英国Grime传奇人物Dizzee Rascal宣布了他的新专辑名为《E3 AF》，专辑并将于10月9日发行。（已延期至10月30日）

The end of 2019 was soundtracked by one of the most unanimously critically acclaimed film scores of recent history, an anxiety-driven joyride paired to the Safdie Brothers’ noir thriller Uncut Gems. Unknowingly, Lopatin captured a universal feeling of dread that cuts even deeper in the current state of world affairs. And now, just as many artists are leaning into a newly discovered darkness as this year closes, Lopatin turns his dial towards a frequency of profound self-awareness on an even deeper journey inwards towards peace. With the backdrop of re-imagined programming for a soft rock-era format that symbolically spans from morning drive into late night hours, Magic Oneohtrix Point Never, the name a reference to a misheard play on words of Boston’s Magic 106.7, is a nostalgic and self-referential career defining body of work, collaging maximalist baroque within atmospheric glitter. Here Lopatin has mastered his own autobiography; an ornate musical double entendre from an artist making the most enlightened music of his career.

亞莉安娜·格蘭德-布特拉，是一名美國歌手、詞曲作家及演員。她以寬闊的音域聞名。 亞莉安娜出道於出演2008年的百老匯音樂劇《13》，之後在尼克國際兒童頻道播出的電視連續劇《勝利之歌》及其衍生劇《薩姆和卡特》中飾演角色凱特·瓦倫廷，她還參演過其他戲劇和電視角色，並為一些動畫片和電影配音。

落日飞车第三张专辑「SOFT STORM 柔性风暴」是一阵打从裤脚抚至内心的风，不由分说地让浸湿在爱情环流的听者随之摆动。专辑名称毫不掩饰地指向 Quiet Storm (宁静风暴) 这个多情的当代 R&B 类别，昭示著来袭的浪漫故事只会不断增强，踩踏轻摇滚的灵巧脚步顺风而行，让空气粒子沾染电子灵魂乐的魅力，折射亚洲五声音阶的绵延柔光。 柔性风暴的场景是笼罩在风雨中的城市，镜头凝视著城市居民来往的身影。这里可以是与颱风为伴的台湾，也可以是地球上任何有心醉及心碎之人的城市。在国宏笔下，无法令人招架的爱情与风暴彼此幻化，是空气中的不安与蠢动、是抢至眼前的电光火石、是髮梢到指缝的浸润、是理智弃守的焦虑，以及雨过天晴后的百废待兴。相较过往的飞车，柔性风暴更加不容分说的将所有人的情慾捲入其外围环流，在暴风眼的中心凝视著关于爱恋的哀愁。从「Overlove/终爱」到「Passerby/过客」，从「Candelight/烛光」到吹熄烛光，轻声述说著在风雨中的相拥，及放晴后的放下爱情。 在这难以捉摸的一年，外界的不可抗力牵动著柔性风暴的製作过程，让这张专辑以意想不到的方式诞生。经历数年紧凑的巡迴行程后，寻求新探险的国宏在 2020 年初踏上洛杉矶的街道，尝试与另一组创作团队合作，探索音乐上的其他可能性，并邀请西岸的传奇製作人、歌手 Ned Donehy 指导新作品的录製。意料外的疫情让这趟旅程嘎然而止，不过仓促返台的国宏在行囊中满满地装著于异地完成的新歌，回到家乡与飞车团员聚首。 于是，这些曲折在音轨上刻成了对折的地图，将远行与归途之路铺在黑胶沟槽两侧，而唱针代替了指南针，标示著新声音的方向。以强劲的电子鼓声、温暖的合成器贝斯铺底，蜿蜒流泻的钢琴与情绪收放自如的电吉他彼此呼应，将 Donehy 的慵懒揉合进 Yellow Magic Orchestra/高桥幸宏的炫目色彩。 「柔性风暴」是飞车在 33⅓ 转速唱盘上刮起的浪漫旋风，让大规模的柔情肆虐，让那些关于爱的情绪都能得到释放。

