《面部表情大全》是美术参考素材库之一的“面部表情大全”，内容包括了50多个不同种族、不同年龄的男性和女性，他们在照相机面前展示了一系列的表情状态。

How do we see the world around us? The Penguin on Design series includes the works of creative thinkers whose writings on art, design and the media have changed our vision forever. "Seeing comes before words. The child looks and recognizes before it can speak." "But there is also another sense in which seeing comes before words. It is seeing which establishes our place in the surrounding world; we explain that world with words, but word can never undo the fact that we are surrounded by it. The relation between what we see and what we know is never settled." John Berger's Ways of Seeing is one of the most stimulating and influential books on art in any language. First published in 1972, it was based on the BBC television series about which the (London) Sunday Times critic commented: "This is an eye-opener in more ways than one: by concentrating on how we look at paintings... he will almost certainly change the way you look at pictures." By now he has.

How do we see the world around us? "The Penguin on Design" series includes the works of creative thinkers whose writings on art, design and the media have changed our vision forever. Bruno Munari was among the most inspirational designers of all time, described by Picasso as 'the new Leonardo'. Munari insisted that design be beautiful, functional and accessible, and this enlightening and highly entertaining book sets out his ideas about visual, graphic and industrial design and the role it plays in the objects we use everyday. Lamps, road signs, typography, posters, children's books, advertising, cars and chairs - these are just some of the subjects to which he turns his illuminating gaze.

Pablo Picasso is one of the greatest artists of all time – and right up until his death in 1973 he was the most prolific of artists. Many films have dealt with these later years – the art, the affairs and the wide circle of friends. But where did this all begin? What made Picasso in the first place? Too long ignored, it is time to look at the early years of Picasso; the upbringing and the learning that led to his extraordinary achievements. Three cities play a key role: Malaga, Barcelona and Paris. Young Picasso visits each and explores their influence on Picasso, focusing on specific artworks from these early years. The film thus explains how this young artist acquired his craft. Looking carefully at two key early periods – the so-called Blue Period and Rose Period – the film takes us all the way to 1907 and the creation of a critical painting in the history of art – Les Demoiselles d’Avignon. It was a painting that shocked the art world but changed it irrevocably. Picasso was only 25 years old. Working closely with all three Picasso Museums in Malaga, Barcelona and Paris this film explains how he rose to great heights.

he book is written as a guide and thus assumes you have no prior knowledge. It talks about the tools, supplies, basic painting techniques and moves on to more advanced examples. There are several short tutorials that focuses on specific techniques. Basic art theory is also discussed in relation to watercolour painting, such as choosing composition, understanding perspective, using colours and more. There are also tips for specific subjects, like how to paint water, snow, shells, architecture, fabric, flowers, portraits and many more. The instructions are clear and easy to understand. One of the highlights of this book are the beautiful watercolour paintings included as examples. Those paintings make this book a wonderful reference, a book that I see myself referring to again and again just to be inspired by the artists and the medium. Most highly recommended.

本书萃取20世纪西方艺术批评文献之精华40篇，其中近一半为新译，涵盖罗杰·弗莱、克莱门特·格林伯格、迈克尔·弗雷德、T.J.克拉克、罗莎琳·克劳斯、本雅明·布赫洛、哈尔·福斯特、伊夫-阿兰·博瓦、格罗伊斯等重要批评家的名篇佳作，包罗形式分析、图像学、艺术社会史、西方马克思主义、新前卫理论、结构主义、后结构主义、精神分析、女性主义等主要批评方法。选集以各个时期的典范之作呈现20世纪艺术批评发展的脉络，同时也凝练艺术批评的基本范畴，反思艺术批评写作的基本理据，为深入认识艺术批评的方方面面提供参照。从批评的典范，到批评的理论，本选集涵摄内容宽广，进阶层级有序，体现了编辑体例上的创新。既适合一般艺术爱好者收藏翻阅，也适合艺术批评、艺术理论、艺术史的专业学习者用来作为参考书。一书在手，可总览20世纪西方艺术批评的“地形”概貌。

