日本作家大平一枝抱着“纸这一介质是否会消失会被替代”的疑问，深入与“纸”相关的各行各业，采访各类设计师、收藏家、民艺家，满含深情写下的与纸有关的人生百味。全书由日本百年品牌竹尾的六种特种纸打造，既是内容精良的图书，又是视觉与触感兼美的艺术品。 近三十位日本重量级艺术家×六种竹尾特种纸打造全书！ 有多少种纸，就有多少种与纸相关的情感与信念， 就有多少爱纸之人在这个乏味时代的有趣生活。 ★殿堂级设计师、资生堂设计总监仲条正义；开启日本一整个装帧时代的平野甲贺；享誉国际的日式庭园设计师枡野俊明；种树抄纸的和纸艺术家 森田千晶……近三十位艺术家、设计师讲述的人与纸的深情故事。纸业大国写给纸与爱纸之人的一封情书。 ★日本百年品牌竹尾，六种特种纸打造全书。不同观感，不同手感；从里到外都奢侈，中文版限量发售。 ★每一种纸，都是一种真真切切生活过的痕迹。 这里有各种形态的纸，明信片、包装袋、书、名片、纸币、广告海报…… 这里也有各种形态的人生，儿子悄悄写给父亲的信；平民生活区里的活字印刷所；徘徊于人生低谷的画家在冷清画材店偶遇的人生导师；平野甲贺的独创字体；仲条正义引领的资生堂设计革新…… 纸的尊严，就是人的尊严。

设计到底是什么？作为一名从业二十余年并且具有世界影响的设计师，原研哉对自己提出了这样一个问题。为了给出自己的答案，他走了那么长的路，做了那么多的探索。“RE-DESIGN——二十一世纪的日常用品再设计”展真是一个有趣的展览，但又不仅仅是有趣，它分明是为我们揭示了“日常生活”所具有的无限可能性。若我们能以满怀新鲜的眼神去观照日常，“设计”的意义定会超越技术的层面，为我们的生活观和人生观注入力量。

This book aims to shine light on work of women in type. The first part of the book offers research on the gender issue in type design field. It includes statistics, data and an overview of some works that address this issue. Further it contains some biographies of female type designers that worked in the 19th and in the beginning of 20th century. These women contributed to the industry, yet they are rarely mentioned in educational material. The second part is a series of the interviews with 14 women that are either currently working as type designers or are in any other way involved in the field of type design. These interviews intend to uncover the topic of unequal share of female and male speakers at type conference as well as the lack of women in the industry. The last part of the book is a showcase of typefaces designed by women. The purpose of this part is to show the great amount and broad variety of such typefaces. Interviews with Designers: Gayaneh Bagdasaryan, Veronika Burian, Maria Doreuli, Louise Fili, Martina Flor, Loraine Furter, Jenna Gesse, Golnar Kat Rahmani, Indra Kupferschmid, Briar Levit, Zuzana Licko, Ana Regidor, Fiona Ross and Carol Wahler.

4岁的认知方式可以决定人一生的品味！ “啊（あ）”是全世界孩子出生后自然而然会说的第一个音节。这部课程带孩子从这个赞赏而有感染力的音节出发，领略日常生活里，所有普通事物的美好和惊奇。这个方式不但能启发启发思维，而且可以带孩子习得美感。 这个系列专题片由NHK从出品，日本当代设计大师佐藤卓监制，联合无印良品艺术总监原研哉等多位设计大师历时6年策划，专为4岁以上儿童拍摄，是对孩子进行思维认知和美育启蒙的专题片，每集15分钟。其突破性的创意曾引起设计和教育各界的关注和热议，治愈的停格动画、魔性的排版之歌等，更让世界各地孩子都喜爱有加。

作者维克多·马格林教授，以人类文明发展之初为起点，开启世界各地设计思想和实践的学术考察。第1卷（第1章-第19章）涵盖了人类社会初始到第一次世界大战结束这一时间段的设计历史。主要内容包括最早的石窟艺术和手工工具，人类文明第一个阶段出现的视觉和物质文化的关键事例，工业革命及其后果，以及第一次世界大战期间的设计。第2卷（第20章-第37章）聚焦于第一次世界大战和第二次世界大战之间的设计历史。在这一时期，大量的产品和大众传播设计扩散到世界大部分地区，第2卷也记录了这一时期特定地点和特定时间的设计，主题如德国1890年至1914年间艺术与工业的关系，1917年至1930年间的东欧先锋派，1918年至1933年魏玛共和国设计，1929年至1939年间的美国顾问设计师等。（第3卷讲述二战结束到当下的设计历史，后续推出）