麋先生創作專輯第四章 《嗜愛動物》 我們都是愛的動物啊！ 嗜愛　才能被愛餵養學會成長 示愛　才能為愛勇敢拒絕遺憾 在愛裡受傷　在愛裡求生 愛上癮，是我戒不掉的癮！ 渴望愛也渴望被愛，誰叫我們是愛的動物 關住愛再敞開來愛，從心當個示愛的動物 麋先生睽違四年勇於自首《嗜愛動物》 新專輯一年打掉重練一次，激盪愛的共識 從全知觀點回到凡人視角認愛 金曲樂團-麋先生睽違四年發行第四張專輯《嗜愛動物》，專輯內容維持麋先生一貫的社會觀察視角，對所見所聞提出發人省思的觀點，然而這次與以往不同的是，用更放鬆、更自信、第一人稱直球進壘的口吻，坦白直視各種面向後的接納與見解，因此專輯圍繞著愛與人心，講述看穿表象謊言後，人類就是愛的動物。 麋先生這四年期間一直在進行專輯創作，團員們一邊回到日常生活累積創作能量、一邊定期聚會討論創作與音樂方向，只是催生過程幾乎每年都推翻重來、打掉重練，一直到找到麋先生現階段想表達的事情“人就是愛的動物”以後，才正式定下《嗜愛動物》專輯雛形。原來在團員各自用心生活以後，大家對於「愛」特別有感觸，認為每個人內心深處渴望的東西都一樣也很簡單，就是愛！ 原本就難以歸類的麋式搖滾，注入團員們現階段的人生經歷與學習後，可以聽到這張專輯裡有更多隨性不羈、沈澱思考、感性噴發的新面向，看似鬆動了麋先生原有的神秘鐵漢形象，其實與聽眾有更深入內心的情緒共鳴。麋先生延續一貫的Alternative Rock曲風，交出一張打破慣性、揭開更深層一面真我的音樂成績單。團員們用放鬆而認真的心態，將四年的歷練、領悟、成長，創作成了《嗜愛動物》，也希望可以鼓勵聽眾更了解自己、了解愛，就能自在地面對“嗜愛”的世界，也“示愛”於世界。 【精彩影音】 廢廢 愚公移山 接著 【詞曲賞析】 〈廢廢 〉 主唱聖皓有感而發： 「不在乎輸贏的人，才是最大的贏家。」 穿上廢廢的自信，邁出自由自在自我節奏 內建廢廢的基因，抗體光怪陸離人性變種 麋先生在〈廢廢〉裡，紀錄現階段如何愛自己的領悟，歌詞中「習慣用慢動作，旁觀這世界的緊湊」，透露出在紛紛擾擾、極速運行的世界裡，麋先生始終保持著清醒，去觀察每個人匆匆忙忙背後的意義何在。後來得出感想，與其忙著應付別人的要求、跟上他人的喜好、流行，而讓自己混亂迷惘面目全非，不如乾脆廢起來、hold住自己，及時的表現自己：在不畏懼流言蜚語的壓力下，能廢的理直氣壯也是一種愛自己的成就。因此麋先生的廢廢宣言，並不是擺爛的態度，而是正視自己的需求，勇敢展現自己的步調與眾不同的廢！ 聖皓有感而發補充說明，在大家都忙著追求目標、KPI的世界裡，願意廢下來安頓內心的人，表示他在乎的已經不是眼前的輸贏，而是認真傾聽自己的需求，這樣的人才是最大的贏家，也是廢的最高境界。 〈嗜愛動物〉 我自首：我唯一的嗜好就是我愛你！ 嗜愛動物麋先生化繁為簡暢談愛 犀利拆穿人類就是愛的動物 麋先生親人失智帶來極大衝擊 突破心防勇敢示愛就怕來不及 專輯同名歌曲〈嗜愛動物〉開頭簡潔有力的描繪數段愛的小故事，副歌猶如真誠摯友在深夜談心歌唱，希望大家別害怕為了愛而受傷、勇敢大方的表達愛吧！歌曲中具巧思的使用“嗜愛”、“示愛”與“是愛”的同音異字，犀利道出人類本性嗜愛與勇敢示愛的重要性。會特別強調“示愛”，靈感來自主唱聖皓生活中關於親情的感觸：「這幾年，爺爺得了失智症。有一天去陪他的時候，我突然想到或許明天他就不記得我了，帶給我很大的衝擊和感傷，讓我意識到示愛很重要，有愛就應該及時表現出來。」 歌詞開門見山地寫下生活片段與己身對愛的見解，表達每個人在愛裡面都會有自私的時候、也會有受傷的時候，但這些複雜扭曲的背後都是愛的表現。聖皓也坦率承認：「我以前不會去寫這麼直接的歌詞，是因為〈嗜愛動物〉要講的就是將一切化繁為簡的“愛“，所以我也很簡單直觀的寫出想法，對我來說的確是一大突破。」歌曲曲風相較以往硬派的麋式搖滾中，也顯得內斂溫柔，讓人感受到麋先生神秘堅毅的形象之下，鮮為人知的感性成熟面向。 在愛自己與討好他人間陷入兩難 麋先生感同身受共鳴創作 高雄樂團北漂多年尋找歸屬感 再格格不入也堅持愚公精神 〈四不像〉 VS 〈餵食秀〉 《嗜愛動物》專輯中的歌曲各自談論不同的主題，又隱隱約約互相呼應，就像走進謎宮遇見分岔路口，選擇後將看見不同的人生景象。探討人性歸屬感的主題上，麋先生創作出〈四不像〉與〈餵食秀〉的對應曲。〈四不像〉鼓勵大家以輕鬆自在的態度看待自己的格格不入，〈餵食秀〉則是側寫為了生存必須配合作秀的融入群體遊戲。 〈愚公移山〉 VS 〈loVSer〉 〈愚公移山〉與〈loVSer〉都是描述堅持自我作風的主題歌曲，然而放在不同的情況下，卻反映出一體兩面的優缺點。就算別人不懂與嘲笑，仍然固執堅持、努力不懈成就自己想做的事情，是大家一直讚賞的〈愚公移山〉精神。而〈loVSer〉歌曲裡主人翁羅密歐展現的固執堅持，竟然演變成盲目自我欺騙、被自己感動的愛情悲劇男主角情結。兩首不同面向的歌曲，皆隱含為了愛自己所愛，是否該堅持下去的選擇題。 麋先生硬派作風遇到親情就軟化 以歌勸世別留下愛的遺憾 越接納愛自己越能包容愛別人 麋先生用愛破解自私與傷痛 〈如果這首是遺言〉 VS 〈搖籃曲〉 進入《嗜愛動物》內心謎宮後，不但可窺視迥異的人心景像，每個人也得以透過歌曲獲得深刻共鳴，在特定議題的人格光譜中，找到自己的個性落點。麋先生交出〈如果這首是遺言〉以及〈搖籃曲〉，呈現不同身份在親情面前，展現出的個性。〈如果這首是遺言〉敘述面對死亡的威脅，才想起有太多遺憾的親情故事，並同時勸勉嘴硬心軟的硬漢們別再害羞、大方示愛吧。〈搖籃曲〉描寫身為父母極其柔軟的一面，一心為了充滿生命力與希望的孩子，提供安心安全的避風港。兩首歌分別以兒女及父母的角度講述回饋愛與付出愛的提醒。 〈稀有品種〉 VS 〈八字不合〉 看過、體會過各種光怪陸離、冷暖自知的人心面向後，你又會如何繼續在世界上貫徹愛？麋先生透過〈稀有品種〉告訴大家繼續珍惜自己的獨特稀有，勇敢忠於本質、理解自我，進而接納、包容自己的一切。〈八字不合〉歌曲中，麋先生將這份對自己的接納與包容延伸擴大至想法不同的群體與文化，認為就算是八字不合、無法往來的人，也不需要強硬要求對方跟自己相同，或試著改變對方，就讓彼此都在舒適做自己的距離裡繼續八字不合吧！ 〈接著〉 細細體會《嗜愛動物》謎宮中的所有歌曲，背後都與渴求愛有關，不論是渴求愛自己、渴求別人的愛，都是內心深處的自私或傷口在呼救的關係，而“愛”就是化解自私、痊癒傷痛最簡單直接的解藥。專輯的最後一首歌〈接著〉，就象徵找到答案走出謎宮之後，繼續抱著希望，前往新的人生旅途！ 【麋先生】 麋先生，成軍於2012年10月。在2013年6月發行第一張創作專輯《馬戲團運動》，以淋漓暢快的曲風搭配時而如詩迷幻、時而意識張顯的詞創風格，再加上主唱獨特的嗓音和爆發式的舞台魅力，迅速引起矚目，並在2014年一舉拿下第25屆金曲獎「最佳樂團獎」。2015年發行專輯《沒名字的人類》又再度入圍第27屆金曲獎最佳樂團獎。 麋先生的創作節奏暢快且充滿能量，廣受各大音樂祭喜愛、演出邀約不斷。2016年發行專輯《野生》，隔年獲邀代表台灣前往法國坎城「2017國際唱片大展」擔任坎城和巴黎二場之演出嘉賓，並同時展開歐亞二大洲的城市巡演。麋先生勇敢且不停歇地在音樂旅程上前進，在2018年12月舉辦成軍以來規模最大售票演唱會「麋宮」，2020年睽違四年發行第四張專輯《嗜愛動物》！ 「我們不知道最高的地方在哪 但我們上路了 你們的同行會讓我們更勇敢的踏下每一步」