理论界流行着这样的见解：20世纪乃“批评的世纪”。单从一波接一波风起云涌的批评理论[critical theories]而言，这种说法似乎并不夸张。从上世纪初的英美新批评、俄国形式主义、精神分析学派，到上世纪中叶的结构主义、新结构主义、女权主义、新马克思主义，再到世纪末的新历史主义与后殖民文化批评，批评理论在20世纪的人文学科中确乎风光无限。即就视觉艺术批评来说，与上个世纪潮流迭起的艺术运动一样，艺术批评同样充满了精彩纷呈的景观：阿波利奈尔[Apollinaire]、罗杰·弗莱[Roger Fry]、本雅明[Walter Benjamin]、赫伯特·里德[Herbe rt Read]、克莱门特·格林伯格[ClemenlGreenberg]、阿尔法雷德·巴尔[Alfred Barr]、哈罗德·罗森伯格[Harold Rosenberg]、约翰·伯格[John Berger]、波普艺术批评家群体、查尔斯·詹克斯[Charles Jencks]、奥利瓦EOliwa]、阿瑟·邓托[Arthur Danto]、汉斯·贝尔廷[Hans Belting]、罗莎琳·克劳斯[Rosalind Krauss]、彼得·贝格尔[Peter Burger]、加布利克[Suzi Gablik]、胡伊森[Huyssen]、T．J．克拉克[T．J．Clark]、麦克尔·弗莱德[Michael Fried]、西尔盖·吉博[Serge Guibaut]、唐纳德·库斯比特[Danald Kusbit]、希尔顿·克莱默[Hilton Kramer]、斯蒂芬·莫拉夫斯基[Stefan Morawski]以及，或许是上世纪最伟大的批评家泰奥多·阿多诺[Theodor Adorno]。 然而，这些批评家及其理论在中国的命运却大不相同。当国内支学批评界对上世纪的各种文学批评理论如数家珍的时候，上述艺术批评家当中的许多人在国内艺术批评界甚至闻所未闻。艺术史向来被认为是本国史学中最弱的学科之一，而艺术批评理论的匮乏无疑加剧了它的不堪。上世纪最著名的艺术批评史家文丘利[Venturi]曾经断言：一切艺术史都是批评史，因为艺术史中对作品的描述、解释与评价无不涉及艺术批评，或者不妨说就是批评的任务。20世纪下半叶对西方艺术史的不满程度，可以从欧美各国质疑艺术史的方法论基础的出版物的持续升温这一事实中见出。可以这样说，批评理论的迅速发展已经改变了艺才史的方向。相应地，它的缺失也就成了国内艺术史学科的重灾区。 批评家作为现代艺术潮流的孵化者、报导者、仲裁者甚至制造者，早已被公认为当代艺术动力机制中的关键。试想一下这些批评家在催化与帮助人们理解那些艺术运动中的角色：弗莱之于后印象派、阿波利奈尔之于立体派、格林伯格之于抽象表现主义。也许，我们可以援引美国艺术批评家库斯比特的观点作为我们对艺术批评的一般性质的初步认知。他认为，艺术批评家的角色经常是悖谬的。因为当艺术品还很新鲜和怪异时，他就率先，常常是最鲜活地做出反应，并且初步向我们解释它的意义。然而，他的反应又常常不很全面，因为这样的艺术品还没有被广泛地体验过：作品尚未有一个历史，一个据此可以解释“文本”的语境。当批评家将艺术品当作一个当下产品来遭遇时，它还缺乏历史“负载”。事实上，批评家的部分工作就是要在历史的法庭上赢得胜诉。这就是为什么，正如波德莱尔所说，批评家经常是一个对艺术品“充满激情和党派性的观察家”，而不是对其价值做出无翻害的判断的裁判员的原因。正因为它的当代性，他扮演着鼓动家的角色，只能从作品本身的角度来处理整个案子。对敏感的批评家来说，作品始终让他感到惊异，而他则始终对它保持热度。他会让未来的历史家们去处理诸如解剖艺术品——到那时，它通常已被假定有一个公认的意义一一之类的事情。 然而，批评家当下的观点常常成为有关该作品的本质特征的基本评价。批评家的反应，如果说不是所有未来解释的范型，至少是所有未来解释的条件。他的关注是作品进入历史的门票。现代批评家权力的标志，就是他对新艺术的命名。比如，路易斯·沃塞尔[LouisVauxcelles]的标签“野兽派”和“立体派”就曾大大地影响了人们对这些风格的理解。通过命名，这些艺术品对未来的人们来说就被赋予了某种本质特征。而且，只不过以“符号圈地运动”[Semioticenclave]——借用乌贝托·埃科[Unberto Eco]的术语一一作为开端的理解，成了话语构型的一整套语言，并且开创了各种观点的全部氛围。说白了，其责任是重大的。格林伯格有一回曾写道，批判性地趋近艺术品的最佳时机是当它的新颖性已经逝去而它自身却尚未成为历史之时。然而，正是在这一时刻，艺术品的阐释最是未曾得到解决，最是易受攻击的时候；也是在这样的时刻，批评家以即席命名的形式所作的当机立断，能够一劳永逸地封存它的命运。因此，正如奥斯卡·王尔德[Oscar Wilde]在《作为艺术家的批评家》[Critics as Artists]当中所说的那样，批评对艺术至关重要；批评把握、保存、培育、提升艺术。 由于对批评的效验估计不足，也由于对欧美上百年的现代艺术批评缺乏起码的参照，国内艺术批评多少尚处于黑暗中摸索阶段。最近10年来，虽有不少西方当代艺术材料被介绍进来，但是，令人遗憾的是，甚至介绍者本人对这些材料也不甚了了(国内乱轰轰的后现代主义理论研究即是明证)，或者以一种绕口令般的伶牙利齿在美术界捣浆糊，使本来严肃的学术工作往往成为一场混仗。于是，甚至出现了——据说流行于美术学院——“西方艺术没有什么，他们要等到塞尚以后才有文人画”之类的荒谬绝伦的观点。如果说本书有什么主题的话，那么其中之一肯定是对这种观点的批评。正当我们奋力抵抗所谓的“西方中心主义”的时候，曾几何时，中国中心主义早已偷偷地从后门溜回来了。事实上，它又何曾从我们泱泱大国五千年文明的“中国”血液中离开过?将艺术界(包括艺术教育界)观念的混淆单纯地归结为缺乏真正意义上的艺术批评(因为批评的原义之一就是“辨析”，亦即使观念尽可能清晰地得到表达)，可能失之简单。但是，对西方艺术批评的漠视与无知，已经让我们的学生吃足了苦头。 后果之一便是今日中国艺术走向了两个——至少在我看来——毫无希望的极端。在一极，艺术成了一种单纯的笔墨游戏与自娱自乐，一群与当下感性毫不相关的文人雅玩或匠人的玩意见。这类所谓的画家像龟缩在洞穴中的爬行类动物，固执而有耐心地蛰伏在他们的弹丸之地，他们坚固的硬壳足以抵挡任何来自外界的风雨的骚扰，社会的转型、生活的演化、感受性的变迁、审美观念的变化，在他们看来都是毫无意义的东西，或者干脆是不存在的。其理论依据据说来自丹尼尔·贝尔[Daniel Bell]的文化矛盾学说，一种认为在经济一技术、政治一社会与审美一文化之间有着不同步的结构的观点。问题在于，在贝尔那里只是一种“事实”[fact]的描述(还是相互“矛盾”的事实)，到了中国的文化保守主义者那里却成了一种可以遵照无误的“规范”[norm]。另一种理论据说是波普尔[Karl Popper]的“问题情境”，学说与贡布里希[E．Gombrich]的“图式理论”，一利认为艺术史的风格是艺术家在一定的情境中解决艺术问题的结果的思想。在这儿，波普尔的多样性的“问题情境”被许多人还原为单纯的“形式问题”，而在贡布里希那里是如此丰富而多层次的“趣味逻辑”则被简化为纯粹的“程式与匹配”的“形式课题”(好像贡布里希从来没有关心过趣味的变化似的)。 文化保守主义者的另一个理由据说来自“对20世纪中国艺术史逻辑的观照”。在他们的观照中，20世纪的所谓“三大艺术思潮”，即主张水墨画西化的徐悲鸿与主张中西融合的林风眠都或多或少地失败了，唯独主张“拉开中西绘画距离、各自迈向各自高峰”的潘天寿取得了伟大的成功，并与吴昌硕、黄宾虹、齐白石一道，成为20世纪中国艺术史上最伟岸的大师。本书作者无意否定上述诸人的成就，对诸大师之间(包括徐、林在内)的排队问题也丝毫不感兴趣。我想指出的只是这样一个从未或很少处在人们反思范围中的事实：即20世纪30至40年代的中国现代艺术(特别是在上海)是如何在上世纪中叶的政治运动与保守主义分子的群起而攻之之下渐渐消亡的。所谓“三大思潮”，不管是西化派、融合派还是距离派，在我看来，只是文化保守主义阵营内部的争吵。而20世纪中国艺术史真正的三大思潮中，只有文化保守主义获得了空前成功，来自苏联的社会主义现实主义”过去在国内就没有得到过心悦诚服的承认，如今则早已成为新左派批评家反刍的草料，而现代主义的罂粟却像昙花一样烟消云散。但是，它顽固的毒素在被压抑了整整30年以后，终于在80年代中期悄悄绽放。 第二个极端——在我看来是一个更阴险也是更恶毒的极端——就是在90年代以后以发烧似的热度迅速传播的流行性病毒：后现代主义。