作者维克多·马格林教授，以人类文明发展之初为起点，开启世界各地设计思想和实践的学术考察。第1卷（第1章-第19章）涵盖了人类社会初始到第一次世界大战结束这一时间段的设计历史。主要内容包括最早的石窟艺术和手工工具，人类文明第一个阶段出现的视觉和物质文化的关键事例，工业革命及其后果，以及第一次世界大战期间的设计。第2卷（第20章-第37章）聚焦于第一次世界大战和第二次世界大战之间的设计历史。在这一时期，大量的产品和大众传播设计扩散到世界大部分地区，第2卷也记录了这一时期特定地点和特定时间的设计，主题如德国1890年至1914年间艺术与工业的关系，1917年至1930年间的东欧先锋派，1918年至1933年魏玛共和国设计，1929年至1939年间的美国顾问设计师等。（第3卷讲述二战结束到当下的设计历史，后续推出）

第一次世界大战后，“艺术—社会先锋派”兴起，主张让艺术家更多地参与社会生活的建设。本书以罗德琴科、利西茨基和莫霍利-纳吉，这三位构成主义大师为例，对他们的创作实践进行全面研究，借由对他们的艺术生涯的考察，本书作者——美国著名设计学家维克多·马格林，审视了这三位艺术家如何在产品设计、平面设计、展览设计、建筑设计、摄影和设计教育等领域，用设计与艺术创作来积极参与社会生活，最大程度地彰显艺术家的社会使命与抱负。

《设计问题》（Design Issues）由美国麻省理工学院（MIT）出版社授权翻译。Design Issues是国际设计研究领域的著名学术刊物，主要刊载设计的历史、理论和批评方面的研究论文和案例，在设计领域具有很大的影响力。本书选译自该杂志2014年的重要文章，主要内容涉及设计与创新以及具身知识的培养、维持和应用，可以作为研究生教辅读物和业界参考读物，对于深化中国设计教育和提升设计实践水平具有积极作用。

《设计问题》选译自麻省理工出版社的刊物《设计问题》（Design Issues）。该刊物是国际设计研究领域的著名学术期刊，主要刊登设计思想前沿研究论文，在国际设计领域有很大影响力。经麻省理工出版社授权，辛向阳教授带领的设计哲学团队从该刊物选译论文，结集陆续出版，旨在深化设计研究、推进知识创新，为设计教育和设计实践领域提供新的理论资源和思想启发。丛书适合设计院校教师、研究生、设计公司的设计师、企业管理人员阅读。

《设计问题》（Design Issues）由美国麻省理工学院（MIT）出版社授权翻译。译者孙志祥、辛向阳、代福平。Design Issues是国际设计研究领域的著名学术刊物，主要刊载设计的历史、理论和批评方面的研究论文和案例，在设计领域有很大的影响力。

First and foremost, Frank Gehry is an artist. Described as a young child as having golden hands, Frank begins his creation through sketch. Forming thought into substantive sculpture, the marriage of art and architechure is brought to life. Join director Sydney Pollack on a journey into the world and work of the most important architect of our Age.