#各界引頸期盼齊見證樂壇下一位新天后誕生 《少了一件牛仔褲》數位EP成績斐然，人氣與實力並重的率性女聲閻奕格，2020下半年繼續努力，穩佔樂壇下一位新天后預約席。第二張精品大碟《Let Everything Happen》乘勝追擊，準備大鳴大放。 #流行線上最炙手可熱音樂人打造新一代百搭featuring歌姬 閻奕格、王治平、呂禎晃、洪敬堯、陳秀珠、陶山 Skot Suyama、高爾宣 OSN、J.Sheon、李雙飛、Victor 劉偉德、陳信延、徐若瑄、葛大為、Karencici、Lydia 韓睿（F.I.R.）、kvn、楊子樸、張伍、Cazzi Opeia、倪子岡、米奇林MCKY......台前幕後豪華全配陣容攜手鐫刻閻奕格音樂新態度。 #首首金曲搶攻年度排行榜冠軍位置 繼與高爾宣 OSN合唱的「愛上現在的我」與冠軍療癒情歌「少了一件牛仔褲」稱霸排行榜之後，新專輯再度釋出多首潛力金曲。包括與潮流男聲J.Sheon合作的「從此過著幸福快樂的日子」、與F.I.R.主唱Lydia 韓睿合唱的「Fool in love」、與Karencici共同製作的「I don’t want you no more」、年度婚禮歌首選「You & I」......等等。首首製作精良，預訂2020爆款流行單曲。 #漂亮蛻變翻玩潮格精品時尚 繼牛仔丹寧風豎立獨特時尚標籤之後，閻奕格美學品味再升級。專輯造型師特別幫閻奕格設計翻玩「奕格紅」（Eager Red）與「女紳士」（Miss Gentleman）兩個元素，開拓閻奕格時尚的趣味多面體。專輯裝幀形式的靈感來自於名牌精品服飾的精美包裝禮盒，並附贈「J格潮貼」貼紙系列供歌迷典藏。一起目擊下一位時尚界寵兒閻奕格的漂亮蛻變。