正如在欧美，后现代主义是无法挑战现存资本主义的情况下左派激进冲动的一种替代性选择(特别参见法国少壮派理论家费里与雷诺[LucFerry and Alain Renaut]对后现代老大师们的反击之作《60年代的法国哲学》[French Philosophy of the Sixties]，以及伊格尔顿[Eagleton]的《后现代主义的幻象》[The Illusions of Postmodernism])，中国式后现代主义的盛行也是80年代末中国激进知识分子新启蒙运动受挫的结果，从此，后现代主义立刻成为文化保守主义与新左派的最佳救命稻草，并加速了文化保守主义与新左派在反对现代主义这一点上的同盟，再次完成了对80年代中国现代主义的扼杀(情形与40年代末有着惊人的相似)。 后现代主义是兴起于西方60年代，在70年代达到猖獗的哲学、社会文化与艺术思潮。80年代初，主要由于哈贝马斯[Habermas]的分水岭之作《现代性：一项未完成的方案》[Modernity：An UnfinishedProject]的宣读，西方思想界开始了对后现代主义的强大的批判运动。80与90年代西方人文学科与社会科学的一个主题，可以被归结为现代主义／后现代主义之争。这在思想界表现在伽达默尔／德里达[Gadamer／Derrida]之争、哈贝马斯／福柯[Habermas／Foucault]之争这样的大师级理论交锋中，表现在法国新生代思想家费里与雷诺等对前此20年中拉康[Lacon]、福柯、德里达、布尔迪厄[Bourdieu]、博德利亚尔[Baudrillard]、德勒兹[Deleuxe]与利奥塔[Lyotard]的压倒性后现代思潮的直接对抗上，体现在德国中生代思想家魏尔默[A．Wellmer]、霍内特[A．Honneth]与法兰克[M．Frank]对法国思想的全面挑战中。在批评界体现在希尔顿·克莱默对后现代主义“庸人的报复”(参同名批评文集The Revenge of the Philistines)所作的反击上，体现在哈贝马斯与魏尔默对詹克斯的“后现代主义建筑理论”所作的驳正上，也体现在艺术批评界持久的“沃霍尔[wlarh01]还是博伊斯[Beuys]”的争论中。在艺术运动中，它不仅体现在德国“新表现主义”对美国波普艺术的宣战中，体现在98－99年美国现代艺术博物馆所举办的波洛克EPollock]大型回顾展中(并比较80年代批评波洛克及其高度现代主义的著名论文集《波洛克之后》[Pollocck andAfte门，以及99年出版的“批判之批判”论文集《波洛克：新的取向》[Pollock：New Approaches])，还体现在人们对晚期德朗[Derain]、巴尔蒂斯[Balthus]与莫兰迪[Morandi]的具象绘画的那种持久高涨的热情中。 90年代以来，几个特殊的案例事实上已经宣判了作为一种持续的哲学、思想文化与艺术思潮的后现代主义的死亡，尽管它的某些假设还将产生持久的影响。这也是拙著《透支的想象：现代性哲学引论》(学林出版社2003年版)的结论之一。在这些案例中，“海德格尔[Heidegger]事件”、“保罗·德·曼[Paul de Man]事件”与“索卡尔[Sokal]事件”具备足够的典型性。据说海德格尔是20世纪最具原创性的思想家，只有维特根斯坦EWittgenstein]一人堪与媲美。但是，海氏将希腊的存在本体论、中世纪的神学本体论与现代的逻辑本体论，一视同仁地概念化为“存在一神一逻辑学”[Onto-Theo-Logik]是一种典型的削平论。相应地，他将苏格拉底以后的整个西方历史一律视为“远离神的黑暗”，并于20世纪来到“黑夜之夜将达夜半”的最黑暗时期，也是对西方历史的过分简化的图解(显然是尼采的反启蒙思想“人类历史不是一部进步史，而是一部退化史”的翻版)。由于海德格尔戴上了这样一副哲学墨镜，他就不可能对20世纪现实中的色彩与层次做出区分，从而将国家社会主义、极权主义与自由民主制一律视为“现代性的产物”。在他看来，德国纳粹主义、苏联共产主义与美国自由主义，统统都是“同一回事”。这在某种程度上解释了他在德国纳粹运动中以及在其后的“非纳粹化”运动中的所作所为。“海德格尔事件”的复杂之处固然不容许人们在一个思想家的思想与他的在世行动中做简单的彼此类推，亦即，说海德格尔的思想直接导致了他的纳粹行为，或者说海德格尔一度的行为证明了他的思想是纳粹主义的，这都是不明智的。但是，如果说海德格尔的思想，再宽泛一点讲，德国20-30年代右翼知识分子(海德格尔、容格尔[Ernst Junger]、舍勒尔[Max Scheler]、卡尔·施米特[Karl SChmitt]，“汉语学界”右翼知识分子最为心仪的“四尔”)叫嚣着大地、鲜血、战争、种族的非理性主义思潮，与纳粹意识形态之间没有一点关联，那也委实太天真了! 上世纪60年代，基本上由尼采与海德格尔培育出来的法国后结构主义思潮，漂洋过海去到美国后，在美国获得了更为露骨的后现代主义动机。正当美国陷于越战的泥潭而遭致自由民主价值的最大的合法性危机之时，由德里达打头，所谓的“耶鲁四人帮”为后盾的美国后现代主义思潮迅速地在全球漫延开来。其中最著名者，叫保罗·德·曼。此人极其聪明，文笔流畅，思路清晰。其基本观点是，一切文本都是作者袒露与隐瞒的运作，记忆与遗忘的策略。一切阅读都是误读。而写作与阅读则构成作者与读者之间一种揭露与掩盖、设访与投射的游戏。80年代末，从他年轻时期的某些档案材料中，人们发现了他原来是纳粹时期一个积极的反犹主义者。于是，美国大学特别是英文系里那些天真的解构主义信奉者们，突然惊讶地意识到了某个事实：解构主义与罪恶意识的压抑(遗忘)之间的不经意流露的关联。 90年代初，美国的“索卡尔事件”使后现代主义的最后一点美丽幻象也破灭了。索卡尔是一位美国物理学家，他花费了差不多整整两年的时间，处心积虑地炮制了一篇题为《超越界线：走向量子引力的超形式的解释学》[Transgressing the Boundaries．"Toward a Transformative Hermeneutics of Quantum Gravity]的诈文，其中充满了常识性科学错误同时却充斥了后现代主义者最喜爱的奇思妙想与时髦术语，并把它投给了美国最著名的后现代主义刊物之一《社会文本》[SocialContext](中国社会科学院的座上宾詹明信[F．Jameson]是该刊的主编之一)，结果是，此文被登了出来。尽管这一事件的深远意义远未为人们充分意识到，但是，人们普遍认为，此举表明了后现代主义者的学术水准已经下降到了何种荒唐的地步。 可以并不夸张地说，上述三个事件事实上已经宣告了哲学、文学艺术与社会文化三个层次上的后现代主义思潮的破产。“事件”之所以为“事件”，乃是因为人们在其中倾注了大量热情，因而卷入了无数文献。围绕着这些事件，人们能够组织起纷纭的思绪，从而给予一个时代的精神状况以实体表现的形式。而这个时代精神状况则是：人们对于后现代主义应当被理解为20世纪下半叶西方社会的一种病理症状对一点已经获得了清楚的自我意识。后现代主义以其智性上的反理性主义、道德上的犬儒主义与感性上的快乐主义，即便在最为流行的时候，也没有逃脱西方有识之士的尖锐批判。本书多次提及的哈贝马斯就是这样一位思想家。而另外一些学者，则将后现代主义看成西方高度现代主义[high modernism]的一个反题。现在，走向终点的反题已经失去了昔日的锋芒，一种新的综合开始到来。那就是“后现代之后”：魏尔默与霍内特之坚持现代主义与后现代主义的辩证观，当作如是解。然而，本书作者宁愿坚持一种拓展了内涵的现代主义立场，并认为哈贝马斯的“未完成的现代性”，或贝格尔的“后前卫艺术”的提法更为可取。因为，如果说现代主义是西方现代艺术的正题，那么，贝格尔所说的旨在摧毁现代主义自主原则的“历史前卫艺术”[historicalavant－garde，指达达主义、早期超现实主义与苏俄前卫艺术]才是现代主义的反题。而后现代主义，某种意义上只是欧洲历史前卫艺术(以杜桑[Duchamp]为代表)的延续，某种意义上则是欧洲历史前卫艺术的一个搞笑的美国版(以沃霍尔为代表，参本书所述胡伊森精彩的分析)。因此，导源于对现代性的敏感意识的现代主义，其潜力远未穷尽，而它在遭遇历史前卫艺术与后现代主义的挑战后，反而显出了更顽强的生命力。这就是本书结论中所说的“无边的现代主义”的基本意思。 然而，正当后现代主义在它的原发地已经走向终结的时候，它在中国却获得了始料未及的繁衍契机。与某些论者不同，本书作者并没有简单地将中国式后现代主义归结为学术界与艺术界鹦鹉学舌的结果(所谓“话语的平移”)。后现代主义在中国的传播有着深层次的历史原因，也有着更为具体可感的现实动机。后现代主义的反基础主义、反总体性、反主体性、强调动态过程胜于静态结构，与中国前现代性思维是如此合拍，以至于人们稍加思索就不难从后现代主义当中辨别出中国保守主义者的弦外之音。而它所宣扬的后现代主义视觉美学：非线性几何、不对称、反崇高、散点透视乃至中国园林式“后现代空间”……也与中国前现代性美学如出一辙。不是偶然的是，西方鼓吹后现代主义建筑最起劲的查尔斯·詹克斯先生的太太就是一位研究中国园林的专家。而欧美某些后现代主义“建筑大师”到中国来兜了一圈后欣快地大叫“后现代建筑在中国”，也就不难理解。