当代设计界顶级设计师的平面设计课 美国顶尖艺术学院平面设计经典读本 🖼 编辑推荐 🎴 当代设计界顶级设计师的平面设计课 美国平面设计协会（AIGA）金奖得主、设计畅销书作者埃伦·勒普顿与杰出的设计教育者珍妮弗·科尔·菲利普斯合作撰写的平面设计入门经典，源自她们共同主持的马里兰艺术学院（MICA）平面设计王牌课程，启发新兴设计师和广大的设计爱好者用设计语言做创意实验。 🎴 结合形式与方法的系统教学 全面聚焦点线面、规模、纹理、色彩、边框、层级、图层、透明度、模块化、网格、图案、图表、动态、节奏与平衡等平面设计的形式要素与现象，深度讲解“平面头脑风暴”这一由菲利普斯开创的解决平面设计难题的方法，将技术与思维的融合作为设计实践的基础。 🎴 结合理论与实践的创意启发 精要剖析来自世界各地的200多件设计作品，这些方案囊括字体设计、图案设计、版式设计、产品设计、网页设计、动态图形设计等平面设计的各个领域，它们既出自杰出的设计教育者与成熟的当代设计师之手，也包括马里兰艺术学院平面设计课程师生的实验成果。 🖼内容简介 这是一本平面设计指南，埃伦·勒普顿与珍妮弗·科尔·菲利普斯凭借在平面设计领域几十年的教学与实践，将平面设计的形式与方法系统性地呈现给新兴设计师和广大的设计爱好者。 本书围绕平面设计语言的要素和原则展开，深入到平面设计的方法和思维，聚焦于点、线、面、纹理、色彩、图层、透明度等视觉元素，列举了从商标到网站等平面设计在各种领域的应用案例。 这些案例包括了设计教育者的开创性作品、当代设计师的成熟之作，以及马里兰艺术学院平面设计课程师生的实验性创作，引领读者发现出色的设计方案中各种视觉形式的活力所在。马里兰艺术学院的设计课是形式与观念交融的实验场，激发我们用视觉语言做设计实验，去探索平面设计创意的无限可能。 🖼媒体推荐 一本卓越的入门书，一个超赞的新版本。——PRINT杂志

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提要： 有限空间，无限创意，即使在8×8像素的严苛范围内，字体设计的创新也从未止步。本书通过对300多款不同电子游戏中像素字体的设计与应用的分析，透视出像素（屏幕）字体设计的进化史。从8×8像素方块字的兴衰，到高分辨率屏幕时代的到来；从开发人员主导设计，到不断细分的设计领域。游戏字体设计已进入新的时代，持续满足人们逐渐苏醒的视觉审美。 ——字由 字体应用管理和版权服务平台 编辑推荐语： 字体是电子游戏作品中最容易被忽视的创作元素，而它能够展现的美学以及信息表达能力却极其强大。这本书能让我们了解在硬件限制巨大的电子游戏启蒙时代，在那些拥挤的“画布”中所展现的设计智慧。——赵夏（西蒙）（机核网创始人） 对于经历过街机时代的我们而言，这本书是打开记忆之门的钥匙，对于未来的字体与电子游戏考古者来说，这是一本凝集历史的宝藏。——吴涛（thetype.com 网站技术负责人，《内核恐慌》主播） 中文首发，效果拔群！——张暄（汉仪字库高级字体设计师，汉仪字库西文字体总监） 内容简介： 20世纪70—90年代的电子游戏设计师们需要面对诸多技术限制——色彩表现受限，字母必须处在8×8的正方形网格中，而这些优秀的艺术家们表现出令人难以置信的创造力，在极小的画布上创造出精巧且极具表现力的字符集。 《街机游戏字体》的主角是从街机游戏流行的前几十年中选出的像素字体。伴随着作者大曲都市深刻的评论，以及不计其数应用这些字体的游戏屏幕截图，一场从未被记录过的“外行字体设计”运动展现在读者眼前。 本书收集了各式各样的游戏字体设计，包括《吃豆人》、《狂暴弹珠》和《异域战机》等热门游戏，此外还有无数鲜为人知的佳作。

本书语言清晰明了，将设计准则与其核心的认知学和感知科学高度统一起来，使得设计准则更容易地在具体环境中得到应用。涵盖了交互计算机系统设计的方方面面，为交互系统设计提供了支持工程方法。不仅如此，这也是一本人类行为原理的入门书。

优秀的色彩搭配不仅能够增添作品的冲击力与感染力,提升作品的吸引力,而且让观赏者更好地欣赏与理解设计师作品。本书介绍了色彩理论的基本知识，并提供色彩搭配指导，全书内容分为六大类别：暖色配色、冷色配色、对比色配色、互补色配色、近似色配色和多色配色。每个类别都通过大量的配色方案和国际优秀设计实例进行演示和说明，使读者能够更好地理解色彩搭配，启发创意，并运用到设计创作中。

In the early twentieth century, from the Taisho era to the early Showa era in Japan, Japanese culture was very much influenced by Western art and design movement. Consequently, large numbers of kimono were produced in loud colors and patterns, aimed at the fashionable 'modern girl' consumer. Changes in silk production at this time created a plethora of a new silk called Meisen, a reeled silk made from damaged cocoons. Meisen kimonos were relatively cheap, tough and attractive millions of them were produced in the Taisho and Showa eras. (mostly Japanese text, some English as supplementary) This book introduces colorful and dynamic patterns of Meisen kimonos categorized in patterns and motifs that are very different from the authentic kimono patterns produced in former periods. Some paintings or illustrations depicting beautiful kimono girls are also shown in this book. Taisho Kimono is an excellent book for kimono lovers and a great resource for fashion and graphic designers.