告别天马行空的《Lovely Sunday》，获得金曲奖的椅子乐团经历一次又一次的美好缘分，感受著身边单纯真挚的情感，带着珍惜的心情——第三张专辑《Real Love Is…》缓缓降落地表... 写给伙伴，写给家人，也写给追逐你的那个自己。一切奔跑的过程，都是爱呀。

我们常常祈求一个确切的状态，将自己准确地安放在世界的某个位置上，希望所有追逐的都尽收囊中，期待面对的问题与选择都有对应的答案。 然而我们所希望的、我们习以为常的、我们以为唾手可得的，忽然在某一刻，遁入了迷雾中。 那些人事物似乎很近，却逐渐远去，不知道什么时候又再次掉转方向来到我们面前，但没有人能确定，这是不是最终的...

本专辑创作制作历经了近三年时间，通过歌词及音乐的连续表达，用全部歌曲构成一个自创的神话故事。这是景德镇文艺复兴音乐创作上的里程碑式作品，也是以景德镇为题材的具有独特视角的原创音乐。我们坚信《云难》系列作品，会通过时间积累，在未来更显现出特有的艺术价值。

《浮世击 YELLOW FICTION》 专辑概念以章回式叙事法为三段章节，非线性铺陈并拼凑成完整宇宙观与故事线条，并翻玩经典电影Pulp Fiction，称作YELLOW FICTION，双关意义可解读为黄色书刊（低俗小说）。 中文正式名称为《浮世击》亦作浮世集，为总集三个篇章的寓言故事：都市病、马戏团、DDT。 「浮世」代表前两章都市病与马戏团，尘世间周而复始的奇文逸事，强调时间非线性，也象征音乐元素多元具世界观。 「击」代表第三章，呼应专辑最后一首歌《饥饿时代》最后一句歌词： tease me, feed me, kill me 字面象征的三个字分别为： 浮（腐）、世（噬）、击（击杀并重生，因死而生，周而复始，Life Is Circle） 如摔角技D.D.T. 深度死亡体验的强烈重击，最终章呼应首章都市病的主题意象做反思，生命自是一个回圈，用力死去的过程就是要你好好活着。 此”击”正好呼应了法国新浪潮电影楚浮的”四百击”之击字。