于是，贫困时代的灾难性混乱、粗野的地方性崇拜与不加克制的复活主义立刻被宣布为后现代性的前卫性。而近年所谓“经济起飞年代”的那些拙劣的伪现代建筑与陈词滥调的现代主义当然不加区分地被宣布为“现代主义的垃圾”。 后现代主义在中国落脚的时候，正是80年代尚未分化的中国知识分子群体的“新启蒙”遭到重创的时候。这赋予了后现代主义在中国的传播以干载难逢的大好机会。由90年代初的北京大学出版的《走向后现代主义》开路，北大与中国社科院一路高歌走向“后现代主义”的文化出版事业大游行：《后现代主义文化研究》、《后现代主义文化与美学》、《后殖民文化批评》，直到蔚为大观的“知识分子图书馆”(似乎只有后现代主义分子才配称得上“知识分子”的称号)。显然，除了迎合文化保守主义的心态，后现代主义太切合新左派的胃口了。在中国的文化保守主义者与新左派眼里，难道还有比批判形而上学的恐怖主义、理性社会的大监狱、西方中心主义的险恶用心、自由民主的乌托邦、全球化的谎言，宣扬身份与差异、文化与价值相对主义的后现代主义更好的东西吗? 与保守主义者忽然从后现代主义中找到了中国前现代性的新的合法性一样，中国的后现代主义者则从西方后现代主义“没有底盘的游戏”(德里达)、“一切皆可”(邓托)、“快乐的虚无主义”(奥利瓦)以及“正经不起来”(苏姗·桑塔格[Susan Sontag])那里，发明了“政治波普”、“泼皮现实主义”、“新文人画”、“玩得就是心跳”、“一点正经没有”，以及各式各样假冒的观念艺术。但是，与保守主义的危险不同，中国式后现代主义的危险并不在于它成了与当下感性全然无关的形式玩物与装饰，而是走到了另一个极端；即不顾一切形式法则与视觉质量的纯粹的观念。西方“历史前卫艺术”的合理因素在于：他们的反形式[anti－form]与反艺术[anti－art]是建立在西方现代艺术史特别是经典现代主义的高度形式主义的正题之上的。这样，前卫艺术的反题才拥有了一定的合法性。而中国式后现代主义在没有任何语境的前提下，一下子走到了反形式的前卫艺术，因此它除了孤零零的个别事件之外，不可能产生真正的文化政治[cultural politics]效应。不仅如此，它的真正危险在于，它以貌似激进的观念掩盖了这样一个基本事实：即中国现代性的先天不健全；并以这种思想的短路形式扼杀了中国当代艺术的现代性诉求。 在本书即将完成之际，我读到了英国著名批评理论家伊格尔顿的如下一段话：“今天在北京大学设有一个后现代研究的机构，中国在进口减肥可乐的同时一起进口德里达。一种需要深入探讨的时间扭曲。殖民主义的进程有助于在好坏两方面剥夺第三世界社会的发达的现代性，现在这个进程让位于新殖民主义的进程，由于这个新的进程，那些部分地是前现代性的结构被吸入了西方后现代性的旋涡。这样，没有继承一种成熟的现代性的岳现代性日益戒为它们的命运，好像落伍造成了一种形式的早熟。一个进一步的矛盾是，在古老与先锋的痛苦张力中，在文化的领域里，再造了一种现代主义艺术的某些经典条件。”(伊格尔顿：《后现代主义的幻象》，第139页)中国是否已经具备了现代主义艺术的经典条件，本书暂且不论。这里能说的是，从意识到我们的参照系的情形——西方现代主义事业的未竟使命及其后现代主义的幻觉——的那一刻起，这种条件就已经在形成之中了。因为，意识的照亮之处，正是救赎的开始之时。本书作者并不自命为这一救赎的努力当中的一部分。我只能满足于在四处弥漫着的文化保守主义与后现代主义大雾中保持清醒的尝试，并且坚信，正如文化保守主义一后现代主义同盟曾经欢呼雀跃地宣布中国可以并且应当绕过现代性直接跃入岳现代性是一场白日梦一样，那种认为后现代主义乃是中国艺术的命运的说法也只不过是一纸谎言。曾几何时，人们是那么醉心于中国可以避开工业化、城市化与社会化的现代性命题直奔信息化、乡土化与社群化的“后工业社会”的美梦，然而，一个越来越被认可的事实却是：中国一向试图绕过去的工业化进程、市场法则、理性化管理、程序合理性、法治原则，乃至于统治的正当性基础，却原来是绕不过去的现代性的硬核!而我们在走向社会的现代化与文化的现代性过程中所遭遇的种种挫折，无不可以追溯到这样一个事实：即我们没有从思想意识到行为习惯上真正确立主体性——黑格尔认为的现代性的本质——的基础地位。回顾中国式后现代主义狂热对“主体性”的嘲笑与“解构”，难道还不让人感到啼笑皆非吗!事实上，文化的中断与意义的失落(我们在处理传统与现代性问题上的曲折与反复)、社会的未分化和并非建立在真正的个体主体性基础之上的社会的虚假团结，以及个性的匮乏，解释了以下社会现实：由于我们在处理传统与现代性的关系问题上的笨拙，以至于“创新”需要被当作一种政治口号由政府来加以提倡；由于我们并没有真正确立起一种自我选择、自我负责的现代性的自律道德的基础，以至于“诚信”居然成为一个“拥有五千年文化的文明礼仪之邦”在遭遇现代市场法则与新型人际关系时的最大问题；由于强大的儒家传统与20世纪极左派集体主义意识形态对个体主义的压抑，以至于“个性”的不健全始终成为中国各种社会现象最有解释力的终极原因：由于缺乏个性，整个社会才循环地陷于各种“群众运动”之中；由于没有个性，整个社会才经常承受着未分化(在某种意义上就是没有多元的价值体系及其相应的多元的生活方式)所带来的巨大压力。以至于，人们可以说，一个庞大的无边无际的来分化社会的海洋(特鄹是农村)，为顽固的文亿保守主义提供了源源不断的社会资源；雨一个尚来形成自我意识中心、自我价值定位与自我道德承担的“无中心的”[non－centered]个人。恰恰成了“去中心的”[de－centered]、啕醉迷狂的、“一切皆可的”和不负责任的后现代主义的最佳温床。 本书出版之际，我感到更加有必要感谢徐岱、高力克、毛丹、孙周兴、刘翔诸位先生，他们把我从结束学生生涯不久后的那种心智懈怠与无所事事中挽救了出来。回顾近十年的学术道路，我所取得的每一次转机都与他们在浙大玉泉校区所营造的智性氛围有关。对老浙大的怀念已成为一种珍贵的人生体验。没有一种氛围，一个人什么也干不来。因为你不可能在毫无氛围的情况下凝聚起纷乱的思绪。 在本书的写作过程中，我还有幸前往剑桥大学从事为期一年的访学研究。在此要特别感谢剑桥大学艺术史系主任Dr．Binsky，他的热情好客使我得以自由地使用他们丰富完备的系图书馆和幻灯资料室。而Dr．Alice Mahon的现代艺术史专家与三一学院Fellow的双重身份，不仅给予了我直接的专业指导，而且还让我领略了最古老学院的日常生活气氛。我在剑桥的东道主哲学系则使我第一次感受到了“剑桥名士”们的风采。Dr．Raymond Geuss令人惊叹的慷慨博达与逸情雅致，常常令人如沐春风、豁然开朗。他的个人背景(出身于美国、长期就学与就勃于德国)及其德国思想史的学术背景，让我在一个视哲学基本为数理逻辑的剑桥环境中找到了“知音”。本书的最后体例就是在与他的无数次讨论之后才确定下来的。 其后去欧陆的游历虽然短暂，但至少部分地实现了我从少年时代就开始编织的梦想。艺术在这里　　见证了天地人神四方际会、供奉与馈增的游戏(巴台农神庙)，见证了古典时代的英雄精神(万神殿)，见证了中古时期神明与圣明的在场(“欧洲大教堂”)，也见证了文艺复兴时期人性与神性的卓越平衡。置身于欧洲就是徜徉于艺术。置身于欧洲意味着要回答如下问题：艺术之为美的形式如何与艺术之为真理的在场以及艺术之为道德的进盼相互关联?[How an art as the beau tiful form is related to an art as the present of truth and the stageto morality?]置身于欧洲还意味要回答这样的问题：一种伟大的文明如何屹立于地表，以及在这种伟大的文明中，艺术能够扮演何种伟大的角色?欧洲是真理的声音战胜虚无主义的历史本身，是道德的力量战胜犬儒主义的历史本身，是艺术的激情战胜猥琐无聊的历史本身。而这一历史本身又是如此直观地凝固在欧洲的城市建筑、广场、雕塑以及各大博物馆中!我在欧洲的经历使我懂得，一种伟大的艺术如何可能，以及一种伟大的文明最终怎样结晶于伟大的艺术之中!这一信念已经深深地沉淀于本书的血脉中了。 在我感到有必要感谢的人当中，范景中先生的位置绝对位于前列。我深受其思想影响的人当中至少有两人(波普尔与贡布里希)与他的出色工作有关。因此，当范先生询问我可否将此书交给中国美院出版社出版时，我毫不犹豫地答应了。 对写书的人来说，没有比遇到一位好编辑更幸运的事了。周书田女士热情而又高度负责的态度使本书得以最快的速度与读者见面。她不厌其烦地编选与调整大量插图，也使本书严肃的理论面孔变得可忍受了。 最后，但不是最不重要的，我要感谢一直陪伴我左右的两位女士。她们对我的爱怜与纵容是我生活中的永恒慰藉。刚到欧洲时的单身生活使我更加刻骨铭心地感受到了她们在我生命中的位置。她俩的到来使我的生活得以恢复，并着手此书的写作，因此，把它献给她们，理所当然。