日本平面設計界最具代表性的十三人 從童年、在學、沒沒無名到獲獎無數，他們的初衷和想法 身處設計界巨大變動的時代，他們如何因應，又如何集其大成 本書蒐錄了日本設計雜誌《idea》依序訪談的十三位重要平面設計師及其代表作，這些指標性人物，儘管身處於二十世紀末的平面設計巨變浪潮中，依然能發揮超越市場邏輯的文化影響力。 所謂平面設計的巨變，簡單地說，就是戰後建構起的產業結構、價值體系面臨解體和重整。在資訊技術革新和全球經濟加速之下，過去制度化的領域，逐漸成為網路化的資訊架構及市場原理的一部分。而設計這種行為，也隨之擺脫魔術般的光環，逐漸普及，設計師的職能開始分化為兩極，一是構思整體的指導者、諮商者，一是實際執行作業的操作者。 而在這波浪潮裡依然能堅守主導權的設計師，是以何種方法或態度開展其具主體性且自主性的活動？《idea》訪談特輯的主題之一，便是引介可供參考的實踐案例。 在此之前，並非未曾出現過平面設計師如藝術家般的自主性活動，只是多半由享有威望的設計師，在專業領域之餘才能做到。而本書所介紹的人選，不單只是「設計師」，也能在時代當下與相關合作者有良好的互動，體現出另一種超越了純粹作者論的典範。 訪談過程中主要的關注點，並非各人的「感性」或「靈感」，而是他們如何將自己置於社會、文化與技術的脈絡當中，創建出屬於自己的世界。讀者可從他們的言論中有所收穫、有所觸發，本書也將成為形塑二十一世紀設計史的一股助力。 葛西薰 最值得參考的就是自己。 一九四九年生於北海道。一九七三年進入SUN-AD廣告公司。以藝術總監之職長期負責三得利烏龍茶（一九八三年～）、United Arrows（一九九七7年～）等品牌的廣告製作，操刀虎屋的企業識別、空間計畫、包裝設計（二〇〇四年～），統籌三得利、三得利美術館、TORANOMON TOWERS等的企業識別、標誌計畫，以及電影戲劇宣傳製作，攝影集和小說的裝幀等。曾榮獲朝日廣告獎、東京ADC大獎、每日設計獎、講談社出版文化獎書籍設計獎、原弘獎、龜倉雄策獎等。 服部一成 不如把自己的弱點完全暴露出來吧。 一九六四年生於東京都。二〇〇一年起轉為自由接案的藝術總監、平面設計師。擔任丘比、JR東日本等廣告之藝術總監，雜誌《真夜中》、《流行通信》、《here and there》的編輯設計，設計「三菱一號館美術館」、「Utrecht」等商標字型，負責東京國立近代美術館、橫濱美術館等展覽之平面設計、包裝設計、書籍設計等。曾榮獲東京ADC獎、第六屆龜倉雄策獎、原弘獎、東京TDC大獎、JAGDA獎、每日設計獎等。 有山達也 「雜亂」對雜誌來說是必要的。 一九六六年生於埼玉縣。一九九三年設立有山設計商店。參與雜誌《馬可孛羅》（文藝春秋）的設計後，陸續擔任《ERiO》（NHK出版）、《store》（光琳社出版）、《夢未來》（倍樂生企業）等雜誌藝術總監。目前以《ku:nel》（MAGAZINE HOUSE）、《雲之上》（北九州市）、《座・高圓寺》（座・高圓寺）等編輯為主軸，從事各種平面設計的藝術總監、設計。 山口信博 只留心意、不留意義。 一九四八年生於千葉縣。一九七八年獨立，設立山口設計事務所，以書籍設計為活動主軸。二〇〇一年起創辦折形設計研究所，進行日本自古以來的「折形」研究及開發。折形與神道相關，因此也獲得了神職「權禰宜」的資格。俳句社團「澤」的同人之一，俳號為方眼子。 松本弦人 不用格線的設計，就像素描速寫。 一九六一年生於東京都。一九九〇年設立Sarubrunei。在以電腦從事平面設計的黎明期，即率先採用尖端技術，運用在各種創意設計上。在數位作品《Pop up Computer》、《Jungle Park》、《動物番長》中擔任企畫、導演、設計。二〇〇七年創立可製作電子書的網站「BCCKS」，兼任BCCKS首席創意長／概念設計、企畫、設計負責人。 平野甲賀 書本做完了，思想和設計未必完結。 一九三八年生於京城（現稱首爾）。曾任職於高島屋宣傳部、京王百貨宣傳部，後成為自由接案平面設計師。此時期起與津野海太郎合作，負責過《黑色帳篷》等戲劇的舞台、宣傳美術。一九六四年起接下晶文社所有的書本裝幀，確立了該社的形象。一九七三年創立雜誌《Wonderland／寶島》。一九七八年創立《水牛通信》。此時期起參加高橋悠治等人「水牛樂團」的活動。