一片克萊因藍的海灘，天空與大海廣闊無邊界的深邃，捲曲赤裸的身軀，陳昇總用最真實坦然的自我創作，直面時代、反映當下社會生活，這份仍保有赤子之心的老練歡快，是一個天生的創作者的最佳狀態。 陳昇的作品向來有些「超前部署」的意味，寫的不是流行，而是能流傳、在適當時間爆發人們心中小宇宙的哲學魅力。積累三十多個年頭的藝術底蘊，他坦誠地提到：「近幾年很想什麼都不要，卻無法全部拋棄，所以留下最純粹、簡單，一生難忘的東西。」相較其他音樂人，陳昇有著把音樂寫成文學小說的能耐，並擅長即興錄音，一旦心中有了畫面，一班多年默契的老樂手，再找來音色各具性格的年輕音樂人阿洛、Super，最後用心心念念的伸縮喇叭貫穿遊走在歌曲之間，一兩個月間，一張風味分明、創作衝動保鮮質量極高的專輯就此誕生，整體背景有了一致性，也具有完整性，誠實反映了當下時代的產物。末日即是當有一天你不再自由了，麻木無感地生活著，那才是真正的末日。 專輯封面望眼一片飽和的克萊因藍，消融了現實景色與感官接收的邊界，人體不管從什麼角度看，都漂浮在其中，這個有哲學性的藍，來自過往陳昇深潛海底的記憶，抵達海面下一定的深度，光線逐漸減弱，映入眼底的是整片令人無法辨識方向的克萊因藍，身處在純粹絕對的藍色之中，身體生理性地升起慌張，卻也同時嘗試和這份恐慌共處，甚至有不想離開的迷戀，這是一次前所未有的經驗，彷彿連結起生命與生命之間的平衡共處，感知僅剩靈魂與身軀合一於當下的感受，那無法形容的奇特，無需言語，最單純的色彩才能喚起最強烈的心靈感受力。 絕妙的專輯英文名稱『Finale』，一個音樂或戲劇高潮性的結尾，戲暫告一段落，但回家路上在觀眾心中的迴音仍然繼續，另一場真實的人生正要開始。 《推薦歌曲》 末日遺緒 歌曲前奏鋼琴聲由弱增強，增添不安及戲劇感的氛圍如同災難片的開場，接著展開年邁老者與少女穿越時空的對話，像極了一場有去無回的愛情、世界與個人密不可分的共處共存亡；歌曲蘊留著真實樂器演奏的原味，以及音樂人的況味，在這場時時可能危及生命的末日戰爭，我們都要努力維護回憶、堅持所愛，不然就一無所有了。 鯨魚聊天 陳昇邀請老友蕭言中合唱其中兩首歌曲〈鯨魚聊天〉、〈像我們這樣的人〉，這是自1996《Summer》專輯的〈海豚阿德〉後，兩人再度正式錄音的合唱歌曲。錄音當天，蕭言中剛結束化療沒幾天，嗓子還是啞的，雖身體稍不適，但還是應老朋友前陣時日的邀約不食言地前來錄音室，兩人的絕佳默契不需多言，在錄製當下見招拆招、互補相惜。陳昇提到，鯨魚是非常有靈性的動物，也擁有著同類彼此才懂得的溝通頻率；讓蕭言中用一句話形容兩人的友情：「就是約好來搗亂這個世界的。」 歌曲一開始，如兩隻鯨魚正在海面下悠游，發出聲響，搭訕開講；〈鯨魚聊天〉同時是專輯曲序的最後一首歌，伸縮喇叭如柔軟的海浪一波一波起伏在樂句之間，兩人溫暖堅定地唱著：「最後不要忘記，一直到世界末日來臨，我也不會離開你。」 台三線 一首寫給台灣的昇式民謠情歌，溫暖真誠的吉他聲響起，帶著陽光暖意的微風吹拂經過身體。台灣很小，只有斜陽、稻浪、墓園、風吹，沿著不長的台三線，隨處即是美景；經過的旅人啊，歡迎你來作客，但請千萬不要破壞我的家園，一起來讚嘆她欣賞她吧，我最愛的這座小島—「台灣」。 像我們這樣的人 〈像我們這樣的人〉這首長達十分鐘陳昇特有結構思維的歌曲，是近年陳昇令人驚喜的作品之一，向來特立獨行的創作氣場，歌曲暗伏一波波迎面襲來的情感思緒，沒有過度激情的詮釋，但那歌詞字字傾吐坦蕩的告解、陳昇與蕭言中帶著反諷寓意的對白、兩人有一搭沒一搭的合唱、即興穿梭的伸縮喇叭樂音諷刺又悲傷，所有不合群的交錯線條，竟在音樂中得到了和解。 陳昇提到，這首歌長到他自己也聽得好煩，錄音時常會想跳過不檢查…因為音樂對他來說，就是當下發生的事情，表達一個人最原始狀態的快樂。

正式成軍於2018/09/27。 在多年的創作歷程及生活中，感受到土地與音樂之間密不可分的關聯性，於是近幾年內開始投入於以台語為根的音樂創作，並試著融合本土音樂、迷幻、搖滾樂。 透過製作人黃苡哲，開始學習並參考北管、歌仔戲、戲曲文化，故創作中我們大量使用台灣傳統樂器，如椰胡、洞簫、嗩吶、三弦、戲曲唱腔與鑼鼓，參考傳統音樂的上下句式與板撩節奏演算。希望能瞥見本土音樂與西洋音樂一仝進化的可能。 歌詞、音樂創作靈感來自於生活中的掙扎、輪迴、及再次的掙扎，試著看清、放下，然後整理，回到我們自己，然後，慢慢地將土地原生的美好重新放回音樂之中， 期許我們自己能讓更多人發現－傳統藝術並非枯燥、本土文化亦不乏味。 期許這個音樂團隊能喚醒站在這片土地、血液裡的老靈魂，然後與每位聽眾一同邁出新的步伐。