George Barbier (1882–1932) is one of the great French illustrators of the early twentieth century. He is famous for his elegant art deco works that were heavily influenced by orientalism and Parisian couture. Born in Nantes, France in 1882, he skyrocketed to fame and notoriety after his first exhibition in 1911. Known as one of “the knights of the bracelet” for his luxurious and glamorous lifestyle and work, George Barbier also received renown for costumes and set designs he did for theater, film, and ballet. Even today, his modern and stylish illustrations are popular all over the world. With critical essays on such topics as coloration and composition, this volume is a complete compendium of Barbier’s work. This valuable reference book is categorized by Barbier’s major projects in fashion, book illustration, theater art, and editorial design and is perfect for illustrators and graphic designers as well as a beautiful gift for someone very special.

226 page most easy-to-use human anatomy guide for artists, explaining the human body in a simple manner. The book contains keys to figuring out construction in a direct, easy-to-follow, and highly visual manner. Art students, 3D sculptors and illustrators alike will find this manual a practical foundation upon which to build their knowledge of anatomy - an essential background for anyone wishing to draw or sculpt easily and with confidence! In this book you will find the most the important muscles, functions and actions of the human body. Over 500 drawings illustrate the range from simple anatomy studies to more complex tutorials. More than 250 photos have been drawn over, revealing the muscles.

