被真正的激情改写一生的故事。” ——《漫画星球》网站 “温柔得像一件印象主义作品。” ——BD fugue “《画的背面》是一部引人入胜、出人意料的图像小说，一件彻头彻尾的艺术品。” ——书商网评论 🏆获奖情况 法国利斯莱瓦努瓦心动漫画奖

A new breed of contemporary artist engages science and technology--not just to adopt the vocabulary and gizmos, but to explore and comment on the content, agendas, and possibilities. Indeed, proposes Stephen Wilson, the role of the artist is not only to interpret and to spread scientific knowledge, but to be an active partner in determining the direction of research. Years ago, C. P. Snow wrote about the "two cultures" of science and the humanities; these developments may finally help to change the outlook of those who view science and technology as separate from the general culture.In this rich compendium, Wilson offers the first comprehensive survey of international artists who incorporate concepts and research from mathematics, the physical sciences, biology, kinetics, telecommunications, and experimental digital systems such as artificial intelligence and ubiquitous computing. In addition to visual documentation and statements by the artists, Wilson examines relevant art-theoretical writings and explores emerging scientific and technological research likely to be culturally significant in the future. He also provides lists of resources including organizations, publications, conferences, museums, research centers, and Web sites.