EP "Can You Hear The Whistle Blow" is a brave attempt to express the connection between people and self by the band Default. After experiencing the replacement of members, the band is constantly changing itself. From the rustic guitar of American folk songs to the bizarre cosmic pulse, they have all become the expressions in this EP. You can find the romantic but heart-wrenching evening breeze in the summer night, the whispers drifting in the universe, the whistleblowing when the comet moves across the night sky, and the chaotic and bright souls through these works. credits released August 20, 2020 Vocal / Guitar: Eric Vocal / Synth: Edine Bass: E Drum / Sample: Looper Lyrics 作词：Eric, Edine Compose 作曲：Eric, Edine Arrangement 编曲：缺省 Default Producer 制作人：郭扬 Recording Engineering 录音工程：尹冲 Recording Studio 录音棚：@百花录音棚 Vocal Recording Studio: 人声录音棚：Sync Studio Mixing Engineering 混音工程：Eric Mastering Engineering 母带工程：时俊峰 Album Artworks Design 视觉设计：李一杰 YiJiee Cover Illustration: 李一智 Special Thanks 特别致谢：果基尔足（打击乐）、文兆杰（和声）、魏淼（Sax录制）、AJ、温达

珀耳塞福涅与她的凯洛斯 夜晚与河流咏唱着地府的爱， 但在城市和白昼秩序的破坏者看来， 它们只是对于死亡的无力争辩。 ——奥登《凯洛斯*和逻各斯》 *凯洛斯（kairos）意为“正确的时刻”、完成的时间“，着重指明时间的性质，在这个时间点上促使一个行为可能或不可能，因此也可译为“时机”或“契机”。 在经历逻各斯凝视下生死虚实交替的无数个黄昏后，我们随凯洛斯潜入了最浓重的夜晚。珀耳塞福涅正坐在她的椅子上，其脸庞隐匿在黑夜的面纱下难辨形容。我们不知道此刻所处的时间和地点，不知道所处在的季节，我们只能等待黑夜散去。我们可以想象，这不会是一个永夜，当光照射进来时她的神情会告诉我们一切。 上张专辑Evening Sitdown Vision概念文案的结尾处引用了博尔赫斯《永生》中的一段话，对于当时而言，“永生者”大致是指永恒轮回的黄昏下片刻之物所能象征的精神永恒。而在《珀耳塞福涅的四季》中，“永生者”便是永生的女神和永恒轮回的四季，以及两个短暂时刻所导致的永恒： 第一个时刻 就在珀耳塞福涅的手碰上花茎的时候，大地突然迸裂，冥王哈德斯乘着黑马拉的金车自地底飞奔而出。他抓住珀耳塞福涅来不及收回的手，将她掠到了车上，顷刻间又驶回了地下。 ——古斯塔夫•斯威布《希腊神话》 第二个时刻 且说朱庇特这时很为难，一面是兄弟，一面是伤心的妹妹，于是他就把轮转着的一年分为两半。普洛塞庇娜（即珀耳塞福涅）就分掌天地两界：半年和母亲过，半年和丈夫在一起。立刻她的心情和面容都改变了。本来在丈夫面前是愁眉苦脸的，现在已是笑逐颜开，像是乌云遮盖的太阳，当云散以后，又露出了阳光。 ——奥维德《变形记》 跟随这两个时刻，本专辑由“凯洛斯”所划分的春夏/秋冬展开，正如封面和珀耳塞福涅时间所示，专辑内曲目的反差较前作更为明显，却不简单地由情绪上的“轻”或“重”来划分，如同快乐或悲伤的时刻都可能存在别样的内核。开篇（也是开春）的《凯洛斯Part I》与上张终曲《刻意留白》达成了 “刻意地”延伸与呼应，它和《凯洛斯Part II》 也分别是乐队其中两位成员各自对“凯洛斯”最主观的阐释；随后的《Circular Ward》和《Red Room Omen》是两个相关联的房间，它们也是前文 “随凯洛斯潜入了最浓重的夜晚”其夜晚所指；入秋的《A Full Void》带着秋的怅然，但实质上所探寻的时间真相却是“无时间”的；《Say to Me》和《Detach》则像是漫长的冬夜；最后，凛冬中的绝望被日渐温暖的曙光（《词与雾》）抚平了，珀耳塞福涅的笑容马上就将再度浮现。由此，一个闭环——四季的永恒轮回形成了。