After more than 30 years of research and teaching, artist Valerie Winslow has compiled her unique methods of drawing human anatomy into one groundbreaking volume: "Classic Human Anatomy". This long-awaited book provides simple, insightful approaches to the complex subject of human anatomy, using drawings, diagrams and reader-friendly text. Three major sections - the skeletal form, the muscular form and action of the muscles and movement - break the material down into easy-to-understand pieces. More than 800 distinctive illustrations detail the movement and actions of the bones and muscles and unique charts reveal the origins and insertions of the muscles. Packed with an extraordinary wealth of information, this is sure to become a new classic of art instruction.

美国戏剧学院（A.C.T.）创始人 托尼奖、奥比奖、剧评人奖获得者 威廉·保尔四十年舞台经验首次结集出版 ................... ※编辑推荐※ 这是一本专门写给年轻导演的剧场常识和技巧，主要针对剧场工作中可能遇到的林林总总的实际问题，因而有着非常强的实践意义，可以帮助年轻导演少走弯路。书中内容来自美国戏剧学院创始人威廉·保尔在美国戏剧学院导演课的讲义，也是威廉·保尔四十年舞台经验与教训的系统梳理。 ☆ 作者以与学生对话的口吻，汇总并解答了剧场工作中可能遇到的诸多观念或实操问题 ☆ 作者帮你从观念上避开导演思考问题时常见的思维误区并找到判断作品时常用的审美依据 ☆ 从试戏选角、读本排练，到彩排首演，每一环节所遇问题皆可在相应章节找到答案 ☆ 全书专设一章讲述舞台语言的言外之意，帮助导演更高效地使用舞台语言来丰富场面调度 ☆ 书中附有表演专用术语表和导演在现场常用句子集锦，帮助导演更好地与演员沟通 ................... ※内容简介※ 本书是美国戏剧学院创始人威廉·保尔四十年舞台经验的系统梳理，整合自他在美国戏剧学院导演课上的授课内容，也是专门写给年轻导演的剧场常识和技巧。作者保留了与学生对话般的轻松言语，坦率解答了创作中会遇到的林林总总的问题，例如：在观念上，导演应具备怎样的素养？影响其做出重大决策 的原则是什么？应该避免哪些思维误区？在导演工作中，从试戏、选角到排练、首演，与演员沟通、解读剧本有哪些技巧？需注意哪些问题？此外，作者还专设一章，介绍了标志性调度、标志性道具等高效率的视觉叙事手段。 ................... ※作者的话※ 导演必须去相信 我们能制造信念 导演是第一个去相信的人 不仅相信剧本里发生的故事 还相信该剧所承载的意义 相信自己 能够站在角落看着这部剧卖出去 相信它有市场 并且能让观众相信它的美丽 ——威廉·保尔

Season One takes us inside the Louvre, the Vatican Museums, the Egyptian Museum in Cairo, London’s Natural History Museum, the Metropolitan Museum in New York, and the Royal Ontario Museum in Toronto.

从新石器时代到宋元明清，百集纪录片《如果国宝会说话》目光跨越八千年，摄制组足迹遍布全国，拍摄了近百家博物馆和考古研究所，五十余处考古遗址，千余件文物。首次用文物讲文物，用文物梳理文明。

