蛋堡無疑將以這張專輯改寫饒舌音樂所能達到的高度。 蛋堡＆Jabber Loop 饒舌與爵士淬鍊融合顛峰之作 月光 2010 10/8 正式發行 2009年甫以兩張專輯分別獲得十大專輯（收斂水）和金曲獎新人入圍（winter sweet）的蛋堡，以獨樹一幟的輕饒舌與SOFT HIP HOP不但重新定義了華語音樂圈對饒舌歌手的認識，更成功吸引了各種族群的樂迷，在蛋堡場場爆滿的Live house演出，你可以看到大波浪長髮粉領族和韓流女學生討論蛋堡嘟著嘴唇的樣子有多可愛，也會瞥見立領馬球衫的青年新貴帶著千金LOOK女友在一角瞇著眼隨著音樂點頭，更不乏包柏頭樂癡與憋褲文青振振有詞讚嘆蛋堡神乎奇技的押韻方式。 他們都說：我本來不聽饒舌和嘻哈音樂的，但是蛋堡的音樂實在太棒了。 2010年的夏天蛋堡去了一趟日本，與日本樂壇彗星般崛起的爵士五重奏Jabber Loop攜手合作，帶回了一張將饒舌與爵士/放克元素進行了核融合的野心之作。蛋堡散文般的文字更發深刻洗鍊，漫遊在Jabber Loop狂放不羈又透出和風暖意的爵士長流裡，在你聽到前奏豪快迸發的瞬間，滿以為Jabber Loop的演奏能量已是極限，然而一當蛋堡開始饒舌，不但沒有讓能量過載，而是替每一首樂曲構築了引人的敘事畫面，爵士與饒舌的融合至此已臻化境。 這不是一張饒舌專輯，而是一張前所未有的爵士六重奏，而加入的那把樂器名叫蛋堡。 而在這迥異且華麗的六重奏之下，蛋堡的歌詞寫作更加老練圓熟，如果你喜歡少年維持著煩惱裡憂鬱又深刻的人生剪影，這張專輯裡的很多歌曲，你會驚訝於蛋堡的敘事功力已經超過那些個文青系樂隊一昧地氛圍堆砌，每一首歌詞都能激起人們對過往人生經驗的強烈映射，繁複的層次以及洗鍊的表現手法猶如短篇的卡夫卡，混亂又精準的刻劃著你熟悉的痕跡。

蛋堡 因為小時候疼愛他的老爸每天載他去上學的時候都會點一份麥當勞火腿蛋堡讓他當早餐。然而他往後用饒舌來創作的關鍵，並非如國外饒舌歌手眼見街頭火拼喋血而有所體悟，反倒像吳宇森式般的浪漫為其風格，高三那年夥同熱舞社的學弟破天荒以一首饒舌歌曲 School Life (一中生活)」拿下兩校合辦歌唱比賽的創作組冠軍。一夥兄弟就此搞出個竹幫（Bamboo Gang)此一創作力旺盛的饒舌男孩團體，且一直持續到大學畢業為止。念視覺傳達即將畢業的最後一年，他被一個唸起來諧音有點尷尬的獨立音樂廠牌"顏社"找來炮製其他饒舌歌手的編曲，而蛋堡私底下自己錄製的作品，卻意外讓老闆迪拉胖發現他輕柔的饒舌風格竟是如此吸引人，白描的歌詞更將一個敏感神經質蒼白少年所面對的都會糾結立體的勾勒出來，這樣別樹一致的"輕饒舌"風格隨著作品的不斷釋出讓蛋堡累積了為數不少的歌迷，而蛋堡的十幾首DEMO早在海內外忠實聽友間透過網絡大肆流傳且蔚為風行，儼然成為繼熱狗，大支之後最受矚目的新生代饒舌歌手，然而不僅僅於此，從蛋堡之後，饒舌歌手的定義可能得重新改寫：饒舌歌手不一定要站在街頭才能咆嘯傳道，也可以悠閒的坐在星巴克，就著咖啡香與查特貝克記錄著台北天天上演的都會傳奇。 收斂水 "這是一張用聽的收斂水，他滋潤的是你龜裂乾渴的靈魂， 收斂的是你耳道裡佔據的城市喧囂" 你不妨別把這當做是一張出色的華語饒舌音樂專輯，不如就把它看做是一本短篇散文集，由作者自己譜曲，且將散文入詞錄製成一張用聽覺來感受的作品如何？但總不能只憑這樣的漂亮說詞就能唬弄大眾，於是顏社又幹了一件沒人幹過的事情，真的把這張專輯從裡到外徹底弄成一本精裝硬皮散文集了。 蛋堡與熱狗這雙好友 "如果熱狗是張菲，蛋堡應該就是費玉清。" 如果饒舌歌手有兩種極端，酒色雙修無畏緋聞的夜生活之王熱狗肯定是饒舌圈的綜藝大哥大張菲，而文弱纖瘦甚至帶點娘氣的蛋堡就像小哥費玉清一樣開口如詩令人醉，但歌詞押韻間葷腥不忌的坦然程度卻令人為之絕倒。而這對台灣饒舌圈的龍兄虎弟私底下倒真的是酒友球友兼音樂夥伴，臭味相投有之，惺惺相惜也有之，兩年前的台客搖滾結束後本色打算製作一張水滸傳式的台灣嘻哈合輯，熱狗大力向製作人舉薦顏社的製作拍檔，蛋堡和迪拉胖，從此兩人種下這段不解之緣。不但一起合作了一場塞爆夜店的"熱狗夾蛋堡"，台灣的饒舌有冕王與無冕王同時登台傳為一時佳話。而後蛋堡自然也參與了熱狗08年新專輯的製作以補償熱狗幾年下來在夜店招待大夥所揮霍的酒資。