一九八四年以木下順二《本鄉》（講談社）一書的裝幀，榮獲講談社出版文化獎書籍設計獎。 羽良多平吉 無法言語化的東西反而充滿更多可能性。 一九四七年生於東京都。一九七九年三月設立了編輯、設計事務所「WXY」，一九八九年六月起擔任「EDiX」代表。以「愉快編輯、有趣設計」為關鍵字，兼具可自在操控補色特色的纖細色彩感，以及橫斷活字到斑駁字型的獨特字型設計感，發展出獨一無二的設計。一九八七年以「第二十二回竹尾紙展覽」Paper Show海報，榮獲通產大臣獎、生產局長獎。一九九一年以稻垣足穗《一千一秒物語》（透土社），獲講談社出版文化獎書籍設計獎。二〇〇二年以《機動戰士鋼彈公式百科事典》（講談社），獲第三十六屆裝幀競賽日本印刷產業聯合會會長獎。 松田行正 看起來「像」，其實是很重要的想法。 一九四八年生於靜岡縣。以其簡單強力的設計，負責過許多以書籍為主的設計工作，同時對包含文字和記號等各種「形狀」的起源和生成現場、發想「形狀」的瞬間帶有無盡的好奇，自行持續研究。創立牛若丸迷你出版社，以一年一本的速度，創作具挑戰性的內容和書籍裝幀。也曾負責過仙台媒體中心、大社文化堀兼、港都未來21的元町中華街車站月台、松本市民藝術館、富弘美術館等建築之識別系統設計。 仲條正義 彆扭也是一種美的要素，或者說設計的意志。 一九三三年生於東京。曾負責資生堂企業文化誌《花椿》、The Ginza／Tactics Design的藝術總監及設計。松屋銀座、華歌爾Spiral、東京都現代美術館、細見美術館CI計畫。資生堂沙龍（Shiseido Parlour）的商標字體及包裝設計。主要以東京銀座資生堂大樓的商標及標識計畫等平面設計為活動主軸。擔任東京ADC會員、JAGDA會員、TDC會員、TIS會員及女子美術大學客座教授。曾獲ADC會員最高獎、TDC會員金獎、JAGDA龜倉雄策獎、每日設計獎、日本宣傳獎山名獎、紫綬褒章、旭日小綬章等眾多獎項。 北川一成 假如刻意脫軌能帶來效果，我會刻意這麼做。 一九六五年出生於兵庫縣。一九八九年進入GRAPH（前北川紙器印刷株式會社）。目前擔任GRAPH董事長／首席設計師。二〇〇一年獲選為國際平面設計聯盟（由世界約兩百五十名頂尖設計師組成之世界最高設計組織）會員。二〇〇四年法國國立圖書館以「近年來印刷和設計均優異的書籍」為由，永久保存其多數作品。二〇一一年秋在巴黎龐畢度中心舉辦的現代日本平面設計展中，獲選為十五位作家之一。 宮田識 設計就像「空氣」一樣，無緣無故就想接近。 一九四八年生於千葉縣。一九七一年設立宮田識設計事務所，一九八九年公司更名為Draft股份有限公司。一九九五年創立自家品牌「D-BROS」，開始產品設計之開發、銷售。主要作品有麒麟啤酒「一番搾」、「麒麟淡麗〈生〉」、麒麟飲料「來自世界的Kitchen」、新日礦控股公司、Panasonic、「PRGR」、「摩斯漢堡」、「LACOSTE」、「BREITRING」、華歌爾「un nana cool」、「salute」等。東京ADC會員。曾獲日宣美獎勵獎、朝日廣告獎、ADC大獎、ADC會員獎、日本宣傳獎山名獎等眾多獎項。 淺葉克己 不做多餘的事，每一顆到眼前的球都打回去。 一九四〇年生於神奈川縣。一九七五年創設淺葉克己設計室。以藝術總監身分製作許多在日本廣告史上留名的知名海報、廣告。一九八七年設立東京字體指導俱樂部（東京TDC）。主要作品有西武百貨店「美味生活」、三得利「夢街道」、武田藥品「合利他命A」等廣告、長野奧運官方海報、三澤房產「三澤・設計・包浩斯」海報、民主黨商標等。東京TDC理事長、東京ADC委員、JAGDA會長、AGI（國際平面設計聯盟）日本代表，設計協會會長。日本桌球協會評議員、桌球六段。曾獲東京TDC獎、每日設計獎、日本電影學院獎最優秀美術獎等眾多獎項，二〇〇二年獲頒紫綬褒章。 寄藤文平 說得愈有把握愈有說服力。 一九七三年生於長野縣。藝術總監。武藏野美術大學中輟後參與博報堂廣告製作。一九九八年成立寄藤設計事務所，二〇〇〇年設立文平銀座。近年來主要活躍於廣告藝術指導和書籍設計領域。負責JT「成人吸菸禮儀講座」、「禮儀中的新發現」、東京地鐵禮儀海報、雜誌《Brain》、《孫之力》等的藝術指導，《海馬》（池谷裕二／與糸井重里共著、朝日出版社），《SWISS》（長島有里枝著、赤赤舎）等書籍設計。