內容簡介 ★本書獲得獎項 2007 義大利波隆納書展評審特別獎 2007 澳洲童書理事會獎(CBCA)年度圖畫書 2006 澳洲圖畫書最佳設計獎 2007 APA書籍設計獎 2007 光譜藝術獎(Spectrum Art Award) 書籍類銀獎 2007 IBBY白鴉獎評審特別獎 2006 西澳州長書獎 2006 澳州奧瑞麗絲獎 (Aurealis Awards) 生活上的變動，都可能引發生命的大轉彎…… 惟有開始追尋，各種希望、未來才能一點一滴形成！ 在一幕令人心碎的離別場景中，主角最後一次親吻摯愛的妻女，黯然登上蒸汽渡輪，踏上這一生中痛苦卻重要的旅程：他要越過無垠的一片海洋，去到完全陌生的國度，只為了追求心底一個美麗的希望——讓家庭有更好的未來。 來到新世界之後，除了濃重的鄉愁之外，主角必須面對接踵而來的紛亂和慌亂感：聽不懂的語言、無法辨讀的文字、新奇的風俗、長相怪異的動植物以及陌生的生活環境。全身家當只有一個皮箱的他，不僅得想辦法解決吃住的問題，還得學習適應全新的環境，找到生存的方式。 在摸索的過程中，主角接受了別人的幫助，也看到了這些人自身隱藏在後的移民故事，而與這些人的生命產生連結。他理解到，在最壞的年代，人依然可以付出愛與關懷，也因為如此，才能在惡劣的情況仍舊懷抱希望，走出一條生路！ ★內容特色 1.全書敘述採圖像方式是必然的決定：來到完全陌生甚至是奇異的土地上，主角無法與語言與外界做溝通，故事若採任何形式的文字書寫，反而削弱了震撼力量。讀者是直接站在與主角同樣的位置來看待他週遭的事物和環境。我們的眼睛就是主角的眼睛，我們看見新奇事物的困惑、驚訝、恐慌與不理解等種種反應也正是他會有的反應，也因此他在孤單寂寞中的思鄉情緒會格外引起共鳴；而他在安頓下來，擬定計畫把妻女接來，為「即將成形的未來」雀躍的時候，我們也忍不住跟他一起期待、一起興奮！ 2.相簿是另一種形式的圖畫書：封面裝禎以「相簿」的形式，內頁也特意選擇深褐色調的懷舊色彩來顯出照片，使得文件紀錄的意味更濃厚。每個人家中的相簿其實就是另一種形式的相圖畫書，根據年代來描繪出一個人一生的故事。 3.利用小圖跨頁大圖帶出閱讀節奏：因為沒有文字來帶出情節，因此畫面的安排、怎麼掌握讀者前進的節奏成為作者最重要的功課：在這方面，他等於是在做電影的分鏡。例如，他在一頁上畫出12個方格來帶出連續性的動作，讀者可以快速看過進入情節；再利用整頁甚至是跨頁的壯闊場景來調整讀者的閱讀速度，讀者在看到開闊的場景自然會停下來細看，因此快慢之間的閱讀節奏也就在小圖與大圖之間顯現！氣氛營造上，他在書中多次利用「從近距離特寫再拉到遠處」的對比技巧，帶出渺小與孤單的憂鬱氛圍。 4.大量意象的使用：全書使用了大量的意象，例如尾巴有尖刺的巨龍？是惡劣的自然環境還是極權制度？戴上面具拿著火槍的巨人是誰？貓頭鷹造型的城市聚落……讀者可以根據自己的經驗，在每個畫面中琢磨、飛翔、想像。 內容導讀 ★亞馬遜讀者五顆星推薦讓我濃烈的情感自然流露，彷如電流一般（E.R.博德／紐約） 我書架上的書有幾種：有一種是讓我能從中獲得閱讀樂趣的，有些書則是隨著時間更顯其芳香和價值，還有些書（如果我夠幸運的話，一年中會看到一本，）則是帶給我極度的震撼感，就像電流一般，自然傾瀉出我濃郁的情感，《抵岸》正是我這幾年來獲得最高閱讀樂趣的書。書裡面每個人物的表情、每個場景安排、每段故事都彷彿在述說上千個回憶，讓我可以細看好幾個小時。作者對這本書下的努力和研究成功給予了小說最難塑造出的部份：靈魂。這絕對是美國2007年最棒的出版品。每個人的家裡都該擺上一本《抵岸》 (克力斯•豪爾／洛杉磯) 這也許是我看過最美麗的一本書了。作者在這裡其實要是向所有那些克服種種困難，在新天地努力奮鬥，為自己或是為家庭尋找美好未來的勇敢鬥士。全書一段段的故事情節完全用圖畫來呈現，一個字也沒有，我想的確也不需要文字，因為我從圖畫裡感受的要遠比文字更為動人更為深刻。《抵岸》是一場視覺饗宴，也帶出人在面對新環境中種種困難和挫折所需要的勇氣和堅持 (M.葛梅茲／佛羅里達) 我唸中學的兒子才剛轉到新學校就讀，在環境適應上頗有挫折感。這本書剛好可以告訴他，「改變」對任何人來說都是困難的，不只是孩子會感受到壓力及緊張，大人也一樣。故事不僅感人，更富含「肯定良善人性」的正面意義 (丹／日本) 主角抵達新世界之後，所面臨到種種環境不適應所引發的不知所措和失落感相當觸動人心，任何有類似經歷的人都會心有戚戚焉。儘管如此，它富含「肯定良善人性」的光明面和積極意義。不同年齡、不同文化背景或是階層的人都可以在書中抽取不同的經驗、感受到不同的情緒。強烈推薦給渴望或是正在追尋「歸屬感」的人 (露絲／威斯康辛) 這些插畫實在了不起，事實上，純粹圖畫沒有文字的表現形式使得我在「閱讀」這本書時獲得了很獨特的感覺。我強烈推薦給所有喜歡圖像小說的人、關心移民議題的人，或是努力在自己的生活圈裡尋求「歸屬感」的朋友們！ ★國際媒體一致推薦?2007義大利波隆那書展評審團：這本書有成為『想像力聖經』的潛力 「書中各人物以兼具感人、新奇、迷濛、富想像卻又憂鬱的『無聲語言』，娓娓述說各自的故事，創造了揉合電影、攝影、插畫和廣告技巧的新世界，使得這本書有成為『想像力聖經』的潛力。讓人讚賞的是，在這裡靜默的世界裡，主角的情緒、哀而不傷的氣氛不時在書頁間穿梭、呢喃，並不因為缺少文字而降低了情緒的張力或是抑制了瀰漫全書對美好未來期待的呼喚。」 ?紐約時報：豐富又蓄滿力量的視覺意象激起讀者迫不及待看到陳志勇下一本圖像小說！ 「《抵岸》封面的設計成老舊泛黃的皮革，以家族相簿的主題概念忠實貫穿全書的故事情節。作者完全避開傳統漫畫書慣用的音效、表情符號及其他的設計技巧，裡面不管是獨立的小圖像或是佔滿頁面的圖像沾上大小摺痕、淚跡以及污漬，更讓讀者引發，自己觀看的是一張張年代久遠的相片的感覺。整體的效果讓人驚艷，感覺像是自己在翻看剛自閣樓上意外尋到傳家寶一般珍惜又感動。」?雪梨先鋒早報：《抵岸》印證了古老的諺語—一幅畫勝過千言萬語 「要找到適當的字來形容繪本作者陳志勇的作品以及陳志勇本人並不容易，但是看過了他極具宣染力的視覺溝通，沉默似乎也不失為一個適宜的反應。從繪本的角度來看，這本書明顯的異於其他繪本：儘管作品被歸類於兒童書籍，陳志勇偏愛探索複雜的主題，這些經過氣氛營造和精密構圖的主題並不會因此嚇跑了年輕讀者，反而讓他們有機會培養移情力去聯想故事以及更棒的視覺鑑賞力。讀者在這裡即透過主角的臉部表情和肢體語言來體會他此刻的感受。即使那些覺得孩子還不需要應付這麼深澳主題的家長們，可別輕易錯過了這本書，這本書絕對也能打動他們的心。就讓圖畫說話吧！」?書訊：囊括國際各大獎項的《抵岸》在形式和內容上都證明了令人讚賞的藝術作品就該是這個樣子！ 「陳志勇用相片形式的方格圖像來述說全書的情節以及從其以生出的枝節故事。他利用方格的大小縮放、顏色的變化、光影的移動和圖像排列來引導讀者進入故事，迷濛柔和的色調營造懷舊的氣氛，同時也加入了大量的意象和暗喻，似乎隱含某些真實事件或是某區域的影子，但是在建築物和動植物外觀上卻又引入未來的元素，使得全書的精神延伸成無國界、無特定文化背景的普世故事。細緻的氛圍和雄偉的意象在這裡完美結合，使得《抵岸》成為此類書籍的傑作。」?學校圖書館月刊：《抵岸》可說是今年最令人讚賞的一本書。 「在這本無字的圖像小說中，陳志勇傳神的描繪出遷移者來到新環境中所面臨的紛亂感及畏懼。不過，他也不忘帶出光明的一面：我們幾乎可以在每一頁看到不分年齡、種族和文化背景的人性光輝透過紙面散發出的溫暖和關懷。年輕的讀者會被書中新世界裡各種新奇的設計強烈吸引：球狀的飛行電梯、貓頭鷹型狀的村落、外觀怪異到不行的小動物……他們會仔細觀察在書中各個小細節，流連在漫無邊際的想像裡。」

Oei, later known as Katsushika Oi, was born the third daughter of Edo’s talented painter Katsushika Hokusai and his second wife Koto. Although Oei became the wife of a town painter for a time, her love of the paintbrush more than her husband spelt disaster and she comes back home to Hokusai from the family she had married into. This is how Oei starts to help her father out in his painting of the “insurmountable high wall”. Meanwhile, Oei can only talk to the painter Ikeda Zenjiro, who is her father’s student, about her pain and worries. Zenjiro has taken Edo by storm as Keisai Eisen, the master of ukiyo-e portraying beautiful women. He visits regularly because he admires Hokusai and secretly likes Oei although their relationship is like childhood friends. Oei respects her father whose paintings fascinated her and continues to work as a painter who supports him behind the scenes. When Hokusai’s masterpiece Thirty-six Views of Mount Fuji was completed, she was also by his side.