「山城走唱」是「恆春半島民歌紀實」系列的精選集。這張專輯的17首曲目中, 包括了一曲多版的音樂即興表現, 相當珍貴。 有60年代由民族音樂學者許常惠所錄下的3首陳達說唱原音, 及1首老錄音, 13首吳榮順在90年代於恆春、車城、滿州、墾丁等地的田野錄音。同時收錄民間樂器"月琴"、及"殼仔弦"的伴奏與獨奏, 尤其是月琴, 與歌聲相映成趣。 专辑试听：

宇宙ネコ子がニュー・アルバム『日の当たる場所にきてよ』を9月29日（水）にリリースすることが発表された。 宇宙ネコ子はnemuko yamanaka（Gt. / Key.）とkano（Vo. / Key.）によるオルタナティヴ・ポップ・ユニット。2019年発表のアルバム『君のように生きれたら』以来およそ2年ぶり、通算3作目のアルバムとなる本作は、COVID-19の影響による自粛期間を利用して制作を開始。宇宙ネコ子メンバーとエンジニアの中村公輔によるファイルのやりとりで作られ、浮遊感とリラックスしたムードの作品に仕上がっているとのこと。 カバー・イラストはこれまで同様、著作『セッちゃん』でも知られる漫画家／映像作家の大島智子が手がけている。