EP叫《维他命D》，因为写这四首歌的时候我们正缺，宇航员在宇宙中也容易缺。我们一边补维他命D一边像宇航员一样漂浮在自己的颅内宇宙中，打磨这块属于我们自己的2020太空漫游黑石。对于表情银行来说这绝对是一张特别的EP，里面存满了特殊日子里的特殊表情。这段日子里我们虽然缺维他命D但超级不缺时间，所以四首歌每个角落都翻来覆去地思考打磨过，希望你们能得到一些惊喜。

Last week, Nicolas Jaar signalled that Against All Logic had performed a hard left turn, releasing an onslaught of a mix and an EP that made the older, warmer version of the project seem outmoded. Even so, the power and violence of 2017 - 2019, this new LP, is shocking. "Because if you can't beat 'em, kill 'em / If you can't kill 'em, fuck 'em," growls Lydia Lunch on "If You Can't Do It Good, Do It Hard." A booming electro rhythm re-enters and she catches the beat, chanting the track's title as if playing drill sergeant. Jaar has frequently asked that we move our bodies to his music, but never in this way. This is straight-up fight music. 2017 - 2019 isn't quite this lairy elsewhere, but most of it is jagged, hard-hitting and seriously over-driven. The change has Jaar sounding artistically replenished. Some time away has maybe heightened the album's impact. Jaar's last major release was in February 2018, the Against All Logic album 2012 - 2017, where feel-good, sample-driven house, soul and disco were the prevailing moods. At the time, Andrew Ryce used words like "pastiche" and "generic" in a review, confirming the feeling that we'd come to expect, or even demand, a level of innovation from Jaar. He's an artist who, since getting his break as a teenager, had become a headline act off the back of strange, singular and often downbeat music. This seemed to stem from an uncommon curiosity. Away from the main tides of the international music scene these past couple years, Jaar has pursued a dizzying array of projects, including an artist residency at Het HEM in Amsterdam, a soundtrack for the famed Chilean filmmaker Pablo Larraín, and principal production work on the incredible FKA twigs album MAGDALENE. What appeared to plenty of people as a time of inactivity was, it seems, an intense period of creative development. That Beyoncé is the first voice we hear on 2017 - 2019 is instructive of the bold new direction. Hers and Sean Paul's vocals are lifted from "Baby Boy" and layered over a crackling broken beat, an uncanny string-like instrument and inviting synth chords. A sample of Luther Ingram's 1972 soul song "(If Loving You Is Wrong) I Don't Want to Be Right" appears on track two, a degraded house cut, thus establishing a template of sorts: 2017 - 2019 is an album of stylistic leaps, radiant melodies, difficult-to-place sounds and red herrings. Back-to-back opening tracks with instantly recognisable sample flips, for example, sets up an expectation of many more to follow. Instead, there are none. That is unless you can spot the source of the hip-hop loop on "With An Addict." Jaar casually filters it into the arrangement to create a half-time contrast with the main drums, a rolling footwork/jungle-style pattern that features percussion reminiscent of the "Apache" break. The poignant, daybreak melody caps a track that bundles the album's strongest qualities. The stylistic leaps I mentioned are actually a bit of an audio illusion later in the album. Perhaps you could describe "Alarm," "Deeeeeeefers" "Faith" and "Penny," which appear consecutively, as all being house and/or techno. Each features a four-on-the-floor kick pattern and is made for the dance floor. But there's a significant scope of differences and ideas between them. The two-minute-long breakdown/build in "Deeeeeeefers" might be dismissed by some EDM artists as being OTT, with Jaar ballooning his damaged synth lines until the whole thing plops back into place as though nothing has happened. "Faith," on which he flexes the choral range of his voice, could have been signed to Innversions were it not so weird. The fantastic "Penny," meanwhile, is a 142-BPM techno track that less dogmatic DJs should be into—its chargrilled timbre, matched with groovy percussion and emotive melodies, is unlike most modern techno productions. Along with the buckled drum cut "Alarm," these tracks seem to gain inspiration from the subversion of templates that in the past Jaar himself has worked with. All of which returns us to the idea of replenishment. The military man on the record's artwork, the copious levels of distortion, the brazen use of samples, the warping of genre tropes—on the surface it all feels like a "fuck you," perhaps at the state of things, perhaps at Jaar's own artistic history. If there is anger here, though, it's complicated, and it's almost always offset by hope or damaged beauty. Perhaps, instead, the noise is an alternate means of expressing something that before found a different form in Jaar's music. The hazy peculiarity of the past is now manifested in different materials and through some force. Maybe it's an idea to consider during the record's only moment of relative calm: "You (Forever)," the closer. The tender vibe here is reminiscent of Space Is Only Noise, the 2011 album that established his name, but the sounds are of a far-off time and culture. A decent sign of an artist evolving, in other words.