《好色的哈姆雷特》是小白的成名作随笔集， 评论界将其概括为“以男女之事的瓶子装文化之酒”，获得广泛赞誉，曾获得2009年中国娇子新锐榜唯一的年度图书奖殊荣。本书包括《好色的哈姆雷特》、《画春宫的女人们》、《黄段子和小册子》、《大的到底好不好》等十余篇文化散文。题材另类不羁，文字亦庄亦谐。博学的作者将邀您共游古希腊、古罗马、夜幕下的巴黎街头，从康康舞、希腊古瓶和太阳马戏中读出细节的低语，读出风尚的演变和传承，读出道具不同而欲望如一。关于性，上帝所没有说的，小白将向您娓娓道来。本书是国内随笔领域少见的真正做到深入浅出的作品。既不乏真材实料，具有不输于学院水准的学术价值，读来又饶有趣味，以其鲜明的、承继英式随笔精髓的文风在文坛独树一帜。《好色的哈姆雷特》是原《好色的哈姆莱特》的增补修订本，修正讹误之余，新增万余言长篇随笔及百余幅彩色插图,，无论是在品相还是在质量上均有大幅度提升。

万物漫游指南·上天 这是一本用一张连续不间断的长图带领读者从地球表面出发进入茫茫宇宙，了解天文学知识的国内原创科普图文书。从地面一飞上天，突破大气层，遨游太空，直到910亿光年外人类可观测的的宇宙尽头。读者在沿途将看到令人惊叹的宇宙奇观，同时通过作者诙谐幽默的图形和文字语言学习到各种新奇的天文学知识。创作团队用8个月时间详细梳理天文知识，征询国家天文台相关专家意见后，通过设计语言将其转换成年轻人感兴趣、看得懂的图文语言。全书采用经折装，展开后为一幅17米的长图(正反面都有内容)，表现形式和创作手法新颖独特，体现了国内年轻原创科普创作团队的活力。 万物漫游指南·下海 这是一本用一张连续不间断的长图带领读者从海面出发下潜到海洋深处，了解海洋学知识的国内原创科普图文书。从海面起始不断下潜，直到1万米的海洋深处。读者在沿途将看到丰富多彩的海洋生物，难以置信的海底奇怪，以及人类对海洋探索的辉煌历史，通过作者诙谐幽默的图形和文字语言学习到各种新奇的海洋学知识。创作团队用6个月时间详细梳理海洋学知识，征询国家海洋局相关专家意见后，通过设计语言将其转换成年轻人感兴趣、看得懂的图文语言。全书采用经折装，展开后为一幅16米的长图（正方面都有内容），表现形式和创作手法新颖独特，体现了国内年轻原创科普创作团队的活力。

让小鸟认清现实需要几颗炸弹？ 一个有关先知和提问者的残酷寓言故事 2012年艾斯纳奖获奖作品 ◎ 编辑推荐 ☆ 15年创作积累、长达600余页、如挽歌般的后现代寓言故事 虽然是十五年的碎片化随笔与创作，但作者安德斯·尼尔森在故事刚成型时就已预见了其结局。它并不仅仅是一个 蓄力持久、由每天突发奇想的小故事所构成的一本合集，书中的小鸟形象就像故事本身一样，好像既存于这个世界，是一个长久存在的生命课题和现实话题，安德斯十五年来每日所做的就是努力将它用画笔记录下来。 ☆ 划过头顶上空的是鸟蛋还是导弹？无论你如何坚持自己的认知，其结果都是必然的。 《大问题》围绕人类生存意义展开了讨论，故事中的小鸟观察着空想平原中仅有的几个人类每日的行为，并对发生的事件产生不同的理解，问题是，它们的理解真的准确吗？毕竟小鸟猜测和考察的对象早已超出了它们所能理解的范畴。 ☆ 藏在相似皮囊之下的有趣灵魂 你将在这本书中看见几十个长得一样的主配角们。安德斯曾考虑过要赋予每只鸟一个记号，但后来他发现当所有鸟都长得一样时，它们才拥有了这个群体真正的特质，于是安德斯决定用语言和性格特征将书中的个体加以区分。单纯、善良的小鸟中偶尔会出现思维活跃的另类；阴郁、聒噪的乌鸦也会有难以捉摸的日常笑点；危险、神秘的蛇会让受伤的小鸟坐在他冰冷、湿滑的身体上……在故事里，你会看到动物，预见自己。 ◎ 内容简介 坠入空想平原的失事飞机，被小鸟视为雏子的遇难飞行员和失语白痴，动物本能所引发的护雏之争，无知者用生命守护的毁灭性真相，人类内心的温存与求生时的挣扎，当平原恢复宁静，往事就汇聚成了这部如挽歌般的后现代寓言故事。 你可以很快地读完这本书，也可以用一生去翻阅千万次，这取决于你在《大问题》中扮演着怎样的角色。 ◎ 媒体推荐 这是一部内容庞杂而又诡谲的作品，谈生论死。其中的宏大立意借对几个渺小生命的描绘而得以呈现，且随着作者欢欣不羁、细致入微的钢笔点画笔触变得越发鲜明、深刻。 —— 道格拉斯·沃尔克，《纽约时报》 《大问题》的真正美妙之处在于它没有千方百计去回答什么，而是通过爱、失去和黑色幽默去营造氛围，让它其中的意义如他所画的场景一样宏大且耐人寻味。 ——《蒙特利尔镜报》 一部非凡且令人回味无穷的漫画杰作。 —— 美国国家公共电台“2011年度十大好书”评语 尼尔森呈现了一部宏大、极富想象力的人性寓言故事。 ——《迈阿密先驱报》 ◎ 获奖纪录 ★ 2011年《纽约时报》100部影响力图书 ★ 2012年林德·沃德年度图像小说奖 ★ 2012年艾斯纳最佳出版漫画奖

死者之书汇编了法术与圣歌，埃及人希望自己能够在死后使用它，好为那通向永恒的旅途储备知识和力量。在一千五百多年的岁月中，这些咒语出现在纸莎草书卷上、木乃伊的裹布上以及棺材和护身符上。那些最完好的手稿有着彩绘的美丽插图，描画着埃及人想象中那死后世界的风光，神祇和妖魔，以及死者将会遭遇到的挑战与必须通过的难关。其中包括了那决定性的“称量心脏仪式”——死者是进入诸神的乐园，还是堕入可怖的“吞噬者”之口，全看这最终的裁决。 作为相关展览的补充，这是三十年来这个课题上最全面的图书，很多大英博物馆的死者之书珍藏第一次以彩图的形式出现在印刷品之中。借住一流学者之笔，详细的拍摄和讲解那些文物与咒语和古代图画的关系，穿越古埃及人来世的旅途，让我们深刻的理解他们的信仰，揭示出人类面对死后世界的恐惧，以及希望。 300多彩图 全面解密古埃及的神奇法术 绝对世界唯一中文版本 几十年来古埃及死者之书课题上最全面的图书 很多大英博物馆的死者之书珍藏第一次以彩图的形式出现在印刷品之中 借一流学者之笔，详细的拍摄和讲解那些文物与咒语和古代图画的关系

本书是日本著名音乐大师坂本龙一唯一口述自传。幼时的坂本龙一，因为饲养小白兔而作的一曲《小兔之歌》，使他第一次强烈地体会到音乐带来的喜悦。青年时，他是一名彻头彻尾的“愤青”，罢课抗议、游行示威，但也迷恋于德彪西、贝多芬、披头士，并潜心阅读黑格尔、胡塞尔、德里达等。期间，他 曾一度拒绝学习钢琴，正因为这次“拒绝”带来的空虚，使他察觉到“自己原来是如此喜爱音乐啊”，音乐使他自由。此后，他真正开启了自己的音乐人生，凭借《末代皇帝》的配乐，他登顶国际舞台赢得盛誉…在口述中，坂本龙一不断俯瞰自己迄今为止的生命，以期看清现在的自我。书中还穿插着他不同时期的照片50余幅，展现了这位音乐大师充满魅力的人生历程。