⊙华纳新人方大同的新歌《妹妹》已播出一个月，昨日(7月17日)他到商台宣传歌曲时，还应邀为“叱咤乐坛”节目评歌，并选出Toby、Soler及林一峰3人的歌曲。原来他从小在当鼓手的父亲耳濡目染下，3岁已开始玩音乐，最擅长的是弹琴和吉他，还经常与父在舞台上组乐队，对舞台表演也甚有经验。难怪早于5年前，华纳已有意诚邀这位唱作全能歌手加盟旗下，可是拉锯数年，今年踏入22岁的他才肯动笔签约。连他也笑谓﹕“没料到这份合约由未成年谈到成年。”方大同此次一手包办的处男唱片，收录的全是国语歌，是唱片公司为他进军内地和台湾铺路的。原来未入行前，他已先后为内地歌手陈坤和台湾歌手张惠妹作过曲，现在最希望是能与孙燕姿合作。 ⊙方大同获唱片公司垂青 创作歌手方大同昨日应邀到「商台」为节目评歌，选出Toby、Soler、林一峰的歌曲，至于他的新歌《妹妹》则刚派台一个月。他透露今次整张唱片的国语歌都是自己一手创作和包办，因唱片公司除为他安排在香港发展外，还会打入内地和台湾，而他亦曾帮过内地歌手陈坤和台湾歌手张惠妹作曲，最想是为孙燕姿作曲。他谓，其实之前曾为对方作过一曲，但适逢对方暂休乐坛而没有了下文。 今年廿二岁的方大同虽然刚跟唱片公司签约，不过原来早于五年前，唱片公司已跟他接洽，难怪他笑言由未成年倾到成年才签约。为何唱片公司这么钟情他？原来其父是鼓手，他三岁开始玩音乐，经常随父在台夹BAND，对舞台演出充满自信，又擅长弹琴和结他。他透露父亲是夏威夷人，母亲是香港人，六岁到上海定居，十一岁才来港，坦言有百分之五十不懂中文。 ⊙05华纳新人--方大同 音乐与我──方大同 无论是什么时候，我满脑子都是音乐。因为爸爸是鼓手，所以家里经常都充满着音乐，而我4岁时便学习打鼓了。5岁时，爸爸妈妈带了我去看一出有关50年代Rock'nRoll传奇歌手RitchieValens一生的电影，打开了我的音乐世界，从此我迷上了50年代的Rock'nRoll，喜爱的歌手有BuddyHolly、JackieWilson、EddieCockran、ThePenguins、Elvis和RitchieValens；而若不是电影的启蒙，我也不会做我爱的音乐。 小时候我总爱扮着弹结他，也不时会在朋友的派对和社区活动上表演唱歌。有一天，爸爸妈妈带着只有5岁半的我参加歌唱比赛，我记得我唱了FatsDominos的“BlueberryHill”，意外地得到了少年组的冠军！不过那时候我还是不太明白发生了什么一回事，包括那个比赛、生平的第一个奖杯和500元奖金。 8岁时我迷上了MichaelJackson的音乐，于是我买齐了他的所有作品，也花了很多心机模仿他的舞姿；而因为每次公开表演时我总带着MichaelJason的影子，所以至今仍挂着“小MichaelJackson”的绰号。 90年代中期我听着BoyzIIMen和Babyface，唯一会听的R&B/Soul音乐是StevieWonder（我可买齐了他的CD呵）；同一时间我受到SlowHandEricClapton的影响而学习弹结他。 Babyface的音乐令我踏上了创作之路。开始时我尝试利用结他来写歌，可是发现钢琴比结他更能表达上一些音乐风格，于是又学习钢琴。另一方面，虽然我的第一首创作作品是一首英文歌，但想在亚洲发展的我也尝试写中文歌，17岁至今我已创作了不少华语音乐。 近年来我受到neo-soulmovement的影响，我的创作返回了我70年代的风格。这些伟大的Soul歌手有StevieWonder、MarvinGaye、DonnieHathaway、JamesBrown、EarthWind&Fire、IsleyBrothers、JimiHendrix、GeorgeClinton、TheFunkadelics等等。 当我在写歌时和编曲时，我脑里早已有一个完整清晰的影像，知道歌曲由头至结束时我想要的声音和感觉是怎样，而这些创作多是回到70年代我喜爱的synths和电子钢琴的音乐风格。

TuTu Duo首张黑胶唱片《智斗》将于近期由欧洲知名厂牌“NoBusiness Records”发行，这是我们的首张录音室专辑，我们用了最真实的激情和精湛的技术把它呈现了出来，对于我们来说这是一张极其重要的专辑，不管是内容还是形式上都充满了东方色彩，我们希望它会让更多的人听到，当然我们还会继续更多的尝试。 “突突”是中国部分乐迷对那种疯狂音乐段落描述所使用的隐语，这个词汇应该很少用于音乐表达，我们以此命名，表达着具有浓重中式色彩的疯狂举动。

Originally released in 1981 on Rough Trade as ROUGH 026.

1

Her Soundtrack (FYC Promo)

Digitally remastered reissue of 1974 album includes two unmarked bonus tracks, 'Lost & Found' & 'Barbecutie'. 12 tracks total including 'This Town Ain't Big Enough For The Both Of Us', which Siouxsie & The Banshees covered in 1987. Island. 1994.

加拿大独立摇滚乐队拱廊之火(Arcade Fire)即将于8月2日发行专辑《郊外》(The Suburbs)。在推出两张成功的专辑之后，拱廊之火的第三张录音室专辑非常让歌迷期待。 《郊外》华丽的开篇唱到：“当我年轻的时候，希望有个女儿，我想牵着她的手，给她看美好的事物，在一切被破坏以前。”这种闲聊式的独白通常会以民谣来表达，拱廊之火却将它与体育馆摇滚结合起来，鼓点和键盘的旋律就像洪水一样滚滚而来。看来这才是赶时髦和尼尔扬结合的方式。和他们的音乐导师U2、布鲁斯·斯普林斯汀不同，拱廊之火对生活细节不感兴趣。当巴特勒唱到开车去休斯顿时，他只是说“我们听到引擎失灵的声音”，而斯普林斯汀则会告诉你到底是哪个零件出了问题(例如《Racing in the Street》<街头比赛>)。但这正是拱廊之火广受欢迎的原因之一，他们邀您共同体验解决问题的经过和成功后的喜悦。 《郊外》中的很多歌曲描绘了乐队对现实生活的体验。在《洛可可》中，夏莎妮和队友们用和声绝妙演绎了热情消退的过程。《准备开始》是独立乐队为名望所累的写照，巴特勒在歌中埋怨：“生意人，他们喝我们的血/就像艺术学校的孩子们一样。”让他失去信任的不只是艺术学校的孩子们，还有混乱的世界：“他们在70年代建造的所有房屋最终倒塌/毫无意义”。说到70年代，拱廊之火的音乐家们显然是从父辈收藏的德国艺术摇滚唱片中获得了灵感，这使得《准备开始》和《五月》这样的快歌显得格外简洁和均衡。《五月》这样描述那些不买账的摇滚观众：“孩子们紧抱着胳膊站着那里”。这句歌词原本会变成一个类似“滚出我的草坪”的长句，结果只用一个生动的画面就表达出来了。《深蓝》用华丽的钢琴来营造情绪，很像大卫·邦威的《Hunky Dory》(匈牙利渔船)。在那张专辑中，邦威用非常私人的视角讲述了父母和子女的关系。《郊外》的结尾是充满柔情和怜悯的，因为尽管有太多的哀与怒，拱廊之火从来没有远离过那些父母和孩子们。