舌头乐队2020年全新专辑《怎么能够说我爱你》6月发售，6月1日舌头乐队公众号预售。

这种谨小慎微的音乐是在春节前的某些日子偷摸的自己组织起来的，他们从机器的躯干中脱颖而出，附和在粘稠又荒谬的数学粥里。他们像这个世界一样，总是自我的展开，自我的消灭。他们像这个世界一样，若是只从某几个角度观察，呈现的总是基础的乏味，但若是摒弃掉些成见，却发现我们自私的大脑并无能处理其中的整体性，于是也仅剩下一滩乏味的死水。这滩死水不是普通的死水，而是似水流年。他们有时快，有时慢，有时打的措手不及，有时却迟钝的像是山谷里的鼾声。于是我们坐上时间的过山车，任凭它翻腾着，任凭它把心吊起来又放下，吊起来又放下。 无论如何，这些谨小慎微的音乐的确自己组织起来了，他们似乎只是调皮而已，踩在其他音乐（的尸体）上蹦跳。的确，对这些自知乏味的，自在的小幽灵来说，其他种类的乏味难道和尸体有什么区别吗？ 仅将这些音乐献给我们的朋友，一些生活中的乐趣，是的，他已经暂时坐上了回乡的列车，仅仅由于一些新朋友的到来。

★時代雜誌冊封「最有影響力青少年」美麗少年 特洛伊2020年全新迷你專輯矚目登場 ★收錄2千萬次串流、多國歌詞翻譯話題神作“Take Yourself Home”、最新主“Easy”等6首最新創作 美麗少年 特洛伊Troye Sivan的歌聲，讓同樣在今年釋出全新專輯的樂壇首席天后Taylor Swift，以及被譽為21世紀最偉大女歌手之一的Adele，都曾經讚譽有加，奠定了他在樂壇出道的穩固根基；曾獲時代雜誌冊封「25大具有影響力青少年」，並多次拿下MTV大獎、Teen Choice獎、ARIA音樂大獎，如今他帶著全新的音樂歸來，預備再次綻放最美麗的旋律與節奏。 現年25歲的Troye Sivan，在2006年時正式出道，跨足歌壇影壇的他，可說是新生代最多才多藝的新星之一，藉由專輯【Blue Neighbourhood】、【Bloom】，以及【Dare to Dream】、【June Haverly】、【TRXYE】、【Wild】等EP，Troye Sivan累積可觀的專輯和單曲銷售，並且在YouTube擁有超過12億次的觀看，Spotify更突破20億次串流，除此之外，Troye Sivan還坐擁2座ARIA音樂大獎、2座GLAAD Media Awards大獎、3座MTV音樂大獎、1座Teen Choice Awards大獎，在當代的同輩歌手中，可說是極為優秀和傑出。2018年釋出【Bloom】之後，Troye Sivan的音樂視野越來越廣闊，但同時他也進入自我探尋的道路之中，成名後的生活、LGBTQ的奮鬥，種種生命中的大事不斷衝擊著Troye Sivan，這些不只增進了他的音樂養分，同時也讓他對於人生有不同的體悟，針對全新的作品他曾表示，這將會是一張「概念式」的迷你專輯，他說：「這個故事並沒有完結，它還在繼續發展，這些集結起來的歌曲，代表我在探索生命中的各種面向，其中有充滿情緒起伏的時期，為我帶來了各種新奇的體驗。重新審視這些歌曲以及歌曲當下的情境，對我來說有點艱難，但我對於這些創作出的作品感到非常驕傲，同時也對於要向世界發表這些歌曲感到興奮」。等待了2年Troye Sivan交出了全新迷你專輯【In A Dream】。 【In A Dream】請到了瑞典天王製作人OzGo(Taylor Swift、Maroon 5、DNCE、Britney Spears)，以及加州新銳製作人Teo Halm(【The Lion King: The Gift】原聲帶歌曲、Omar Apollo、IDK)等兩人，聯手為Troye Sivan操刀；開場歌曲"Take Yourself Home"，在Spotify寫下近3000萬次串流，並榮登澳洲與紐西蘭排行，除此之外，還被翻譯成高達9種語言，在世界各國廣為流傳；擁有YouTube上近500萬次觀看、Spotify超過1400萬刺串流的"Easy"，可說是迷你專輯內的超級亮點，帶有80年代復古興味和Troye Sivan專屬的調性，打造出一首極為優異的傑作；步調緩慢輕柔的"Rager Teenager!"，解密Troye Sivan內心的獨白，在各種美好的想像與現實衝突中，碰撞出這首讓人感動萬分的歌曲，而以自拍形式構成的MV，更是增添了一份親切感和真實感，讓人體會道Troye Sivan的獨特溫柔。