As our everyday social and cultural experiences are increasingly mediated by electronic products--from "intelligent" toasters to iPods--it is the design of these products that shapes our experience of the "electrosphere" in which we live. Designers of electronic products, writes Anthony Dunne in Hertzian Tales, must begin to think more broadly about the aesthetic role of electronic products in everyday life. Industrial design has the potential to enrich our daily lives--to improve the quality of our relationship to the artificial environment of technology, and even, argues Dunne, to be subverted for socially beneficial ends.<br /> <br /> The cultural speculations and conceptual design proposals in Hertzian Tales are not utopian visions or blueprints; instead, they embody a critique of present-day practices, "mixing criticism with optimism." Six essays explore design approaches for developing the aesthetic potential of electronic products outside a commercial context--considering such topics as the post-optimal object and the aesthetics of user-unfriendliness--and five proposals offer commentary in the form of objects, videos, and images. These include "Electroclimates," animations on an LCD screen that register changes in radio frequency; "When Objects Dream...," consumer products that "dream" in electromagnetic waves; "Thief of Affection," which steals radio signals from cardiac pacemakers; "Tuneable Cities," which uses the car as it drives through overlapping radio environments as an interface of hertzian and physical space; and the "Faraday Chair: Negative Radio," enclosed in a transparent but radio-opaque shield.<br /> <br /> Very little has changed in the world of design since Hertzian Tales was first published by the Royal College of Art in 1999, writes Dunne in his preface to this MIT Press edition: "Design is not engaging with the social, cultural, and ethical implications of the technologies it makes so sexy and consumable." His project and proposals challenge it to do so.

How to use design as a tool to create not only things but ideas, to speculate about possible futures. Today designers often focus on making technology easy to use, sexy, and consumable. In Speculative Everything, Anthony Dunne and Fiona Raby propose a kind of design that is used as a tool to create not only things but ideas. For them, design is a means of speculating about how things could be—to imagine possible futures. This is not the usual sort of predicting or forecasting, spotting trends and extrapolating; these kinds of predictions have been proven wrong, again and again. Instead, Dunne and Raby pose “what if” questions that are intended to open debate and discussion about the kind of future people want (and do not want). Speculative Everything offers a tour through an emerging cultural landscape of design ideas, ideals, and approaches. Dunne and Raby cite examples from their own design and teaching and from other projects from fine art, design, architecture, cinema, and photography. They also draw on futurology, political theory, the philosophy of technology, and literary fiction. They show us, for example, ideas for a solar kitchen restaurant; a flypaper robotic clock; a menstruation machine; a cloud-seeding truck; a phantom-limb sensation recorder; and devices for food foraging that use the tools of synthetic biology. Dunne and Raby contend that if we speculate more—about everything—reality will become more malleable. The ideas freed by speculative design increase the odds of achieving desirable futures.