This record starts with "Don't Make Me A Target", a song that builds on Spoon's familiar minimal rhythmic piano/guitar vamp popularized on earlier hits like "Small Stakes" or "The Way We Get By". The album quickly moves into uncharted territory with the atmospheric "The Ghost Of You Lingers" and moves through several different stylistic changes from the explosive "You Got Yr. Cherry Bomb" to the wall-of-sound horns of radio single "The Underdog". Their most heartfelt batch of songs since 2001's "Girls Can Tell".

7 is our 7th full-length record. At its release, we will have been a band for over 13 years. We have now written and released a total of 77 songs together. Last year, we released an album of b-sides and rarities. It felt like a good step for us. It helped us clean the creative closet, put the past to bed, and start anew. Throughout the process of recording 7, our goal was rebirth and rejuvenation. We wanted to rethink old methods and shed some self-imposed limitations. In the past, we often limited our writing to parts that we could perform live. On 7, we decided to follow whatever came naturally. As a result, there are some songs with no guitar, and some without keyboard. There are songs with layers and production that we could never recreate live, and that is exciting to us. Basically, we let our creative moods, instead of instrumentation, dictate the album’s feel. In the past, the economics of recording have dictated that we write for a year, go to the studio, and record the entire record as quickly as possible. We have always hated this because by the time the recording happens, a certain excitement about older songs has often been lost. This time, we built a "home" studio, and began all of the songs there. Whenever we had a group of 3-4 songs that we were excited about, we would go to a “proper” recording studio and finish recording them there. This way, the amount of time between the original idea and the finished song was pretty short (of the album’s 11 songs, 8 were finished at Carriage House in Stamford, CT and 2 at Palmetto Studio in Los Angeles). 7 didn’t have a producer in the traditional sense. We much preferred this, as it felt like the ideas drove the creativity, not any one person’s process. James Barone, who became our live drummer in 2016, played on the entire record. His tastes and the trust we have in him really helped us keep rhythm at the center of a lot of these songs. We also worked with Sonic Boom (Peter Kember). Peter became a great force on this record, in the shedding of conventions and in helping to keep the songs alive, fresh and protected from the destructive forces of recording studio over-production/over-perfection. The societal insanity of 2016-17 was also deeply influential, as it must be for most artists these days. Looking back, there is quite a bit of chaos happening in these songs, and a pervasive dark field that we had little control over. The discussions surrounding women’s issues were a constant source of inspiration and questioning. The energy, lyrics and moods of much of this record grew from ruminations on the roles, pressures and conditions that our society places on women, past and present. The twisted double edge of glamour, with its perils and perfect moments, was an endless source (see “L’Inconnue,” “Drunk in LA,” “Woo,” “Girl Of The Year,” “Last Ride”). In a more general sense, we are interested by the human mind's (and nature’s) tendency to create forces equal and opposite to those present. Thematically, this record often deals with the beauty that arises in dealing with darkness; the empathy and love that grows from collective trauma; the place one reaches when they accept rather than deny (see “Dark Spring,” “Pay No Mind,” “Lemon Glow,” “Dive,” “Black Car,” “Lose Your Smile”). The title, 7, itself is simply a number that represents our seventh record. We hoped its simplicity would encourage people to look inside. No title using words that we could find felt like an appropriate summation of the album. The number 7 does represent some interesting connections in numerology. 1 and 7 have always shared a common look, so 7 feels like the perfect step in the sequence to act as a restart or “semi-first.” Most early religions also had a fascination with 7 as being the highest level of spirituality, as in "Seventh Heaven.” At our best creative moments, we felt we were channeling some kind of heavy truth, and we sincerely hope the listeners will feel that. Much Love, Beach House releases May 11, 2018